Edukacja artystyczna w Stanach Zjednoczonych - Art education in the United States

Główne artykuły: edukacja artystyczna i sztuki wizualne Stanów Zjednoczonych
Klasa sztuki dla dorosłych w Brooklyn Museum w 1935 roku.
Ten artykuł jest częścią serii poświęconej
Edukacja w
Stanach Zjednoczonych
Streszczenie
Zagadnienia
Poziomy edukacji
Dyplom ikona.png Portal edukacyjny Portal Stanów Zjednoczonych
Flaga Stanów Zjednoczonych.svg 

Edukacja artystyczna w Stanach Zjednoczonych odzwierciedla społeczne wartości kultury amerykańskiej . Przyuczanie do zawodu było kiedyś normą i głównym sensem, jednak wraz z demokratyzacją edukacji, szczególnie promowaną przez filozofa edukacji Johna Deweya , możliwości znacznie się powiększyły. Elliot Eisner był wpływowym orędownikiem dobrodziejstw sztuki w szkołach.

Zapisy na zajęcia artystyczne na poziomie fakultatywnym w liceum osiągnęły szczyt pod koniec lat 60. i na początku lat 70., w tym okresie kładziono nacisk na osoby wyrażające wyjątkowość. Obecnie „ szkoły magnesu artystycznego ”, dostępne w wielu większych społecznościach, wykorzystują sztukę jako główny lub leżący u podstaw temat, aby przyciągnąć uczniów motywowanych osobistym zainteresowaniem lub zamiarem zostania profesjonalnym lub komercyjnym artystą. Powszechnie mówi się, że w związku z cięciami budżetowymi w połączeniu z coraz częstszymi ocenami dzieci w oparciu o testy, czego wymaga ustawa rządu federalnego No Child Left Behind (NCLB) zabrania się nauki sztuk pięknych w szkole . NCLB zachowuje sztukę jako część „podstawy programowej” dla wszystkich szkół, nie wymaga raportowania o czasie nauczania ani danych dotyczących oceny treści w zakresie edukacji artystycznej lub standardów wydajności, co jest często przytaczanym powodem zaniku lub możliwego zaniku edukacji artystycznej w amerykańskich szkołach publicznych.

Ruch Studiów Obrazowych, przed 1930

Uznanie sztuki w Ameryce przyspieszyło wraz z „ruchem badania obrazu” pod koniec XIX wieku. Ruch zaczął zanikać pod koniec lat dwudziestych. Studia obrazkowe były ważną częścią programu edukacji artystycznej. Dbałość o estetykę w klasach doprowadziła do zainteresowania opinii publicznej upiększaniem szkoły, domu i społeczności, co było znane jako „Sztuka w codziennym życiu”. Ideą było przybliżenie dziecku kultury, aby zmienić rodziców.

Badanie obrazów było możliwe dzięki ulepszonym technologiom reprodukcji obrazów, rosnącemu publicznemu zainteresowaniu sztuką, postępowemu ruchowi w edukacji i rosnącej liczbie dzieci imigrantów, które były bardziej wykształcone wizualnie niż w języku angielskim. Rodzaj sztuki zawarty w programie nauczania był od renesansu, ale nie nauczano niczego uważanego za „sztukę współczesną”. Często nauczyciele wybierali obrazy, które miały przesłanie moralne. Wynika to z tego, że głównym czynnikiem rozwoju estetyki jako przedmiotu był jej związek z edukacją moralną nowych obywateli w związku z napływem imigrantów w tym okresie. Estetyka i arcydzieła sztuki były częścią popularnej idei kultury własnej, a moralistyczna reakcja na dzieło sztuki była w zakresie możliwości nauczyciela, który często nie miał wykształcenia artystycznego, aby omawiać formalne cechy dzieła sztuki.

Typowa lekcja Picture Study wyglądała następująco: Nauczyciele kupowali na przykład materiały z serii Perry Picture Series. Jest to podobne do gotowego programu nauczania, który mamy dzisiaj. Materiały te obejmowały zdjęcie nauczyciela, które było większe, aby klasa mogła na nie patrzeć razem, a następnie mniejszą reprodukcję, około 2 ” na 2” dla każdego dziecka, aby mogło na nie patrzeć. Były one zazwyczaj czarno-białe lub w odcieniach sepii. Dzieci często zbierały te karty i wymieniały się nimi podobnie jak współczesne karty baseballowe. Nauczyciel przekazywałby uczniom pewną ilość informacji o obrazie i artyście, który go stworzył, np. zawartość reprezentacyjną obrazu, statystyki życiowe artysty i kilka biografii artysty. Wszystkie zostały zawarte w materiałach, aby niewykwalifikowany nauczyciel mógł nadal prezentować informacje swojej klasie. Następnie nauczyciel zadawał kilka pytań do dyskusji. Czasami w materiałach umieszczano sugestie dotyczące językowych projektów artystycznych lub zajęć studyjnych.

Ruch studiów nad obrazami wymarł pod koniec lat dwudziestych w wyniku nowych pomysłów dotyczących uczenia się doceniania sztuki poprzez pracę w studio, które stały się bardziej popularne w Stanach Zjednoczonych .

Od II wojny światowej

Od II wojny światowej kształcenie artystów stało się obowiązkiem szkół wyższych i uniwersytetów, a sztuka współczesna stała się coraz bardziej akademicką i intelektualną dziedziną. Przed II wojną światową artysta nie potrzebował dyplomu college'u. Od tego czasu licencjat sztuk pięknych, a następnie magister sztuk pięknych, stali się rekomendowanymi stopniami zawodowymi artysty, co ułatwiło „przejście ustawy GI w 1944 r., która wysłała falę weteranów II wojny światowej do szkoły, szkoła artystyczna szybko się rozwinęła. Artyści amerykańscy, którzy mogli kiedyś studiować w artystycznych szkołach rzemieślniczych, takich jak Art Students League jako Jackson Pollock , Mark Rothko , Helen Frankenthaler , Robert Rauschenberg , Lee Bontecou , Al Held , Eva Hesse , Roy Lichtenstein , Donald Judd , James Rosenquist , Cy Twombly i setki innych lub Black Mountain College , jak John Chamberlain , Kenneth Noland , Robert Rauschenberg i inni lub Hans Hofmann School of Art w Greenwich Village , której uczniami byli między innymi Joan Mitchell , Między innymi Helen Frankenthaler , Lee Krasner i Larry Rivers zaczęli pisać się na uniwersytety.W latach 60. w The School of Visual Arts , Pratt Institute i Cooper Union w Nowym Jorku i inne szkoły artystyczne w całym kraju, takie jak Kansas City Art Institute , San Francisco Art Institute , School of the Art Institute of Chicago i School of the Museum of Fine Arts w Bostonie , a także Princeton i Yale stały się wiodącymi amerykańskimi akademiami sztuki; jego alums zawarte Roxy Paine , Robert Mapplethorpe , Beverly Pepper , Lee Krasner , RB Kitaj , Sylvia Plimack Mangold , Elizabeth Peyton , Joseph Kosuth , Dan Christensen , Peter Reginato , Robert Graham , Michael Heizer , Ronald Davis , Karen Finley , Jason Rhoades , Ronnie Landfield , Elizabeth Murray , Claes Oldenburg , Leon Golub , Jeff Koons , Joan Jonas , Ellsworth Kelly , Larry Poons , Frank Stella , Michael Fried , Walter Darby Bannard , Chuck Close , Brice Marden , Richard Serra , Eva Hesse , Jennifer Bartlett , John Currin . , oraz Robert Mangold , co sprawia, że ​​wydaje się, że każdy modny artysta w Nowym Jorku musi mieć dyplom ukończenia college'u lub dyplom z Ivy League”. Trend ten rozprzestrzenił się ze Stanów Zjednoczonych na cały świat.

Obecnie doktorat ze sztuki studyjnej jest przedmiotem dyskusji jako nowy standard jako końcowy stopień w dziedzinie sztuki. Chociaż w 2008 r. istnieją tylko dwa programy w Stanach Zjednoczonych oferujące doktorat w dziedzinie sztuki studyjnej, „10 uniwersytetów oferuje studia w Australii i jest to wszechobecne w Wielkiej Brytanii, Skandynawii, Holandii i innych krajach. w Malezji”. Jak James Elkins, przewodniczący wydziału historii sztuki, teorii i krytyki w School of Art Institute of Chicago, jak również przewodniczący wydziału historii sztuki na Uniwersytecie w Cork w Irlandii napisał w Art in America " W latach 60. MSZ było wszechobecne, teraz MSZ jest powszechne, a doktorat ma zająć jego miejsce jako podstawowy wymóg w pracy dydaktycznej”. Dotyczy to stanowisk dydaktycznych w pracowni artystycznej na poziomie uczelni. Doktorat od wielu lat jest standardowym wymogiem bycia profesorem edukacji artystycznej. W swojej nadchodzącej książce Artists with PhD's , James Elkins (krytyk sztuki) przedstawia opinię, że doktorat stanie się nowym standardem i oferuje tę książkę jako źródło do oceny tych programów i tworzenia przyszłych programów. Jednak College Art Association nadal uznaje MSZ za stopień końcowy, stwierdzając: „W tej chwili niewiele instytucji w Stanach Zjednoczonych oferuje stopień doktora w dziedzinie sztuki studyjnej i nie wydaje się, aby był to trend, który będzie kontynuowany lub rozwijany, lub że doktor zastąpi MSZ”.

Dyscyplinarna edukacja artystyczna na początku lat 80.

Edukacja artystyczna oparta na dyscyplinie (DBAE) to program edukacyjny opracowany przez J. Paul Getty Trust na początku lat 80. XX wieku. DBAE wspiera mniejszy nacisk na nauczanie studyjne, a zamiast tego promuje edukację w czterech dyscyplinach sztuki: estetyka, krytyka sztuki, historia sztuki i produkcja sztuki. Zachowuje silny związek z instruktażem studyjnym, z naciskiem na technikę.

Wśród celów DBAE jest ujednolicenie edukacji artystycznej z innymi dyscyplinami akademickimi oraz stworzenie znormalizowanych ram oceny. Został opracowany specjalnie dla klas K-12, ale został wprowadzony na innych poziomach edukacji. DBAE opowiada się za nauczaniem sztuki przez certyfikowanych nauczycieli i że „edukacja artystyczna jest przeznaczona dla wszystkich uczniów, a nie tylko tych, którzy wykazują talent do tworzenia sztuki”.

Krytyka DBAE jest wyrażana przez postmodernistycznych teoretyków, którzy opowiadają się za bardziej pluralistycznym spojrzeniem na sztukę i włączeniem różnorodnych punktów widzenia, które mogą nie być uwzględnione w standardowym programie nauczania.

Historia przepisów dotyczących edukacji artystycznej

W latach 70. przepisy dotyczące sztuki w edukacji były ograniczone w gestii poszczególnych stanów. Lokalne szkoły, rady szkolne i okręgi były głównymi aktorami decydującymi o zapewnieniu edukacji artystycznej. Tam, gdzie oferowano edukację artystyczną, obejmowała ona oparte na ekspozycji doświadczenia z organizacjami kulturalnymi poza szkołą i nie była włączona do programu nauczania w klasie. W ciągu następnych kilku dekad cięcia budżetowe w wyniku kryzysów fiskalnych mocno ograniczyły szkolne budżety do tego stopnia, że ​​zasadniczo zlikwidowano stanowiska dla nauczycieli sztuki, aby zachować podstawowe przedmioty. W tym czasie sztuki były postrzegane jako nieistotne dla rozwoju krytycznego myślenia i nie istniał standardowy program nauczania sztuki w szkołach publicznych. W związku z tym w latach 80. i 90. przepisy były nieliczne, jeśli w ogóle w ogóle.

Jednak znaczenie edukacji artystycznej ujawniło się, gdy dane wykazały poprawę wyników w nauce oraz korzyści społeczno-emocjonalne i społeczno-kulturowe, wśród innych pozytywnych efektów, wynikających z stymulującego charakteru sztuki. Kluczowymi graczami w promowaniu i zapewnianiu edukacji artystycznej była mieszanka podmiotów publicznych (szkoły, agencje rządowe itp.), organizacji prywatnych i domów kultury.

Temu rosnącemu uznaniu znaczenia edukacji artystycznej towarzyszył spadek oferty na początku XXI wieku. Wraz z wdrożeniem NCLB, szkoły publiczne nadały priorytet realizacji celów rozwojowych w zakresie Academic Performance Index (API), zmniejszając nacisk na przedmioty inne niż podstawowe. Na przykład w kalifornijskich szkołach publicznych, podczas gdy liczba uczniów wzrosła o 5,8% od 1999 do 2004 r., edukacja muzyczna spadła o 50% w tym samym 5-letnim okresie. Na poziomie krajowym dane z ankiety na temat udziału społeczeństwa w sztuce (SPAAs) wykazały, że w 2008 r. osoby w wieku 18-24 lata miały mniejsze prawdopodobieństwo zdobycia wykształcenia artystycznego niż w 1982 r. Niskie dochody i słabe wyniki szkoły publiczne nieproporcjonalnie zmagały się z tym spadkiem, a afroamerykańscy i latynoscy uczniowie mają ogólnie mniejszy dostęp do sztuki w porównaniu z ich białymi odpowiednikami.

Te odkrycia drastycznego spadku oferty edukacji artystycznej pobudziły wysiłki na rzecz reinwestycji. NEA zadeklarowała cele, w tym maksymalizację wpływu inwestycji, współpracę z lokalną edukacją na różnych szczeblach administracji oraz oferowanie wskazówek i wsparcia przywódczego w zakresie edukacji artystycznej.

Obecnie finansowanie edukacji w Stanach Zjednoczonych pochodzi z trzech poziomów; poziom lokalny, stanowy i federalny. Cały system edukacji jest trzymany w rękach sektora publicznego w celu kontroli i uniknięcia niewłaściwego postępowania. Niedawno Departament Edukacji Stanów Zjednoczonych zaczął przyznawać granty na rozwój i rozpowszechnianie modeli w dziedzinie sztuki w edukacji, aby wspierać organizacje mające doświadczenie w dziedzinie sztuki w opracowywaniu programów artystycznych, które pomagają uczniom lepiej zrozumieć i zachować informacje akademickie. Jeden z takich modeli edukacji został stworzony w 2006 roku przez Storytellers Inc. i ArtsTech (dawniej Pan-Educational Institute). Program i metoda nauki nosi tytuł AXIS.

Organizacje krajowe

National Endowment for the Arts (NEA) jest jedną z wielu uznanych w całym kraju organizacji promujących edukację artystyczną w Stanach Zjednoczonych. Od momentu powstania w 1965 r. NEA prowadzi starania na rzecz integracji sztuki jako części podstawowej edukacji dla wszystkich uczniów szkół podstawowych i średnich. Wysiłki te obejmują współpracę w ramach stanowych, federalnych i publiczno-prywatnych partnerstw w celu pozyskiwania i zapewniania funduszy oraz dotacji na programy w zakresie edukacji artystycznej. W roku podatkowym 2008 NEA przyznała ponad 200 dotacji na łączną kwotę 6,7 miliona dolarów programom, które umożliwiają uczniom angażowanie się i uczestniczenie w nauce z wykwalifikowanymi artystami i nauczycielami. NEA zainicjowała szereg innych partnerstw i inicjatyw w zakresie edukacji artystycznej, które obejmują:

  • Partnerstwo na rzecz Edukacji Artystycznej (AEP) AEP zwołuje fora, na których omawiane są tematy związane z edukacją artystyczną, publikuje materiały badawcze wspierające rolę edukacji artystycznej w szkołach oraz jest centrum informacyjnym materiałów źródłowych dotyczących edukacji artystycznej.
  • Strategiczny Narodowy Projekt Absolwentów Sztuki (SNAAP) to ciągły system ankiet online, który będzie gromadził, śledził i rozpowszechniał dane na temat absolwentów, a także pomoże instytucjom lepiej zrozumieć, w jaki sposób uczniowie wykorzystują szkolenia artystyczne w swojej karierze i innych aspektach życia.
  • Instytut Liderów Edukacji NEA (ELI) zwołuje kluczowych decydentów w celu poprawy jakości i ilości edukacji artystycznej na poziomie stanowym. Każdy instytut gromadzi zespoły dyrektorów szkół, ustawodawców, decydentów, pedagogów, profesjonalnych artystów, konsultantów i naukowców z maksymalnie pięciu stanów, aby omówić wspólne wyzwanie związane z edukacją artystyczną i zaangażować się w planowanie strategiczne w celu rozwoju edukacji artystycznej w swoich stanach.

Istnieje wiele innych krajowych organizacji promujących edukację artystyczną w Stanach Zjednoczonych. Należą do nich Americans for the Arts, w którym występują duże projekty, takie jak The Arts. Zapytaj o więcej. ogólnopolska kampania uświadamiająca na temat edukacji artystycznej, Stowarzyszenie na rzecz Rozwoju Edukacji Artystycznej, College Art Association ; oraz Krajowe Stowarzyszenie Edukacji Artystycznej .

Integracja sztuki

Główny artykuł: Integracja sztuki

Integracja sztuki to kolejny i/lub alternatywny sposób nauczania przedmiotów artystycznych w szkołach. Integracja sztuki to łączenie sztuk wizualnych i/lub sztuk scenicznych i włączanie ich do codziennego programu nauczania w klasach. Uczenie się na różne sposoby pozwala uczniom korzystać z ośmiu inteligencji wielorakich opisanych przez teoretyka Howarda Gardnera w jego Frames of Mind: Theory of Multiple Intelligences . Osiem inteligencji wielorakich obejmuje inteligencję cielesno-kinestetyczną, intrapersonalną, interpersonalną, językową, logiczno-matematyczną, muzyczną, naturalistyczną i przestrzenną. Integracja sztuki jest szczególnie ważna dzisiaj, gdy niektóre szkoły nie prowadzą już lub nie prowadzą małych programów edukacji artystycznej z powodu znacznych cięć budżetowych, w tym umowy o budżecie federalnym, która w 2011 r. pochłonęła 12,5 miliona dolarów od NEA, największego publicznego finansującego sztukę w Stanach Zjednoczonych.

Integracja sztuk na wspólnych podstawowych przedmiotów tworzy pozytywne akademickie i społeczne skutki dla studentów. Włączenie sztuki do zajęć to świetny sposób na zaangażowanie uczniów, którzy w innym przypadku nie są zainteresowani wspólną podstawą programową. Ponadto integracja artystyczna wyjątkowo silnie wpływa na uczniów znajdujących się w niekorzystnej sytuacji i zagrożonych. Integracja sztuki pomaga tym uczniom w klasie, poprawiając ich zdolność do ćwiczenia skutecznej komunikacji, dając im lepsze podejście do szkoły, zmniejszając częstotliwość niewłaściwych zachowań w klasie i zwiększając ich ogólne zdolności akademickie.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki

Przewodniki po bibliotekach