Robert Rauschenberg - Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (1968).jpg
Rauschenberga w 1968 r.
Urodzić się
Milton Ernest Rauschenberg

( 22.10.1925 )22 października 1925
Zmarł 12 maja 2008 (2008-05-12)(w wieku 82)
Edukacja Kansas City Art Institute
Académie Julian
Black Mountain College
Art Students League of New York
Znany z Zmontowanie
Wybitna praca
Kanion (1959)
Monogram (1959)
Ruch Neodada , abstrakcyjny ekspresjonizm
Małżonkowie
( M.  1950; Gr.  1953)
Nagrody Światowa Nagroda Sztuki im. Leonarda da Vinci (1995)
Praemium Imperiale (1998)

Milton ErnestRobertRauschenberg (22 października 1925 – 12 maja 2008) był amerykańskim malarzem i grafikiem, którego wczesne prace antycypowały ruch pop-artu . Rauschenberg jest dobrze znany ze swoich Combines (1954–1964), grupy dzieł, które wykorzystywały przedmioty codziennego użytku jako materiały artystyczne i zacierały różnice między malarstwem a rzeźbą. Rauschenberg był zarówno malarzem, jak i rzeźbiarzem, ale zajmował się również fotografią , grafiką , papiernictwem i performansem.

W swojej blisko 60-letniej karierze artystycznej Rauschenberg otrzymał liczne nagrody. Do najbardziej znanych należą Międzynarodowa Nagroda Główna w Malarstwie na 32. Biennale w Wenecji w 1964 roku oraz Narodowy Medal Sztuki w 1993 roku.

Rauschenberg mieszkał i pracował w Nowym Jorku i na wyspie Captiva na Florydzie , aż do swojej śmierci 12 maja 2008 roku.

życie i kariera

Rauschenberg urodził się jako Milton Ernest Rauschenberg w Port Arthur w Teksasie jako syn Dory Carolina (z domu Matson) i Ernesta R. Rauschenberga. Jego ojciec był pochodzenia niemieckiego i Cherokee, a matka holenderskiego pochodzenia. Jego ojciec pracował dla Gulf States Utilities, firmy zajmującej się oświetleniem i energią. Jego rodzice byli fundamentalistycznymi chrześcijanami . Miał młodszą siostrę Janet Begneaud.

W wieku 18 lat Rauschenberg został przyjęty na University of Texas w Austin, gdzie zaczął studiować farmakologię , ale wkrótce po tym zrezygnował ze względu na trudności w nauce – nie zdając sobie w tym momencie sprawy z dysleksji – oraz z powodu niechęci do przeprowadzania sekcji. żaba w klasie biologii. Został powołany do służby w Marynarce Wojennej Stanów Zjednoczonych w 1944 roku. Mieszkał w Kalifornii i służył jako technik neuropsychiatryczny w szpitalu Marynarki Wojennej aż do zwolnienia w 1945 lub 1946 roku.

Następnie Rauschenberg studiował w Instytucie Sztuki Kansas City i Académie Julian w Paryżu, gdzie poznał studentkę sztuki Susan Weil . W 1948 roku Rauschenberg dołączył do Weila, zapisując się do Black Mountain College w Północnej Karolinie.

W Black Mountain Rauschenberg odszukał Josefa Albersa , założyciela Bauhausu w Niemczech, o którym czytał w sierpniowym numerze magazynu Time z 1948 roku . Miał nadzieję, że rygorystyczne metody nauczania Albersa ograniczą jego nawykowe niechlujstwo. Wstępne kursy projektowania Albersa opierały się na ścisłej dyscyplinie, która nie pozwalała na żadne „bez wpływu eksperymenty”.

Rauschenberg stał się, jak sam powiedział, "ołem Albersa, wybitnym przykładem tego, o czym nie mówił". Chociaż Rauschenberg uważał Albersa za swojego najważniejszego nauczyciela, bardziej zgodną wrażliwość odnalazł w Johnie Cage , uznanym kompozytorze muzyki awangardowej. Podobnie jak Rauschenberg, Cage odszedł od dyscyplinujących nauk swojego instruktora, Arnolda Schönberga , na rzecz bardziej eksperymentalnego podejścia do muzyki. Cage zapewnił Rauschenbergowi bardzo potrzebne wsparcie i zachętę w pierwszych latach jego kariery, a obaj pozostali przyjaciółmi i współpracownikami artystycznymi przez dziesięciolecia.

Od 1949 do 1952 Rauschenberg studiował u Vaclava Vytlacila i Morrisa Kantora w Art Students League w Nowym Jorku , gdzie poznał kolegów artystów Knoxa Martina i Cy Twombly'ego .

Rauschenberg poślubił Susan Weil latem 1950 roku w rodzinnym domu Weilów na Outer Island w Connecticut. Ich jedyne dziecko, Christopher, urodziło się 16 lipca 1951. Oboje rozstali się w czerwcu 1952 i rozwiedli się w 1953. Następnie Rauschenberg miał romantyczne relacje z innymi artystami Cy Twombly i Jasperem Johnsem . Jego partnerem przez ostatnie 25 lat życia był artysta Darryl Pottorf, jego były asystent.

W latach 70. przeprowadził się do NoHo na Manhattanie w Nowym Jorku.

Rauschenberg nabył Beach House, swoją pierwszą nieruchomość na wyspie Captiva , 26 lipca 1968 r. Jednak nieruchomość stała się jego stałą rezydencją dopiero jesienią 1970 r.

Śmierć

Rauschenberg zmarł z powodu niewydolności serca 12 maja 2008 r. na wyspie Captiva na Florydzie.

Wkład artystyczny

Podejście Rauschenberga było czasami nazywane „ Neo-dadaist ”, etykietą, którą dzielił z malarzem Jasperem Johnsem . Rauschenberg stwierdził, że „malarstwo odnosi się zarówno do sztuki, jak i życia” i chciał pracować „w przepaści między nimi”. Podobnie jak wielu jego dadaisty poprzedników, Rauschenberg wątpliwość rozróżnienie między obiektami sztuki i przedmiotów codziennego użytku, a jego wykorzystanie materiałów gotowych reprised kwestie intelektualne podniesionych przez Marcel Duchamp „s Fountain (1917). Wpływ Duchampa dadaisty można również zaobserwować w Jasper Johns' obrazy przedstawiające cele, cyfry i flagi, które były znanymi kulturowymi symbolami: „rzeczy, które umysł już wie”.

Robert Rauschenberg, Rowery , 1998, Berlin, Niemcy

W Black Mountain College Rauschenberg eksperymentował z różnymi środkami artystycznymi, w tym z grafiką, rysunkiem, fotografią, malarstwem, rzeźbą i teatrem; w jego pracach często występowała pewna ich kombinacja. Swoje obrazy Night Blooming (1951) stworzył w Black Mountain, wciskając kamyki i żwir w czarny pigment na płótnie.

Od jesieni 1952 do wiosny 1953 Rauschenberg podróżował po Włoszech i Afryce Północnej ze swoim kolegą artystą i partnerem Cy Twombly . Z odnalezionych materiałów tworzył tam kolaże i małe rzeźby, m.in. Scatole Personali i Feticci Personali . Wystawiał je w galeriach w Rzymie i Florencji . Ku zaskoczeniu Rauschenberga sprzedano pewną liczbę prac; wielu, którzy tego nie zrobili, wrzucił do rzeki Arno , kierując się sugestią krytyka sztuki, który recenzował jego wystawę.

Po powrocie do Nowego Jorku w 1953 r. Rauschenberg zaczął tworzyć rzeźby z materiałów znalezionych w jego sąsiedztwie dolnego Manhattanu, takich jak złom, drewno i sznurek. W latach pięćdziesiątych Rauschenberg utrzymywał się, projektując witryny sklepowe dla Tiffany & Co. i Bonwit Teller , najpierw z Susan Weil, a później we współpracy z Jasperem Johnsem pod pseudonimem Matson Jones.

W słynnym incydencie z 1953 r. Rauschenberg poprosił malarza abstrakcyjnego ekspresjonisty Willema de Kooninga o rysunek w celu wymazania go jako artystycznej wypowiedzi. Ta praca koncepcyjna, zatytułowana Erased de Kooning Drawing , została wykonana za zgodą starszego artysty.

W 1961 Rauschenberg zbadał podobne podejście koncepcyjne, przedstawiając pomysł jako samo dzieło sztuki. Został zaproszony do udziału w wystawie w Galerie Iris Clert w Paryżu, gdzie artyści mieli zaprezentować portrety Clerta , właściciela galerii. Zgłoszenie Rauschenberga składało się z telegramu oświadczającego: „Jeśli tak powiem, to jest portret Iris Clert”.

W 1962 roku obrazy Rauschenberga zaczęły zawierać nie tylko znalezione przedmioty, ale także znalezione obrazy. Po wizycie w pracowni Andy'ego Warhola w tym samym roku, Rauschenberg zaczął stosować proces sitodruku , zwykle zarezerwowany dla komercyjnych środków reprodukcji, do przenoszenia fotografii na płótno. Obrazy sitodrukowe wykonane w latach 1962-1964 skłoniły krytyków do utożsamienia twórczości Rauschenberga z pop-artem .

Rauschenberg eksperymentował z technologią w swoich pracach od czasu powstania swoich wczesnych Kombinatów w połowie lat pięćdziesiątych, gdzie czasami używał działających radioodbiorników, zegarów i wentylatorów elektrycznych jako materiałów rzeźbiarskich. Później zgłębił swoje zainteresowanie technologią, pracując z naukowcem Bell Laboratories, Billym Klüverem . Wspólnie zrealizowali niektóre z najbardziej ambitnych eksperymentów Rauschenberga opartych na technologii, takich jak Soundings (1968), instalacja świetlna reagująca na dźwięk otoczenia. W 1966 roku Klüver i Rauschenberg oficjalnie uruchomili Experiments in Art and Technology (EAT), organizację non-profit założoną w celu promowania współpracy między artystami i inżynierami.

Robert Rauschenberg, Bez tytułu, 1963, olej, sitodruk, metal i plastik na płótnie

W 1969 r. NASA zaprosiła Rauschenberga, aby był świadkiem startu Apollo 11 . W odpowiedzi na to wydarzenie przełomowe, Rauschenberg stworzył swój Stoned Księżyc Series z litografii . Wiązało się to z połączeniem diagramów i innych obrazów z archiwów NASA z jego własnymi rysunkami i odręcznym tekstem.

Od 1970 Rauschenberg pracował w swoim domu i studio w Captiva na Florydzie . Pierwszymi pracami, jakie stworzył w swoim nowym studio, były Tektury (1971–72) i Wczesne Egipcjanie (1973–74), w których oparł się na materiałach lokalnych, takich jak karton i piasek. Podczas gdy jego poprzednie prace często podkreślały miejskie obrazy i materiały, Rauschenberg teraz faworyzował efekt naturalnych włókien występujących w tkaninach i papierze. Drukował na tkaninach techniką transferu rozpuszczalnikowego, tworząc serie Szron (1974–76) i Spread (1975–82); ten ostatni charakteryzował się dużymi połaciami kolażu na drewnianych panelach. Rauschenberg stworzył swoją serię Jammer (1975–76) z kolorowych tkanin inspirowanych podróżą do Ahmedabadu w Indiach , miasta słynącego z tekstyliów. Bezobrazowa prostota serii Jammer jest uderzającym kontrastem z wypełnionym obrazami Szronem i chropowatością jego najwcześniejszych prac wykonanych w Nowym Jorku.

Międzynarodowe podróże stały się centralną częścią artystycznego procesu Rauschenberga po 1975 roku. W 1984 roku Rauschenberg ogłosił rozpoczęcie swojej Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) przy Organizacji Narodów Zjednoczonych . Prawie w całości sfinansowany przez artystę projekt ROCI obejmował siedmioletnią podróż do dziesięciu krajów na całym świecie. Rauschenberg robił zdjęcia w każdym miejscu i tworzył dzieła sztuki inspirowane odwiedzanymi przez siebie kulturami. Powstałe prace były prezentowane na lokalnej wystawie w każdym kraju. Rauschenberg często przekazywał dzieło sztuki lokalnej instytucji kulturalnej.

Począwszy od połowy lat 80. Rauschenberg skoncentrował się na sitodruku na różnorodnych metalach, takich jak stal i lustrzane aluminium. Stworzył wiele cykli tzw. „obrazów metalowych”, m.in.: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Widma (1991) i Nocne cienie (1991). Ponadto przez całe lata 90. Rauschenberg nadal wykorzystywał nowe materiały, jednocześnie pracując z bardziej podstawowymi technikami. W ramach swojego zaangażowania w najnowsze innowacje technologiczne, w swoich późnych seriach malarskich przeniósł cyfrowe obrazy fotograficzne atramentowe na różne nośniki malarskie. W swoich Arcadian Retreats (1996) przeniósł obrazy na mokry fresk. Zgodnie ze swoim zaangażowaniem w ochronę środowiska, Rauschenberg używał w procesie transferu biodegradowalnych barwników i pigmentów oraz wody, a nie chemikaliów.

Te białe Malarstwo , czarne obrazy i Red Paintings

W 1951 roku Rauschenberg stworzył cykl Białego Malarstwa w tradycji malarstwa monochromatycznego zapoczątkowanego przez Kazimierza Malewicza , który sprowadził malarstwo do jego najistotniejszych cech dla doświadczenia estetycznej czystości i nieskończoności. W Białe Obrazy pokazywane były na Eleanor Warda Stable Gallery w Nowym Jorku jesienią 1953 Rauschenberg stosować codzienną biały dom farby i malować rolki tworzyć gładkie, unembellished powierzchnie, które na pierwszy rzut oka jak pustym płótnie. Zamiast jednak postrzegać je jako pozbawione treści, John Cage opisał Białe Obrazy jako „lotniska dla świateł, cieni i cząstek”; powierzchnie, które odzwierciedlały delikatne zmiany atmosfery w pomieszczeniu. Sam Rauschenberg powiedział, że miały na nie wpływ warunki otoczenia, „więc można było prawie powiedzieć, ile osób jest w pokoju”. Podobnie jak Białe obrazy , czarne obrazy z lat 1951–1953 były wykonywane na wielu panelach i były głównie dziełami jednokolorowymi. Rauschenberg nakładał matową i błyszczącą czarną farbę na teksturowane podłoże gazety na płótnie, od czasu do czasu pozwalając, aby gazeta pozostała widoczna.

Do roku 1953 Rauschenberg przeszedł z serii „ Malarstwo białe” i „ Malarstwo czarne” do zwiększonego ekspresjonizmu serii „ Malarstwo czerwone ”. Uważał czerwień za „najtrudniejszy kolor” do malowania i zaakceptował wyzwanie, kapiąc, wklejając i wyciskając warstwy czerwonego pigmentu bezpośrednio na płótno, które obejmowało wzorzystą tkaninę, gazetę, drewno i gwoździe. Skomplikowane powierzchnie materialne Czerwonych Malowideł były prekursorami znanej serii Combine Rauschenberga (1954-1964).

Łączy

Rauschenberg zbierał wyrzucone przedmioty na ulicach Nowego Jorku i przywoził je z powrotem do swojej pracowni, gdzie włączał je do swojej pracy. Twierdził, że „chciał czegoś innego niż to, co sam mógłbym zrobić, a ja chciałem wykorzystać zaskoczenie, zbiorowość i hojność znajdowania niespodzianek. […] A więc sam obiekt został zmieniony przez kontekst i dlatego stał się nowym rzecz."

Komentarz Rauschenberga dotyczący przepaści między sztuką a życiem stanowi punkt wyjścia do zrozumienia jego wkładu jako artysty. Prawie we wszystkim widział potencjalne piękno; powiedział kiedyś: „Naprawdę żal mi ludzi, którzy uważają, że rzeczy takie jak mydelniczki, lustra czy butelki po Coli są brzydkie, ponieważ otaczają ich takie rzeczy przez cały dzień i to musi ich unieszczęśliwiać”. Jego seria Combine nadała przedmiotom codziennego użytku nowe znaczenie, umieszczając je w kontekście sztuk pięknych obok tradycyjnych materiałów malarskich. Kombinaty zniosły granice między sztuką a rzeźbą tak, aby obie były obecne w jednym dziele sztuki. Podczas gdy „Combines” technicznie odnosi się do prac Rauschenberga z lat 1954-1964, Rauschenberg nadal wykorzystywał przedmioty codziennego użytku, takie jak ubrania, gazety, gruz miejski i karton przez całą swoją karierę artystyczną.

Robert Rauschenberg, Kanion, 1959, Kombinat malarski
Robert Rauschenberg, Rhyme , 1956, Kombinat malarski

Jego dziełami przejściowymi, które doprowadziły do ​​powstania Combines, były Charlene (1954) i Collection (1954/1955), w których kolażował przedmioty, takie jak szaliki, żarówki elektryczne, lustra i komiksy. Chociaż Rauschenberg w swoich czarnych i czerwonych obrazach wykorzystywał gazety i wzorzyste tkaniny , w Kombinatach nadał przedmiotom codziennego użytku równorzędne znaczenie dla tradycyjnych materiałów malarskich. Uważany za jeden z pierwszych Kombinatów, Łóżko (1955) powstało przez rozsmarowanie czerwonej farby na znoszonej kołdrze, prześcieradle i poduszce. Praca została zawieszona pionowo na ścianie jak tradycyjny obraz. Ze względu na intymne powiązania materiałów z własnym życiem artysty, Bed jest często uważany za autoportret i bezpośredni odcisk wewnętrznej świadomości Rauschenberga. Niektórzy krytycy sugerowali, że praca może być odczytywana jako symbol przemocy i gwałtu, ale Rauschenberg opisał Bed jako „jeden z najbardziej przyjaznych obrazów, jakie kiedykolwiek namalowałem”. Wśród jego najsłynniejszych Kombinatów są te, które zawierają wypchane zwierzęta, takie jak Monogram (1955-1959), w którym znajduje się wypchana koza angora , oraz Kanion (1959) z wypchanym orłem przednim . Chociaż orzeł został uratowany ze śmieci, Canyon wywołał gniew rządu z powodu ustawy o ochronie łysego i złotego orła z 1940 roku.

Krytycy początkowo postrzegali Kombinaty pod kątem ich walorów formalnych: koloru, faktury i kompozycji. Formalistyczny pogląd z lat 60. został później obalony przez krytyka Leo Steinberga , który powiedział, że każdy Kombinat jest „powierzchnią receptorową, na której rozrzucone są obiekty, na której wprowadzane są dane”. płaszczyzna obrazu” zastąpiła tradycyjną wertykalność malarstwa, a następnie pozwoliła na wyjątkowo materialnie związane powierzchnie prac Rauschenberga.

Występ i taniec

Rauschenberg zaczął zgłębiać swoje zainteresowania tańcem po przeprowadzce do Nowego Jorku na początku lat pięćdziesiątych. Po raz pierwszy zetknął się z awangardowym tańcem i sztuką performance w Black Mountain College, gdzie brał udział w przedstawieniu teatralnym Johna Cage'a nr 1 (1952), często uważanym za pierwszy happening . Zaczął projektować dekoracje, oświetlenie i kostiumy dla Merce'a Cunninghama i Paula Taylora . Na początku lat 60. był zaangażowany w radykalne eksperymenty z teatrem tańca w Judson Memorial Church w Greenwich Village , a do swojego pierwszego spektaklu Pelican (1963) przygotował dla Judson Dance Theatre w maju 1963 roku. Rauschenberg był bliskim przyjacielem Cunninghama. zrzeszeni tancerze, w tym Carolyn Brown , Viola Farber i Steve Paxton , z których wszyscy wystąpili w jego pracach choreograficznych. Stałe połączenie Rauschenberga z Merce Cunningham Dance Company zakończyło się po światowej trasie koncertowej w 1964 roku. W 1966 roku Rauschenberg stworzył spektakl Open Score na część 9 Evenings: Theatre and Engineering w 69. Regiment Armory w Nowym Jorku. Seria odegrała kluczową rolę w tworzeniu Eksperymentów w sztuce i technologii (EAT).

W 1977 Rauschenberg, Cunningham i Cage po raz pierwszy od 13 lat ponownie połączyli się jako współpracownicy, aby stworzyć Travelogue (1977), do którego Rauschenberg współtworzył kostiumy i scenografię. Rauschenberg nie tworzył własnych choreografii po 1967 roku, ale do końca swojej kariery artystycznej kontynuował współpracę z innymi choreografami, w tym z Trishą Brown .

Prowizje

W swojej karierze Rauschenberg zaprojektował wiele plakatów wspierających ważne dla niego sprawy. W 1965 roku, kiedy magazyn Life zlecił mu wizualizację współczesnego piekła, nie zawahał się dać upust swojej wściekłości na wojnę w Wietnamie i inne współczesne problemy społeczno-polityczne, w tym przemoc na tle rasowym, neonazizm , zabójstwa polityczne i katastrofę ekologiczną.

W dniu 30 grudnia 1979 Miami Herald drukowane 650.000 egzemplarzy Tropic , jego magazynu Sunday, z okładką zaprojektowaną przez Rauschenberg. W 1983 roku zdobył nagrodę Grammy za album jego projektu z Talking Heads album " Mówienie językami . W 1986 roku firma BMW zleciła Rauschenbergowi pomalowanie pełnowymiarowego BMW 635 CSi do szóstej części słynnego projektu BMW Art Car Project . Samochód Rauschenberga jako pierwszy w projekcie zawierał reprodukcje prac z Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, a także jego własne fotografie.

W 1998 roku Watykan zamówił dzieło Rauschenberga na cześć Roku Jubileuszowego 2000 do wystawienia w Sali Liturgicznej Ojca Pio w San Giovanni Rotondo we Włoszech. Pracując wokół tematu Sądu Ostatecznego , Rauschenberg stworzył Szczęśliwą apokalipsę (1999), dwudziestometrową makietkę . Została ona ostatecznie odrzucona przez Watykan na tej podstawie, że przedstawienie Boga jako anteny satelitarnej przez Rauschenberga było niewłaściwym odniesieniem teologicznym.

Pracuje

Wystawy

Pierwszą indywidualną wystawę Rauschenberg miał w Galerii Betty Parsons wiosną 1951 roku. W 1953 roku, podczas pobytu we Włoszech, został zauważony przez Irene Brin i Gaspero del Corso, którzy zorganizowali jego pierwszą europejską wystawę w swojej słynnej galerii w Rzymie . W 1953 Eleanor Ward zaprosiła Rauschenberga do udziału we wspólnej wystawie z Cy Twombly w Stable Gallery . Na swojej drugiej indywidualnej wystawie w Nowym Jorku w Galerii Charlesa Egana w 1954 roku Rauschenberg zaprezentował swoje obrazy czerwone (1953–1953) i kombinacje (1954–1964). Leo Castelli zorganizował indywidualną wystawę Kombinatów Rauschenberga w 1958 roku. Jedyną sprzedażą było nabycie przez samego Castelliego Bed (1955), znajdującego się obecnie w kolekcji Museum of Modern Art w Nowym Jorku .

Pierwsza retrospektywa artystyczna Rauschenberga została zorganizowana przez Muzeum Żydowskie w Nowym Jorku w 1963 roku. W 1964 roku został jednym z pierwszych amerykańskich artystów, który zdobył Międzynarodową Główną Nagrodę Malarstwa na Biennale w Wenecji ( Mark Tobey i James Whistler zdobyli wcześniej nagrody za malarstwo odpowiednio w latach 1895 i 1958). Retrospektywa w połowie kariery została zorganizowana przez National Collection of Fine Arts (obecnie Smithsonian American Art Museum ), Waszyngton, DC i podróżowała po Stanach Zjednoczonych w latach 1976-1978.

W latach 90. retrospektywa odbyła się w Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku (1997), które do 1999 roku podróżowało do muzeów w Houston, Kolonii i Bilbao. Wystawa Kombinatów była prezentowana w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (2005; podróżował do Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles , Centre Georges Pompidou w Paryżu i Moderna Museet w Sztokholmie w 2007 roku). Pierwsza pośmiertna retrospektywa Rauschenberga została zorganizowana w Tate Modern (2016; podróżowała do Museum of Modern Art w Nowym Jorku i do San Francisco Museum of Modern Art do 2017 roku).

Kolejne wystawy to: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery , Londyn (2013); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio , 1953-54 , Craig F. Starr Associates (2014); Leksykon wizualny, Galeria Leo Castelli (2014); Robert Rauschenberg: Works on Metal , Gagosian Gallery, Beverly Hills (2014); Rauschenberg w Chinach , Centrum Sztuki Współczesnej Ullens , Pekin (2016); i Rauschenberg: The 1/4 Mile w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles (2018-2019).

Spuścizna

Rauschenberg mocno wierzył w moc sztuki jako katalizatora zmian społecznych. Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) rozpoczęło się w 1984 roku jako próba zainicjowania międzynarodowego dialogu i zwiększenia zrozumienia kulturowego poprzez ekspresję artystyczną. Wystawę ROCI można było oglądać w Narodowej Galerii Sztuki DC w 1991 roku, zamykając tournée po dziesięciu krajach: Meksyk, Chile, Wenezuela, Chiny, Tybet, Japonia, Kuba, ZSRR, Niemcy i Malezja.

W 1970 roku Rauschenberg stworzył program o nazwie Change, Inc., którego celem było przyznawanie artystom wizualnym jednorazowych, awaryjnych grantów w wysokości do 1000 dolarów w zależności od potrzeb finansowych. W 1990 roku Rauschenberg utworzył Fundację Roberta Rauschenberga (RRF), aby promować świadomość ważnych dla niego spraw, takich jak pokój na świecie, ochrona środowiska i kwestie humanitarne. W 1986 roku Rauschenberg otrzymał nagrodę Złotej Płyty Amerykańskiej Akademii Osiągnięć . Został odznaczony Narodowym Medalem Sztuki przez prezydenta Billa Clintona w 1993 roku. W 2000 roku Rauschenberg został uhonorowany Nagrodą Doskonałości amfAR za wkład artystyczny w walkę z AIDS.

Dziś RRF posiada wiele dzieł Rauschenberga z każdego okresu jego kariery. W 2011 roku fundacja zaprezentowała prywatną kolekcję Roberta Rauschenberga we współpracy z Galerią Gagosian , zawierającą wybrane z osobistej kolekcji sztuki Rauschenberga. Dochód z wystawy pomógł sfinansować działalność filantropijną fundacji. Również w 2011 roku fundacja uruchomiła projekt „Artysta jako aktywista” i zaprosiła artystę Sheparda Faireya do skupienia się na wybranym przez siebie zagadnieniu. Wydane przez niego dzieło zostało sprzedane w celu zebrania funduszy na Koalicję na rzecz Bezdomnych . RRF nadal co roku wspiera wschodzących artystów i organizacje artystyczne poprzez dotacje i współpracę filantropijną. RRF ma kilka programów rezydencyjnych, które odbywają się w siedzibie fundacji w Nowym Jorku oraz w posiadłości zmarłego artysty na wyspie Captiva na Florydzie.

W 2013 roku Dale Eisinger z zespołu Complex zajął siódme miejsce w rankingu Open Score (1966) na swojej liście najlepszych w historii dzieł sztuki performance.

Rynek sztuki

W 2010 Studio Painting (1960-61), jeden z Kombinatów Rauschenberga, szacowany pierwotnie na 6-9 mln dolarów, został zakupiony z kolekcji Michaela Crichtona za 11 mln dolarów w Christie's w Nowym Jorku. W 2019 roku Christie's sprzedał obraz sitodrukowy Buffalo II (1964) za 88,8 miliona dolarów, bijąc poprzedni rekord artysty.

Lobbing na rzecz tantiem z tytułu odsprzedaży artystów

Na początku lat 70. Rauschenberg lobbował w Kongresie USA, aby uchwalił ustawę, która wynagradzałaby artystom odsprzedaż ich prac na rynku wtórnym. Rauschenberg podjął walkę o tantiemy z tytułu odsprzedaży artysty po tym, jak baron taksówek Robert Scull sprzedał część swojej kolekcji dzieł abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu za 2,2 miliona dolarów. Scull pierwotnie kupił obrazy Rauschenberga Odwilż (1958) i Double Feature (1959) za odpowiednio 900 i 2500 dolarów; mniej więcej dekadę później Scull sprzedał te części za 85 000 i 90 000 dolarów na aukcji w 1973 roku w Sotheby Parke Bernet w Nowym Jorku.

Wysiłki lobbingowe Rauschenberga zostały nagrodzone w 1976 r., kiedy gubernator Kalifornii Jerry Brown podpisał ustawę California Resale Royalty Act z 1976 r. Po zwycięstwie w Kalifornii artysta nadal dążył do ogólnokrajowego ustawodawstwa dotyczącego odsprzedaży.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki