Hans Hofmann - Hans Hofmann

Ten artykuł dotyczy malarza XX wieku. Dla malarza z XVI wieku, patrz Hans Hoffmann (malarz) . Dla paleontologa zob. Hans J. Hofmann .
Hans Hofmann
Urodzić się ( 1880-03-21 )21 marca 1880 r
Weißenburg , Cesarstwo Niemieckie
Zmarł 17 lutego 1966 (1966-02-17)(w wieku 85)
Nowy Jork
Narodowość Niemiecko-amerykański
Znany z Obraz
Ruch Ekspresjonizm abstrakcyjny

Hans Hofmann (21 marca 1880 – 17 lutego 1966) był urodzonym w Niemczech malarzem amerykańskim, znanym zarówno jako artysta, jak i pedagog. Jego kariera obejmowała dwa pokolenia i dwa kontynenty i uważa się, że zarówno poprzedził, jak i wpłynął na ekspresjonizm abstrakcyjny . Urodzony i wykształcony w pobliżu Monachium, działał w europejskiej awangardzie początku XX wieku i przyniósł głębokie zrozumienie i syntezę symbolizmu , neoimpresjonizmu , fowizmu i kubizmu, kiedy wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1932 roku. Malarstwo Hofmanna jest charakteryzuje się rygorystyczną troską o strukturę malarską i jedność, iluzjonizm przestrzenny oraz użycie odważnych kolorów dla środków wyrazu. Wpływowy krytyk Clement Greenberg uznać pierwszy solowy pokaz New York Hofmanna w Peggy Guggenheim „s Art tego stulecia w 1944 roku (wraz z Jackson Pollock „s pod koniec 1943 roku) jako przełom w abstrakcji geometrycznej malarski kontra że zwiastunem ekspresjonizmu abstrakcyjnego. W następnej dekadzie uznanie Hofmanna wzrosło dzięki licznym wystawom, zwłaszcza w Galerii Kootz , których kulminacją były duże retrospektywy w Whitney Museum of American Art (1957) i Museum of Modern Art (1963), które podróżowały do ​​miejsc w całych Stanach Zjednoczonych , Ameryka Południowa i Europa. Jego prace znajdują się w stałych kolekcjach największych muzeów na całym świecie, w tym Metropolitan Museum of Art , Tate Modern , Germanisches Nationalmuseum , National Gallery of Art i Art Institute of Chicago .

Hofmann jest również uważany za jednego z najbardziej wpływowych nauczycieli sztuki XX wieku. W 1915 założył w Monachium szkołę artystyczną, która opierała się na ideach i pracach Cézanne'a , kubistów i Kandinsky'ego ; niektórzy historycy sztuki sugerują, że była to pierwsza nowoczesna szkoła sztuki na świecie. Po przeprowadzce do Stanów Zjednoczonych ponownie otworzył szkołę zarówno w Nowym Jorku, jak i Provincetown w stanie Massachusetts, dopóki nie przeszedł na emeryturę z nauczania w 1958 r., aby malować w pełnym wymiarze godzin. Jego nauczanie wywarło znaczący wpływ na powojenną amerykańską awangardę, w tym między innymi na Helen Frankenthaler , Nell Blaine , Lee Krasner , Joan Mitchell , Louise Nevelson i Larry'ego Riversa , a także na teorie Greenberga w jego nacisk na medium, płaszczyznę obrazu i jedność pracy. Niektóre z innych kluczowych zasad Hofmanna obejmują jego teorie przestrzenne push/pull, jego nacisk na to, że sztuka abstrakcyjna ma swoje źródło w naturze oraz jego wiara w duchową wartość sztuki. Hofmann zmarł na atak serca w Nowym Jorku 17 lutego 1966 r.

Biografia

Hans Hofmann urodziła się w Weißenburg , Bawarii w dniu 21 marca 1880 roku do Theodor Friedrich Hofmann (1855-1903) i Franziska Manger Hofmann (1849/21). W 1886 jego rodzina przeniosła się do Monachium, gdzie jego ojciec podjął pracę w rządzie. Hofmann od najmłodszych lat skłaniał się ku nauce i matematyce. W wieku szesnastu lat poszedł za ojcem do służby publicznej, pracując dla rządu Bawarii jako asystent dyrektora robót publicznych. Tam poszerzył swoją wiedzę matematyczną, ostatecznie opracowując i patentując urządzenia, w tym komptometr elektromagnetyczny, urządzenie radarowe dla statków na morzu, światłoczułą żarówkę i przenośną zamrażarkę do użytku wojskowego. W tym czasie Hofmann zainteresował się także studiami twórczymi, rozpoczynając lekcje sztuki w latach 1898-1899 u niemieckiego artysty Moritza Heymanna.

W latach 1900-1904 Hofmann poznał w Monachium swoją przyszłą żonę Marię „Miz” Wolfegg (1885–1963), a także zetknął się z Philippem Freudenbergiem, właścicielem ekskluzywnego berlińskiego domu towarowego Kaufhaus Gerson i zapalonym kolekcjonerem dzieł sztuki. Freudenberg stał się patronem Hofmanna przez następną dekadę, umożliwiając mu przeprowadzkę i zamieszkanie w Paryżu z Miz. W Paryżu Hofmann studiował w Académie de la Grande Chaumière i Académie Colarossi . Zanurzył się także w awangardowej scenie artystycznej Paryża, pracując z Matisse i zaprzyjaźniając się z Picassem , Georges'em Braque'iem oraz Robertem i Sonią Delaunay . Hoffman pracował i wystawiał w Paryżu aż do wybuchu I wojny światowej, tworząc obrazy, na które największy wpływ mieli kubiści i Cézanne. Zmuszony do powrotu do Niemiec i wykluczony ze służby wojskowej z powodu choroby układu oddechowego, Hofmann otworzył w 1915 roku szkołę artystyczną w Monachium, zyskując reputację wybiegającego w przyszłość instruktora. W 1930 został zaproszony do nauczania na zachodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych, co ostatecznie utorowało mu drogę do stałego osiedlenia się w Stanach Zjednoczonych w 1932, gdzie mieszkał do końca życia. Hofmann i Miz mieszkali osobno przez sześć lat, dopóki nie zdobyła wizy imigracyjnej do Stanów Zjednoczonych w 1939 roku.

W latach 1933-1958 Hofmann zrównoważył pracę studyjną z nauczaniem i, podobnie jak w Paryżu, zanurzył się (i wpłynął) na rozwijającą się awangardową scenę artystyczną Nowego Jorku. Ponownie otworzył swoją szkołę artystyczną w 1934 roku, prowadząc zajęcia w Nowym Jorku i Provincetown latem. W 1941 roku został obywatelem amerykańskim. W tym czasie jego prace przyciągnęły coraz większe zainteresowanie i uznanie krytyków, dealerów i muzeów. W 1958 zrezygnował z nauczania, aby skupić się na malarstwie, co doprowadziło do późnej kariery (w wieku siedemdziesięciu ośmiu lat) jego twórczości. W 1963 roku po operacji zmarł Miz Hofmann, jego partnerka i żona od ponad sześćdziesięciu lat. Dwa lata później Hofmann poślubił Renate Schmitz, która pozostała z nim aż do jego śmierci na atak serca w Nowym Jorku 17 lutego 1966 roku, tuż przed jego 86. urodzinami.

Hans Hofmann, musowanie , olej, tusz indyjski, kazeina i emalia na płycie ze sklejki, 54,375” x 35,875”, 1942.

Prace i wystawy

Sztuka Hofmanna wyróżnia się na ogół rygorystyczną dbałością o strukturę i jedność malarską, rozwijanie iluzji przestrzennej poprzez „pchanie i ciągnięcie” koloru, kształtu i umiejscowienia oraz stosowanie odważnych, często podstawowych kolorów dla środków wyrazu. W pierwszych dekadach stulecia malował w modernistycznym, choć wciąż rozpoznawalnym, reprezentacyjnym stylu, tworząc pejzaże, martwe natury i portrety w dużej mierze pod wpływem kubizmu i Cézanne'a pod względem formy oraz Kandinsky'ego, Matisse'a i Van Gogha pod względem koloru. Rozpoczął długi okres skupiania się wyłącznie na rysunku w latach 20. XX wieku, powracając do malarstwa w 1935 roku. Jednak w 1940 zaczął malować całkowicie abstrakcyjne prace, takie jak Wiosna , mały olejny obraz „kroplówki”. Historycy sztuki opisali tę pracę i inne, takie jak Wiatr (1942), Fantasia (1943) i Effervescence (1944), w kategoriach ich „malarskich ataków”, wstrząsających kontrastów, bogatej kolorystyki i spontaniczności gestów jako „zapisów intensywne doświadczenie artysty” farby, koloru i procesów arbitralnych, przypadkowych i bezpośrednich, a także zamierzonych. Pokazują wczesne eksperymenty stylistyczne Hofmanna z technikami, które można by nazwać „malowaniem akcji”, które Pollock i inni rozsławili pod koniec dekady. Hofmann uważał, że sztuka abstrakcyjna jest sposobem na dotarcie do ważnej rzeczywistości, stwierdzając kiedyś, że „umiejętność upraszczania oznacza eliminację niepotrzebnego, aby to, co konieczne, mogło przemówić”.

Hans Hofmann, Pompeje , olej na płótnie, 84,25" x 52,25", 1959.

Prace Hofmanna w latach 40. były wspierane przez kilka kluczowych postaci, które zapoczątkowały nową erę rosnących wpływów marszandów i galerii, w tym Peggy Guggenheim, Betty Parsons i Samuela M. Kootza . Jego pierwsza indywidualna wystawa w Nowym Jorku w galerii Guggenheima Art of This Century w 1944 roku została pozytywnie zrecenzowana w New York Times , ARTnews i Arts Digest . Krytyk Clement Greenberg uważał ten pokaz – i kilka miesięcy wcześniej Jacksona Pollocka – za „wyrwanie się” z „ciężkiego uścisku syntetycznego kubizmu” w malarstwie amerykańskim, co otworzyło drogę do bardziej malarskiej stylistyki abstrakcyjnego ekspresjonizmu. W tym samym roku Hofmann wziął także udział w wystawie indywidualnej w The Arts Club of Chicago oraz dwóch kluczowych wystawach zbiorowych sztuki abstrakcyjnej i surrealistycznej w Ameryce, których kuratorami byli Sidney Janis i Parsons. Recenzując wystawę Hofmanna z 1945 roku, Greenberg napisał: „Hofmann stał się siłą, z którą należy się liczyć zarówno w praktyce, jak i w interpretacji sztuki nowoczesnej”. Nie wszyscy krytycy byli jednakowi w pochwałach; na przykład Robert Coates , jeden z pierwszych, który nazwał nowe dzieło „abstrakcyjnym ekspresjonizmem”, wyraził sceptycyzm wobec stylu malowania „odpryskami i mazakiem” w przeglądzie prac Hofmanna z 1946 roku. W 1947 Hofmann zaczął corocznie wystawiać w Galerii Kootz w Nowym Jorku (i robił to co roku do 1966, z wyjątkiem 1948, kiedy galeria została tymczasowo zamknięta), i przez następną dekadę nadal zdobywała uznanie.

„List otwarty do Rolanda L. Redmonda , prezesa Metropolitan Museum of Art”. Hofmann należał do grupy, która stała się znana jako Irascibles , 18 malarzy i 10 rzeźbiarzy, którzy w maju 1950 r. wysłali list otwarty do Met, odrzucając „potworną narodową wystawę” muzeum, która miała się odbyć w grudniu. Francis Henry Taylor , dyrektor Met, powiedzieli, "publicznie zadeklarował swoją pogardę dla nowoczesnego malarstwa", a Robert Beverly Hale , zastępca kuratora sztuki amerykańskiej, "zaakceptował jury notorycznie wrogie zaawansowanej sztuce".

W późniejszym okresie Hofmann często działał mniej gestualnie, tworząc dzieła takie jak Brama (1959-60), Pompeje (1959) czy To Miz - Pax Vobiscum (pomnik po jej śmierci z 1964 r.), luźno poświęcone tomom architektonicznym i czasami określany jako jego „obrazy płytowe”. W tych pracach wykorzystywał prostokąty zmysłowego koloru, które wzmacniały kształt jego spójnego, sztalugowego formatu, a czasem sugerowały logikę modularną, ale wymykały się ostatecznym odczytaniom poprzez obszary modulowanej farby i nieregularnych kształtów.

W 1957 roku Whitney Museum wystawiło dużą retrospektywę Hofmanna, która w ciągu następnego roku odwiedziła siedem dodatkowych muzeów w Stanach Zjednoczonych. W swojej recenzji retrospektywy krytyk Harold Rosenberg napisał: „Żaden amerykański artysta nie mógłby zorganizować pokazu o większej spójnej różnorodności niż Hans Hofmann”. W 1960 roku Hofmann został wybrany do reprezentowania Stanów Zjednoczonych na Biennale w Wenecji, obok Philipa Gustona , Franza Kline'a i Theodore'a Roszaka . W 1963 roku The Museum of Modern Art wystawiło zorganizowaną przez Williama Seitza pełnowymiarową retrospektywę z katalogiem zawierającym fragmenty pism Hofmanna. W ciągu następnych dwóch lat wystawa trafiła do pięciu innych miejsc w USA, muzeów w Buenos Aires i Caracas, a wreszcie do pięciu miejsc w Holandii, Włoszech i Niemczech.

Pośmiertne retrospektywy prac Hofmanna obejmują wystawy w Hirshhorn Museum (1976), Whitney Museum (1990) i londyńskiej Tate Gallery („Hans Hofmann: Late Paintings”, 1988), której kuratorem był brytyjski malarz John Hoyland . Hoyland po raz pierwszy zetknął się z dziełem Hofmanna podczas swojej pierwszej wizyty w Nowym Jorku w 1964 roku w towarzystwie Clementa Greenberga i od razu był pod wrażeniem.

Nauczanie

Hofmann był znany nie tylko jako artysta, ale także jako nauczyciel sztuki, zarówno w rodzinnych Niemczech, jak i później w Stanach Zjednoczonych. powojennej abstrakcji dla zróżnicowanej grupy studentów. Założył swoją pierwszą szkołę, Schule für Bildende Kunst (Szkoła Sztuk Pięknych) w Monachium w 1915, opierając się na ideach i pracach Cézanne'a, kubistów i Kandinsky'ego. Jego praktyczne metody nauczania obejmowały ciągłą dyskusję na temat teorii sztuki, sesje rysowania życia i regularne krytyki samego Hofmanna, praktykę, która była rzadkością w Akademii. W połowie lat dwudziestych zyskał reputację myślącego przyszłościowo nauczyciela i przyciągał międzynarodowe grono uczniów poszukujących bardziej awangardowego nauczania, w tym Alfa Bayrle'a , Alfreda Jensena , Louise Nevelson , Wolfganga Paalena , Wortha Rydera i Bistrę Vinarową . Historyk sztuki Herschel Chipp twierdził, że szkoła była prawdopodobnie pierwszą istniejącą szkołą sztuki nowoczesnej. Hofmann prowadził szkołę, w tym sesje letnie odbywające się w całych Niemczech oraz w Austrii, Chorwacji, Włoszech i Francji, aż do emigracji do USA w 1932 roku.

W USA początkowo wykładał letnią sesję na Uniwersytecie Kalifornijskim w Berkeley w 1930 roku na zaproszenie byłego studenta Wortha Rydera, wówczas członka wydziału artystycznego. Wykładał ponownie w Berkeley iw Instytucie Sztuki Chouinard w Los Angeles w następnym roku, po czym ponownie wrócił do Niemiec. Po przeprowadzce do Nowego Jorku, zaczął uczyć w Art Students League of New York w 1933. W 1934 Hofmann otworzył własne szkoły w Nowym Jorku oraz w Provincetown w stanie Massachusetts. Studiowało u niego wielu wybitnych artystów, w tym Lee Krasner , Helen Frankenthaler , Ray Eames , Larry Rivers , Allan Kaprow , Red Grooms , Nell Blaine , Irene Rice Pereira , Gerome Kamrowski , Fritz Bultman , Israel Levitan , Robert De Niro, Sr. , Jane Freilicher , Wolf Kahn , Marisol Escobar , Burgoyne Diller , James Gahagan , Richard Stankiewicz , Linda Lindeberg , Lillian Orlowsky , Louisa Matthíasdóttir i Nína Tryggvadóttir . Wśród jego uczniów była również Beulah Stevenson , wieloletnia kuratorka w Brooklyn Museum . W 1958 roku Hofmann zamknął swoje szkoły, aby poświęcić się wyłącznie własnej pracy twórczej. W 1963 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej było kuratorem wystawy objazdowej „Hans Hofmann and His Students”, która obejmowała 58 prac reprezentujących 51 artystów.

Pomimo tego, że przypisuje się jej nauczanie wielu najbardziej uzdolnionych artystek tego okresu – w czasach, gdy były one jeszcze dość rzadkie – Hofmann był czasami opisywany jako prezentujący „prostą męską postawę szowinistyczną”. Lee Krasner, który pozostał wielbicielką, przyrównał niektóre ze swoich krytyk do pochwalnych pochwał, których często doświadczały wcześniejsze artystki (na przykład „tak dobrze, że nigdy nie wiedziałbyś, że zrobiła to kobieta!”). Rzeźbiarka Lila Katzen Relacjonował, że powiedział jej, że „tylko mężczyźni mają skrzydła do sztuki”.

Pismo

Wpływowe pisarstwo Hofmanna na temat sztuki nowoczesnej zostało zebrane w książce Search for the Real and Other Essays (1948), która zawiera jego dyskusje na temat jego teorii przestrzennych push/pull, jego szacunek dla natury jako źródła sztuki, jego przekonanie, że sztuka ma wartości duchowej i jego filozofii sztuki w ogóle. Pod względem formalnym jest szczególnie godny uwagi jako teoretyk medium, który twierdził, że „każdy środek wyrazu ma swój własny porządek bytu”, że „kolor jest plastycznym środkiem tworzenia interwałów” i jego świadomość ramy obrazu, reprezentowany przez jego cytat, „każda linia umieszczona na płótnie jest już piątą”. Hofmann wierzył, że pozostanie wierny płaskości płótna i że aby zasugerować głębię i ruch w obrazie, artysta musi stworzyć coś, co nazwał „pchaj i ciągnij” na obrazie – kontrasty koloru, formy i faktury.

Hofmann miał silne przekonanie o duchowej i społecznej wartości sztuki. W 1932 r. pisał: „Zapewnienie przywództwa przez nauczycieli i wspieranie rozwijających się artystów jest narodowym obowiązkiem, zabezpieczeniem duchowej solidarności. Co robimy dla sztuki, robimy dla siebie, dla naszych dzieci i dla przyszłości”.

Kolekcje i rynek sztuki

Prace Hofmanna znajdują się w stałych kolekcjach wielu znaczących muzeów w Stanach Zjednoczonych i na całym świecie, m.in.: UC Berkeley Art Museum , Metropolitan Museum of Art, Solomon R. Guggenheim Museum , Whitney Museum, Museum of Modern Art, San Francisco Museum Sztuki Nowoczesnej , Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie , Art Institute of Chicago , Seattle Art Museum , Baltimore Museum of Art , Muzeum Sztuk Pięknych Houston , Cleveland Museum of Art , Philadelphia Museum of Art , Provincetown Art Association and Museum , Städtische Galerie im Lenbachhaus ( Monachium ), Museu d'Art Contemporani (Barcelona), Tate Gallery i Art Gallery of Ontario (Toronto). Hofmann zaprojektował również pracę publiczną, kolorowy mural znajdujący się przed wejściem do Wyższej Szkoły Sztuk Komunikacji Graficznej znajdującej się w dzielnicy Hell's Kitchen na Manhattanie .

W 2015 roku na nowojorskiej aukcji Christie's Auxerre Hofmanna (1960), inspirowane rozległymi witrażami z Cathédrale Saint Etienne we Francji, pobiło artystę światowy rekord aukcji, wynosząc 6 325 000 dolarów.

Posiadłość Hofmann

Kiedy Hofmann zmarł 17 lutego 1966, jego wdowa, Renate Hofmann, zarządzała jego majątkiem. Po śmierci Renate w 1992 r., New York Daily News opublikował artykuł zatytułowany „Od kawioru do karmy dla kotów”, w którym szczegółowo opisano „smutną i pokrętną historię” wdowy po Hofmannie. W artykule stwierdzono, że sąd Renate wyznaczył opiekunów „dojnych [wydał] majątek przez ponad dekadę” i pozwolił niestabilnej psychicznie Renate mieszkać „z jej kotami i alkoholem w zaśmieconym domu nad oceanem”. Pod groźbą oskarżenia, pierwotny wykonawca testamentu Hofmann, Robert Warshaw, zdołał nakłonić zaniedbanych opiekunów do zapłacenia posiadłości 8,7 miliona dolarów za „nadzwyczajny świadomy ból i cierpienie”.

Zgodnie z wolą Renate Hofmann powstało formalnie The Renate, Hans and Maria Hofmann Trust z Warszawą na czele. Misją Trustu jest "promowanie badań i zrozumienia niezwykłego życia i dzieł Hansa Hofmanna" oraz realizacja tych celów "poprzez wystawy, publikacje i działania edukacyjne i programy skupiające się na Hansie Hofmannem", a także katalog raisonné obrazów Hofmanna . Amerykańskim przedstawicielem ds. praw autorskich w Renate, Hans and Maria Hofmann Trust jest Artists Rights Society .

Zobacz też

Bibliografia

Źródła

Zewnętrzne linki