Hyman Bloom - Hyman Bloom

Hyman Bloom
.jpg
Urodzić się
Hyman Melamed

( 1913-03-29 )29 marca 1913
Brunavišķi , Łotwa
Zmarł 26 sierpnia 2009 (2009-08-26)(w wieku 96 lat)
Nashua, NH , Stany Zjednoczone
Narodowość amerykański
Edukacja Uniwersytet Harwardzki
Znany z Obraz
Małżonkowie Nina Bohlen (1954-1961)
Stella Caralis (1978-2009)

Hyman Bloom (29 marca 1913 – 26 sierpnia 2009) był amerykańskim malarzem urodzonym na Łotwie. Jego twórczość była pod wpływem jego żydowskiego dziedzictwa i religii Wschodu, a także artystów takich jak Altdorfer , Grünewald , Caravaggio , Rembrandt , Blake , Bresdin , Ensor i Soutine . Po raz pierwszy zyskał rozgłos, gdy jego prace znalazły się na wystawie Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1942 roku „Amerykanie 1942 – 18 artystów z 9 stanów”. MoMA kupiła 2 obrazy z wystawy, a magazyn Time wyróżnił go jako „uderzające odkrycie” w przeglądzie wystawy.

Jego prace zostały wybrane na wystawy Biennale w Wenecji w 1948 i 1950 roku, a jego retrospektywa z 1954 roku odbyła podróż z bostońskiego Instytutu Sztuki Współczesnej do Albright Gallery i de Young Museum, zanim została zamknięta w The Whitney Museum of American Art w 1955 roku. W wywiadzie z 1954 roku z profesorem sztuki z Yale, Bernardem Chaetem, Willem de Kooning wskazał, że on i Jackson Pollock uważali Blooma za „pierwszego abstrakcyjnego ekspresjonistę w Ameryce”, etykietę, której Bloom by się wyparł. Od połowy lat pięćdziesiątych jego praca zaczęła się bardziej przesuwać w kierunku prac na papierze, a w latach sześćdziesiątych skupiał się wyłącznie na rysunku, powracając do malarstwa w 1971 roku. Kontynuował zarówno rysunek, jak i malowanie aż do śmierci w 2009 roku w wieku 96 lat.

Wczesne życie i edukacja

Dwóch zapaśników , Hyman Bloom, 1929

Hyman Bloom (né Melamed) urodził się w ortodoksyjnej rodzinie żydowskiej w maleńkiej żydowskiej wiosce Brunavišķi na terenie dzisiejszej Łotwy , wówczas części Imperium Rosyjskiego . Był jednym z sześciorga dzieci Józefa i Anny Melamedów. Jego ojciec był rzeźnikiem. Brunavišķi były biedną wioską na obszarze targanym niepokojami społecznymi, gdzie Żydzi żyli w obawie przed prześladowaniami. Hyman wraz z rodzicami i starszym bratem Bernardem wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1920 roku, dołączając do swoich dwóch najstarszych braci, Samuela i Morrisa, w Bostonie . W tym czasie dwaj bracia zmienili nazwisko na Bloom i założyli własny biznes skórzany. Dalsza rodzina mieszkała w trzypokojowym mieszkaniu w bostońskiej dzielnicy West End .

W młodym wieku Bloom planował zostać rabinem, ale jego rodzina nie mogła znaleźć odpowiedniego nauczyciela. W ósmej klasie otrzymał stypendium do programu dla uzdolnionych licealistów w Muzeum Sztuk Pięknych . Uczęszczał do Boston High School of Commerce, która znajdowała się w pobliżu muzeum. Uczęszczał także na zajęcia plastyczne w West End Community Center, domu osiedlowym . Zajęcia prowadził Harold Zimmerman, uczeń Szkoły Muzeum Sztuk Pięknych , który również uczył młodego Jacka Levine'a w innej osadzie w Roxbury . Kiedy Bloom miał piętnaście lat, on i Levine rozpoczęli studia u znanego profesora sztuki z Harvardu, Denmana Rossa , który wynajął w tym celu studio i wypłacał chłopcom tygodniowe stypendium, aby umożliwić im kontynuowanie studiów, a nie podejmowanie pracy, aby wspierać ich rodziny. Ross sponsorował Blooma od 1928 do 1933. Sponsorował także Harolda Zimmermana.

Trening Blooma pod kierunkiem Zimmermana i Rossa był rygorystyczny i tradycyjny. Zimmerman skupił się na rysowaniu, a Ross na malarstwie. Zimmerman zachęcał swoich uczniów do tworzenia kompozycji całostronicowych, a nie częściowych szkiców. Aby rozwinąć ich zdolności obserwacji, nalegał również, aby czerpią z pamięci, a nie bezpośrednio z modelu. Powiesił odbitki Williama Blake'a na ścianach domu w osadzie i zachęcał uczniów do syntezy obrazów z wielu źródeł. Zabrał Blooma i Levine'a na wycieczkę terenową do Museum of Modern Art w Nowym Jorku, gdzie Bloom był pod wrażeniem prac Rouaulta i Soutine'a i zaczął eksperymentować z ich ekspresyjnymi stylami malarskimi. Ross, którego inklinacje były bardziej akademickie, nauczył Bloom, jak obchodzić się z farbą w stylu wcześniejszych mistrzów. W ten sposób Zimmerman i Ross pielęgnowali szacunek dla tradycji artystycznej, jednocześnie nauczając, że sztuka to nie tylko kopiowanie, ale wykorzystanie wyobraźni do stworzenia formalnego projektu: idee, które później wpłynęły na szkołę malarstwa znaną jako ekspresjonizm bostoński .

Kariera zawodowa

Wczesna praca

W latach 30. Bloom pracował sporadycznie dla Public Works of Art Project i Federal Art Project oraz dla swoich braci. Był powolnym, metodycznym malarzem, który lubił pracować nad obrazem, potem odkładał go na bok i wracał do niego z nową perspektywą. W rezultacie miał problemy z dotrzymaniem rządowych terminów. Dzielił studio w South End z Levine i inną artystką, Betty Chase. To właśnie w tym okresie rozwinął przez całe życie zainteresowanie filozofią i muzyką Wschodu oraz teozofią .

Po raz pierwszy zwrócił uwagę całego kraju w 1942 roku, kiedy trzynaście jego obrazów znalazło się na wystawie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) Amerykanie 1942: 18 artystów z 9 stanów , której kuratorem była Dorothy Miller . MoMA kupiła dwa jego obrazy z tej wystawy i pojawił się w magazynie Time . Tytuły jego obrazów na wystawie odzwierciedlają niektóre z jego powracających wątków. Dwie były zatytułowane Synagoga , inne Żyd z Torą ; Jeden recenzent skrytykował Blooma za włączenie „stereotypowych” żydowskich obrazów. Miał też dwa obrazy zatytułowane Choinka i kolejny zatytułowany Żyrandol , do których wielokrotnie powracał. Inny, Skeleton (ok. 1936), został poprzedzony serią obrazów zwłok w latach czterdziestych, a Ryba (ok. 1936) była jednym z wielu obrazów i rysunków ryb, które stworzył w trakcie swojej kariery.

Bloom był początkowo kojarzony z rosnącym ruchem ekspresjonizmu abstrakcyjnego . Willem de Kooning i Jackson Pollock , którzy po raz pierwszy zobaczyli prace Blooma na wystawie w MoMA, uważali Blooma za „pierwszego artystę abstrakcyjnego ekspresjonizmu w Ameryce”. W 1950 roku został wybrany, wraz z takimi osobami jak de Kooning, Pollock i Arshile Gorky , do reprezentowania Stanów Zjednoczonych na Biennale w Wenecji . W tym samym roku Elaine de Kooning napisała o Bloom w ARTnews , zauważając, że w obrazach takich jak Harpie jego prace zbliżały się do totalnej abstrakcji: „cały wpływ tkwi we wrzącym działaniu pigmentu”. W 1951 Thomas B. Hess odtworzył Archaeological Treasure Blooma w swojej pierwszej książce Abstract Painting: Background and American Phase , wraz z pracami Picassa , Pollocka i innych. Zarówno de Kooning, jak i Hess zauważyli ekspresyjne operowanie farbą Blooma , kluczową cechę malarstwa abstrakcyjnego ekspresjonizmu.

Kiedy abstrakcyjny ekspresjonizm zdominował amerykański świat sztuki, Bloom zaczął się nim rozczarować, nazywając go „emocjonalnym katharsis, bez podstaw intelektualnych”. Ponadto zamiast przenieść się do Nowego Jorku, aby kontynuować karierę, zdecydował się pozostać w Bostonie. W rezultacie popadł w niełaskę krytyków i nigdy nie osiągnął takiej sławy, jak Pollock i inni. Nie lubił autopromocji i nigdy nie przywiązywał dużej wagi do uznania krytyków.

Obrazy zwłok

Zwierzę rzeźne (1953), olej na płótnie, 70 x 40in.

Zdjęcia zwłok Blooma należą do jego najbardziej fascynujących i kontrowersyjnych. Seria rozpoczęła się w 1943 roku, kiedy artysta David Aronson zaprosił Blooma, aby towarzyszył mu w wycieczce do kostnicy, gdzie pracował nad szkicami do obrazu Zmartwychwstanie . Bloom był zarówno odpychany, jak i przyciągany przez widok rozkładających się ciał i malował je, jak wyjaśnił później, w nadziei pogodzenia się ze śmiercią. W pierwszej grupie obrazów, która obejmuje zwłoki starszego mężczyzny (1944), zwłoki kobiety, widok z przodu (1945) i zwłoki kobiety, widok z tyłu (1947), ciała leżące na wznak ukazane są pionowo, jakby widziane z góry. Wyprostowana postawa przypomina ukrzyżowanego Chrystusa Grünewalda w Ołtarzu Isenheim , ulubionym obrazie Blooma. Jak zauważa krytyczka Judith Bookbinder, zwłoki „unoszą się”, by skonfrontować się z widzem. Bloom wierzył, że śmierć jest metamorfozą z jednej formy życia w drugą, gdy ciało jest konsumowane przez żywe organizmy: proces, dla którego zmartwychwstanie może być postrzegane jako metafora.

Obrazy zostały po raz pierwszy wystawione w bostońskiej Galerii Stuart w 1945 roku i spotkały się z mieszanymi recenzjami. W Durlacher Gallery w Nowym Jorku zostały one wystawione na zapleczu, dostępne do oglądania na życzenie. Niektórzy krytycy skarżyli się, że praca była „chorobliwa” i „makabryczna”, podczas gdy inni byli wdzięczni. Joseph Gibbs napisał: „Po chwili odrazy człowiek uświadamia sobie, że w pozornym pochłonięciu artysty śmiercią i rozkładem zawarte jest zmartwychwstanie – względna nieistotność zbiegłego ciała w przeciwieństwie do niezniszczalności ducha”. Robert Taylor nazwał go „malarzem o niezwykłej odwadze”.

Pod koniec lat czterdziestych i na początku pięćdziesiątych Bloom stworzył drugą, bardzo odmienną serię obrazów zwłok. Obrazy takie jak The Hull (1952), The Anatomist (1953) i Slaughtered Animal (1953) przedstawiają rozcięte zwłoki i amputowane kończyny. Niektórzy krytycy sugerowali, że te obrazy powstały z ekspozycji Blooma na pogromy w jego ojczyźnie, a później z doniesień o Holokauście . Według Blooma jego troską „była złożoność i piękno koloru prac wewnętrznych, ciekawość, zdumienie i poczucie przekraczania granic, które wywołuje taka ciekawość”. Cokolwiek innego mogło go motywować, Bloom miał uznanie artysty dla koloru i faktury powierzchni i podziwiał prace takich artystów jak Soutine ( Tusza wołowiny , 1924) i Rembrandt ( Lekcja anatomii dr Nicolaesa Tulpa , 1632; The Slaughtered Ox , 1655), które badały podobne tematy. Kolory rozkładających się zwłok, które widział w kostnicy, nazwał „przerażającymi”, a jednocześnie „pięknymi... opalizującymi i perłowymi”.

Motywy duchowe

Wiele obrazów Bloom przedstawia rabinów, zwykle trzymających Torę. Według Blooma jego intencje były bardziej artystyczne niż religijne. Zaczął kwestionować swoją żydowską wiarę wcześnie w życiu i malował rabinów, jak twierdził, bo o tym wiedział. W ciągu swojej kariery stworzył dziesiątki obrazów rabinów, z których niektóre były do ​​niego bardzo podobne. Zapytany, czy były to autoportrety, odpowiedział tajemniczo: „Kiedy kiedykolwiek namalowałem coś innego?”

Zainteresował się mistycyzmem i muzyką Wschodu na długo przed latami 60., kiedy związały się one z kulturą młodzieżową na Zachodzie. Nauczył się grać na sitarze , oud i innych instrumentach, aw 1960 pomógł Jamesowi Rubinowi założyć Fundację Pan Orient Arts, grupę organizującą koncerty i zbierającą nagrania indyjskich artystów.

W latach pięćdziesiątych brał LSD pod nadzorem lekarzy, którzy badali jego wpływ na kreatywność. Podczas tripu tworzył surrealistyczne szkice i niezrozumiałe gryzmoły, na jednej stronie pisząc słowa „religia hinduska”.

Wiele jego prac z lat 50. i 60. odzwierciedla jego zaabsorbowanie teozofią i światem duchów. Obrazy takie jak The Medium (1951) i jego seria Seance z połowy lat 50. przedstawiają media kierujące duchami. Artystę uważał za rodzaj kanału, którego nagrodą była „ekstaza z kontaktu z nieznanym”. Przez większą część lat 60. koncentrował się raczej na rysunku niż na malarstwie, aby skupić uwagę na kompozycji i wartości . Na płaszczyźnie astralnej (1966) to seria ponurych, surrealistycznych rysunków węglem, inspirowanych twórczością Altdorfera i Bresdina, w których samotne postacie, które weszły na płaszczyznę astralną poprzez śmierć lub medytację, są otoczone przez potwory. Zapytany, dlaczego wybrał tylko pierwszy poziom, pełen przerażających stworzeń, Bloom odpowiedział: „Ty rysujesz swoje doświadczenie”.

Późniejsza praca

Bloom kontynuował malowanie po dziewięćdziesiątce. Jego obrazy olejne przedstawiające lasy Lubec w stanie Maine pod koniec lat 70. emanują tym, co krytyk Holland Cotter nazwał „niepokojoną, ekstatyczną energią”. To samo można powiedzieć o jego pejzażach morskich, takich jak Seascape I (1974). Malował żywe martwe natury z kolorowymi tykwami ​​i opalizującą secesyjną ceramiką. Od połowy lat 80. do 2008 r. wyprodukował co najmniej dwadzieścia obrazów rabinów. W międzyczasie kontynuował wystawianie, głównie w okolicach Bostonu. Fuller Muzeum prezentowane pełną retrospektywę jego prac w roku 1996. Kolejny został zorganizowany przez National Academy of Design w Nowym Jorku w 2002 roku.

Katalog Raisonné Projekt

Rozpoczęto projekt raisonné katalogu Bloom. Szczegóły dotyczące projektu można znaleźć na stronie edukacyjnej Hyman Bloom . Jeśli jesteś właścicielem dzieła Bloom lub masz informacje na temat wymienionych „brakujących” prac Bloom, skontaktuj się z administratorem projektu, aby podać swoje dane.

Życie osobiste

Bloom był bliskim przyjacielem kompozytora Alana Hovhanessa i greckiego malarza mistyka Hermona di Giovanno . Cała trójka często spotykała się, aby dyskutować na różne mistyczne tematy i posłuchać indyjskiej muzyki klasycznej . Bloom zachęcał di Giovanno do jego sztuki, dostarczając mu zestaw pasteli, którymi wykonywał swoje najwcześniejsze obrazy.

Był żonaty z Niną Bohlen od 1954 do 1961, a Stella Caralis od 1978 aż do śmierci. Jego ostatnia rezydencja była w Nashua w New Hampshire . Zmarł tam 26 sierpnia 2009 roku w wieku 96 lat. Przeżyła go żona Stella.

Spuścizna

Bloom wpłynął na wielu artystów w rejonie Bostonu i gdzie indziej, i chociaż był w dużej mierze obojętny na trendy i ruchy, jest uważany za kluczową postać w bostońskiej szkole ekspresjonistycznej. Ponieważ pracował powoli, często trwając lata, aby ukończyć obraz, pozostawił stosunkowo niewielki dorobek. Powiedział, że utwór został ukończony „kiedy nastrój jest tak intensywny, jak to tylko możliwe”.

Jego prace znajdują się w kolekcjach Museum of Modern Art , Boston Museum of Fine Arts , Art Institute of Chicago , Whitney Museum of American Art , Smithsonian's Hirshhorn Museum , National Academy of Design i wielu innych. Hyman Bloom: The Beauty of All Things , film o życiu i twórczości artysty, został wydany w październiku 2009 roku.

Honory i nagrody

Uwagi

Bibliografia

Źródła

  • Alimi, Robercie. „Strona główna” . HymanBloomInfo.org .
  • Alimi, Robercie. „Wstęp” . HymanBloomInfo.org .
  • Alimi, Robercie. „Kluczowi ludzie” . HymanBloomInfo.org .
  • Introligator, Judyta (2005). Boston Modern: Ekspresjonizm figuratywny jako alternatywny modernizm . Durham, NH: University of New Hampshire Press. Numer ISBN 9781584654889.
  • Capasso, Mikołaj (2002). „Ekspresjonizm: roszczenia Bostonu do sławy”. Malarstwo w Bostonie: 1950-2000 . Amherst, MA: University of Massachusetts Press. s. 3, 5, 13. ISBN 9781558493643.
  • Chaet, Bernard (1980). „Boston Expressionist School: Wspomnienia malarza z lat czterdziestych”. Archiwum American Art Journal . Instytut Smithsona. 20 (1): 25–30. doi : 10.1086/aaa.20.1.1557495 . JSTOR  1557495 . S2CID  192821072 .
  • Cotter, Holandia (31 sierpnia 2009). „Hyman Bloom, malarz mistyki, nie żyje w wieku 96 lat” . New York Times . Źródło 31 sierpnia 2009 .
  • de Kooning, Elaine (styczeń 1950). „Hyman Bloom maluje obraz” . ARTnews . 48 (9): 30–33, 56.a
  • Francuski, Katarzyna (2006). „Hyman Bloom: duchowy uścisk” . Art. Danfortha. Cytowanie dziennika wymaga |journal=( pomoc )
  • Hess, Thomas B. (1951). Malarstwo abstrakcyjne . Prasa Wikingów. Hyman Bloom.
  • Johnson, Ken (29 sierpnia 2013). „Spacer wzdłuż granic wiary i ciała: obrazy rabina Hymana Blooma w White Box” . New York Times .
  • Lamm, Kimberly. „Hyman Bloom: Chronologia” . HymanBloomInfo.org .
  • McBee, Richard. „Podróż Hymana Blooma” . RichardMcBee.com .
  • Miller, Dorota C. (1942). Amerykanie 1942: 18 artystów z 9 stanów . Nowy Jork: Muzeum Sztuki Nowoczesnej.
  • „Hyman Bloom: Piękno wszystkich rzeczy” . Dokumentalne Zasoby Edukacyjne .

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki

Obrazy

Rysunki

Inne