Ekspresjonizm bostoński - Boston Expressionism

Ekspresjonizm bostoński to ruch artystyczny naznaczony emocjonalną bezpośredniością, czarnym humorem, motywami społecznymi i duchowymi oraz tendencją do figuratywności na tyle silną, że bostoński ekspresjonizm figuratywny jest czasami używany jako termin alternatywny, aby odróżnić go od ekspresjonizmu abstrakcyjnego , z którym się na siebie nakładał.

Pod silnym wpływem niemieckiego ekspresjonizmu i doświadczenia imigranckiego, a często żydowskiego, ruch zapoczątkowany w Bostonie w stanie Massachusetts w latach trzydziestych XX wieku trwa do dziś w formie trzeciej fali, a najsilniejszy rozkwit przypada na lata 50. – 70.

Najczęściej kojarzony z emocjonalnością i odważnymi wyborami kolorystycznymi oraz ekspresyjnym malowaniem pędzlem przez malarzy kluczowych dla ruchu, takich jak Hyman Bloom , Jack Levine i Karl Zerbe , ekspresjonizm bostoński jest również silnie kojarzony z wirtuozowskimi umiejętnościami technicznymi i odrodzeniem starej techniki mistrzowskiej. Prace rzeźbiarza Harold Tovish , które łączone z brązu, drewna lub tworzyw sztucznych jest jednym z przykładów tego pierwszego, podczas gdy złotnictwo i Silverpoint znaleźć w niektórych Joyce Reopel przykładem początku pracy jest ostatnia możliwość.

Pochodzenie

„Choinka” Hymana Blooma, 1945

Hyman Bloom i Jack Levine

Hyman Bloom i Jack Levine, obaj kluczowi postacie w tym ruchu, mają podobne korzenie. Oboje dorastali w społecznościach imigrantów: Bloom w slumsach bostońskiego West Endu i Levine w South End . W latach trzydziestych, uczęszczając jako dzieci na zajęcia plastyczne w domu osadniczym , oboje zdobyli stypendia artystyczne i przeszli szkolenie w Muzeum Fogga u Denmana Rossa . Obaj również czerpali ze swojego wschodnioeuropejskiego dziedzictwa żydowskiego i byli pod silnym wpływem „surowości i niepokoju” niemieckiego ekspresjonizmu i ówczesnych malarzy żydowskich, takich jak Chagall i Soutine . Bloom miał tendencję do eksplorowania tematów duchowych, podczas gdy Levine był bardziej skłonny do komentowania społecznego i czarnego humoru, ale oba zyskały na znaczeniu w 1942 roku, kiedy zostały włączone do Americans 1942: 18 Artists from 9 States , wystawa Museum of Modern Art, której kuratorem była Dorothy Miller . Wkrótce potem magazyn Time nazwał Bloom „jednym z najbardziej uderzających amerykańskich kolorystów”, a Levine zdobył nagrodę na wystawie w Metropolitan Museum w Nowym Jorku. Razem nazywano ich „złymi chłopcami z Bostonu”.

Karl Zerbe

„Street Scene # 2” Jacka Levine'a, 1938

Innym wpływowym artystą w tamtym czasie był Karl Zerbe, malarz z Niemiec, który studiował we Włoszech i którego wczesne prace naziści potępili jako „ zdegenerowane ”. Zerbe wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1934 roku, osiadł w Bostonie, gdzie kierował Wydziałem Malarstwa w School of the Museum of Fine Arts . Zerbe pomógł ożywić stateczną bostońską scenę artystyczną, przenosząc do Bostonu idee europejskie, zwłaszcza niemieckich ekspresjonistów. Załatwił Max Beckmann i Oskar Kokoschka , między innymi, aby wykładać w szkole muzeum.

Wcześni „bostońscy ekspresjoniści”

Na początku lat pięćdziesiątych Bloom, Levine i Zerbe oraz artyści, na których mieli wpływ, zostali nazwani bostońskimi ekspresjonistami. Myląco, czasami nazywano je również Szkołą Bostońską , nazwą zwykle używaną w odniesieniu do innej, starszej grupy z Bostonu.

Każdy z tych trzech artystów miał swój własny styl, jednak łączyły ich pewne tendencje. Malowali nie bezpośrednio z obserwacji, ale z pamięci i wyobraźni; jak ujął to Bernard Chaet , faworyzowali „konceptualne podejście nad percepcją”. Podobnie jak abstrakcyjni ekspresjoniści odrzucili preferowany przez nazistów fotograficzny naturalizm; a Willem de Kooning i Jackson Pollock , którzy widzieli prace Blooma w Ameryce w 1942 roku , uznali Blooma za „pierwszego abstrakcyjnego ekspresjonistę w Ameryce”. Jednak Bloom nigdy nie był zwolennikiem czystej abstrakcji, a Bloom, Levine i Zerbe również malowali w różnym stopniu w przenośni, dlatego w szczególności ich szkoła malarska jest czasami nazywana „bostońskim ekspresjonizmem figuratywnym”.

Ci trzej, podobnie jak cały ruch, byli znani ze swojej wiedzy technicznej. Podobnie jak ekspresjonizm abstrakcyjny, były malarski , traktując farbę siebie, a nie tylko jego kolor, jako znaczącego elementu. Znani ze swoich eksperymentów z nowymi mediami, byli również znani ze swojego zainteresowania metodologią na przestrzeni wieków, dlatego na przykład Zerbe pomógł w ożywieniu starożytnego egipskiego medium enkaustyki , mieszanki pigmentu i gorącego wosku, w latach czterdziestych XX wieku.

Chaet nazwał Blooma łącznikiem między ekspresjonizmem bostońskim a ekspresjonizmem abstrakcyjnym. Bloom's Christmas Tree (1945) to przykład jednej z jego bardziej abstrakcyjnych prac, która swoim kształtem ledwo sugeruje wygląd oryginalnego obiektu. Levine's Street Scene # 2 (1938), z nutą niebezpieczeństwa i zepsucia, jest przykładem charakterystycznych tematów Levine'a oraz malarskiego pędzla i zniekształconych, ale umiejętnie renderowanych postaci, które były charakterystyczne dla ekspresjonizmu bostońskiego.

Późniejsze pokolenia

Bloom, Levine i Zerbe wywarli wpływ na drugie pokolenie malarzy, wielu z nich to żydowscy imigranci pierwszego lub drugiego pokolenia, a wielu z nich to uczniowie Zerbe w szkole muzealnej. Na zdjęciu z 1947 roku wykonanym przez Johna Brook'a na wystawie Thirty Massachusetts Painters w Institute of Modern Art , Zerbe jest przedstawiony z artystami Carl Pickhardt , Reed Champion , Kahlil Gibran , John Northey, Esther Geller , Thomas Fransioli, Ture Bengtz , Giglio Dante , Maud Morgan i Lawrence Kupferman . (W swoich wspomnieniach Jean Gibran zwróciła uwagę na podobieństwo tego zdjęcia do kultowego zdjęcia „ The Irascibles ” magazynu Life , wykonanego w 1950 r., I dodaje: „Ale prawdziwymi„ irascibles ”byli artyści z Bostonu.”) Inni artyści z tej grupy obejmowali David Aronson , Jason Berger , Bernard Chaet , Reed Kay, Jack Kramer, Arthur Polonsky , Henry Schwartz, Barbara Swan , Mel Zabarsky , Lois Tarlow i Arnold Trachtman. Mitchell Siporin , który kierował Wydziałem Sztuk Pięknych na Uniwersytecie Brandeis w latach pięćdziesiątych, jest czasami zaliczany do tej kategorii.

Do pewnego stopnia wielu z tych młodych artystów było outsiderami w szkole muzealnej, z jej powiązaniami z establishmentem bostońskich braminów i naciskiem na tradycyjne techniki. Spoglądając wstecz na swoje dni, Arthur Polonsky przypomniał sobie, że jego koledzy z klasy nie wypowiadali się, że czegoś brakuje w „akademickich” obrazach Szkoły Bostońskiej, z jednej strony, i sterylnym „geometrycznym puryzmie” niektórych nowszych artystów na inny. Bloom, Levine i Zerbe pomogli wielu z nich znaleźć alternatywną ścieżkę. Zerbe przedstawił je nie tylko niemieckim artystom, takim jak Grosz i Dix , ale także meksykańskim artystom, takim jak Rivera i Siqueiros . Jednocześnie kontynuowali rygorystyczny program tradycyjnej edukacji artystycznej, studiując dawnych mistrzów Europy oraz anatomię i perspektywę. Duży nacisk położono na rysowanie. W miarę rozwoju umiejętności wielu uczniów przyjęło podejście figuratywne, rozumiejąc, że artysta nie jest reporterem. „Dręczyliśmy temat” - powiedział Polonsky. Wiele ich obrazów dotyczyło ludzkiego cierpienia, wykonanych bez chłodnego, ironicznego dystansu, który później wydawał się obowiązkowy przy podejmowaniu takich tematów.

„Ostatnia wieczerza” Davida Aronsona, 1944

Jednym z najbardziej utytułowanych artystów, którzy wyłonili się z tej grupy, był David Aronson. W 1946 roku jego „Trójca” i „Ostatnia wieczerza” znalazły się na wystawie Dorothy Miller Fourteen Americans w MoMA, gdzie wywołały zarówno pochwałę, jak i oburzenie. Pewien bostoński krytyk określił „Ostatnią wieczerzę” jako „podnóżek diabelskiego łóżka”. Aronson następnie kierował Wydziałem Sztuk Pięknych na Uniwersytecie Bostońskim , a jego prace są szeroko wystawiane i gromadzone.

Późniejsi artyści pod wpływem bostońskiego ekspresjonizmu to Aaron Fink , Gerry Bergstein, Jon Imber , Michael Mazur , Katherine Porter , Jane Smaldone, John Walker i inni. Philip Guston , który był związany z Bostonem i którego powrót do sztuki reprezentacyjnej w latach 70. budził kontrowersje, jest często wymieniany w kontekście ekspresjonizmu bostońskiego.

Filozofia

Według historyka sztuki Judith Bookbinder, „bostoński ekspresjonizm figuratywny był zarówno filozofią humanistyczną - to znaczy skoncentrowaną na człowieku i racjonalistyczną lub zorientowaną klasycznie filozofią - jak i formalnym podejściem do obchodzenia się z farbą i przestrzenią”. Pamela Edwards Allara z Wydziału Sztuk Pięknych Tufts University nazywa ekspresjonizm bostoński systemem przekonań stworzonym w kontekście: „Jest to dowód na spójny zestaw założeń dotyczących funkcji sztuki, który został ukształtowany przez klimat kulturowy miasta”.

Krytyk sztuki Robert Taylor, piszący w 1979 r., Zasugerował, że „postawy bostońskie” wywodzą się z religijnego pochodzenia Blooma i Levine'a. Po otrzymaniu wczesnych lekcji sztuki w ośrodku społeczności religijnej, rozumował, nie jest zaskakujące, że ich praca przejawiała pewien szacunek dla tradycji i dyscypliny. I odwrotnie, historyk sztuki Alfred Werner zasugerował w 1973 roku, że żydowscy imigranci uciekający przed uciskiem mieli większą swobodę w przyjmowaniu modernizmu niż inni Amerykanie, ponieważ byli „mniej przywiązani do szlachetnej tradycji”.

Przyjęcie

W latach trzydziestych XX wieku Boston był notorycznie konserwatywny, jeśli chodzi o sztukę. Nawet niewielka abstrakcja lub pomysłowe użycie koloru było nie do przyjęcia dla większości bostońskich krytyków i kolekcjonerów, w tym Muzeum Sztuk Pięknych , a impresjoniści, tacy jak Edmund C. Tarbell i Frank Benson , nadal byli postrzegani jako nowatorscy. W tej atmosferze współcześni artyści w Bostonie nie otrzymywali lokalnego wsparcia i musieli szukać wsparcia w Nowym Jorku. Kilka godnych uwagi wyjątków to Addison Gallery i Busch-Reisinger Museum oraz krytyk sztuki Dorothy Adlow , która wspierała ruch od jego najwcześniejszych dni.

W latach czterdziestych, w dużej mierze dzięki Bloomowi i Levine'owi oraz ich nowojorskim sukcesom, a także wpływowi Zerbe na jego uczniów, scena artystyczna w Bostonie zaczęła się otwierać. Krajowe magazyny, takie jak Time , Life i ARTnews , zwróciły na to uwagę. Boris Mirski Galeria otwarta Newbury Street, a gospodarzem wymiany pokazy z Edith Halpert „s Downtown Gallery w Nowym Jorku. W 1945 roku Adlow napisał: „Jeszcze kilka lat temu Boston był artystycznie konający ... Jednak w ciągu ostatnich kilkunastu lat nastąpił gwałtowny wzrost w życiu artystycznym Bostonu. Wyraźna przewaga w umiejętnościach technicznych i werwy twórczej wzbudził powszechne zainteresowanie ”.

Pomimo tych wydarzeń wielu bostońskich kolekcjonerów pozostało podejrzliwych w stosunku do sztuki współczesnej, a Muzeum Sztuk Pięknych nie popierało ich. Antysemityzm mógł być czynnikiem, biorąc pod uwagę, że bostońscy ekspresjoniści byli głównie Żydami. Równocześnie nowojorscy malarze, pozostając pod wpływem Szkoły Paryskiej , zmierzali w innym kierunku: nie tylko zniekształcali figury dla celów ekspresyjnych, ale całkowicie wystrzegali się figuracji. Zaniedbany w domu i poza Nowym Jorkiem, ekspresjonizm bostoński wypadł z łask w latach sześćdziesiątych i przez kolejne dziesięciolecia poświęcał niewiele uwagi historykom sztuki.

Niedawno pojawiły się wystawy w okolicach Bostonu oraz publikacja kilku książek i artykułów. W 2005 roku Judith Bookbinder opublikowała książkę na ten temat, Boston Modern: Figurative Expressionism as Alternative Modernism . Dokument Angeliki Brisk z 2009 roku o Bloom, The Beauty of All Things , został dobrze przyjęty, a film Gabriela Polonsky'ego o jego ojcu Arthurze Polonsky, Release from Reason , jest obecnie w produkcji. Jean Gibran, żona artysty „Kahlil Gibran” . , wspomina rozwijającą się scenę artystyczną bostońskiego ekspresjonizmu we wspomnieniach z 2014 roku, Love Made Visible: Scenes from a Mostly Happy Marriage .

Danforth Museum w Framingham w stanie Massachusetts , utrzymuje dużą kolekcję sztuki ekspresjonistycznej Boston. Recenzując wystawę z 2011 roku w Danforth, krytyk sztuki Boston Globe , Cate McQuaid, napisała: „Ekspresjonizm bostoński zawsze był soczysty, jasny i głęboko odczuwalny”.

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki