Wangechi Mutu - Wangechi Mutu

Wangechi Mutu
Urodzić się	( 1972-06-22 )22 czerwca 1972 (wiek 49) Nairobi , Kenia
Edukacja	United World College of the Atlantic , Cooper Union , Yale School of Art
Wybitna praca	Zawieszony czas odtwarzania (2008)
Ruch	Afrofuturyzm , afrykański futuryzm
Strona internetowa	www .wangechimutu .com

Wangechi Mutu (ur. 1972) to urodzona w Kenii amerykańska artystka wizualna , znana przede wszystkim z prac malarskich, rzeźbiarskich, filmowych i performerskich. Urodzona w Kenii, od ponad dwudziestu lat mieszka i rozwija swoją karierę w Nowym Jorku . Prace Mutu wyreżyserowały kobiece ciało jako podmiot poprzez malowanie kolaży , wciągającą instalację oraz performans na żywo i wideo, jednocześnie zgłębiając kwestie wizerunku siebie , konstruktów płci , traumy kulturowej i destrukcji środowiska , a także pojęć piękna i władzy.

Wykształcenie i wykształcenie

Mutu urodził się w 1972 roku w Nairobi , w Kenii . Kształciła się w Loreto Convent Msongari (1978-1989), a następnie studiowała w United World College of the Atlantic w Walii ( IB , 1991). Mutu przeniósł się do Nowego Jorku w latach 90., koncentrując się na sztukach pięknych i antropologii w The New School for Social Research oraz Parsons School of Art and Design . Uzyskała tytuł BFA w Cooper Union for the Advancement of the Arts and Science w 1996 roku oraz tytuł magistra rzeźby w Yale School of Art w 2000 roku.

Sztuka

Prace Mutu obejmują różne media, w tym kolaż, wideo, performance i rzeźbę, a także bada tematy płci, rasy i kolonializmu. Jej praca po części skupia się na przemocy i fałszywym obrazie, jakich doświadczają czarnoskóre kobiety we współczesnym społeczeństwie. Powracającym tematem w twórczości Mutu są jej różnorodne wizerunki kobiecości. Mutu posługuje się kobiecym tematem w swojej sztuce, nawet jeśli postaci są mniej lub bardziej nierozpoznawalne, czy to za pomocą samej formy, czy faktury i wzorów, z których postać jest wykonana. Posługiwanie się nieziemskimi przedstawieniami kobiet, wielokrotnie pokazywanych w pozornie seksualnej lub zmysłowej pozie, skłania do dyskusji o uprzedmiotowieniu kobiet. W szczególności Mutu zajmuje się hiperobiektyfikacją czarnych kobiecych ciał i wykorzystała nieziemski charakter, aby powtórzyć fikcyjną naturę społecznych przedstawień czarnych kobiet. Mówi się, że różne sposoby przedstawiania kobiecych cech Mutu wzmacniają siłę obrazów lub znaczenie prezentowanych kwestii, czy to poprzez delikatne wzory w linie, czy też znane kobiece sylwetki. Wiadomo, że wiele dzieł Mutu jest interpretowanych w sprzeczny sposób, zarówno jako współwinny problematycznego społeczeństwa, jak i dający nadzieję na przyszłe zmiany w społeczeństwie. Mówi się również, że użycie przez Mutu takich celowo odrażających lub nieziemskich obrazów może pomóc kobiecie odejść od doskonałości, jaka jest prezentowana w społeczeństwie, a zamiast tego przyjąć własne niedoskonałości i bardziej zaakceptować wady innych.

W rozmowie z Rachel Kent, kuratorką Museum of Contemporary Art Australia , mówi: „Staram się naciągnąć własne pomysły na odpowiednie sposoby przedstawiania kobiet. do oglądania - rzeczy, które czasami są niesmaczne lub nieetyczne". Mutu często używa w swoich pracach „groteskowych” faktur i jako inspirację cytuje książki medyczne swojej matki o chorobach tropikalnych , stwierdzając, że „nie ma nic bardziej szalenie wizualnie interesującego i odpychającego niż ciało zarażone chorobą tropikalną; są to choroby, które rosną i ropieją i stają się większe niż istota, którą zarazili, prawie."

Mutu potrafi dokonywać osobistych i kulturowych transfiguracji, przechodząc od malarstwa do rzeźby iz powrotem. Mutu mówi: „To przejście było tak potężne, ponieważ używałem swojego umysłu jako twórcy przedmiotów – myślę, że zawsze malowałem jak rzeźbiarz”. W swoich kolażach Mutu zaczęła odpowiadać na zachodnie standardy reklamy i piękna: intelektualista, faktyczną wandalizację tych obrazów, które mnie naruszały, czyniąc mnie niewidzialnym”.

Pracuje

Ekshumujące obżarstwo: Requiem kochanka (2006)

Mutu wystawiał instalacje rzeźbiarskie. W 2006 roku Mutu i brytyjski architekt David Adjaye współpracowali przy projekcie. Przekształcili kamienicę Upper East Side Salon 94 w Nowym Jorku w podziemną scenerię przyjęcia zatytułowanego Exhuming Gluttony: A Lover's Requiem . Futra i dziury po kulach zdobiły ściany, a butelki wina wisiały nad poplamionym stołem w niedbałej, przypominającej żyrandol formie. Liczne nogi stołu przypominały grube kości udowe z wyraźnie delikatnymi piszczelami, a cała przestrzeń miała ostry zapach. Artystka starała się pokazać chwilę obżarstwa, jak stwierdziła: „Chciałam stworzyć ucztę, wspólnotę umysłów i widzów. Coś poszło nie tak, jest tragedia lub rozwija się zło”. Ten zaciekły głód był postrzegany jako związek między obrazami Ostatniej Wieczerzy , klimatem obecnego świata kupującego sztukę i wojną w Iraku.

Zawieszony czas odtwarzania (2008)

Kolejna instalacja Mutu, Suspended Playtime (2008) to seria wiązek worków na śmieci, owiniętych złotym sznurkiem, jakby zawieszonych w pajęczyny , wszystkie zawieszone pod sufitem nad widzem. Instalacja nawiązuje do powszechnego wykorzystywania worków na śmieci jako improwizowanych piłek i innych zabawek przez afrykańskie dzieci.

Koniec zjedzenia wszystkiego (2013)

W 2013 roku we współpracy z artystą nagrywającym Santigoldem powstał pierwszy w historii film animowany Wangechi Mutu, Koniec jedzenia wszystkiego , na zlecenie Muzeum Sztuki Nashera . Film został animowany przez Awesome + Modest.

Nguwa na Nyoce (2014)

W 2014 roku prace Mutu można było oglądać na wystawie zatytułowanej Nguva na Nyoka w Victoria Miro Gallery w Londynie. Podczas wieczoru otwarcia wystawy Mutu zaprezentował spektakl, w którym goście byli zachęcani do spożywania czekoladowych syren Wangechi Mutu przygotowywanych na zamówienie. Goście mogli zdobyć syrenę tylko „pstrykając zdjęcie swojego pierwszego kęsa, lizania, smaku”, będącego komentarzem do „publicznej konsumpcji brązowych ciał”.

Seria Siedząca (2019)

W 2019 r. Mutu stworzył rzeźby z brązu (zatytułowane Siedzący I, Siedzący II, Siedzący IV ) do zewnętrznych nisz Metropolitan Museum of Art. Posągi siedzących kobiet były wystawiane od 9 września 2019 r. do 12 stycznia 2020 r.

Wystawy

Prace Mutu były wystawiane w galeriach i muzeach na całym świecie, w tym w San Francisco Museum of Modern Art , The Contemporary Austin (Teksas), Miami Art Museum , Tate Modern w Londynie, Centre for Fine Arts w Brukseli, Studio Museum w Harlemie w New York, Museum Kunstpalast w Düsseldorfie, Niemcy, Centre Georges Pompidou w Paryżu oraz Muzeum Sztuki Nashera na Duke University . Jej pierwsza indywidualna wystawa w dużym muzeum północnoamerykańskim została otwarta w Art Gallery of Ontario w marcu 2010 roku.

Prowadziła jednoosobowe pokazy w Museum of Contemporary Art Australia ; Deutsche Guggenheim , Berlin; Brooklyn Museum of Art ; Muzeum Sztuki Współczesnej w Montrealu ; Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco ; Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, Niemcy; Centrum Sztuki Współczesnej Wiels , Bruksela; Nasher Museum of Art w Duke University w Karolinie Północnej; Block Museum of Art na Northwestern University, Illinois; i Muzeum Sztuki w Miami .

W dniu 21 marca 2013 roku odbyła się jej pierwsza indywidualna wystawa w Stanach Zjednoczonych, Wangechi Mutu: A Fantastic Journey w Nasher Museum of Art . Wystawa Wangechi Mutu: fantastyczną podróż następnie udał się do Brooklyn Museum „s Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art w październiku 2013 r.

Uczestniczyła w Biennale Prospect 1 w Nowym Orleanie w 2008 roku oraz w Biennale Gwangju w Korei Południowej w 2004 roku . Jej prace były prezentowane na głównych wystawach, w tym Greater New York w PS1 Contemporary Art Center i Museum of Modern Art w Nowym Jorku, Black President: The Art and Legacy of Fela Anikulapo-Kuti w New Museum of Contemporary Art w Nowym Jorku i Barbican Centre w Londynie oraz USA Today w Royal Academy w Londynie.

Jesienią 2013 roku zespół kreatywny Wangechi Mutu wziął udział w głównym projekcie 5. Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej .

W 2014 roku brała udział w Boskiej Komedii. Niebo, piekło, czyściec z perspektywy afrykańskich artystów współczesnych w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMK) we Frankfurcie nad Menem, którego kuratorem jest Simon Njami . Mutu otrzymał 2014 United States Artist Grant.

W 2015 roku Mutu uczestniczyła w 56. Międzynarodowej Wystawie Sztuki w Wenecji Biennale zatytułowanej All The World's Futures , której kuratorem był Okwui Enwezor w miejscach Giardini i Arsenale. Uczestniczyła również w Dak'Art Biennale , w Kochi-Muziris biennale , triennale w Paryżu: intensywny zbliżeniowy, w International Center of Photography „s Triennale oraz Moskiewskim Biennale .

W 2016 roku jej film The End of Carrying All został wystawiony w Muzeum Sztuk Pięknych w Houston w Teksasie. Film przedstawia Mutu przechodzącego przez krajobraz z koszem wypełniającym się towarami konsumpcyjnymi, gdy krajobraz się zmienia, kończąc się erupcją wulkanu. W 2016 roku brała również udział w kilku wystawach zbiorowych, m.in. „Blackness in Abstraction” w Pace Gallery w Nowym Jorku, „Black Pulp!” w International Print Center w Nowym Jorku oraz „African in America” w Goodman Gallery w Johannesburgu.

W 2017 roku jej rzeźba z czarnego brązu Water Woman, przedstawiająca nguva, została umieszczona u stóp amfiteatru w czternastoakrowym parku rzeźb Contemporary Austins w Laguna Gloria . Oparta na wschodnioafrykańskim folklorze pół kobiety i pół morskiego stworzenia jest przedstawieniem historii narracji kobiet jako przebiegłych kusicielek. Wystawa trwała od 23 września 2017 do 14 stycznia 2018, kiedy to stała się częścią stałej kolekcji muzeum.

We wrześniu 2019 roku cztery kobiece rzeźby z brązu autorstwa Mutu: „Siedzące I, II, III i IV” zostały umieszczone w pustych niszach, zawsze przeznaczonych na rzeźbę wolnostojącą w fasadzie Metropolitan Museum of Art w pierwszym zaszczepienie i wystawa („Nowi nas uwolnią” 9 września – jesień 2020) tego, co będzie corocznym zamówieniem na prace współczesnych artystów. Mutu opisał posągi z brązu jako inspirowane kariatydami . Początkowo rzeźby miały być wystawiane do 12 stycznia 2020 r., ale ich ekspozycję przedłużono do 8 czerwca 2020 r., a z powodu pandemii COVID-19 przedłużono do jesieni 2020 r . „Seated I” i „Seated III” zostały następnie nabyte do stałej kolekcji The Met. Dyskusja z nią na temat wystawy i współczesności została nagrana 28 lipca 2020 roku do serii „Kobiety i krytyczne oko”.

W styczniu 2020 r. Mutu była częścią wystawy Artpace zatytułowanej Widoczności: Nieustraszone kobiety Artpace . Kuratorka wystawy Visibilities , której kuratorem jest Erin K. Murphy, nie tylko rozpoczyna obchody 25-lecia Artpace, ale także przedstawia byłych artystów z ich programu International Artist-in-Residency, takich jak Mutu, który był tam rezydentem jesienią 2004 roku. 12-panelowa seria Mutu Histologia różnych klas guzów macicy, składająca się z kolażowych wydruków cyfrowych, została wystawiona w salonie wystawowym Hudson.

Wpływ afrofuturyzmu i afrykańskiego futuryzmu

Twórczość Mutu została nazwana „twardo afrykańsko - futurystyczna i afrofuturystyczna ”, czego przykładem jest jej praca The End of Eating Everything (2013). W swojej instalacji w Brooklyn Museum w latach 2013–2014 afisz kuratorski towarzyszący jej pracy A'gave opisywał afrofuturyzm jako „estetykę, która wykorzystuje wymyślne strategie science fiction do wyobrażania sobie alternatywnych rzeczywistości dla Afryki i ludzi pochodzenia afrykańskiego”. Dla krytyków wyobrażenie alternatywnej rzeczywistości Mutu dla Afryki poprzez medium science fiction definitywnie sytuowało Mutu w gatunku afrofuturyzmu.

Specyficzne elementy sztuki Mutu, które sytuują ją w tym gatunku, to jej połączenia ludzi i maszyn lub Cyborgów w kolażach takich jak Drzewo genealogiczne, a także film Koniec jedzenia wszystkiego . Dodatkowo, twórczość Mutu konsekwentnie polega na celowym rewyobrażeniu afrykańskiego doświadczenia. W Misguided Little Unforgivable Hierarchies bada hierarchię społeczną i relacje władzy za pomocą kolażu, ponieważ „rankingi narodów były historycznie konstruowane wokół sfabrykowanych kategorii rasowych i etnicznych”. W drzewie genealogicznym , podobnie jak w wielu swoich pracach, Mutu celowo konstruuje zarówno przeszłość, jak i przyszłość w ramach jednej postaci, wyświetlając diagramy z antycznych czasopism medycznych, a także mechaniczne obrazy.

Kolekcje

Jej prace znajdują się w zbiorach Museum of Modern Art w Nowym Jorku ; Muzeum Sztuki Amerykańskiej Whitney ; Muzeum Studio w Harlemie ; Muzeum Sztuki Współczesnej, Chicago ; Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; Nasher Museum of Art w Duke University; Muzeum Brooklyńskie; i Tate Modern w Londynie.

Nagrody

23 lutego 2010 roku Wangechi Mutu został uhonorowany przez Deutsche Bank tytułem pierwszego „Artysty Roku”. Nagroda obejmowała indywidualną wystawę w Deutsche Guggenheim w Berlinie. Wystawa zatytułowana My Dirty Little Heaven odbyła podróż w czerwcu 2010 roku do Centrum Sztuki Współczesnej Wiels w Lesie w Belgii .

W 2013 roku Mutu otrzymała nagrodę publiczności BlackStar Film Festival dla ulubionego filmu eksperymentalnego w Filadelfii w Pensylwanii za film Koniec jedzenia wszystkiego , a także nagrodę Brooklyn Museum Artist of the Year, Brooklyn, New York.

Filantropia

W 2014 roku Mutu założył organizację charytatywną Africa's Out! , aby „posuwać się do radykalnych zmian dzięki sile sztuki i aktywizmu, w szczególności wspierając artystów, inicjatywy i instytucje z Afryki i jej diaspory, które celebrują wolność twórczej ekspresji”.

Bibliografia

Dalsza lektura

• Wangechi Mutu, jak powiedział Faye Hirsch. "Kobiety". Art in America , listopad 2013. Nowy Jork: Brant Publications, Inc. s. 54-55.
• „Doznania groteskowe: Karnawałizacja sensorium w sztuce Wangeshi Mutu” Bettiny Papenburg w: B. Papenburg i M. Zarzycka (red.) Estetyka cielesna . Londyn: IBTauris, 2013. ISBN  978-1-78076-013-1 .
• Preziuso, Mariko. „Czy Ameryka naprawdę jest pełna? Rozmowa z Wangechi Mutu”. Przejście, nie. 129, 2020, s. 26–45. JSTOR  10.2979/transition.129.1.03 Dostęp 1 kwietnia 2021 r.


Zewnętrzne linki

• Oficjalna strona internetowa