Gobelin - Tapestry

Jeden z gobelinów z serii The Hunt of the Unicorn : The Unicorn is Found, circa 1495-1505, The Cloisters , Metropolitan Museum of Art , Nowy Jork

Gobelin to forma sztuki tekstylnej , tradycyjnie tkana ręcznie na krośnie . Gobelin jest tkaniem wątkowym , w którym wszystkie nici osnowy są ukryte w ukończonym dziele, w przeciwieństwie do większości tkanin tkanych, gdzie zarówno nici osnowy, jak i wątku mogą być widoczne. W tkaniu gobelinowym przędze na wątek są zwykle nieciągłe; rzemieślnik przeplata każdy kolorowy wątek tam iz powrotem w swoim własnym małym obszarze wzoru. Jest to zwykły splot wątkowy z nićmi wątku w różnych kolorach nałożonymi na części osnowy w celu utworzenia wzoru.

Gobelin jest stosunkowo delikatny i trudny do wykonania, dlatego większość historycznych elementów jest przeznaczona do powieszenia pionowo na ścianie (czasem w namiocie), a czasami poziomo na meblu, takim jak stół lub łóżko. W niektórych okresach produkowano mniejsze kawałki, często długie i wąskie i używane jako obramowania dla innych tkanin. Europejskie gobeliny są zwykle wykonane tak, aby były widoczne tylko z jednej strony i często mają gładką podszewkę z tyłu. Jednak inne tradycje, takie jak chińskie kesi i prekolumbijskie Peru , sprawiają, że gobelin można oglądać z obu stron. Większość tkaczy używa naturalnych nici osnowowych, takich jak wełna , len lub bawełna. Nici wątku są zwykle wełniane lub bawełniane, ale mogą zawierać jedwab, złoto, srebro lub inne alternatywy.

Pokój Gobelinów z Croome Court , przeniesiony do Metropolitan Museum of Art , zawieszony na szytych na miarę XVIII-wiecznych gobelinach , pokrywający również krzesła. 1763-71

Gobelin należy odróżnić od innej techniki haftu , chociaż duże kawałki haftu z wizerunkami są czasami nazywane luźno „gobelinem”, jak w przypadku słynnego gobelinu z Bayeux , który w rzeczywistości jest haftowany. Od średniowiecza na europejskich gobelinach mogły być bardzo duże, z obrazami zawierającymi dziesiątki postaci. Często wykonywano je w zestawach, tak aby można było z nimi powiesić całe pomieszczenie.

Triumf sław , prawdopodobnie Bruksela , 1500s

W późnośredniowiecznej Europie gobelin był najwspanialszym i najdroższym nośnikiem dwuwymiarowych obrazów figuratywnych i mimo gwałtownego wzrostu znaczenia malarstwa zachował tę pozycję w oczach wielu renesansowych mecenasów co najmniej do końca XVI wieku, jeśli nie dalej. Tradycja europejska nadal się rozwijała i odzwierciedlała szersze zmiany w stylach artystycznych aż do rewolucji francuskiej i wojen napoleońskich , po czym odrodziła się na mniejszą skalę w XIX wieku.

Terminy i etymologia

Krosno o wysokiej osnowie w fabryce Gobelins z lustrami, aby tkacz za wstęgą mógł śledzić jego pracę ( zdjęcie krosna o niskiej osnowie ).

W języku angielskim „tapestry” ma dwa znaczenia, które odnoszą się do większości omawianych tu dzieł. Po pierwsze oznacza to pracę w opisanej powyżej i poniżej technice tkania gobelinu, a po drugie dość dużą wiszącą tkaninę z motywem figuratywnym. Niektóre prace haftowane, takie jak Gobelin z Bayeux , spełniają drugą definicję, ale nie pierwszą. Sytuację komplikuje francuski odpowiednik tapisserie , który obejmuje również prace igłowe , co może prowadzić do zamieszania, zwłaszcza w przypadku takich elementów, jak pokrowce na meble, w których stosuje się obie techniki.

Według Oxford English Dictionary , najwcześniejsze użycie w języku angielskim było w testamencie z 1434 r., wymieniając „Lectum meum de tapstriwerke cum leonibus cum pelicano”. Podają one szeroką definicję, obejmującą: "Tkanina tekstylna ozdobiona wzorami o tematyce ornamentalnej lub obrazkowej, malowana, haftowana lub tkana w różnych kolorach, używana na draperie, zasłony , pokrowce na siedzenia, ..." przed wzmianką "zwłaszcza" te utkane w splot gobelinowy.

Słowo gobelinowe pochodzi od starofrancuskiego Tapisserie , od tapisser , czyli „na okładce z grubego materiału, aby dywan”, z kolei od tapis , „ciężka tkanina”, poprzez łacińskie taśm ( gen : tapetis ), który jest latinisation z greki τάπης ( tapēs ; gen: τάπητος , tapētos ), „dywan, dywanik”. Najwcześniejszą potwierdzoną formą tego słowa jest mykeńska greka 𐀲𐀟𐀊 , ta-pe-ja , zapisana w sylabariuszu linearnym B .

„Tapestry” nie było dla nich powszechnym angielskim terminem aż do końca okresu klasycznego. Jeśli nie tylko nazywano je „zawieszeniami” lub „ubraniami”, były one znane jako „arras” z okresu, gdy Arras było wiodącym ośrodkiem produkcyjnym. Arazzo to nadal włoski termin na gobelin, podczas gdy wiele języków europejskich używa wariantów opartych na gobelinach , po francuskiej fabryce; Przykładowo, obydwa duńskim i Magyar stosowania gobelin (w duńskich Tapet pomocą tapety ). Thomas Campbell twierdzi, że w dokumentach dotyczących królewskiej kolekcji Tudorów od 1510 roku „arras” oznaczało konkretnie gobeliny ze złotą nicią.

Produkcja

Gobelin to rodzaj tkania . Można stosować krosna o różnych konstrukcjach, w tym krosna stojące lub „o wysokiej osnowie”, w których gobelin jest rozciągany pionowo przed tkaczem, lub krosna poziome „nisko osnowowe”, które były zwykle stosowane w dużych warsztatach średniowiecznych i renesansowych, ale później używany głównie do mniejszych kawałków. Tkacz zawsze pracuje na odwrocie dzieła i zwykle podąża za pełnowymiarową rysowaną lub malowaną kreskówką lub ewentualnie innym gobelinem; w zależności od ustawienia odwraca (jest lustrzanym odbiciem) obraz gobelinu. Kreskówka była zazwyczaj tworzone z mniejszą MODELLO , która w „przemysłowe” warsztaty z co najmniej pod koniec średniowiecza na został wyprodukowany przez profesjonalnego artysty, który często miał niewiele lub brak dalszego udziału w procesie. Karykatura została narysowana na liniach osnowy przez tkacza, a następnie umieszczona w miejscu, w którym wciąż można go było zobaczyć, czasami przez lustro, gdy wisiała za tkaczem. W przypadku krosien niskoosnowowych rysunek był zwykle cięty na paski i umieszczany pod splotem, gdzie tkacz mógł go zobaczyć przez „pajęczynę” nici. W ten sposób wycięto karykatury Rafaela , które są bardzo rzadkimi przykładami zachowanych kreskówek.

W europejskich „przemysłowych” gobelinach nićmi osnowy były zwykle wełna, ale w bardziej rzemieślniczych i starszych tkaniach często używano lnu . Nici wątku były wełniane, z jedwabną, srebrną lub złotą nicią używaną w najdroższych gobelinach. Niektóre słynne projekty, takie jak gobeliny z Kaplicy Sykstyńskiej i zestaw Historia Abrahama prawdopodobnie po raz pierwszy wykonany dla Henryka VIII , przetrwały w wersjach z metalami szlachetnymi i innych bez. Używanie jedwabiu może zwiększyć koszt czterokrotnie, a dodanie złotej nici ogromnie zwiększyło koszt, być może pięćdziesiąt razy więcej niż sama wełna.

Tkaczami byli zwykle mężczyźni, ponieważ praca była fizycznie wymagająca; przędzenie nici było zazwyczaj konfiturą kobiecą. Jakość gobelinów, poza wzornictwem i materiałami, zmienia się wraz ze szczelnością tkania. Jedną z nowoczesnych miar tego jest liczba nitek osnowy na centymetr. Szacuje się, że jeden tkacz mógłby wyprodukować metr kwadratowy średniej jakości gobelinu w ciągu miesiąca, ale tylko połowę tego, co najwyższej jakości.

Funkcjonować

Henryk VIII siedzący pod państwowym gobelinem

Sukces dekoracyjnego gobelinu można częściowo wytłumaczyć jego przenośnością ( Le Corbusier nazywał go kiedyś „koczowniczymi malowidłami ściennymi”). Całkowicie ręcznie tkana forma gobelinu jest bardziej odpowiednia do tworzenia nowych wzorów figuratywnych niż inne rodzaje tkanin tkanych, a krosna mogą być znacznie większe. Królowie i szlachta mogli składać i transportować gobeliny z jednej rezydencji do drugiej. Wielu królów miało wydziały „garderoby” z własnymi budynkami do pielęgnacji, naprawy i przemieszczania gobelinów, które składano w duże płócienne worki i wożono na wozach. W kościołach wystawiano je na specjalne okazje. Gobeliny były również nanoszone na ściany pałaców i zamków w celu izolacji w okresie zimowym, a także do dekoracji. W przypadku specjalnych procesji ceremonialnych, takich jak koronacje, wpisy królewskie i wesela, czasami wystawiano je na zewnątrz. Największe i najlepsze gobeliny, zaprojektowane z myślą o większej liczbie przestrzeni publicznych w pałacach, były wystawiane tylko na specjalne okazje, zmniejszając zużycie i blaknięcie. Przypuszczalnie mniejsze pokoje osobiste były zawieszone na stałe.

Wiele mniejszych kawałków zostało wykonanych jako pokrowce na meble lub poduszki, zasłony i zasłony do łóżek. Inne, zwłaszcza te stworzone dla patronów spoza ścisłej czołówki elity, zostały pocięte i ponownie wykorzystane do takich funkcji, gdy one lub ogólnie arrasy zaczęły wydawać się staromodne. Torebki, a czasem ubrania były innym powtórnym wykorzystaniem. Beauvais Manufaktura stała się raczej specjalista w dziedzinie mebli tapicerowanych, które pozwoliły jej przetrwać po Rewolucji Francuskiej , kiedy to stał się głównym pozostały rynek. W przypadku gobelinów z nicią z metali szlachetnych, mogą one zostać spalone w celu odzyskania metalu, tak jak żołnierze Karola V zrobili w przypadku niektórych gobelinów Kaplicy Sykstyńskiej , a francuski rząd Dyrektoriatu w latach 90. XVIII wieku zrobił to w przypadku większości królewskich kolekcji z okresu renesansu. .

W średniowieczu i renesansie bogata tablica gobelinowa utkana z symbolicznymi emblematami , motywami lub herbami zwanymi baldachimem , baldachimem państwowym lub suknem państwowym była zawieszona za i nad tronem jako symbol władzy. Siedzisko pod takim baldachimem państwa byłoby normalnie podnoszone na podwyższeniu .

Ponieważ obrazy zaczęto uważać za ważniejsze dzieła sztuki, zwykle w XVII wieku, gobeliny w pałacach były mniej przenoszone i zaczęto uważać je za mniej lub bardziej stałe wyposażenie poszczególnych pomieszczeń. To właśnie w tym momencie wycięto wiele starych gobelinów, aby umożliwić dopasowanie wokół drzwi i okien. Często też cierpieli zniewagę, wisząc na nich obrazy. Wykonano kilka nowych gobelinów, aby zmieściły się w określonym pomieszczeniu; projekt zestawu Gobelins z Croome Court , obecnie w Nowym Jorku, ma duże pole z ozdobnym wzorem, który można łatwo dopasować do wymiarów pokoju klienta.

Wczesna historia

Starożytny

Wiele jest niejasnych na temat wczesnej historii gobelinu, ponieważ rzeczywiste przetrwanie jest bardzo rzadkie, a wzmianki literackie w greckiej, rzymskiej i innej literaturze prawie nigdy nie podają wystarczająco dużo szczegółów, aby ustalić, że technika gobelinu jest opisywana. W starożytnym Egipcie w grobowcach Totmesa IV (zm. 1391 lub 1388 p.n.e.) i Tutenchamona (ok. 1323 p.n.e.) znajdowano sploty gobelinów z płótna .

Kawałki wełny, biorąc pod uwagę szeroki zakres dat około dwóch tysięcy lat temu, zostały znalezione na cmentarzu w Sanpul (Szampula) i innych miejscach w pobliżu Khotanu w dorzeczu Tarim . Wygląda na to, że powstały w różnych miejscach, w tym w świecie hellenistycznym . Największe fragmenty, znane jako gobelin Sampul i prawdopodobnie pochodzenia hellenistycznego, najwyraźniej pochodziły z dużego wiszącego na ścianie, ale zostały ponownie użyte do wykonania pary spodni.

Wczesnośredniowieczny i górnośredniowieczny

Hestia Tapestry od bizantyjskiej Egipcie około 500-550, jest w dużej mierze nienaruszone kawałek wełny z wielu figur wokół tronie bogini Hestia , który jest nazwany w greckich liter. Ma wymiary 114 x 136,5 cm (44,9 x 53,7 cala) z zaokrąglonym wierzchołkiem i prawdopodobnie został zawieszony w domu, co wskazuje na trwanie grecko-rzymskiego pogaństwa w tej późnej dacie. Cleveland Museum of Art ma porównywalną tronie Virgin Mary z podobnym terminie. Wiele małych bordiur i łat z wizerunkami, którymi wczesny świat bizantyjski lubił ozdabiać swoje ubrania, było wykonanych z gobelinów.

Szereg ocalałych z około 1000 roku pokazuje rozwój kształtu fryzu , dużego, długiego gobelinu, który jest stosunkowo niski. Zostały one najwyraźniej zaprojektowane tak, aby wisiały wokół sali lub kościoła, prawdopodobnie dość wysokie; zachowane przykłady prawie wszystkie zachowały się w kościołach, ale pierwotnie mogły być świeckie. Tkanina św Gereona , od około 1000, ma powtarzacie scentralizowany medalionów z motywem byka atakowany przez gryfa , wykonane z jedwabiu bizantyjskiego (lub jego odpowiednik) perskiego ale prawdopodobnie tkane lokalnie w Nadrenii . Przetrwał w kościele w Kolonii w Niemczech.

Scena z gobelinu z Bayeux przedstawiająca Odona, biskupa Bayeux , zbierającego wojska księcia Wilhelma podczas bitwy pod Hastings w 1066 r.

Pięć pasów gobelinów z Överhogdal , pochodzących ze Szwecji i datowanych na 70 lat od 1100 roku, ma wzory, w których zwierzęta znacznie przewyższają liczebnie postacie ludzkie i są interpretowane na różne sposoby. Jeden pasek ma motywy geometryczne. Skog gobelin , również ze Szwecji, ale prawdopodobnie na początku 14 wieku, jest porównywalna w wielkim stylu.

Najbardziej znanym wiszącym fryzem jest gobelin z Bayeux , w rzeczywistości haft, który ma 68,38 metra długości i 0,5 metra szerokości (224,3 stopy × 1,6 stopy), a pierwotnie byłby jeszcze dłuższy. Zostało to wykonane w Anglii, prawdopodobnie w latach 70. XX wieku, a narracja o podboju Anglii przez Normanów w 1066 jest bardzo jasna, wyjaśniona przez tituli po łacinie . Być może był to gatunek anglosaski, jak pisze Liber Eliensis, że wdowa po anglosaskim dowódcy Byrhtnoth dała opactwu Ely gobelin lub powieszenie świętujące jego czyny, przypuszczalnie w stylu gobelinu z Bayeux, jedynego zachowanego przykładu taka praca. Zostało to wydane natychmiast po jego śmierci w 991 w bitwie pod Maldon , więc prawdopodobnie wcześniej wisiał w jego domu.

Grupa z narracyjnymi scenami religijnymi w wyraźnie romańskim stylu , nawiązująca do iluminowanych rękopisów z Nadrenii z tego samego okresu, została wykonana dla katedry w Halberstadt w Niemczech około 1200 roku i ukształtowana inaczej, aby pasowała do konkretnych przestrzeni. Równie dobrze mogły one być wykonane przez zakonnice lub świeckie kanonicki pobliskiego opactwa Quedlinburg .

W tym okresie powszechnymi wzorami wydają się być powtarzające się motywy zdobnicze, coraz częściej heraldyczne, porównywalne ze stylami importowanych luksusowych tkanin, takich jak bizantyjski jedwab . Spośród wspomnianych wyżej gobelinów, ten styl najlepiej reprezentuje Tkanina św. Gereona.

Okres szczytowy, po około 1350

Flamandzki XVI w., Powrót z polowania , c. 1525-1550, Narodowa Galeria Sztuki

Decydująca zmiana w historii europejskiego gobelinu nastąpiła około 1350 roku i pod wieloma względami ustanowiła wzór dla przemysłu aż do końca jego głównego okresu ważności, w przewrotach po rewolucji francuskiej. Gobeliny wykonane dla bardzo małej liczby klientów, którzy mogli zlecić najlepsze dzieła, były teraz niezwykle duże i niezwykle drogie, bardzo często wykonywane w zestawach i często przedstawiały skomplikowane narracyjne lub alegoryczne sceny z dużą liczbą postaci. Wyrabiano je w dużych warsztatach skoncentrowanych w kilku miastach w stosunkowo niewielkim regionie północnej Francji i południowej Holandii (częściowo po to, by znajdować się w pobliżu dostaw angielskiej wełny). Zgodnie z konwencją wszystkie one są często nazywane „flamandzkimi gobelinami”, chociaż większość ośrodków produkcyjnych nie znajdowała się w rzeczywistości w Hrabstwie Flandrii .

Przed dotarciem do warsztatu tkackiego proces zamawiania zwykle obejmował mecenasa, artystę i kupca lub handlarza, który ustalał ustalenia i kontrakty. Wydaje się, że niektóre gobeliny zostały wykonane na magazyn, zanim pojawił się klient. Finansowanie znacznych kosztów założenia warsztatu jest często niejasne, zwłaszcza w początkowym okresie, ale władcy wspierali niektóre warsztaty lub innych zamożnych ludzi. Bardzo prawdopodobne, że w grę wchodzili również kupcy lub handlarze.

Centra tkackie

Często nie jest jasne, gdzie wykonano zachowane gobeliny sprzed około 1600 roku; od 1528 r. Bruksela , już wówczas wyraźnie główny ośrodek, wymagała od swoich tkaczy oznaczania gobelinów dowolnej wielkości znakiem miasta i znakiem tkacza lub kupca. W dowolnym czasie od 1350 do 1600 prawdopodobnie tylko jedno lub dwa ośrodki mogły wytworzyć największe i najwspanialsze zakony królewskie, a grupy wysoko wykwalifikowanych tkaczy migrowały do ​​nowych ośrodków, często zmuszanych do przemieszczania się przez wojny lub zarazę. Początkowo polem kierował Paryż, ale okupacja angielska po 1418 r. wysłała wielu do Arras , będącego już ośrodkiem. Z kolei Arras zostało splądrowane w 1477 r., co doprowadziło do powstania Tournai , aż do poważnej zarazy na początku następnego stulecia. Bruksela zyskiwała na znaczeniu, a teraz stała się najważniejszym ośrodkiem, którym pozostała do czasu, gdy wojna osiemdziesięcioletnia zniszczyła całą Holandię. Bruksela przeżywała odrodzenie na początku XVII wieku, ale od około 1650 r. francuskie fabryki coraz bardziej ją wyprzedzały i pozostawały dominujące, dopóki zarówno moda, jak i wstrząsy rewolucji francuskiej i wojen napoleońskich nie przyniosły praktycznie końca tradycyjnego popytu na duże gobeliny .

Zawsze było trochę tkania gobelinów, głównie w mniejszych warsztatach wytwarzających mniejsze wyroby, w innych miastach północnej Francji i Niderlandów. Tak było również w innych częściach Europy, zwłaszcza we Włoszech i Niemczech. Od połowy XVI wieku wielu władców zachęcało lub bezpośrednio zakładało warsztaty zdolne do wysokiej jakości pracy w swoich dziedzinach. Odniosło to największe sukcesy we Francji, ale Toskania, Hiszpania, Anglia i ostatecznie Rosja posiadały wysokiej jakości warsztaty, zwykle rozpoczynające się od importu grupy wykwalifikowanych pracowników z ośrodków „flamandzkich”.

Patroni

Głównymi ośrodkami tkactwa rządziły francuskie i burgundzkie gałęzie dynastii Valois , które w okresie późnego średniowiecza były niezwykle ważnymi mecenasami . Zaczęło się od czterech synów Jana II z Francji (zm. 1362), których inwentarze ujawniają, że posiadali setki gobelinów. Niemal jedynym wyraźnym przetrwaniem z tych kolekcji i najsłynniejszym gobelinem z XIV wieku jest ogromny gobelin Apocalypse , bardzo duży zestaw wykonany dla Ludwika I, księcia Anjou w Paryżu w latach 1377-1382.

Inny z braci, Filip Śmiały , książę Burgundii (zm. 1404) był prawdopodobnie jeszcze bardziej ekstrawaganckim rozrzutnikiem i prezentował wiele gobelinów innym władcom w całej Europie. Kilka ośrodków tkania gobelinów znajdowało się na jego terytoriach, a jego dary można uznać za dość udaną próbę zaszczepienia gustu dla dużych flamandzkich gobelinów na innych dworach, a także za część jego próby promowania statusu jego księstwa . Oprócz Burgundii i Francji arrasy podarowano kilku angielskim Plantagenetom oraz władcom Austrii, Prus, Aragonii, Mediolanu, a na jego specjalne życzenie osmańskiemu sułtanowi Bazajetowi I (w ramach okupu za księcia syn). Wydaje się, że żaden z zamówionych przez Filipa gobelinów nie przetrwał. Upodobanie Filipa do gobelinów było bardzo silne u jego potomków, w tym hiszpańskich Habsburgów.

Tematy i styl

Polowanie na Dzika i Niedźwiedzia , jeden z Gobelinów Myśliwskich w Devonshire , 1430–1450, V&A. 380 x 1020 cm, waga 50 kg.

Nowy styl wielkich gobelinów, które były duże i często w zestawach, przedstawiały głównie tematy z dużą liczbą postaci reprezentujących tematy narracyjne. Ikonografia wysokiego odsetka gobeliny narracyjnych wraca do źródeł pisanych, że Biblia i Owidiusz „s Metamorfozy są dwa popularne wybory.

Cechą tkania gobelinu, w przeciwieństwie do malarstwa, jest to, że tkanie obszaru dzieła zawierającego tylko stosunkowo proste obszary kompozycji, takie jak niebo, trawa czy woda, nadal wymaga stosunkowo dużej ilości powolnej i wprawnej pracy. To, w połączeniu z oczekiwaniem zleceniodawcy efektu obezwładniającej wspaniałości i oddaleniem głównych ośrodków od wpływów włoskich, doprowadziło do tego, że kompozycje północne pozostały przepełnione figurami i innymi detalami długo po tym, jak klasycyzujące trendy we włoskim malarstwie renesansowym ograniczyły natłok malarski. .

Ważnym wyzwaniem dla stylu północnego było przybycie do Brukseli, prawdopodobnie w 1516 roku, karykatur Rafaela dla papieskiej komisji Kaplicy Sykstyńskiej, wielkiego zestawu przedstawiającego Dzieje Apostolskie . Były one wysyłane z Rzymu i wykorzystywały najnowszy monumentalny, klasycyzujący styl renesansu , który poprzez druk docierał także na północ.

Polowanie

Dużym zainteresowaniem cieszyły się również sceny z polowań. Zazwyczaj nie otrzymywały one konkretnej oprawy, chociaż czasami komisarz i inne postacie mogły otrzymać portrety. Cztery gobeliny myśliwskie z Devonshire (1430-1450, V&A), prawdopodobnie wykonane w Arras, są prawdopodobnie największym zestawem przetrwań z XV wieku, pokazującym polowania na niedźwiedzie, dziki, jelenie, łabędzie, wydry i sokolnictwo. Obok rzezi spacerują bardzo modnie ubrane panie i panowie. Inny zestaw , po 1515 roku, prezentuje podobny późnośredniowieczny styl, choć częściowo wykonany z jedwabiu, a więc bardzo drogi.

Ale dwanaście utworów w Les Chasses de Maximilien (lata 30. XX w. , Luwr), wykonanych w Brukseli dla patrona Habsburgów, pokazuje zaawansowany renesansowy styl kompozycyjny dostosowany do gobelinów. Mają one scenę polowania na każdy miesiąc w roku, a także pokazują określone lokalizacje w mieście. Goya nadal projektował sceny myśliwskie w latach siedemdziesiątych XVIII wieku.

Wojskowy

Upadek Tangeru , jeden z Gobelinów Pastrany (lata 70. XIX wieku), rejestrujący zwycięstwa portugalskiego Alfonsa V około dekadę wcześniej. Tkane w Tournai

Po prawdopodobnej przerwie od XI wieku, pod koniec XIV wieku zestawy gobelinów powróciły jako najwspanialsze medium dla „oficjalnej sztuki militarnej ”, zwykle celebrujące zwycięstwa zleceniodawcy. Filip Śmiały zlecił rozegranie bitwy pod Roosbeke dwa lata po jego zwycięstwie w 1382 roku , która miała pięć metrów wysokości i łącznie ponad 41 metrów szerokości. Jan z Gaunt , książę Lancaster, nalegał, aby został zmieniony, kiedy Filip wystawił go na spotkaniu dyplomatycznym w Calais w 1393 roku, aby negocjować traktat pokojowy; Gaunt uważał, że temat jest nieodpowiedni na tę okazję. Portugalskie Gobeliny Pastrana (lata 70. XIV wieku) były wczesnym przykładem i rzadkością, która przetrwała tak wcześnie.

Bitwa pod Zamą (202 p.n.e.), ze scenariusza z życia Scypiona Afrykańskiego , kopia gobelinów z ok. 1930 r. 1688, według projektów Giulio Romano i Francesco Penni dla zestawu zniszczonego w rewolucji francuskiej

Powstało wiele zestawów z życia klasycznych bohaterów, które zawierały wiele scen bitewnych. Upamiętniono nie tylko wojnę trojańską , Aleksandra Wielkiego , Juliusza Cezara i Konstantyna I , ale także mniej prawdopodobne postacie, takie jak Cyrus Wielki ze starożytnej Persji .

Było wiele XV-wiecznych zestawów współczesnych wojen, szczególnie celebrujących zwycięstwa Habsburgów. Karol V zamówił duży zestaw po swoim decydującym zwycięstwie w bitwie pod Pawią w 1525 roku; zestaw znajduje się teraz w Museo di Capodimonte w Neapolu. Gdy prowadził wyprawę do Afryki Północnej, której kulminacją był podbój Tunisu w 1535 r. (nie trwalszy niż Tanger przedstawiony na gobelinach z Pastrany), zabrał ze sobą flamandzkiego artystę Jana Cornelisza Vermeyena , głównie w celu wykonania rysunków do planu gobelinów zamówionych po powrocie.

Współczesna tematyka wojskowa stała się raczej mniej popularna, ponieważ wiele wojen XVI-wiecznych nabrało charakteru religijnego, czasami do ich omówienia wybierano tematy alegoryczne. Ale bitwę pod Lepanto upamiętniono zestawem brukselskim, a klęskę hiszpańskiej Armady - gobelinami z Armady (1591); te zostały wykonane w Delft , przez zespół, który wykonał również wiele gobelinów ze zwycięstw holenderskiej marynarki wojennej. Zestaw Armady został zniszczony podczas spalenia parlamentu w 1834 roku, ale znany jest z odbitek. Oba zestawy przyjęły widok z lotu ptaka z góry i z daleka, co było kontynuowane w wielu późniejszych zestawach bitew lądowych, często w połączeniu z kilkoma dużymi postaciami na pierwszym planie. Do tego typu należały francuskie arrasy zlecone przez Ludwika XIV z okazji zwycięstw na początku jego panowania. Już pod koniec XVI w. zamówiono (obecnie w Madrycie) zbiór Triumfów i bitew arcyksięcia Alberta , który właśnie został suwerenem hiszpańskich Niderlandów (w rzeczywistości jego kariera wojskowa była raczej nieudana). Rada miejska Antwerpii zamówiła go w warsztacie Maartena Reymboutsa Młodszego w Brukseli, aby po raz pierwszy zobaczyć go przy okazji jego królewskiego wjazdu do Antwerpii pod koniec 1599 roku.

Zestaw wyprodukowany dla Johna Churchilla, 1. księcia Marlborough, pokazujący jego zwycięstwa, był zróżnicowany dla różnych klientów, a nawet sprzedany jednemu z jego przeciwników, Maksymilianowi II Emanuelowi, elektorowi Bawarii , po przerobieniu twarzy generała i innych detali.

Styl Millefleur

Dama i Jednorożec : À mon seul désir ( Musée national du Moyen Âge , Paryż). Prawdopodobnie Bruksela, ok. 1500.

Millefleur (lub millefleurs) był stylem tła wielu różnych małych kwiatów i roślin, zwykle pokazywanych na zielonym gruncie, jakby rosły w trawie. Często dodaje się różne zwierzęta, zwykle wszystkie mniej więcej tej samej wielkości, tak że królik lub gołąb i jednorożec niewiele różnią się wielkością. Drzewa są zwykle o wiele za małe i nie mają skali z otaczającymi je kwiatami, co jest również cechą powszechnie spotykaną w malarstwie średniowiecznym.

Styl millefleur był używany do różnych tematów od około 1400 do 1550, ale głównie od około 1480 do 1520. W wielu przypadkach tło millefleur rozciąga się do góry gobelinu, eliminując jakiekolwiek niebo; minimalizacja nieba była już cechą stylu gobelinowego; Gobeliny myśliwskie z Devonshire pokazują wczesny etap stylu. Wybitne tła millefleurów, w przeciwieństwie do tych w większości pokrytych postaciami, cechuje zwłaszcza tematyka alegoryczna i dworska. Słynne przykłady z serii Lady and the Unicorn z Paryża pochodzą z około 1500 roku.

Tła Millefleur stały się bardzo powszechne dla gobelinów heraldycznych, które były jednymi z najpopularniejszych stosunkowo małych typów, zwykle wyższych niż szerokich. Zazwyczaj w centrum znajdowały się herby patrona z szerokim polem kwiatowym. Często wisiały za patronem, gdy siedział w stanie lub jadł obiad, i zostały stworzone dla wielu szlachciców, których nie było stać na ogromne zestawy narracyjne kupowane przez członków rodziny królewskiej. Enghien było mniejszym ośrodkiem tkackim, który najwyraźniej się w tym specjalizował. Wcześniejsze rodzaje gobelinów heraldycznych często powtarzały we wzorach elementy heraldyki.

Krajobraz

„Wrzesień”, z Les Chasses de Maximilien , 1531

Po około 1520 r. najlepsze warsztaty odeszły od ustawień millefleur w kierunku naturalistycznego krajobrazu, ze wszystkimi elementami zwymiarowanymi w spójnej skali perspektywicznej. Gobeliny, których główną treścią był pejzaż i zwierzęta, określane są mianem tematów zieleni (z francuskiego „zieleń”). Ten gatunek ucierpiał bardziej niż większość z powodu zmian kolorystycznych, ponieważ zieleń gobelinów jest szczególnie podatna na blaknięcie lub zmianę koloru na niebieski. Mniejsze gobeliny tego typu były popularne aż do XVIII wieku i miały tę zaletę, że warsztaty mogły je wykonać bez konkretnego zamówienia i rozprowadzać je w całej Europie za pośrednictwem sieci dealerów. Od około 1600 roku podążali za szerszymi trendami w europejskim malarstwie pejzażowym i grafice. Oudenarde specjalizował się w nich, ale produkowano je w wielu miastach. Podobnie jak w przypadku obrazów, dodanie jednej lub dwóch postaci może podnieść takie elementy do przedstawienia historii z klasycznej mitologii lub tematu polowania.

Nadejście stylu i przedmiotów renesansowych

Pod koniec XV wieku tkacze gobelinów w Holandii bardzo swobodnie pracowali ze stylem gotyckim i powoli odzwierciedlali zmiany stylistyczne włoskiego renesansu ; być może wiodła presja ze strony klientów na gobeliny. Druki umożliwiły zobaczenie włoskich wzorów na północy.

Charakterystycznym tematem włoskim był triumf Petrarchana , wywodzący się z jego cyklu wierszy I trionfi (przed 1374). Pierwsze odnotowane gobeliny były komplet trzyczęściowy zamawiane przez księcia Filipa Śmiałego Burgundii z Paryża w 1399 roku zbiorem wykonana w 1450s dla Giovanni de”Medici , wiodącego patrona najnowszym stylu florenckim, używane kreskówki wysyłane z Włoch do Tkacze niderlandzcy. Ale tematy pasowały do ​​stylu tkaczy gobelinów, ponieważ większość projektów zawierała tłumy bogato ubranych postaci i trzeba było narysować przesłanie moralne.

16 wiek

XVI wiek kontynuował zamiłowanie do gobelinu i był prawdopodobnie najlepszym okresem w historii tego medium. Do tej pory miastami produkującymi gobeliny były w większości rządzone przez ród Habsburgów , który zastąpił Valois jako dominujących mecenasów. Na początku wieku Tournai było być może jeszcze największym ośrodkiem tkackim, ale po zarazie zostało zastąpione przez Brukselę, która jako niderlandzka stolica administracyjna Valois i Habsburgów w ostatnich dziesięcioleciach była prawdopodobnie już głównym ośrodkiem najwyższej jakości tkactwa do 1500 roku. Ale było wiele innych miast, w których tkano gobeliny.

Ukamienowanie św. Szczepana , zaprojektowane przez Rafaela dla Kaplicy Sykstyńskiej w latach 1515-16, późniejsza kopia przed 1557, w Mantui

Gobeliny zamawiali w Holandii władcy całej Europy, od króla Henryka VIII w Anglii po papieża Leona X i Zygmunta II Augusta z Polski i Litwy. Własność mniejszych gobelinów szerzyła się także w szlachcie i burżuazji . Od 1528 r. arrasy o większych rozmiarach, wykonane w Brukseli, musiały być tak oznakowane, i to znakiem wytwórcy lub marszandnika, co znacznie ułatwiało zadanie historykowi. Po porozumieniu między odpowiednimi cechami w 1476, rysunki do głównych projektów musiały być dostarczane przez członka cechu malarzy, podczas gdy tkacze mogli je szczegółowo opracowywać, zwłaszcza w projektach millefeur . Zapewniło to wysoką jakość projektu elementów brukselskich.

Na początku wieku późnogotycki style odbyła kołysać, a oba najsłynniejsze zestawy MillefleurUnicorn ” gobeliny zostały wykonane około 1500, być może do wzorów z Paryża: Dama z jednorożcem (obecnie Paryż), a polowanie z Jednorożec (obecnie Nowy Jork). Zestaw Papieża Leona do Kaplicy Sykstyńskiej , zaprojektowany przez Rafaela w latach 1515-16, oznaczał wprowadzenie do gobelinu pełnego włoskiego stylu renesansu , a najlepsi projektanci z północy próbowali go teraz przyjąć, co było dla nich raczej walką, chociaż szeroka dystrybucja druków w całej Europie dała im jedną łatwą drogę, którą wielu wybrało. Les Chasses de Maximilien (Polowania Maksymiliana) to seria dwunastu ogromnych gobelinów brukselskich zaprojektowanych przez Bernarda van Orleya w latach 30. XVI wieku dla Habsburgów, jedna z najbardziej udanych prób osiągnięcia nowoczesnego stylu renesansowego. Technicznie rzecz biorąc, gobeliny brukselskie w ostatniej ćwierci XV wieku stały się już na tyle wyrafinowane, że zaczęły zawierać elementy bardziej iluzjonistyczne, rozróżniając różne faktury w ich tematyce, a także portrety osób (obecnie w większości nieznanych), a nie postaci ogólnych.

W ciągu stulecia obrazy olejne w większości przeniosły się z podpór panelowych na płótno, pozwalając na znacznie większy rozmiar, i zaczęły poważnie konkurować z gobelinami. Autentyczność mistrzowskiego dotyku, na który pozwalały obrazy, ale nie było gobelinu, docenili najbardziej wyrafinowani mecenasi, w tym Habsburgowie. Jednak Karol V i Filip II z Hiszpanii nadal wydawali ogromne sumy na gobeliny, najwyraźniej uważając je za najwspanialszą formę dekoracji i taką, która zachowała ciągłość z ich burgundzkimi przodkami.

XVII wiek

Barokowy projekt Jacoba Jordaensa , Stworzenie konia , z serii końskiej, utkany z wełny, jedwabiu, złota i srebra, Bruksela, lata 50. XVI wieku

W początkach XVII wieku elita nadal cieszyła się zamiłowaniem do gobelinu, chociaż malarstwo stale zyskiwało na popularności. Bruksela pozostała najważniejszym ośrodkiem tkactwa, a Rubens , głównie z siedzibą w Antwerpii , wniósł do medium wielki styl barokowy , a Jacob Jordaens i inni również projektowali wiele. W późniejszych pokoleniach ważnymi projektantami byli Justus van Egmont (zm. 1674), Ludwig van Schoor (zm. 1702) i Jan van Orley (zm. 1735, ostatni z długoletniej dynastii ). Warsztaty brukselskie podupadły nieco w drugiej połowie wieku, zarówno gdy duże flamandzkie obrazy barokowe zajęły część ich rynku, a francuska konkurencja wycisnęła pozostałą niszę dla gobelinów.

Produkcja w Paryżu została wznowiona od 1608 roku, słabnąc w wojnach domowych w latach czterdziestych XVII wieku, ale wznowiono ją w 1658 roku, kiedy Nicolas Fouquet założył warsztat. Po jego upadku Colbert w większości połączył to z nową Manufakturą Gobelinów, którą założył dla króla w 1663 roku, która trwa do dziś. Beauvais Manufaktura , zawsze przedsiębiorstwem prywatnym, został założony w 1664 przez Colberta, ale tylko stał się znaczący od dwudziestu lat później. Gobelin z Aubussona , prawdopodobnie kontynuacja wcześniejszych małych warsztatów, był kontynuowany, ale miał nabrać większego znaczenia w następnym stuleciu. Prace Gobelins, karmione projektami w najnowszym stylu Ludwika XIV przez nadwornych artystów, stawały się coraz bardziej dominujące przez resztę stulecia, a do 1700 roku był najbardziej podziwianym i naśladowanym warsztatem w Europie.

Mortlake Tapestry roboty poza Londynem zostało założone w 1619 roku, z zachęty ze strony króla Karol I Stuart , używając flamandzkich tkaczy na początku, aw 1620s i 1630 były produkcji jednych z najlepszych jakości tkaniny w Europie. Warsztat Medici we Florencji trwał nadal, a od 1630 roku dołączył do niego jeden w Rzymie, założony przez kardynała Francesco Barberini z nieuniknionym importowanym flamandzkim dyrektorem. Zarówno warsztaty Mortlake, jak i Rzym wygasły pod koniec wieku. W Niemczech warsztaty powstały w Monachium w 1604 roku, a do końca wieku około dziewięciu innych miast, z których wiele było sponsorowanych przez miejscowego władcę.

18 wiek

Kreskówka Francisco Goya Parasol , 1777, Prado

Na początku stulecia wzrosło zainteresowanie tematyką krajobrazu, niektóre wciąż ze scenami myśliwskimi, inne ukazujące tematykę gatunkową życia na wsi.

W tym stuleciu rozpoczęto niewiele nowych warsztatów, z wyjątkiem Królewskiej Fabryki Tkaniny w Madrycie. Zaczęło się to w 1720 r., wkrótce po tym, jak Hiszpania utraciła swoje terytoria we Flandrii na mocy traktatu z Utrechtu . Hiszpański Filip V przywiózł do Madrytu Jacoba van der Gotena i sześciu jego synów. Najbardziej znane są te, które zaprojektował Francisco Goya z 1775 roku. Przedstawiają one głównie sceny rodzajowe przedstawiające kochanków lub mieszkańców wsi. Zarówno jego karykatury, jak i wykonane z nich gobeliny w większości przetrwały, wiele z nich znajduje się w Prado , a gobeliny wciąż znajdują się w królewskich pałacach. Podobnie jak w przypadku karykatur Rafaela do gobelinów Kaplicy Sykstyńskiej, współcześni krytycy wolą te karykatury. Prace były własnością prywatną van der Gotensów i ich potomków do 1997 r., a ostatni członek rodziny zrezygnował z funkcji przewodniczącego w 2002 r. Poza przerwami w czasie wojen nadal produkowano arrasy.

Mniej więcej w połowie wieku nowy styl rokoko okazał się bardzo skuteczny w gobelinach, teraz znacznie mniejszych niż wcześniej. François Boucher wyprodukował 45 karykatur dla Beauvais, a następnie do 1753 roku został dyrektorem artystycznym w Gobelins po malarzu zwierząt Jean-Baptiste Oudry . Najbardziej znanym zestawem Oudry'ego był ośmioosobowy The Pastoral Amusements, tworzony od lat dwudziestych XVIII wieku w wielu powtórzeniach.

W drugiej połowie stulecia główne warsztaty brukselskie stopniowo zamykano, ostatni w 1794 roku. Gobelin nie pasował ani do klasycyzmu, ani do romantyzmu , a to wraz z zakłóceniami rewolucji francuskiej i wojen napoleońskich przyniosło niemal produkcję dużych figuratywnych gobelinów. zatrzymać w całej Europie.

19 wiek

Osiągnięcie , jeden z gobelinów Świętego Graala , Morris & Co , 1890

W XIX wieku William Morris wskrzesił sztukę wyrobu gobelinów w stylu średniowiecznym w opactwie Merton . Morris & Co. stworzył udaną serię gobelinów do użytku domowego i kościelnego, z postaciami opartymi na rysunkach Edwarda Burne-Jonesa . Zestaw sześciu gobelinów Świętego Graala z lat 90. XIX wieku, powtarzanych kilkakrotnie, jest największym ich dziełem i być może najbardziej udanym.

Tradycyjne gobeliny wciąż powstają w fabryce Gobelins w Paryżu i królewskiej fabryce w Madrycie. Oni i kilka innych starych warsztatów europejskich również naprawiają i odnawiają stare gobeliny; główna brytyjska pracownia znajduje się w Hampton Court Palace , oddziale Royal Collection Trust .

Poza Europą

Chińskie kesi to splot gobelinowy, zwykle wykorzystujący jedwab na małą skalę w porównaniu do europejskich obić ściennych. Jednym z głównych zastosowań była odzież dworska. Gęstość węzłów jest zazwyczaj bardzo duża, a suknia najlepszej jakości może wymagać tyle samo pracy, co znacznie większy europejski gobelin. Początkowo używany do drobnych elementów, często z dekoracjami zwierzęcymi, ptakami i kwiatami lub smokami do cesarskich strojów, za czasów dynastii Ming służył do kopiowania obrazów.

Śmierć Polydorusa to jeden z niezwykłych zestawów siedmiu dużych gobelinów wykonanych w Chinach dla portugalskiego gubernatora Makau w latach 20. XVII wieku, łączących style zachodnie i chińskie. Większość zawieszeń jest haftowana, ale twarze i części ciała postaci sąpomalowane aplikacjami z jedwabnej satyny , co odzwierciedla chińską technikę często używaną do tworzenia buddyjskich sztandarów i większych form thangki .

Kilimy i dywaniki Navajo to również rodzaje prac gobelinowych, projekty obu ograniczają się głównie do wzorów geometrycznych podobnych do innych technik tkania dywanów.

Handira marokańska to ręcznie tkany gobelin wykonany przez berberyjskie kobiety w Atlasie Średnim jako część dziewczęcego posagu. Ten kremowy gobelin z cekinami zawiera hafty i lustrzane cekiny, które, jak uważa się, ostrzegają przed złym okiem i przynoszą baraka, marokańskie słowo oznaczające szczęście i dobrobyt. Gobelin jest noszony przez pannę młodą jako przykrycie w dniu ślubu, zanim użyje go jako narzuty w swojej sypialni małżeńskiej.

Współczesny gobelin

Gobelin Chrystusa w chwale , 1962, katedra w Coventry , wysokość 75,5 stóp (23,0 m), zaprojektowany przez Grahama Sutherlanda i utkany przez Pintona Frèresa  [ fr ] , Felletin , Francja

Tym, co odróżnia współczesną dziedzinę od jej historii sprzed II wojny światowej, jest dominacja artysty jako tkacza we współczesnym medium. Trend ten ma swoje korzenie we Francji w latach 50., gdzie jeden z „kreskowców” w studiach gobelinów w Aubusson , Jean Lurçat, zapoczątkował odrodzenie tego medium poprzez usprawnienie doboru kolorów, a tym samym uproszczenie produkcji, oraz organizację serii wystaw odbywających się co dwa lata. w Lozannie , Szwajcaria . Polska praca zgłoszona na pierwsze Biennale, które rozpoczęło się w 1962 roku, była całkiem nowa. Tradycyjne warsztaty w Polsce upadły w wyniku wojny. Również materiały artystyczne w ogóle były trudne do zdobycia. Wielu polskich artystów nauczyło się tkania w ramach nauki w szkole artystycznej i zaczęło tworzyć wysoce indywidualistyczne prace przy użyciu nietypowych materiałów, takich jak juta i sizal. Z każdym Biennalem na całym świecie rozbrzmiewała popularność prac skupiających się na odkrywaniu innowacyjnych konstrukcji z szerokiej gamy włókien.

W przedwojennych Stanach Zjednoczonych było wielu tkaczy, ale nigdy nie istniał rozbudowany system warsztatów produkujących gobeliny. Dlatego tkacze w Ameryce byli przede wszystkim samoukami i wybierali zarówno projektowanie, jak i tkanie swojej sztuki. Poprzez te wystawy w Lozannie artyści/tkacze z USA i innych krajów na całym świecie byli podekscytowani polskim trendem w kierunku form eksperymentalnych. W latach 70. prawie wszyscy tkacze badali modne w tamtym czasie techniki i materiały. Ten ruch przyczynił się do nowo zrealizowanej dziedziny tkania artystycznego, określanej mianem „współczesnego gobelinu”, była opcja pracy z fakturą, z różnymi materiałami i swobodą indywidualności w projektowaniu

W latach 80. stało się jasne, że proces tkania gobelinu z licem wątkowym ma jeszcze jedną zaletę, mianowicie stabilność. Artyści, którzy wybrali gobelin jako swoje medium, rozwinęli szeroki zakres osobistej ekspresji, stylów i tematów, stymulowanych i pielęgnowanych przez międzynarodowy ruch na rzecz ożywienia i odnowienia tradycji gobelinów z całego świata. Rywalizacja o zamówienia i poszerzanie miejsc wystawienniczych były istotnymi czynnikami określającymi i realizującymi swoje cele przez artystów.

Le Bouquet, Marc Saint-Saëns 1951.

Duża część impulsu w latach 80. do pracy w tym bardziej tradycyjnym procesie pochodziła z Bay Area w północnej Kalifornii, gdzie dwadzieścia lat wcześniej Mark Adams, artysta eklektyczny, miał dwie wystawy swoich projektów gobelinów. Następnie zaprojektował wiele dużych gobelinów dla lokalnych budynków. Hal Painter, inny szanowany artysta w okolicy, stał się płodnym artystą gobelinem w ciągu dekady, tkając własne projekty. Był jednym z głównych artystów, którzy „…stworzyli atmosferę, która przyczyniła się do narodzin drugiej fazy współczesnego ruchu tekstylnego – tkaniny jako sztuki – uznania, że ​​tekstylia nie muszą już być użytkowe, funkcjonalne, by służyć jako wnętrze dekoracja."

Na początku lat 80. wielu artystów zobowiązało się do zwiększenia profesjonalizmu, co często oznaczało podróże, aby uczestniczyć w rzadkich programach edukacyjnych oferowanych przez nowo powstałe pracownie, takie jak San Francisco Tapestry Workshop, lub do odległych instytucji, które uznali za odpowiadające ich potrzebom. Zjawisko to miało miejsce w Europie i Australii, a także w Ameryce Północnej.

Okazje do zgłaszania się do jurorskich eksponatów gobelinów zaczęły pojawiać się w 1986 roku, głównie dlatego, że American Tapestry Alliance (ATA), założony w 1982 roku, zorganizował dwuletnie jurorskie eksponaty począwszy od 1986 roku. Biennale miały zbiegać się z Handweavers Guild lub America's Convergence konferencje. Nowy potencjał zobaczenia prac innych artystów gobelinów i możliwość obserwowania, jak w takich miejscach może wyglądać własna praca, znacznie zwiększyły świadomość społeczności artystów o podobnych poglądach. Powstały regionalne grupy do produkcji eksponatów i wymiany informacji.

Pragnienie wielu artystów do większej interakcji nasiliło się, gdy międzynarodowe sympozjum gobelinów w Melbourne w Australii w 1988 roku doprowadziło do powstania drugiej organizacji zajmującej się gobelinami, International Tapestry Network (ITNET). Jego celem było połączenie amerykańskich artystów gobelinów z rozwijającą się społecznością międzynarodową. Magazyny zostały wycofane w 1997 roku, ponieważ komunikacja cyfrowa stała się bardziej użytecznym narzędziem interakcji. Ponieważ świat wkroczył w erę cyfrową, artyści gobelinów na całym świecie nadal dzielą się i inspirują nawzajem swoimi pracami.

Typowe krosno do ręcznego tkania mniejszych gobelinów wciąż używane w Skandynawii

Jednak w nowym tysiącleciu na polu pojawiły się linie uskoków. Wiele uniwersytetów, które wcześniej dysponowały silnymi komponentami tkackimi na swoich wydziałach artystycznych, takich jak Uniwersytet Stanowy w San Francisco, nie oferowało już tkania ręcznego jako opcji, ponieważ skupiły się na sprzęcie komputerowym. Podstawową przyczyną odrzucenia praktyki był fakt, że tylko jeden uczeń mógł korzystać ze sprzętu podczas trwania projektu, podczas gdy w większości mediów, takich jak malarstwo czy ceramika, sztalugi lub koła garncarskie były używane przez kilku uczniów w ciągu dnia. Na całym świecie ludzie z różnych kultur zaczęli przyjmować te formy dekoracji do zawodu i użytku osobistego.

W tym samym czasie „sztuka włókiennicza” stała się jednym z najpopularniejszych mediów w ich programach artystycznych. Młodzi artyści byli zainteresowani eksploracją szerszego zakresu procesów tworzenia sztuki poprzez materiały zaliczane do włókien. To przesunięcie w kierunku bardziej multimedialnych i rzeźbiarskich form oraz chęć szybszego tworzenia dzieł spowodowały, że współcześni artyści gobelinów w instytucjach akademickich i poza nimi zastanowili się, w jaki sposób mogliby dotrzymać kroku, aby utrzymać widoczność w swojej formie sztuki.

Susan Iverson, profesor School of the Arts na Virginia Commonwealth University , wyjaśnia swoje powody:

Do gobelinu trafiłam po kilku latach zgłębiania skomplikowanych splotów. Zakochałem się w gobelinie ze względu na jego prostotę — jego prostolinijność. Pozwoliło mi to zbadać formę, obraz lub fakturę i miało integralność strukturalną, aby zachować własną formę. Podobała mi się materialna jakość gobelinu utkanego ciężkimi nićmi – jego obiektowa jakość.

Inna wybitna artystka, Joan Baxter, stwierdza:

Moja pasja do gobelinu pojawiła się nagle pierwszego dnia, kiedy się z nim zapoznałam na pierwszym roku w ECA [Edinburgh College of Art]. Nie pamiętam, żebym kiedykolwiek świadomie myślał o gobelinie przed tym dniem, ale jakoś wiedziałem, że ostatecznie Byłbym w tym naprawdę dobry. Od tamtego dnia, dzięki studiom w Szkocji i Polsce, 8-letniej pracy w studio tkackim w Anglii i Australii, a od 1987 roku jako niezależny artysta gobelinu, mogłem coraz głębiej torować sobie prostą drogę w kierunku gobelinu. Wymagający etos twórczy działu gobelinów dał mi pewność siebie, motywację i samodyscyplinę, których potrzebowałem, aby wyruszyć w świat jako zawodowy tkacz i artysta gobelinu. Najbardziej inspirujące dla mnie, jako młodego studenta, było to, że wszyscy moi nauczyciele na wydziale ćwiczyli, pokazując artystów pozytywnie angażujących się w nowatorski wówczas międzynarodowy ruch Fibre Art.

Archie Brennan , obecnie w szóstej dekadzie tkania, mówi o gobelinie:

500 lat temu był już niezwykle wyrafinowany w swoim rozwoju - estetycznie, technicznie i pod względem różnorodności przeznaczenia. Dziś jego brak określonego celu, jego rzadkość, daje mi możliwość poszukiwania nowych ról, poszerzenia jego historycznego języka, a przede wszystkim zdominowania mojego kompulsywnego, twórczego popędu. W 1967 roku podjąłem formalną decyzję o odejściu od rozkwitającego i ekscytującego ruchu sztuki włókienniczej i skupieniu się na od dawna ugruntowanej graficznej roli tkanego gobelinu.

W połowie XX wieku nowe formy sztuki gobelinu zostały opracowane przez dzieci w Centrum Sztuki Ramzesa Wissa Wassef w Harrania w Egipcie.

Gobeliny żakardowe, kolor i ludzkie oko

Termin gobelin jest również używany do opisania tekstyliów z wątkiem, wykonanych na krosnach żakardowych . Przed latami 90. tkaniny obiciowe i reprodukcje słynnych gobelinów średniowiecza były wytwarzane techniką żakardową, ale ostatnio artyści tacy jak Chuck Close , Patrick Lichty i warsztat Magnolia Editions dostosowali skomputeryzowany proces żakardowy do tworzenia dzieł sztuki . Zazwyczaj gobeliny są tłumaczone z oryginalnego projektu w procesie przypominającym malowanie po numerach : rysunek jest dzielony na regiony, z których każdy ma przypisany jednolity kolor na podstawie standardowej palety. Jednak w tkaniu żakardowym powtarzające się serie wielobarwnych nitek osnowy i wątku mogą być używane do tworzenia kolorów, które są optycznie mieszane – tj. ludzkie oko postrzega kombinację wartości nici jako jeden kolor.

Metodę tę można przyrównać do puentylizmu , który wywodzi się z odkryć dokonanych w medium gobelinowym. Pojawienie się tego stylu w XIX wieku można przypisać wpływowi Michela Eugène Chevreula , francuskiego chemika odpowiedzialnego za opracowanie koła barw podstawowych i pośrednich odcieni. Chevreul pracował jako dyrektor farbiarni w zakładzie gobelinów Les Gobelins w Paryżu , gdzie zauważył, że na postrzegany kolor danej nici wpływały otaczające ją nici, zjawisko, które nazwał „jednoczesnym kontrastem”. Prace Chevreula były kontynuacją teorie koloru opracowane przez Leonarda da Vinci i Goethego , z kolei jego twórczość wywarła wpływ na takich malarzy jak Eugène Delacroix i Georges-Pierre Seurat .

Zasady sformułowane przez Chevreula odnoszą się również do współczesnych wyświetlaczy telewizyjnych i komputerowych, w których do renderowania kolorów wykorzystuje się maleńkie kropki światła czerwonego, zielonego i niebieskiego ( RGB ), przy czym każdy z nich nazywany jest pikselem .

Lista znanych gobelinów

St Adelphus daje ubrania dla biednych , część tkaniny z życia i cudów św Adelphus , c. 1510 ( Église Saint-Pierre-et-Saint-Paul, Neuwiller-lès-Saverne )
Gobelin z monogramem „SA” króla Zygmunta II Augusta z Polska / Litwa , Bruksela , c. 1555. Część słynnych arrasów jagiellońskich , zwanych również arrasami wawelskimi lub arrasami wawelskimi.
Triumfalny wjazd Konstantyna do Rzymu , z Historii Konstantyna , projekt Peter Paul Rubens i Pietro da Cortona, 1622

Uwagi

Bibliografia

Dalsza lektura

  • Ortiz, A.; Carretero, C.; i in. (1991).Blask monarchii hiszpańskiej: renesansowe gobeliny i zbroje z Patrimonio Nacional. Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art.
  • Thomas P Campbell, Gobelin w baroku: nici splendoru , 2007, Metropolitan Museum of Art
  • Bremer–David, Clarissa, Woven Gold - Gobeliny Ludwika XIV , 2016, Getty Publications / Yale
  • Souchal, Geneviève, Arcydzieła gobelinu od XIV do XVI wieku , 1974, Metropolitan Museum of Art

Zewnętrzne linki

  • West Dean College, Studio Gobelinów [1]