Rzeźba -Sculpture

Umierający Gal lub Galia Kapitolińska rzymska marmurowa kopia hellenistycznego dzieła z końca III wieku p.n.e. Muzea Kapitolińskie , Rzym
Netsuke przedstawiająca tygrysicę z dwoma młodymi, Japonia z połowy XIX wieku, kość słoniowa z wkładką z muszli

Rzeźba to dziedzina sztuk plastycznych działająca w trzech wymiarach . Rzeźba to trójwymiarowe dzieło sztuki, które jest fizycznie prezentowane w wymiarach wysokości, szerokości i głębokości. Jest to jedna ze sztuk plastycznych . Trwałe procesy rzeźbiarskie pierwotnie wykorzystywały rzeźbienie ( usuwanie materiału ) i modelowanie ( dodawanie materiału , np . . Szeroka gama materiałów może być obrabiana przez usuwanie, takie jak rzeźbienie, montaż przez spawanie lub modelowanie, formowanie lub odlewanie .

Rzeźby w kamieniu przetrwały znacznie lepiej niż dzieła sztuki z łatwo psujących się materiałów i często stanowią większość zachowanych dzieł (innych niż ceramika ) z kultur starożytnych, chociaż odwrotnie, tradycje rzeźby w drewnie mogły prawie całkowicie zniknąć. Jednak większość starożytnych rzeźb była pomalowana na jaskrawe kolory i to zaginęło.

Rzeźba zajmowała centralne miejsce w pobożności religijnej w wielu kulturach, a do ostatnich stuleci duże rzeźby, których wykonanie było zbyt drogie dla osób prywatnych, były zwykle wyrazem religii lub polityki. Te kultury, których rzeźby przetrwały w dużych ilościach, obejmują kultury starożytnego basenu Morza Śródziemnego, Indii i Chin, a także wiele z Ameryki Środkowej i Południowej oraz Afryki.

Zachodnia tradycja rzeźby rozpoczęła się w starożytnej Grecji , a Grecja jest powszechnie postrzegana jako produkująca wielkie arcydzieła w okresie klasycznym . W średniowieczu rzeźba gotycka przedstawiała męki i namiętności wiary chrześcijańskiej. Odrodzenie klasycznych modeli w renesansie zaowocowało słynnymi rzeźbami , takimi jak posąg Dawida Michała Anioła . Rzeźba modernistyczna odeszła od tradycyjnych procesów i nacisku na przedstawienie ciała ludzkiego, wykonując rzeźbę konstrukcyjną i prezentację znalezionych przedmiotów jako gotowych dzieł sztuki.

typy

Podstawowe rozróżnienie dotyczy rzeźby „na okrągło”, wolnostojącej rzeźby, takiej jak posągi , nie przymocowanej (z wyjątkiem ewentualnie podstawy) do żadnej innej powierzchni, oraz różnych rodzajów płaskorzeźb , które są przynajmniej częściowo przymocowane do tła powierzchnia. Relief jest często klasyfikowany według stopnia wysunięcia ze ściany na płaskorzeźbę niską lub płaskorzeźbę , płaskorzeźbę wysoką , a czasem pośrednią płaskorzeźbę . Płaskorzeźba to technika ograniczona do starożytnego Egiptu . Relief jest typowym środkiem rzeźbiarskim dla dużych grup postaci i tematów narracyjnych, które są trudne do wykonania w rundzie, i jest typową techniką stosowaną zarówno w rzeźbie architektonicznej , która jest przymocowana do budynków, jak i w małej rzeźbie zdobiącej inne przedmioty, jak w przypadku wielu wyrobów garncarskich , metalowych i jubilerskich . Rzeźba płaskorzeźba może również ozdabiać stele , pionowe płyty, zwykle kamienne, często zawierające również inskrypcje.

Inne podstawowe rozróżnienie dotyczy subtraktywnych technik rzeźbienia, które usuwają materiał z istniejącego bloku lub bryły, na przykład kamienia lub drewna, oraz technik modelowania, które kształtują lub budują pracę z materiału. Techniki takie jak odlewanie , tłoczenie i formowanie wykorzystują pośrednią matrycę zawierającą projekt do wykonania pracy; wiele z nich pozwala na produkcję kilku kopii.

Płaskorzeźby skalne buddyjskie na świeżym powietrzu w grotach Longmen w Chinach

Termin „rzeźba” jest często używany głównie do opisania dużych dzieł, które są czasami nazywane rzeźbami monumentalnymi , co oznacza jedną lub obie rzeźby, które są duże lub przymocowane do budynku. Ale termin właściwie obejmuje wiele rodzajów małych prac w trzech wymiarach przy użyciu tych samych technik, w tym monety i medale , rzeźby z twardego kamienia , termin określający małe rzeźby w kamieniu, które mogą wymagać szczegółowej pracy.

Bardzo duży lub „kolosalny” posąg cieszy się niesłabnącym urokiem od starożytności ; największą zarejestrowaną na 182 m (597 stóp) jest Indyjska Statua Jedności z 2018 roku . Inną wspaniałą formą rzeźby portretowej jest konny posąg jeźdźca na koniu, który w ostatnich dziesięcioleciach stał się rzadkością. Najmniejsze formy rzeźby portretowej naturalnej wielkości to „głowa” przedstawiająca właśnie tę postać lub popiersie przedstawiające osobę od klatki piersiowej w górę. Małe formy rzeźby obejmują figurkę , zwykle posąg o wysokości nie większej niż 18 cali (46 cm), a w przypadku płaskorzeźb plakietkę , medal lub monetę.

Sztuka nowoczesna i współczesna dodała szereg nietradycyjnych form rzeźby, w tym rzeźbę dźwiękową , rzeźbę świetlną , sztukę środowiskową , rzeźbę środowiskową , rzeźbę uliczną , rzeźbę kinetyczną (obejmującą aspekty ruchu fizycznego ), sztukę ziemi i specyficzne dla miejsca sztuka . Rzeźba jest ważną formą sztuki publicznej . Zbiór rzeźb w otoczeniu ogrodowym można nazwać ogrodem rzeźbiarskim . Istnieje również pogląd, że budynki są rodzajem rzeźby, a Constantin Brâncuși opisuje architekturę jako „rzeźbę zamieszkałą”.

Cele i przedmioty

Moai z Wyspy Wielkanocnej , gdzie koncentracja zasobów na dużych rzeźbach mogła mieć poważne skutki polityczne.

Jednym z najczęstszych celów rzeźby jest jakaś forma skojarzenia z religią. Kultowe obrazy są powszechne w wielu kulturach, chociaż często nie są to kolosalne posągi bóstw, które charakteryzowały starożytną sztukę grecką , jak posąg Zeusa w Olimpii . Rzeczywiste kultowe obrazy w najgłębszych sanktuariach świątyń egipskich , z których żaden nie przetrwał, były najwyraźniej raczej małe, nawet w największych świątyniach. To samo jest często prawdą w hinduizmie , gdzie najpowszechniejsza jest bardzo prosta i starożytna forma lingamu . Buddyzm sprowadził rzeźbę postaci religijnych do Azji Wschodniej, gdzie wydaje się, że nie było wcześniejszej równoważnej tradycji, chociaż znowu proste kształty, takie jak bi i cong , prawdopodobnie miały znaczenie religijne.

Małe rzeźby jako własność osobistą sięgają najwcześniejszej sztuki prehistorycznej, a wykorzystanie bardzo dużych rzeźb jako sztuki publicznej , zwłaszcza w celu zaimponowania widzowi mocą władcy, sięga co najmniej Wielkiego Sfinksa około 4500 lat temu. W archeologii i historii sztuki pojawienie się, a czasem zniknięcie dużej lub monumentalnej rzeźby w kulturze jest uważane za bardzo ważne, chociaż śledzenie pojawienia się jest często komplikowane przez domniemane istnienie rzeźby w drewnie i innych łatwo psujących się materiałach, o których nie ma żadnych wzmianek pozostaje;

Totem jest przykładem tradycji monumentalnej rzeźby w drewnie, która nie pozostawiłaby żadnych śladów dla archeologii . Zdolność do zgromadzenia zasobów do stworzenia monumentalnej rzeźby poprzez transport zwykle bardzo ciężkich materiałów i zorganizowanie zapłaty za rzeźbiarzy, których zwykle uważa się za pełnoetatowych, jest uważana za oznakę stosunkowo zaawansowanej kultury pod względem organizacji społecznej. Niedawne nieoczekiwane odkrycia starożytnych chińskich postaci z epoki brązu w Sanxingdui , niektóre ponad dwukrotnie większe od człowieka, zakłóciły wiele poglądów na temat wczesnej cywilizacji chińskiej, ponieważ wcześniej znane były tylko znacznie mniejsze brązy.

Wydaje się , że niektóre niewątpliwie zaawansowane kultury, takie jak cywilizacja doliny Indusu , w ogóle nie miały monumentalnych rzeźb, chociaż produkowały bardzo wyrafinowane figurki i pieczęcie. Wydaje się, że kultura Missisipii zbliżała się do jej wykorzystania, z małymi kamiennymi figurami, kiedy upadła. Wydaje się , że inne kultury, takie jak starożytny Egipt i kultura Wyspy Wielkanocnej , od bardzo wczesnych lat przeznaczały ogromne środki na rzeźbę monumentalną na bardzo dużą skalę.

Medal Jana VIII Paleologa , ok. 1435, autorstwa Pisanello , pierwszy medal portretowy, medium zasadniczo przeznaczone do kolekcjonowania.

Kolekcjonowanie rzeźb, w tym z wcześniejszych okresów, sięga około 2000 lat wstecz w Grecji, Chinach i Mezoameryce, a wiele kolekcji było dostępnych na półpublicznych wystawach na długo przed wynalezieniem nowoczesnych muzeów . Od XX wieku stosunkowo ograniczony zakres tematów występujących w dużych rzeźbach znacznie się rozszerzył, z tematami abstrakcyjnymi i powszechnym obecnie wykorzystaniem lub przedstawieniem dowolnego rodzaju tematów. Obecnie wykonuje się wiele rzeźb do okresowej ekspozycji w galeriach i muzeach, a możliwość transportu i przechowywania coraz większych dzieł jest czynnikiem wpływającym na ich budowę. Małe ozdobne figurki , najczęściej ceramiczne, są dziś tak samo popularne (choć dziwnie zaniedbywane przez sztukę nowoczesną i współczesną ), jak były w rokoku lub w starożytnej Grecji, kiedy figurki Tanagra były głównym przemysłem, lub we wschodniej Azji i prekolumbii sztuka . Drobne rzeźbione okucia do mebli i innych przedmiotów sięgają starożytności, jak w kości słoniowej Nimrud , kości słoniowej Begram i znaleziskach z grobowca Tutenchamona .

Rzeźba portretowa rozpoczęła się w Egipcie, gdzie Paleta Narmera przedstawia władcę z 32 wieku p.n.e. oraz w Mezopotamii , gdzie zachowało się 27 posągów Gudei , który rządził Lagasz ok. 2144-2124 pne. W starożytnej Grecji i Rzymie postawienie portretowego posągu w miejscu publicznym było niemal najwyższym wyrazem honoru i ambicją elity, którą można było uwiecznić również na monecie. W innych kulturach, takich jak Egipt i Bliski Wschód, publiczne posągi były prawie wyłącznie domeną władcy, a innych bogatych ludzi przedstawiano tylko w ich grobowcach. Władcy są zazwyczaj jedynymi osobami, które otrzymują portrety w kulturach prekolumbijskich, poczynając od kolosalnych głów Olmeków sprzed około 3000 lat. Rzeźba portretowa z Azji Wschodniej była całkowicie religijna, a posągi upamiętniały czołowych duchownych, zwłaszcza założycieli klasztorów, ale nie władców ani przodków. Śródziemnomorska tradycja odrodziła się, początkowo tylko w przypadku wizerunków grobowców i monet, w średniowieczu, ale znacznie rozszerzyła się w okresie renesansu, który wynalazł nowe formy, takie jak osobisty medal portretowy .

Zwierzęta są, wraz z postacią ludzką, najwcześniejszym przedmiotem rzeźby i zawsze były popularnymi, czasem realistycznymi, ale często wyimaginowanymi potworami; w Chinach zwierzęta i potwory są prawie jedynymi tradycyjnymi tematami rzeźb kamiennych poza grobowcami i świątyniami. Królestwo roślin jest ważne tylko w biżuterii i płaskorzeźbach dekoracyjnych, ale tworzą one prawie wszystkie duże rzeźby sztuki bizantyjskiej i islamskiej i są bardzo ważne w większości tradycji euroazjatyckich, gdzie motywy takie jak palmeta i zwój winorośli przeszły na wschód i Zachodzie od ponad dwóch tysiącleci.

Jedną z form rzeźb występujących w wielu kulturach prehistorycznych na całym świecie są specjalnie powiększone wersje zwykłych narzędzi, broni lub naczyń wykonanych z niepraktycznych cennych materiałów, do jakiejś formy ceremonialnego użytku lub prezentacji lub jako ofiary. Jadeit lub inne rodzaje zielonego kamienia były używane w Chinach, Olmekach w Meksyku i neolitycznej Europie , a we wczesnej Mezopotamii wytwarzano duże kształty ceramiki z kamienia. Brąz był używany w Europie i Chinach do produkcji dużych toporów i ostrzy, takich jak Oxborough Dirk .

Materiały i techniki

Sumeryjski czciciel, alabaster z muszlowymi oczami, 2750-2600 pne

Materiały użyte w rzeźbie są różnorodne, zmieniające się na przestrzeni dziejów. Klasycznymi materiałami o wyjątkowej trwałości są metal, zwłaszcza brąz , kamień i ceramika, z drewnem, kością i porożem mniej trwałymi, ale tańszymi opcjami. Drogocenne materiały, takie jak złoto , srebro , jadeit i kość słoniowa , są często używane do małych luksusowych dzieł, a czasem do większych, jak w posągach chryzelefantynów . Do rzeźby do szerszego użytku użyto bardziej powszechnych i tańszych materiałów, w tym twardego drewna (takiego jak dąb , bukszpan i lipa/lipa ); terakota i inna ceramika , wosk (bardzo powszechny materiał na modele do odlewania i odbierania odcisków pieczęci cylindrycznych i grawerowanych klejnotów) oraz metale odlewane, takie jak cyna i cynk (spelter). Ale ogromna liczba innych materiałów została wykorzystana jako część rzeźb, zarówno w pracach etnograficznych i starożytnych, jak i współczesnych.

Rzeźby są często malowane , ale często tracą farbę z czasem lub konserwatorami. Do wykonania rzeźby wykorzystano wiele różnych technik malarskich, w tym temperę , malarstwo olejne , złocenie , farbę pokojową, aerozol, emalię i piaskowanie.

Wielu rzeźbiarzy poszukuje nowych sposobów i materiałów do tworzenia sztuki. Jedna z najsłynniejszych rzeźb Pabla Picassa zawierała części rowerowe . Alexander Calder i inni moderniści spektakularnie wykorzystali malowaną stal . Od lat 60. XX wieku używa się również akrylu i innych tworzyw sztucznych. Andy Goldsworthy wykonuje swoje niezwykle efemeryczne rzeźby z prawie całkowicie naturalnych materiałów w naturalnych sceneriach. Niektóre rzeźby, takie jak rzeźba lodowa , rzeźba z piasku i rzeźba gazowa , są celowo krótkotrwałe. Niedawni rzeźbiarze używali witraży , narzędzi, części maszyn, sprzętu i opakowań konsumenckich do kształtowania swoich dzieł. Rzeźbiarze czasami wykorzystują przedmioty znalezione , a skały chińskiego uczonego są cenione od wielu stuleci.

Kamień

Nowoczesna rekonstrukcja pierwotnego wyglądu malarskiego późnoarchaicznej figury z marmuru greckiego ze świątyni Aphaea , oparta na analizie śladów pigmentu, ok. 500 pne

Rzeźba w kamieniu jest starożytną działalnością, w której kawałki surowego kamienia naturalnego są kształtowane przez kontrolowane usuwanie kamienia . Dzięki trwałości materiału można znaleźć dowody na to, że nawet najwcześniejsze społeczeństwa oddawały się jakiejś formie obróbki kamienia, chociaż nie wszystkie obszary świata mają taką obfitość dobrego kamienia do rzeźbienia, jak Egipt, Grecja, Indie i większość Europy . Petroglify (zwane także rytami naskalnymi) są prawdopodobnie najwcześniejszą formą: obrazy tworzone przez usunięcie części powierzchni skały, która pozostaje na miejscu , poprzez nacinanie, dziobanie, rzeźbienie i ścieranie. Rzeźba monumentalna obejmuje duże dzieła, a rzeźba architektoniczna , która jest przymocowana do budynków. Rzeźbienie w twardym kamieniu to rzeźbienie do celów artystycznych kamieni półszlachetnych , takich jak jadeit , agat , onyks , kryształ górski , sard lub karneol i ogólne określenie przedmiotu wykonanego w ten sposób. Alabaster lub gips mineralny to miękki minerał, który jest łatwy do wyrzeźbienia w przypadku mniejszych prac i nadal stosunkowo trwały. Grawerowane klejnoty to małe rzeźbione klejnoty, w tym kamee , pierwotnie używane jako pierścienie pieczęci .

Kopiowanie oryginalnego kamiennego posągu, co było bardzo ważne w przypadku starożytnych greckich posągów, z których prawie wszystkie znane są z kopii, tradycyjnie odbywało się poprzez „ wskazanie ”, wraz z bardziej odręcznymi metodami. Wskazywanie polegało na ustawieniu siatki kwadratów sznurka na drewnianej ramie otaczającej oryginał, a następnie zmierzeniu pozycji na siatce i odległości między siatką a posągiem serii pojedynczych punktów, a następnie wykorzystaniu tych informacji do wyrzeźbienia bloku z z którego wykonana jest kopia.

Metal

Ludwig Gies , plakieta żeliwna , 8 x 9,8 cm, Uchodźcy , 1915

Brąz i pokrewne stopy miedzi to najstarsze i nadal najpopularniejsze metale do odlewania rzeźb metalowych; odlewana rzeźba z brązu jest często nazywana po prostu „brązem”. Zwykłe stopy brązu mają niezwykłą i pożądaną właściwość lekkiego rozszerzania się tuż przed zastygnięciem, wypełniając w ten sposób najdrobniejsze szczegóły formy. Ich wytrzymałość i brak kruchości (plastyczności) jest zaletą przy tworzeniu figur w akcji, zwłaszcza w porównaniu z różnymi materiałami ceramicznymi lub kamiennymi ( kilka przykładów znajduje się w rzeźbie marmurowej ). Złoto jest najdelikatniejszym i najcenniejszym metalem, bardzo ważnym w jubilerstwie ; ze srebrem jest wystarczająco miękki, aby można go było obrabiać młotkami i innymi narzędziami, a także odlewać; Repoussé i Chasing należą do technik stosowanych w złotnictwie i srebrnictwie .

Odlewanie to grupa procesów produkcyjnych, w których płynny materiał (brąz, miedź, szkło, aluminium, żelazo) jest (zwykle) wlewany do formy zawierającej wydrążoną wnękę o pożądanym kształcie, a następnie pozostawiany do zestalenia. Odlew lity jest następnie wyrzucany lub łamany, aby zakończyć proces, chociaż na gotowym odlewie może nastąpić końcowy etap „obróbki na zimno”. Odlewanie może być stosowane do formowania gorących ciekłych metali lub różnych materiałów, które po zmieszaniu składników (takich jak żywice epoksydowe , beton , gips i glina ) twardnieją na zimno . Odlewanie jest najczęściej używane do wykonywania skomplikowanych kształtów, których wykonanie innymi metodami byłoby trudne lub nieekonomiczne. Najstarszym zachowanym odlewem jest miedziana mezopotamska żaba z 3200 roku pne. Specyficzne techniki obejmują odlewanie metodą traconego wosku , odlewanie w formach gipsowych i odlewanie w piasku .

Spawanie to proces, w którym różne kawałki metalu są łączone ze sobą, tworząc różne kształty i projekty. Istnieje wiele różnych form spawania, takich jak spawanie tlenowo-paliwowe , spawanie elektrodą otuloną , spawanie MIG i spawanie TIG . Spawanie tlenowo-paliwowe jest prawdopodobnie najpowszechniejszą metodą spawania, jeśli chodzi o tworzenie stalowych rzeźb, ponieważ jest najłatwiejsze w użyciu do kształtowania stali oraz wykonywania czystych i mniej zauważalnych połączeń stali. Kluczem do spawania tlenowo-paliwowego jest równomierne podgrzanie każdego łączonego kawałka metalu, aż wszystkie staną się czerwone i nabiorą połysku. Gdy ten połysk znajdzie się na każdym kawałku, wkrótce stanie się on „kałużą”, w której metal jest upłynniany, a spawacz musi połączyć kałuże, stapiając metal. Po ochłodzeniu miejsce, w którym połączyły się baseny, jest teraz jednym ciągłym kawałkiem metalu. Również kucie jest często używane w tworzeniu rzeźby tlenowo-paliwowej. Kucie to proces podgrzewania metalu do pewnego punktu, aby zmiękczyć go na tyle, aby można go było kształtować w różne formy. Jednym z bardzo powszechnych przykładów jest podgrzanie końca stalowego pręta i uderzenie młotkiem w rozgrzaną do czerwoności końcówkę na kowadle w celu utworzenia ostrza. Pomiędzy uderzeniami młota fałszerz obraca pręt i stopniowo tworzy zaostrzony czubek z tępego końca stalowego pręta.

Szkło

Szkło może być używane do rzeźbienia za pomocą szerokiej gamy technik roboczych, chociaż użycie go do dużych prac to niedawny rozwój. Można go wyrzeźbić, choć ze sporym trudem; Puchar Rzymskiego Likurga jest prawie wyjątkowy. Istnieją różne sposoby formowania szkła : odlewanie na gorąco można wykonać poprzez nalewanie stopionego szkła do form utworzonych przez wciskanie kształtów w piasek, rzeźbiony grafit lub szczegółowe formy gipsowe/krzemionkowe. Szkło odlewane w piecu polega na podgrzewaniu kawałków szkła w piecu, aż staną się płynne i przepłyną do czekającej formy znajdującej się pod nim w piecu. Gorące szkło może być również dmuchane i / lub rzeźbione na gorąco za pomocą narzędzi ręcznych albo jako stała masa, albo jako część dmuchanego przedmiotu. Nowsze techniki obejmują dłutowanie i łączenie szkła płaskiego za pomocą krzemianów polimerowych i światła UV.

Rzeźbiony drewniany bodhisattwa z chińskiej dynastii Song 960–1279, Muzeum Szanghajskie

Garncarstwo

Ceramika jest jednym z najstarszych materiałów rzeźbiarskich, podobnie jak glina jest medium, w którym wiele rzeźb odlanych z metalu jest pierwotnie modelowanych do odlewania. Rzeźbiarze często budują małe prace wstępne zwane makietami z efemerycznych materiałów, takich jak gips modelarski , wosk, niewypalona glina lub plastelina . Wiele kultur produkowało ceramikę, która łączy funkcję naczynia z formą rzeźbiarską, a małe figurki często były tak samo popularne, jak we współczesnej kulturze zachodniej. Pieczątki i formy były używane przez większość starożytnych cywilizacji, od starożytnego Rzymu i Mezopotamii po Chiny.

Rzeźbienie w drewnie

Fragment Ukrzyżowania Jezusa Chrystusa, hiszpański, drewno i polichromia, 1793 r.

Rzeźbienie w drewnie było niezwykle szeroko praktykowane, ale przeżywa znacznie gorzej niż inne główne materiały, ponieważ jest podatne na rozkład, uszkodzenia spowodowane przez owady i ogień. Dlatego stanowi ważny ukryty element w historii sztuki wielu kultur. Rzeźby z drewna na zewnątrz nie trwają długo w większości części świata, więc nie mamy pojęcia, jak rozwinęła się tradycja totemów . Szczególnie wiele najważniejszych rzeźb w Chinach i Japonii jest wykonanych z drewna, a zdecydowana większość rzeźb afrykańskich oraz rzeźb z Oceanii i innych regionów.

Drewno jest lekkie, więc nadaje się do masek i innych rzeźb przeznaczonych do przenoszenia, i może zawierać bardzo drobne szczegóły. Jest również znacznie łatwiejszy w obróbce niż kamień. Był bardzo często malowany po rzeźbieniu, ale farba ściera się gorzej niż drewno i często jej brakuje w zachowanych elementach. Malowane drewno jest często technicznie określane jako „drewno i polichromia ”. Zwykle na drewno nakłada się warstwę zaprawy lub tynku, a następnie nakłada się na nie farbę.

Status społeczny rzeźbiarzy

Rzeźbiarz z Norymbergi Adam Kraft , autoportret z kościoła św. Wawrzyńca , lata 90. XIV wieku

Na całym świecie rzeźbiarze byli zwykle kupcami, których prace nie są podpisane; w niektórych tradycjach, na przykład w Chinach, gdzie rzeźba nie cieszyła się prestiżem malarstwa literackiego , wpłynęło to na status samej rzeźby. Nawet w starożytnej Grecji , gdzie rzeźbiarze tacy jak Fidiasz stali się sławni, zachowywali ten sam status społeczny co inni rzemieślnicy i być może niewiele większe nagrody finansowe, chociaż niektórzy podpisali swoje prace. W średniowieczu artyści, tacy jak XII-wieczny Gislebertus , czasami podpisywali swoje prace i byli poszukiwani przez różne miasta, zwłaszcza od Trecento we Włoszech, z postaciami takimi jak Arnolfo di Cambio i Nicola Pisano i jego syn Giovanni . Złotnicy i jubilerzy, zajmujący się szlachetnymi materiałami i często podwajający się jako bankierzy, należeli do potężnych cechów i posiadali znaczny status, często sprawując urzędy miejskie. Wielu rzeźbiarzy zajmowało się także innymi dziedzinami sztuki; Andrea del Verrocchio również malował, a Giovanni Pisano , Michelangelo i Jacopo Sansovino byli architektami . Niektórzy rzeźbiarze prowadzili duże warsztaty. Nawet w renesansie Leonardo da Vinci i inni postrzegali fizyczny charakter dzieła jako obniżający status rzeźby w sztuce, chociaż reputacja Michała Anioła być może położyła kres tej długo utrzymywanej idei.

Artyści z późnego renesansu , tacy jak Michał Anioł, Leone Leoni i Giambologna , mogli stać się bogaci i uszlachetnić i wejść do kręgu książąt po okresie ostrych sporów o względny status rzeźby i malarstwa. Wiele rzeźb ozdobnych na budynkach pozostało rzemiosłem, ale rzeźbiarze wykonujący pojedyncze dzieła byli uznawani na równi z malarzami. Od XVIII wieku lub wcześniej rzeźba przyciągała także uczniów z klasy średniej, choć działo się to wolniej niż malarstwo. Rzeźbiarki pojawiały się dłużej niż malarki i były mniej widoczne aż do XX wieku.

Ruchy antyrzeźbiarskie

Anikonizm wywodzi się z judaizmu , który akceptował rzeźbę figuratywną dopiero w XIX wieku, zanim rozszerzył się na chrześcijaństwo , które początkowo akceptowało duże rzeźby. W chrześcijaństwie i buddyzmie rzeźba stała się bardzo ważna. Chrześcijańskie prawosławie nigdy nie zaakceptowało rzeźby monumentalnej, a islam konsekwentnie odrzucał prawie wszystkie rzeźby figuratywne, z wyjątkiem bardzo małych figur w płaskorzeźbach i niektórych figurek zwierząt, które pełnią użyteczną funkcję, jak słynne lwy podtrzymujące fontannę w Alhambrze . Wiele form protestantyzmu również nie aprobuje rzeźby religijnej. Było wiele ikonoklazmów rzeźby z motywów religijnych, od pierwszych chrześcijan i burzy Beeldenstorm reformacji protestanckiej do zniszczenia Buddów Bamyan w 2001 roku przez talibów .

Historia

Okresy prehistoryczne

Europa

Wenus z Hohle Fels (znana również jako Wenus z Schelklingen ; to figurka Wenus z górnego paleolitu wykuta z kości słoniowej mamuta , znaleziona w 2008 roku w pobliżu Schelklingen w Niemczech . Jest datowana na okres od 35 000 do 40 000 lat temu, należąca do wczesnego oryniackiego , na samym początku górnego paleolitu , co wiąże się z przypuszczalną najwcześniejszą obecnością Homo sapiens w Europie ( Cro-Magnon ). Wraz z Löwenmensch jest najstarszym niekwestionowanym przykładem sztuki górnego paleolitu i figuratywnej sztuki prehistorycznej w ogóle .

Najwcześniejsze niekwestionowane przykłady rzeźby należą do kultury oryniackiej , która znajdowała się w Europie i południowo-zachodniej Azji i działała w początkach górnego paleolitu . Oprócz tworzenia niektórych z najwcześniejszych znanych dzieł sztuki jaskiniowej , ludzie tej kultury opracowali misternie wykonane kamienne narzędzia, wytwarzając wisiorki, bransoletki, koraliki z kości słoniowej i kościane flety, a także trójwymiarowe figurki.

Wysoki na 30 cm Löwenmensch znaleziony w rejonie Hohlenstein Stadel w Niemczech to antropomorficzna postać lwa-człowieka wyrzeźbiona z kości słoniowej mamuta włochatego . Został datowany na około 35–40 000  lat temu, co czyni go, wraz z Wenus z Hohle Fels , najstarszym znanym niekwestionowanym przykładem rzeźby.

Wiele zachowanych sztuk prehistorycznych to małe przenośne rzeźby, z niewielką grupą kobiecych figurek Wenus, takich jak Wenus z Willendorfu (24–26 000  lat temu) znalezionych w całej Europie Środkowej. Pływający renifer sprzed około 13 000 lat jest jednym z najwspanialszych z wielu magdaleńskich rzeźb z kości lub poroża zwierząt w sztuce górnego paleolitu , chociaż przewyższają je liczebnie grawerowane kawałki, które czasami klasyfikuje się jako rzeźby. Dwie największe prehistoryczne rzeźby można znaleźć w jaskiniach Tuc d'Audobert we Francji, gdzie około 12–17 000 lat temu mistrz rzeźbiarz użył kamiennego narzędzia przypominającego szpatułkę i palców, aby wymodelować parę dużych żubrów w glinie na tle wapienia głaz.

Wraz z początkiem mezolitu w Europie rzeźba figuratywna znacznie się zmniejszyła i pozostała mniej powszechnym elementem sztuki niż reliefowa dekoracja przedmiotów użytkowych aż do okresu rzymskiego, pomimo niektórych dzieł, takich jak kocioł Gundestrup z europejskiej epoki żelaza i epoki brązu Trundholm rydwan słońca .

Starożytny Bliski Wschód

Ze starożytnego Bliskiego Wschodu ponadnaturalnej wielkości kamienny człowiek Urfa ze współczesnej Turcji pochodzi z około 9000 pne, a posągi Ain Ghazal z około 7200 i 6500 pne. Pochodzą ze współczesnej Jordanii , wykonane z gipsu wapiennego i trzciny, mniej więcej w połowie naturalnej wielkości; jest 15 posągów, niektóre z dwiema głowami obok siebie i 15 popiersi. Małe gliniane figurki ludzi i zwierząt znajdują się w wielu miejscach na Bliskim Wschodzie od neolitu przed ceramiką i stanowią początek mniej lub bardziej ciągłej tradycji w regionie.

Starożytny Bliski Wschód

Pieczęć cylindryczna z odciskiem na glinie; serpopardy i orły, okres Uruk, 4100–3000 pne

Okres protopiśmiennictwa w Mezopotamii , zdominowanej przez Uruk , był świadkiem produkcji wyrafinowanych dzieł, takich jak Waza Warka i pieczęcie cylindryczne . Lwica z Guennol to wybitna mała figurka z wapienia z Elamu z około 3000-2800 pne, częściowo ludzka, a częściowo lwica. Nieco później istnieje wiele postaci wielkookich kapłanów i wyznawców, głównie z alabastru i wysokich na stopę, którzy uczestniczyli w kultowych wizerunkach bóstwa, ale bardzo niewiele z nich przetrwało. Rzeźby z okresu sumeryjskiego i akadyjskiego na ogół miały duże, wytrzeszczone oczy i długie brody mężczyzn. Na Cmentarzu Królewskim w Ur (ok. 2650 pne) znaleziono również wiele arcydzieł , w tym dwie figury barana w zaroślach , miedzianego byka i głowę byka na jednej z lir z Ur .

Z wielu kolejnych okresów poprzedzających powstanie imperium neoasyryjskiego w X wieku p.n.e. sztuka Mezopotamii przetrwała w wielu formach: pieczęci cylindrycznych , stosunkowo małych okrągłych figurek i płaskorzeźb różnej wielkości, w tym tanich tabliczek formowanych ceramiki do domu, niektóre religijne, a niektóre najwyraźniej nie. Relief Burneya to niezwykle wyszukana i stosunkowo duża (20 x 15 cali, 50 x 37 cm) terakotowa tablica przedstawiająca nagą skrzydlatą boginię ze stopami drapieżnego ptaka oraz towarzyszącymi jej sówami i lwami. Pochodzi z XVIII lub XIX wieku p.n.e., może być również formowana. Stele kamienne , wota lub prawdopodobnie upamiętniające zwycięstwa i przedstawiające święta, spotykane są także ze świątyń, które w przeciwieństwie do bardziej oficjalnych nie mają objaśniających ich inskrypcji; fragmentaryczna Stela Sępów jest wczesnym przykładem typu inskrypcyjnego, a Asyryjski Czarny Obelisk Salmanasara III jest dużym i solidnym późnym.

Podbój całej Mezopotamii i wielu okolicznych terytoriów przez Asyryjczyków stworzył większe i bogatsze państwo niż ten region znał wcześniej, a także bardzo imponującą sztukę w pałacach i miejscach publicznych, bez wątpienia częściowo mającą na celu dorównanie świetności sztuki sąsiednie imperium egipskie. W przeciwieństwie do wcześniejszych państw Asyryjczycy mogli używać łatwo rzeźbionego kamienia z północnego Iraku i robili to w dużych ilościach. Asyryjczycy rozwinęli styl niezwykle dużych schematów bardzo szczegółowych płaskorzeźb narracyjnych w kamieniu dla pałaców, ze scenami wojny lub polowania; British Museum ma wyjątkową kolekcję, w tym polowanie na lwy z Ashurbanipala i płaskorzeźby z Lakisz przedstawiające kampanię. Wyprodukowali bardzo niewiele rzeźb na okrągło, z wyjątkiem kolosalnych postaci strażników lamassu z ludzką głową , które są wyrzeźbione w płaskorzeźbie po dwóch stronach prostokątnego bloku, z głowami skutecznie w okrągłym (a także pięcioma nogami, tak że oba widoki wydają się kompletne). Jeszcze przed zdominowaniem regionu kontynuowali tradycję uszczelnień cylindrycznych, tworząc projekty, które często są wyjątkowo energiczne i wyrafinowane.

Starożytny Egipt

Monumentalna rzeźba starożytnego Egiptu jest znana na całym świecie, ale wyrafinowane i delikatne małe dzieła istnieją w znacznie większej liczbie. Egipcjanie stosowali charakterystyczną technikę wklęsłego reliefu , która doskonale sprawdza się przy bardzo jasnym świetle słonecznym. Główne postacie na płaskorzeźbach utrzymane są w tej samej konwencji figuralnej, co w malarstwie, z rozchylonymi nogami (tam, gdzie nie siedzą) i głową ukazaną z boku, ale tułowiem od przodu i standardowym układem proporcji składających się na figurę, z użyciem 18 „pięści”, aby przejść od ziemi do linii włosów na czole. Pojawia się to już w Palecie Narmera z I dynastii. Jednak tam, podobnie jak gdzie indziej, konwencja nie jest stosowana w odniesieniu do pomniejszych postaci przedstawionych podczas jakiejś czynności, takiej jak jeńcy i zwłoki. Inne konwencje powodują, że posągi mężczyzn są ciemniejsze niż posągi kobiet. Bardzo skonwencjonalizowane posągi portretowe pojawiają się już od II dynastii, przed 2780 pne, z wyjątkiem sztuki okresu Amarna w Ahkenaton i niektórych innych okresów, takich jak XII dynastia, wyidealizowane cechy władców, podobnie jak inne egipskie konwencje artystyczne niewiele się zmieniło aż do podboju greckiego.

Egipscy faraonowie zawsze byli uważani za bóstwa, ale inne bóstwa są znacznie mniej powszechne w dużych posągach, z wyjątkiem sytuacji, gdy przedstawiają faraona jako inne bóstwo; jednak inne bóstwa są często przedstawiane na obrazach i płaskorzeźbach. Słynny rząd czterech kolosalnych posągów na zewnątrz głównej świątyni w Abu Simbel przedstawia Ramzesa II , typowy schemat, choć tutaj wyjątkowo duży. Małe figurki bóstw lub ich personifikacje zwierząt są bardzo powszechne i można je znaleźć w popularnych materiałach, takich jak ceramika. Większość większych rzeźb przetrwała z egipskich świątyń lub grobowców; najpóźniej przez IV dynastię (2680–2565 pne) idea posągu Ka została mocno ugruntowana. Zostały one umieszczone w grobowcach jako miejsce spoczynku części ka duszy , dlatego też mamy sporą liczbę mniej konwencjonalnych posągów zamożnych administratorów i ich żon, wiele z drewna, ponieważ Egipt jest jednym z niewielu miejsc w świecie, w którym klimat pozwala drewnu przetrwać przez tysiąclecia. Tak zwane główki rezerwowe , gładkie głowy bezwłose, są szczególnie naturalistyczne. Wczesne grobowce zawierały również małe modele niewolników, zwierząt, budynków i przedmiotów, takich jak łodzie niezbędne zmarłemu do kontynuowania życia w zaświatach, a później figurki Ushabti .

Europa

Starożytna Grecja

Woźnica Delf , starożytna grecka rzeźba z brązu , V wiek p.n.e., szczegół głowy z bliska

Pierwszy charakterystyczny styl rzeźby starożytnej Grecji rozwinął się w okresie cykladzkim z wczesnej epoki brązu (III tysiąclecie pne), gdzie marmurowe postacie, zwykle kobiece i małe, są przedstawiane w elegancko uproszczonym stylu geometrycznym. Najbardziej typowa jest pozycja stojąca z rękami skrzyżowanymi z przodu, ale inne postacie ukazane są w innych pozach, w tym skomplikowana postać harfisty siedzącego na krześle.

Późniejsze kultury minojskie i mykeńskie dalej rozwijały rzeźbę, pod wpływem Syrii i innych miejsc, ale kouros rozwinął się w późniejszym okresie archaicznym , od około 650 roku pne . Są to duże stojące posągi nagich młodzieńców, znalezione w świątyniach i grobowcach, z korą jako ubraną kobietą, z misternie uczesanymi włosami; obaj mają „ archaiczny uśmiech ”. Wydaje się, że pełniły wiele funkcji, być może czasami przedstawiały bóstwa, a czasami osobę pochowaną w grobie, jak w przypadku Kroisos Kouros . Są wyraźnie pod wpływem stylu egipskiego i syryjskiego, ale greccy artyści byli znacznie bardziej skłonni do eksperymentowania w ramach tego stylu.

W VI wieku rzeźba grecka rozwijała się szybko, stając się bardziej naturalistyczna i ze znacznie bardziej aktywnymi i zróżnicowanymi pozami postaci w scenach narracyjnych, choć wciąż w wyidealizowanych konwencjach. Rzeźbione frontony dodano do świątyń , w tym Partenonu w Atenach, gdzie pozostałości frontonu z około 520 r. z figurami w rundzie zostały szczęśliwie wykorzystane jako wypełnienie nowych budynków po splądrowaniu Persów w 480 r. p.n.e. i odzyskane od lat 80. stan świeży niezniszczony. Inne znaczące pozostałości rzeźby architektonicznej pochodzą z Paestum we Włoszech, Korfu , Delphi i świątyni Aphaea na Eginie (dużo obecnie w Monachium ). Większość rzeźb greckich pierwotnie zawierała przynajmniej trochę koloru; Ny Carlsberg Glyptotek Museum w Kopenhadze w Danii przeprowadziło szeroko zakrojone badania i odtworzenie oryginalnych kolorów.

Klasyczny
Wysoki klasyczny płaskorzeźba z marmurów Elgina , które pierwotnie zdobiły Partenon , ok. 447-433 pne

Mniej zachowało się oryginalnych pozostałości z pierwszej fazy klasycyzmu, często nazywanej stylem surowym ; wolnostojące posągi były teraz wykonywane głównie z brązu, który zawsze miał wartość jako złom. Styl Severe trwał od około 500 w płaskorzeźbach i wkrótce po 480 w posągach do około 450. Stosunkowo sztywne pozy postaci rozluźniły się, a asymetryczne pozycje zwrotne i ukośne widoki stały się powszechne i celowo poszukiwane. Łączyło się to z lepszym zrozumieniem anatomii i harmonijnej budowy rzeźbionych postaci oraz dążeniem do naturalistycznego przedstawienia jako celu, którego wcześniej nie było. Wykopaliska w Świątyni Zeusa w Olimpii od 1829 roku ujawniły największą grupę szczątków, z około 460, z których wiele znajduje się w Luwrze .

Okres „wysokiej klasycyzmu” trwał zaledwie kilka dekad, od około 450 do 400 lat, ale wywarł doniosły wpływ na sztukę i zachowuje szczególny prestiż, pomimo bardzo ograniczonej liczby oryginalnych ocalałych. Najbardziej znanymi dziełami są Marmury Partenonu , tradycyjnie (od czasów Plutarcha ) wykonywane przez zespół kierowany przez najsłynniejszego starożytnego greckiego rzeźbiarza Fidiasza , działającego od około 465 do 425 roku, który w swoim czasie był bardziej znany ze swojej kolosalnej chryzelephantyny Posąg Zeusa w Olimpii (ok. 432), jeden z Siedmiu Cudów Starożytnego Świata , jego Atena Partenos (438), kultowy obraz Partenonu , oraz Atena Promachos , kolosalna figura z brązu, która stała obok Partenonu; wszystkie z nich zaginęły, ale są znane z wielu przedstawień. Jest również uznawany za twórcę niektórych naturalnej wielkości posągów z brązu, znanych tylko z późniejszych kopii, których identyfikacja jest kontrowersyjna, w tym Ludovisi Hermes .

Styl High Classical nadal rozwijał realizm i wyrafinowanie postaci ludzkiej oraz poprawiał przedstawienie draperii (ubrań), wykorzystując je do zwiększenia wpływu aktywnych póz. Wyraz twarzy był zwykle bardzo powściągliwy, nawet w scenach walki. Kompozycje grup postaci w płaskorzeźbach i na frontonach łączyły złożoność i harmonię w sposób, który na trwałe wpłynął na sztukę Zachodu. Relief może być rzeczywiście bardzo wysoki, jak na poniższej ilustracji Partenonu, gdzie większość nogi wojownika jest całkowicie oderwana od tła, podobnie jak brakujące części; Płaskorzeźba ta wysoka sprawiała, że ​​rzeźby były bardziej podatne na uszkodzenia. Styl późnego klasycyzmu rozwinął wolnostojącą nagą figurę kobiety, rzekomo innowację Praxitelesa , i rozwinął coraz bardziej złożone i subtelne pozy, które były interesujące, gdy oglądano je pod różnymi kątami, a także bardziej wyraziste twarze; oba trendy miały pójść znacznie dalej w okresie hellenistycznym.

hellenistyczny
Styl pergameński okresu hellenistycznego, z Ołtarza Pergamońskiego , początek II wieku

Okres hellenistyczny jest umownie datowany od śmierci Aleksandra Wielkiego w 323 roku p.n.e. i kończy się albo ostatecznym podbojem greckich centralnych ziem przez Rzym w 146 rpne, albo ostateczną klęską ostatniego pozostałego państwa-następcy imperium Aleksandra po Bitwa pod Akcjum w 31 roku p.n.e., która oznacza również koniec republikańskiego Rzymu . Jest więc znacznie dłuższy niż poprzednie okresy i obejmuje co najmniej dwie główne fazy: „pergameński” styl eksperymentowania, żywiołowość oraz pewien sentymentalizm i wulgarność, aw II wieku pne klasycyzujący powrót do bardziej surowej prostoty i elegancji; poza takimi uogólnieniami datowanie jest zazwyczaj bardzo niepewne, zwłaszcza gdy znane są tylko późniejsze kopie, jak to zwykle bywa. Początkowy styl Pergameński nie był specjalnie kojarzony z Pergamonem , od którego wziął swoją nazwę, ale bardzo zamożni królowie tego państwa byli jednymi z pierwszych, którzy kolekcjonowali i kopiowali rzeźby klasyczne, a także zlecili wiele nowych prac, w tym słynny Ołtarz Pergamoński którego rzeźba znajduje się obecnie głównie w Berlinie i która jest przykładem nowego stylu, podobnie jak Mauzoleum w Halikarnasie (kolejny z Siedmiu Cudów), słynny Laokoon i jego Synowie w Muzeach Watykańskich , późny przykład i brązowy oryginał Umierania Galia (zilustrowana u góry), o której wiemy, że była częścią grupy faktycznie powołanej do Pergamonu około 228 roku pne, z której Gal Ludovisi również był kopią. Grupa zwana Bykiem Farnese , prawdopodobnie oryginał z marmuru z II wieku, jest jeszcze większa i bardziej złożona,

Małe greckie figurki z terakoty były bardzo popularne jako ozdoby w domu

Rzeźba hellenistyczna znacznie rozszerzyła zakres reprezentowanych tematów, częściowo w wyniku większego ogólnego dobrobytu i pojawienia się bardzo zamożnej klasy, która miała duże domy ozdobione rzeźbami, chociaż wiemy, że niektóre przykłady przedmiotów, które wydają się najlepiej pasować do domu , takie jak dzieci ze zwierzętami, były w rzeczywistości umieszczane w świątyniach lub innych miejscach publicznych. Na znacznie bardziej popularny rynek dekoracji wnętrz trafiły figurki Tanagra , oraz te z innych ośrodków, gdzie na skalę przemysłową produkowano małe figurki ceramiczne, niektóre religijne, inne przedstawiające zwierzęta i elegancko ubrane damy. Rzeźbiarze stali się bardziej wyszkoleni technicznie w przedstawianiu mimiki twarzy wyrażającej różnorodne emocje i portretowaniu osób, a także w przedstawianiu różnych grup wiekowych i ras. Reliefy z Mauzoleum są pod tym względem dość nietypowe; większość prac była wolnostojąca, a kompozycje grupowe z kilkoma postaciami widocznymi w rundzie, takie jak grupa Laokoona i Pergamonu świętująca zwycięstwo nad Galami, stały się popularne, wcześniej rzadkie. Barberini Faun , przedstawiający satyra śpiącego, prawdopodobnie po wypiciu, jest przykładem moralnego odprężenia tego okresu i gotowości do tworzenia dużych i kosztownych rzeźb przedstawiających tematy, którym brakuje heroizmu.

Po podbojach Aleksandra kultura hellenistyczna dominowała na dworach większości Bliskiego Wschodu i części Azji Środkowej i była coraz częściej przyjmowana przez elity europejskie, zwłaszcza we Włoszech, gdzie kolonie greckie początkowo kontrolowały większość południa. Sztuka i artyści hellenistyczni rozprzestrzenili się bardzo szeroko i byli szczególnie wpływowi w rozwijającej się Republice Rzymskiej i kiedy napotkali buddyzm w najbardziej wysuniętych na wschód obszarach hellenistycznych. Masywny tak zwany Sarkofag Aleksandra znaleziony w Sydonie we współczesnym Libanie został prawdopodobnie wykonany tam na początku tego okresu przez greckich artystów emigrantów dla zhellenizowanego perskiego namiestnika. Bogactwo tego okresu doprowadziło do znacznego wzrostu produkcji luksusowych form małej rzeźby, w tym grawerowanych klejnotów i kamei, biżuterii oraz wyrobów ze złota i srebra.

Europa po Grekach

Rzeźba rzymska
Sekcja Kolumny Trajana , 113 n.e., ze scenami z wojen dackich

Wczesna sztuka rzymska była pod wpływem sztuki Grecji i sąsiednich Etrusków , na których duży wpływ mieli ich greccy partnerzy handlowi. Specjalnością Etrusków były niemal naturalnej wielkości wizerunki grobowców z terakoty , zwykle leżące na pokrywie sarkofagu , podparte na jednym łokciu w pozie gościa z tamtego okresu. Gdy rozszerzająca się Republika Rzymska zaczęła podbijać terytorium Grecji, najpierw w południowych Włoszech, a następnie w całym świecie hellenistycznym, z wyjątkiem dalekiego wschodu Partów , rzeźba oficjalna i patrycjuszowska stała się w dużej mierze przedłużeniem stylu hellenistycznego, z którego trudno wyodrębnić elementy specyficznie rzymskie rozplątać, zwłaszcza że tak wiele rzeźb greckich przetrwało tylko w kopiach z okresu rzymskiego. W II wieku pne „większość rzeźbiarzy pracujących w Rzymie” była Grekami, często zniewolonymi podczas podbojów, takich jak Korynt ( 146 pne), a rzeźbiarzami nadal byli głównie Grecy, często niewolnicy, których imiona są bardzo rzadko zapisywane. Ogromna liczba greckich posągów została przywieziona do Rzymu, czy to jako łup, czy w wyniku wymuszeń lub handlu, a świątynie często dekorowano ponownie wykorzystanymi dziełami greckimi.

Rodzimy włoski styl można zobaczyć w pomnikach grobowych, na których bardzo często widniały popiersia portretowe zamożnych Rzymian z klasy średniej, a portrety są prawdopodobnie główną siłą rzymskiej rzeźby. Nie zachowały się żadne pozostałości tradycji masek przodków, które były noszone podczas procesji na pogrzebach wielkich rodzin i w inny sposób eksponowane w domach, ale wiele z zachowanych popiersi musi przedstawiać postacie przodków, być może z dużych rodzinnych grobowców, takich jak Grobowiec Scypionów lub późniejsze mauzolea poza miastem. Słynna głowa z brązu, rzekomo Lucjusza Juniusa Brutusa, jest bardzo różnie datowana, ale jest traktowana jako bardzo rzadka pozostałość po kursywie w okresie Republiki, w preferowanym medium z brązu. Podobnie surowe i potężne głowy widnieją na monetach późnej republiki, aw okresie cesarstwa monety i popiersia wysyłane po całym cesarstwie do umieszczenia w bazylikach miast prowincjonalnych były główną wizualną formą imperialnej propagandy; nawet Londinium miał prawie kolosalny posąg Nerona , choć znacznie mniejszy niż 30-metrowy Kolos Nerona w Rzymie, teraz zaginiony.

Państwo augustowskie w stylu grecko-rzymskim na Ara Pacis , 13 pne

Rzymianie na ogół nie próbowali konkurować z wolnostojącymi greckimi dziełami przedstawiającymi bohaterskie wyczyny z historii lub mitologii, ale od samego początku tworzyli płaskorzeźby historyczne, których kulminacją były wielkie rzymskie kolumny triumfalne z ciągłymi narracyjnymi płaskorzeźbami wijącymi się wokół nich, z których te upamiętniający Trajana (113 n.e.) i Marka Aureliusza (do 193 r.) przetrwali w Rzymie, gdzie Ara Pacis („Ołtarz Pokoju”, 13 pne) reprezentuje oficjalny styl grecko-rzymski w jego najbardziej klasycznym i wyrafinowanym wydaniu. Wśród innych głównych przykładów są ponownie wykorzystane wcześniej płaskorzeźby na Łuku Konstantyna i podstawie kolumny Antoninusa Piusa (161), płaskorzeźby Campana były tańszymi ceramicznymi wersjami płaskorzeźb marmurowych, a zamiłowanie do płaskorzeźb pochodziło z okresu cesarskiego rozszerzonego na sarkofag. Wszystkie formy luksusowych małych rzeźb nadal były patronowane, a jakość mogła być niezwykle wysoka, jak w srebrnym Pucharze Warrena , szklanym Pucharze Likurga i dużych kameach, takich jak Gemma Augustea , Gonzaga Cameo i „ Wielka Cameo Francji ”. Dla znacznie szerszej części ludności formowana reliefowa dekoracja naczyń ceramicznych i małych figurek była produkowana w dużych ilościach i często znacznej jakości.

Po przejściu przez fazę „baroku” końca II wieku, w III wieku sztuka rzymska w dużej mierze porzuciła lub po prostu nie była w stanie tworzyć rzeźb w tradycji klasycznej, zmiana, której przyczyny są nadal szeroko dyskutowane. Nawet najważniejsze cesarskie pomniki przedstawiały teraz krępe, wielkookie postacie w surowym stylu frontalnym, w prostych kompozycjach podkreślających siłę kosztem wdzięku. Kontrast jest słynnie zilustrowany w Łuku Konstantyna z 315 roku w Rzymie, który łączy sekcje w nowym stylu z okrągłymi we wcześniejszym pełnym stylu grecko-rzymskim zaczerpniętym z innych miejsc oraz Czterech Tetrarchów (ok. 305) z nowej stolicy Konstantynopol , obecnie Wenecja. Ernst Kitzinger znalazł w obu pomnikach te same „przysadziste proporcje, ruchy kątowe, uporządkowanie części poprzez symetrię i powtórzenia oraz odwzorowanie rysów i fałd draperii raczej poprzez nacięcia niż modelowanie… Cechą rozpoznawczą stylu, gdziekolwiek się pojawia, składa się z dobitna twardość, ciężkość i kanciastość - krótko mówiąc, prawie całkowite odrzucenie tradycji klasycznej”.

Ta stylowa rewolucja na krótko poprzedziła okres, w którym chrześcijaństwo zostało przyjęte przez państwo rzymskie i zdecydowaną większość ludu, prowadząc do końca wielkiej rzeźby religijnej, z dużymi posągami używanymi obecnie tylko przez cesarzy. Jednak bogaci chrześcijanie nadal zamawiali płaskorzeźby do sarkofagów, jak w Sarkofagu Juniusa Bassusa , a chrześcijanie kontynuowali bardzo małe rzeźby, zwłaszcza z kości słoniowej, opierając się na stylu dyptyku konsularnego .

Wczesnośredniowieczne i bizantyjskie
Srebrny potwór na czubku , szkocki lub anglosaski, skarb wyspy St Ninian , ok. 800?
Krzyż Gero , ok. 965–970, Kolonia, Niemcy. Pierwszy wielki przykład odrodzenia rzeźby wielkoformatowej

Pierwsi chrześcijanie sprzeciwiali się monumentalnej rzeźbie religijnej, choć kontynuowali rzymskie tradycje w popiersiach portretowych i płaskorzeźbach sarkofagów , a także mniejszych obiektach, takich jak dyptyk konsularny. Takie przedmioty, często wykonane z cennych materiałów, były również (o ile wiadomo) głównymi tradycjami rzeźbiarskimi cywilizacji barbarzyńskich okresu migracji , co widać w przedmiotach znalezionych w skarbie grobowym z VI wieku w Sutton Hoo oraz biżuterii sztuki scytyjskiej oraz hybrydowe produkcje w stylu chrześcijańskim i zwierzęcym sztuki wyspiarskiej . Zgodnie z kontynuacją tradycji bizantyjskiej, sztuka karolińska ożywiła rzeźbę z kości słoniowej, często w panelach do opraw skarbów wielkich iluminowanych rękopisów , a także główki pastorałów i inne drobne elementy wyposażenia.

Sztuka bizantyjska , chociaż tworzyła wspaniałe płaskorzeźby z kości słoniowej i architektoniczne rzeźbienia dekoracyjne, nigdy nie powróciła do monumentalnej rzeźby, a nawet do wielu małych rzeźb w rundzie. Jednak na Zachodzie w okresie karolińskim i ottońskim nastąpiły początki produkcji monumentalnych posągów na dworach i głównych kościołach. To stopniowo się rozprzestrzeniało; pod koniec X i XI wieku istnieją wzmianki o kilku rzeźbach pozornie naturalnej wielkości w kościołach anglosaskich , prawdopodobnie z metalu szlachetnego wokół drewnianej ramy, takich jak Złota Madonna z Essen . Nie zachował się żaden przykład anglosaski, a pozostałości dużych rzeźb niearchitektonicznych sprzed 1000 są wyjątkowo rzadkie. O wiele najwspanialszy jest krzyż Gero z lat 965–970, który jest krucyfiksem , który był najwyraźniej najpowszechniejszym typem rzeźby; Karol Wielki założył jeden w Kaplicy Palatyńskiej w Akwizgranie około 800 roku. Ich popularność nadal rosła, zwłaszcza w Niemczech i we Włoszech. Kamienie runiczne ze świata nordyckiego , kamienie piktyjskie ze Szkocji i prawdopodobnie wysokie płaskorzeźby krzyżowe chrześcijańskiej Wielkiej Brytanii były północnymi tradycjami rzeźbiarskimi, które stanowiły pomost między okresem chrystianizacji.

romański
Brunswick Lion , 1166, pierwszy duży pusty odlew postaci od starożytności, 1,78 m wysokości i 2,79 m długości

Od około 1000 roku nastąpiło powszechne odrodzenie produkcji artystycznej w całej Europie, na czele z ogólnym wzrostem gospodarczym produkcji i handlu, a nowy styl sztuki romańskiej był pierwszym stylem średniowiecznym, który pojawił się w całej Europie Zachodniej. Nowe katedry i kościoły pielgrzymkowe były coraz częściej dekorowane kamiennymi płaskorzeźbami architektonicznymi i rozwijały się nowe ogniska rzeźbiarskie, takie jak tympanon nad drzwiami kościoła w XII wieku oraz zamieszkana stolica z postaciami i często scenami narracyjnymi. Do wybitnych kościołów opackich z rzeźbami należą we Francji Vézelay i Moissac oraz w Hiszpanii Silos .

Sztuka romańska charakteryzowała się bardzo żywiołowym stylem zarówno w rzeźbie, jak i malarstwie. Kapitele kolumn nigdy nie były bardziej ekscytujące niż w tym okresie, kiedy często rzeźbiono na nich całe sceny z kilkoma postaciami. Duży drewniany krucyfiks był niemiecką innowacją już na początku tego okresu, podobnie jak wolnostojące posągi tronującej Madonny, ale płaskorzeźba była przede wszystkim rzeźbiarską modą tego okresu. Kompozycje zwykle miały niewielką głębię i musiały być elastyczne, aby wcisnąć się w kształty kapiteli i typanów kościelnych; napięcie między ciasno zamykającą się ramą, z której czasem kompozycja wymyka się, jest powracającym tematem w sztuce romańskiej. Postacie nadal często różniły się wielkością w stosunku do ich znaczenia, portrety prawie nie istniały.

Przedmioty z drogocennych materiałów, takich jak kość słoniowa i metal, miały w tym okresie bardzo wysoki status, o wiele bardziej niż monumentalne rzeźby — znamy nazwiska ich twórców bardziej niż malarzy, iluminatorów czy architektów-murarzy. Wyroby metalowe, w tym dekoracje z emalii , stały się bardzo wyrafinowane i przetrwało wiele spektakularnych kapliczek wykonanych do przechowywania relikwii, z których najbardziej znanym jest Sanktuarium Trzech Króli w katedrze w Kolonii autorstwa Mikołaja z Verdun . Świecznik z brązu Gloucester i mosiężna czcionka z lat 1108–17, obecnie znajdujące się w Liège, są wspaniałymi przykładami bardzo odmiennego stylu odlewania metalu, ten pierwszy był bardzo skomplikowany i energiczny, czerpiący z malarstwa rękopisu, podczas gdy czcionka przedstawia styl Mosan w najlepszym wydaniu klasyczny i majestatyczny. Brązowe drzwi, kolumna triumfalna i inne elementy wyposażenia katedry w Hildesheim , Drzwi Gnieźnieńskie i drzwi Bazyliki św. Zenona w Weronie to inne znaczące pozostałości. Wydaje się, że aquamanile , pojemnik na wodę do mycia, został sprowadzony do Europy w XI wieku i często przybierał fantastyczne formy zoomorficzne ; zachowane przykłady są w większości z mosiądzu. Wiele odcisków wosku z imponujących pieczęci przetrwało na kartach i dokumentach, chociaż monety romańskie generalnie nie mają wielkiego znaczenia estetycznego.

Cloisters Cross to niezwykle duży krucyfiks z kości słoniowej , ze złożonymi rzeźbami, w tym wieloma postaciami proroków i innych, który został przypisany jednemu ze stosunkowo nielicznych artystów, których nazwisko jest znane, Mistrzowi Hugo , który również iluminował rękopisy. Jak wiele elementów, pierwotnie był częściowo zabarwiony. Szachy Lewisa są dobrze zachowanymi przykładami małych kości słoniowych, których wiele kawałków lub fragmentów pozostaje z pastorałów , tabliczek, krzyży piersiowych i podobnych przedmiotów.

gotyk
Francuska Matka Boża z Dzieciątkiem z kości słoniowej, koniec XIII wieku, wysokość 25 cm, zakrzywiona tak, aby pasowała do kształtu kości słoniowej

Okres gotyku jest zasadniczo definiowany przez architekturę gotycką i nie do końca pasuje do rozwoju stylu w rzeźbie ani na początku, ani na końcu. Fasady dużych kościołów, zwłaszcza wokół drzwi, nadal miały duże typanu, ale także rozciągały się wokół nich rzędy rzeźbionych postaci. Posągi na portalu zachodnim (królewskim) w katedrze w Chartres (ok. 1145) przedstawiają eleganckie, ale przesadne wydłużenie kolumn, ale te na portalu południowego transeptu , od 1215 do 1220, ukazują bardziej naturalistyczny styl i rosnące oderwanie od ściana za i pewną świadomość tradycji klasycznej. Tendencje te były kontynuowane w zachodnim portalu katedry w Reims kilka lat później, gdzie postacie są prawie okrągłe, jak to zwykle bywa, gdy gotyk rozprzestrzenił się w Europie.

We Włoszech Nicola Pisano (1258-1278) i jego syn Giovanni rozwinęli styl, który jest często nazywany protorenesansem , z wyraźnym wpływem rzymskich sarkofagów oraz wyrafinowanych i zatłoczonych kompozycji, w tym sympatycznego traktowania nagości, w płaskorzeźbach na ich ambonach . Katedra w Sienie (1265–68) , Fontana Maggiore w Perugii i ambona Giovanniego w Pistoi z 1301 r. Kolejne odrodzenie stylu klasycznego widać w międzynarodowym gotyckim dziele Clausa Slutera i jego zwolenników w Burgundii i Flandrii około 1400 r. Rzeźba późnogotycka kontynuowana na północy, z modą na bardzo duże rzeźbione w drewnie ołtarze z coraz bardziej wirtuozowskimi rzeźbieniami i dużą liczbą wzburzonych, wyrazistych postaci; większość zachowanych przykładów znajduje się w Niemczech, po wielu obrazoburcach w innych miejscach. Tilman Riemenschneider , Wit Stwosz i inni kontynuowali ten styl aż do XVI wieku, stopniowo wchłaniając wpływy włoskiego renesansu.

Naturalnej wielkości wizerunki grobowców z kamienia lub alabastru stały się popularne wśród bogatych, a wielkie wielopoziomowe grobowce ewoluowały, a grobowce Scaligera w Weronie były tak duże, że musiały zostać przeniesione poza kościół. W XV wieku istniał przemysł eksportujący alabastrowe płaskorzeźby ołtarzowe z Nottingham w grupach paneli na większą część Europy dla ekonomicznych parafii, których nie było stać na kamienne retabulacje. Małe rzeźby, przeznaczone głównie na rynek świecki i często kobiecy, stały się znaczącym przemysłem w Paryżu i niektórych innych ośrodkach. Rodzaje kości słoniowej obejmowały małe dewocyjne poliptyki , pojedyncze figurki, zwłaszcza Matki Boskiej , lusterka, grzebienie i kunsztowne szkatułki ze scenami z romansów , używane jako prezenty zaręczynowe. Bardzo bogaci kolekcjonowali ekstrawagancko wyszukane, wysadzane klejnotami i emaliowane wyroby metalowe, zarówno świeckie, jak i religijne, takie jak relikwiarz cierniowy księcia de Berry , dopóki nie zabrakło im pieniędzy, kiedy ponownie przetopiono je na gotówkę.

renesans

Michał Anioł , Grób papieża Juliusza II , ok. 1545, z posągami Racheli i Lei po lewej i prawej stronie jego Mojżesza

Właściwą rzeźbę renesansową często bierze się za początek słynnego konkursu na drzwi florenckiej baptysterium w 1403 r., Z którego przetrwały próbne modele przesłane przez zwycięzcę, Lorenza Ghibertiego i Filippo Brunelleschiego . Drzwi Ghibertiego są nadal na miejscu, ale niewątpliwie zostały przyćmione przez jego drugą parę dla drugiego wejścia, tak zwanych Bram Raju , które zabrały mu od 1425 do 1452 roku i są olśniewająco pewnymi klasycyzującymi kompozycjami o zróżnicowanej głębokości reliefu, pozwalając na rozległe tła . W międzyczasie wczesny asystent Ghibertiego, Donatello , rozwinął się dzięki przełomowym posągom, w tym jego Davidsowi z marmuru (1408–09) i brązu (1440) oraz jego konnemu posągowi Gattamelata , a także płaskorzeźbom. Wiodącą postacią w późniejszym okresie był Andrea del Verrocchio , najbardziej znany ze swojego konnego pomnika Bartolomeo Colleoniego w Wenecji; jego uczeń Leonardo da Vinci zaprojektował rzeźbę koni w 1482 r. Koń dla Mediolanu , ale udało mu się wykonać tylko gliniany model o długości 24 stóp (7,3 m), który został zniszczony przez francuskich łuczników w 1499 r., a inne jego ambitne plany rzeźbiarskie nigdy nie zostały ukończone.

Okres ten charakteryzował się wielkim wzrostem mecenatu rzeźby ze strony państwa dla sztuki publicznej i bogatych dla ich domów; szczególnie we Włoszech rzeźba publiczna pozostaje kluczowym elementem wyglądu historycznych centrów miast. Rzeźba kościelna przeniosła się głównie do wewnątrz, podobnie jak publiczne pomniki na zewnątrz stały się powszechne. Rzeźby portretowe, zwykle w popiersiach, stały się popularne we Włoszech około 1450 roku, kiedy neapolitańczyk Francesco Laurana specjalizował się w młodych kobietach w medytacyjnych pozach, podczas gdy Antonio Rossellino i inni częściej przedstawiali biznesmenów o guzowatych twarzach, ale także małe dzieci. Medal portretowy wymyślony przez Pisanello również często przedstawiał kobiety; plakiety reliefowe były kolejną nową małą formą rzeźby w odlewie metalowym.

Michał Anioł był aktywnym rzeźbiarzem od około 1500 do 1520 roku, a jego wielkie arcydzieła, w tym jego Dawid , Pieta , Mojżesz i dzieła do grobowca papieża Juliusza II i kaplicy Medyceuszy , nie mogły zostać zignorowane przez kolejnych rzeźbiarzy. Jego kultowy Dawid (1504) ma pozę kontrapostową , zapożyczoną z rzeźby klasycznej. Różni się od poprzednich przedstawień tematu tym, że Dawid jest przedstawiony przed walką z Goliatem, a nie po klęsce olbrzyma. Zamiast być pokazanym jako zwycięzca, jak to zrobili Donatello i Verocchio, David wygląda na spiętego i gotowego do walki.

Manierysta

Adriaen de Vries , Merkury i Psyche Północny manieryzm naturalnej wielkości z brązu, wykonany w 1593 roku dla Rudolfa II, Świętego Cesarza Rzymskiego .

Podobnie jak w malarstwie, wczesnowłoska rzeźba manierystyczna była w dużej mierze próbą znalezienia oryginalnego stylu, który przewyższyłby osiągnięcia Wielkiego Renesansu , co w rzeźbie zasadniczo oznaczało Michała Anioła, a większość walki o osiągnięcie tego celu rozgrywała się w komisjach do wypełnienia inne miejsca na Piazza della Signoria we Florencji, obok Dawida Michała Anioła . Baccio Bandinelli przejął od samego mistrza projekt Herkulesa i Kakusa , ale był on niewiele bardziej popularny niż obecnie, złośliwie porównywany przez Benvenuto Celliniego do „worka melonów”, choć miał długotrwały efekt w pozornie wprowadzenie po raz pierwszy płaskorzeźb na cokołach posągów. Podobnie jak inne jego dzieła i innych manierystów, usuwa znacznie więcej pierwotnej bryły, niż zrobiłby to Michał Anioł. Perseusz z brązu Celliniego z głową Meduzy jest z pewnością arcydziełem, zaprojektowanym z ośmioma kątami widzenia, co jest kolejną cechą manierystyczną, ale jest rzeczywiście maniery w porównaniu z Dawidami Michała Anioła i Donatella. Pierwotnie złotnik, jego słynna złota i emaliowana Solniczka (1543) była jego pierwszą rzeźbą i pokazuje jego talent w najlepszym wydaniu. Jak pokazują te przykłady, okres ten rozszerzył zakres świeckich tematów dla dużych dzieł poza portrety, ze szczególnie uprzywilejowanymi postaciami mitologicznymi; wcześniej znajdowano je głównie w małych pracach.

Małe figurki z brązu do szafek kolekcjonerskich , często o tematyce mitologicznej z aktami, były popularną formą renesansu, w której Giambologna , pierwotnie flamandzka , ale mieszkająca we Florencji, celowała w drugiej połowie wieku, tworząc także rzeźby naturalnej wielkości, z których dwie dołączyły do kolekcja na Piazza della Signoria. On i jego zwolennicy wymyślili eleganckie, wydłużone przykłady figura serpentinata , często dwóch splecionych ze sobą postaci, które były interesujące ze wszystkich stron.

barok i rokoko

W rzeźbie barokowej grupy postaci nabrały nowego znaczenia, nastąpił dynamiczny ruch i energia form ludzkich – krążyły one spiralnie wokół pustego centralnego wiru lub sięgały na zewnątrz w otaczającą przestrzeń. Rzeźby barokowe często miały wiele idealnych kątów widzenia i odzwierciedlały ogólną kontynuację renesansowego odejścia od płaskorzeźby do rzeźby tworzonej na okrągło i zaprojektowanej do umieszczenia na środku dużej przestrzeni - wyszukane fontanny, takie jak Fontana dei Quattro Berniniego Fiumi (Rzym, 1651) lub te w Ogrodach Wersalskich były specjalnością baroku. Styl barokowy doskonale pasował do rzeźby, a Gian Lorenzo Bernini był dominującą postacią epoki w dziełach takich jak Ekstaza św. Teresy (1647–1652). Wiele rzeźb barokowych dodało elementy pozarzeźbiarskie, na przykład ukryte oświetlenie lub fontanny, lub połączyło rzeźbę i architekturę, aby stworzyć przemieniające doświadczenie dla widza. Artyści uważali się za przedstawicieli tradycji klasycznej, ale podziwiali rzeźbę hellenistyczną , a później rzymską, a nie rzeźbę z bardziej „klasycznych” okresów, tak jak są one postrzegane dzisiaj.

Reformacja protestancka przyniosła prawie całkowite zatrzymanie rzeźby religijnej w większości północnej Europy i chociaż rzeźba świecka, zwłaszcza w przypadku popiersi portretowych i pomników grobowych , była kontynuowana, holenderski złoty wiek nie ma znaczącego elementu rzeźbiarskiego poza złotnictwem. Częściowo w bezpośredniej reakcji rzeźba była tak samo widoczna w katolicyzmie , jak w późnym średniowieczu. Posągi władców i szlachty stawały się coraz bardziej popularne. W XVIII wieku wiele rzeźb kontynuowano w stylu barokowym - Fontanna di Trevi została ukończona dopiero w 1762 roku . Styl rokokowy lepiej pasował do mniejszych dzieł i prawdopodobnie znalazł idealną formę rzeźbiarską we wczesnoeuropejskiej porcelanie oraz schematach dekoracji wnętrz z drewna lub gipsu, takich jak jak te we francuskich wnętrzach domowych oraz austriackich i bawarskich kościołach pielgrzymkowych .

Neoklasyczny

Styl neoklasycystyczny , który pojawił się pod koniec XVIII wieku, położył duży nacisk na rzeźbę. Jean-Antoine Houdon jest przykładem przenikliwej rzeźby portretowej, jaką może stworzyć ten styl, a akty Antonio Canovy idealistycznego aspektu ruchu. Okres neoklasyczny był jednym z wielkich okresów rzeźby publicznej, chociaż jego „klasyczne” prototypy były raczej rzymskimi kopiami rzeźb hellenistycznych. W rzeźbie najbardziej znanymi przedstawicielami są Włoch Antonio Canova , Anglik John Flaxman i Duńczyk Bertel Thorvaldsen . Europejski styl neoklasyczny zapanował również w Stanach Zjednoczonych, gdzie jego szczyt nastąpił nieco później, czego przykładem są rzeźby Hirama Powersa .

Azja

Rzeźba grecko-buddyjska i Azja

Jedno z pierwszych przedstawień Buddy , I–II wiek n.e. , Gandhara

Sztuka grecko-buddyjska jest artystyczną manifestacją grecko-buddyzmu , synkretyzmu kulturowego między klasyczną kulturą grecką a buddyzmem , który rozwinął się w Azji Środkowej przez blisko 1000 lat, między podbojami Aleksandra Wielkiego w IV wieku pne i islamskie podboje VII wieku n.e. Sztuka grecko-buddyjska charakteryzuje się silnym idealistycznym realizmem sztuki hellenistycznej i pierwszymi przedstawieniami Buddy w ludzkiej postaci, które pomogły zdefiniować artystyczny (a zwłaszcza rzeźbiarski) kanon sztuki buddyjskiej na całym kontynencie azjatyckim aż do chwili obecnej. Chociaż datowanie jest niepewne, wydaje się, że silnie hellenistyczne style utrzymywały się na Wschodzie przez kilka stuleci po ich upadku wokół Morza Śródziemnego, aż do V wieku n.e. Niektóre aspekty sztuki greckiej zostały przyjęte, podczas gdy inne nie rozprzestrzeniły się poza obszar grecko-buddyjski; w szczególności postać stojąca, często w zrelaksowanej pozie i zgiętej jednej nodze, oraz latające amorki lub zwycięstwa, które stały się popularne w Azji jako apsary . Wpływ miały również greckie dekoracje z liści, pojawiające się indyjskie wersje stolicy Koryntu .

Początków sztuki grecko-buddyjskiej należy szukać w hellenistycznym królestwie grecko-baktriańskim (250–130 p.n.e.), położonym na terenie dzisiejszego Afganistanu , z którego kultura hellenistyczna promieniowała na subkontynent indyjski wraz z powstaniem małego królestwa indo-greckiego ( 180-10 pne). Pod rządami Indo-Greków , a następnie Kuszanów , interakcja kultury greckiej i buddyjskiej kwitła na obszarze Gandhara , w dzisiejszym północnym Pakistanie, zanim rozprzestrzeniła się dalej do Indii, wpływając na sztukę Mathury , a następnie na sztukę hinduską imperium Guptów , który miał rozszerzyć się na resztę Azji Południowo-Wschodniej. Wpływ sztuki grecko-buddyjskiej rozprzestrzenił się również na północ, w kierunku Azji Środkowej , silnie wpływając na sztukę Basenu Tarim i jaskiń Dunhuang , a ostatecznie na rzeźbioną postać w Chinach, Korei i Japonii.

Chiny

Siedzący bodhisattwa Guanyin , drewno i pigment, XI wiek, północna dynastia Song .

Chińskie brązy rytualne z dynastii Shang i zachodniej dynastii Zhou pochodzą z okresu ponad tysiąca lat od ok. 1500 pne i wywarły ciągły wpływ na sztukę chińską . Są odlane ze złożonymi wzorzystymi i zoomorficznymi dekoracjami, ale unikają postaci ludzkiej, w przeciwieństwie do ogromnych postaci odkrytych dopiero niedawno w Sanxingdui . Spektakularna Armia Terakotowa została zmontowana na grobie Qin Shi Huanga , pierwszego cesarza zjednoczonych Chin w latach 221-210 p.n.e., jako wielka imperialna wersja figurek długo umieszczanych w grobowcach, aby umożliwić zmarłym cieszenie się tym samym stylem życia w życie pozagrobowe, jak za życia, zastępując rzeczywiste ofiary z bardzo wczesnych okresów. Mniejsze figurki z ceramiki lub drewna były umieszczane w grobowcach przez wiele stuleci później, osiągając szczyt jakości w figurach grobowców z dynastii Tang . Tradycja niezwykle dużych figurek ceramicznych przetrwała w Chinach, od figurek grobowców Tang sancai po późniejsze posągi buddyjskie, takie jak zestaw luohanów z glazurowanej ceramiki Yixian zbliżonej do naturalnej wielkości, a później figurki do świątyń i grobowców. Te przyszły, aby zastąpić wcześniejsze odpowiedniki w drewnie.

Rdzenne religie chińskie zwykle nie używają kultowych wizerunków bóstw ani nawet ich nie przedstawiają, a duże rzeźby religijne są prawie w całości buddyjskie, datowane głównie na okres od IV do XIV wieku i początkowo wykorzystujące modele grecko-buddyjskie przybywające Jedwabnym Szlakiem . Buddyzm jest także kontekstem dla wszystkich dużych rzeźb portretowych; w całkowitym przeciwieństwie do niektórych innych obszarów, w średniowiecznych Chinach nawet malowane wizerunki cesarza były uważane za prywatne. Grobowce cesarskie mają spektakularne aleje, wzdłuż których stoją prawdziwe i mitologiczne zwierzęta w skali odpowiadającej Egiptowi, a mniejsze wersje zdobią świątynie i pałace.

Małe figurki i grupy buddyjskie były produkowane z bardzo wysoką jakością w różnych mediach, podobnie jak reliefowe dekoracje wszelkiego rodzaju przedmiotów, zwłaszcza w metaloplastyce i jadeicie . We wcześniejszych okresach duże ilości rzeźb wycinano z żywej skały w kompleksach jaskiń pielgrzymkowych oraz jako zewnętrzne płaskorzeźby skalne . Były to w większości oryginalnie malowane. W przeciwieństwie do malarzy literatów , rzeźbiarze wszelkiego rodzaju byli uważani za rzemieślników i odnotowano bardzo niewiele nazwisk. Od czasów dynastii Ming statuetki postaci religijnych i świeckich były produkowane z chińskiej porcelany i innych mediów, które stały się ważnym eksportem.

Japonia

Nara Daibutsu , ok. 752, Nara , Japonia

Pod koniec długiego neolitycznego okresu Jōmon niektóre naczynia ceramiczne były „obramowane płomieniem” z ekstrawaganckimi przedłużeniami krawędzi, które można nazwać tylko rzeźbiarskimi, i wyprodukowano bardzo stylizowane ceramiczne figurki dogū , wiele z charakterystycznymi „goglami śnieżnymi” oczy. W okresie Kofun od III do VI wieku n.e. przed ważnymi grobowcami wzniesiono figurki ludzi i zwierząt z terakoty haniwa w uproszczonym stylu. Pojawienie się buddyzmu w VI wieku przyniosło ze sobą wyrafinowane tradycje rzeźbiarskie, chińskie style zapośredniczone przez Koreę. VII-wieczna Hōryū-ji i jej zawartość przetrwały w większym stanie niż jakakolwiek wschodnioazjatycka świątynia buddyjska z tamtych czasów, z dziełami, w tym trójcą Shaka z 623 roku z brązu, przedstawiającą historycznego Buddę otoczonego przez dwóch bodhisattwów, a także strażników królów Cztery kierunki .

Mówi się, że Jōchō jest jednym z największych rzeźbiarzy buddyjskich nie tylko w okresie Heian , ale także w historii buddyjskich posągów w Japonii. Jōchō na nowo zdefiniował kształt ciała posągów Buddy, doskonaląc technikę „yosegi zukuri” (寄木 造 り), która jest połączeniem kilku gatunków drewna. Spokojna ekspresja i pełna wdzięku postać posągu Buddy, którą wykonał, dopełniła japoński styl rzeźbienia posągów Buddy zwany „Jōchō yō” (styl Jōchō,定朝様) i zdeterminowała styl japońskich posągów buddyjskich z późniejszego okresu. Jego osiągnięcie radykalnie podniosło status społeczny busshi (buddyjskiego rzeźbiarza) w Japonii.

W okresie Kamakura klan Minamoto założył szogunat Kamakura , a klasa samurajów po raz pierwszy praktycznie rządziła Japonią. Następcy Jocho, rzeźbiarze ze szkoły buddyjskich posągów Kei , stworzyli realistyczne i dynamiczne posągi, które odpowiadały gustom samurajów, a japońska rzeźba buddyjska osiągnęła swój szczyt. Unkei , Kaikei i Tankei byli sławni i wykonali wiele nowych posągów Buddy w wielu świątyniach, takich jak Kofuku-ji , gdzie wiele posągów Buddy zginęło w wojnach i pożarach.

Prawie wszystkie późniejsze znaczące duże rzeźby w Japonii były buddyjskie, z pewnymi odpowiednikami shinto , a po upadku buddyzmu w Japonii w XV wieku monumentalne rzeźby stały się w dużej mierze dekoracją architektoniczną i mniej znaczące. Jednak prace rzeźbiarskie w sztuce dekoracyjnej zostały rozwinięte do niezwykłego poziomu osiągnięć technicznych i wyrafinowania w małych przedmiotach, takich jak inro i netsuke , wykonanych z wielu materiałów oraz metalowych opraw tosogu lub japońskiego miecza . W XIX wieku istniał przemysł eksportowy małych rzeźb z brązu o niezwykłej wirtuozerii, figurek z kości słoniowej i porcelany oraz innych rodzajów drobnych rzeźb, coraz bardziej podkreślających osiągnięcia techniczne.

subkontynent indyjski

Hinduska płaskorzeźba z terakoty Gupta , V wiek n.e., przedstawiająca Krysznę zabijającego demona-konia Keshi

Pierwsza znana rzeźba na subkontynencie indyjskim pochodzi z cywilizacji doliny Indusu (3300–1700 pne), znaleziona na stanowiskach w Mohendżo-daro i Harappa we współczesnym Pakistanie . Należą do nich słynna mała tancerka z brązu i tak zwany Kapłan-Król . Jednak takie figury z brązu i kamienia są rzadkie i znacznie przewyższają liczebnie figurki ceramiczne i kamienne pieczęcie, często bardzo dobrze przedstawione zwierzęta lub bóstwa. Po upadku cywilizacji doliny Indusu niewiele jest wzmianek o rzeźbie aż do epoki buddyjskiej, poza skarbem miedzianych figurek z (nieco kontrowersyjnych) ok. 1500 pne z Daimabadu . Tak więc wydaje się, że wielka tradycja indyjskiej monumentalnej rzeźby w kamieniu rozpoczęła się w stosunku do innych kultur, a rozwój cywilizacji indyjskiej stosunkowo późno, wraz z panowaniem Aśoki w latach 270-232 pne i filarami Aśoki , które wzniósł wokół Indii, niosący jego edykty i zwieńczony słynnymi rzeźbami zwierząt, głównie lwów, z których sześć przetrwało. Z wczesnobuddyjskich stup pielgrzymkowych przetrwały duże ilości rzeźb figuratywnych, głównie płaskorzeźb, przede wszystkim Sanchi ; te prawdopodobnie rozwinęły się z tradycji używania drewna, która obejmowała również hinduizm .

Hinduskie, dżinistyczne i buddyjskie rzeźby Mathury z różowego piaskowca od I do III wieku n.e. odzwierciedlały zarówno rodzime tradycje indyjskie, jak i zachodnie wpływy otrzymane przez grecko-buddyjską sztukę Gandhary, i skutecznie stworzyły podstawę dla późniejszej indyjskiej rzeźby religijnej. Styl ten został rozwinięty i rozpowszechniony w większości Indii pod rządami Imperium Guptów (ok. 320–550), które pozostaje „klasycznym” okresem rzeźby indyjskiej , obejmującym wcześniejsze jaskinie Ellora , chociaż jaskinie Elefanta są prawdopodobnie nieco późniejsze. Późniejsze rzeźby na dużą skalę pozostają prawie wyłącznie religijne i generalnie raczej konserwatywne, często powracają do prostych przednich pozycji stojących dla bóstw, chociaż towarzyszące im duchy, takie jak apsary i yakshi , często mają zmysłowo zakrzywione pozy. Rzeźba jest często bardzo szczegółowa, ze skomplikowanym podkładem za główną postacią z wypukłym reliefem. Słynne brązy z dynastii Chola (ok. 850–1250) z południowych Indii, z których wiele zaprojektowano do noszenia w procesjach, obejmują kultową postać Shivy jako Nataraja , z masywnymi granitowymi rzeźbami Mahabalipuram pochodzącymi z poprzedniej dynastii Pallava .

Azja Południowo-Wschodnia

Nadproże khmerskie z IX wieku

Rzeźba tego regionu charakteryzuje się zwykle wysokim stopniem zdobnictwa, co widać na przykładzie wielkich pomników hinduskiej i buddyjskiej rzeźby Khmerów (od IX do XIII wieku) w Angkor Wat i innych miejscach, ogromnego kompleksu buddyjskiego z IX wieku w Borobudur w Jawa i hinduskie zabytki Bali . Oba zawierają wiele płaskorzeźb, a także figur w rundzie; Borobudur ma 2672 płaskorzeźby, 504 posągi Buddy, wiele częściowo ukrytych w ażurowych stupach i wiele dużych postaci strażników.

W Tajlandii i Laosie rzeźba składała się głównie z wizerunków Buddy , często złoconych, zarówno dużych do świątyń i klasztorów, jak i małych figurek do prywatnych domów. Tradycyjna rzeźba w Myanmarze pojawiła się przed okresem Bagan . Podobnie jak w innych częściach regionu, większość drewnianych rzeźb z okresu Bagan i Ava zaginęła.

Tradycyjne rzeźby anitystów z Filipin są zdominowane przez projekty anitystów odzwierciedlające użyte medium i zaangażowaną kulturę, a jednocześnie są podkreślone przez środowiska, w których zwykle umieszcza się takie rzeźby. Rzeźby chrześcijańskie i islamskie z Filipin mają inne motywy w porównaniu z innymi rzeźbami chrześcijańskimi i islamskimi w innych miejscach. W późniejszych okresach wpływy chińskie dominowały w Wietnamie, Laosie i Kambodży, az całego regionu zachowało się więcej drewnianych rzeźb.

islam

Kość słoniowa ze śladami farby, XI–XII wiek, Egipt

Islam jest słynnie anikoniczny , więc zdecydowana większość rzeźb to arabeskowa dekoracja w reliefie lub ażurach, oparta na motywach roślinnych, ale z tendencją do geometrycznych form abstrakcyjnych. Na bardzo wczesnej fasadzie Mshatta (740s), obecnie głównie w Berlinie , w gęstych arabeskach znajdują się zwierzęta z płaskorzeźbami, a figury zwierząt i ludzi z głównie płaskorzeźbami znajdują się w połączeniu z dekoracjami na wielu późniejszych elementach z różnych materiałów, w tym wyrobów metalowych, kości słoniowej i ceramiki.

Figury zwierząt w rundzie były często akceptowane w pracach używanych w kontekstach prywatnych, jeśli przedmiot był wyraźnie praktyczny, więc średniowieczna sztuka islamu zawiera wiele metalowych zwierząt, które są aquamanilami , kadzidłami lub wspornikami fontann, jak w kamiennych lwach podtrzymujących słynny w Alhambrze , której kulminacją jest największa znana postać średniowiecznego islamskiego zwierzęcia, gryf w Pizie . W ten sam sposób luksusowe rzeźby z twardego kamienia , takie jak rękojeści sztyletów i miseczki, mogą być formowane jako zwierzęta, zwłaszcza w sztuce Mogołów . Stopień akceptowalności takiego złagodzenia surowych zasad islamskich różni się w zależności od okresu i regionu, przy czym islamska Hiszpania , Persja i Indie często prowadzą do złagodzenia i jest zazwyczaj najwyższy w kontekstach dworskich.

Afryka

Maska z Gabonu
Dwie Chiwary c. koniec XIX początek XX wieku, Art Institute of Chicago . Pionowe style żeńskie (po lewej) i męskie

Historycznie, z wyjątkiem niektórych monumentalnych rzeźb egipskich, większość rzeźb afrykańskich została stworzona z drewna i innych materiałów organicznych, które nie przetrwały sprzed kilku wieków; starsze figurki ceramiczne znajdują się w wielu obszarach. Maski są ważnym elementem sztuki wielu ludów, obok postaci ludzkich, często mocno stylizowanych. Istnieje ogromna różnorodność stylów, często różniących się w ramach tego samego kontekstu pochodzenia, w zależności od zastosowania przedmiotu, ale widoczne są szerokie trendy regionalne; rzeźba jest najbardziej rozpowszechniona wśród „grup osiadłych hodowców na obszarach osuszonych przez rzeki Niger i Kongo ” w Afryce Zachodniej. Bezpośrednie wizerunki bóstw są stosunkowo rzadkie, ale w szczególności maski są lub były często wykonywane na potrzeby ceremonii religijnych; dziś wiele z nich jest tworzonych dla turystów jako „sztuka lotniskowa”. Afrykańskie maski wywarły wpływ na europejską sztukę modernistyczną , która była inspirowana brakiem troski o naturalistyczne przedstawienie.

Nubijskie królestwo Kush we współczesnym Sudanie pozostawało w bliskim i często wrogim kontakcie z Egiptem i tworzyło monumentalne rzeźby, w większości wywodzące się ze stylów z północy . W Afryce Zachodniej najwcześniejsze znane rzeźby pochodzą z kultury Nok , która kwitła między 500 pne a 500 n.e. we współczesnej Nigerii, z glinianymi figurami zazwyczaj o wydłużonych ciałach i kanciastych kształtach. Późniejsze kultury Afryki Zachodniej rozwinęły odlewy z brązu do płaskorzeźb do dekoracji pałaców, takich jak słynne Brązy Beninu , oraz bardzo piękne naturalistyczne głowy królewskie z okolic miasta Ife w Jorubie z terakoty i metalu z XII – XIV wieku. Odważniki Akan to forma małych metalowych rzeźb produkowanych w latach 1400–1900, niektóre najwyraźniej reprezentują przysłowia , a więc z elementem narracyjnym rzadkim w rzeźbie afrykańskiej, a regalia królewskie zawierały imponujące rzeźbione elementy ze złota.

Wiele postaci z Afryki Zachodniej jest używanych w rytuałach religijnych i często jest pokrywanych materiałami umieszczanymi na nich w celu składania uroczystych ofiar. Ludy posługujące się językiem mande z tego samego regionu wytwarzają kawałki drewna o szerokich, płaskich powierzchniach, a ręce i nogi mają kształt walca. Jednak w Afryce Środkowej głównymi cechami wyróżniającymi są twarze w kształcie serca, które są zakrzywione do wewnątrz i przedstawiają wzory kół i kropek.

Populacje w afrykańskich Wielkich Jeziorach nie są znane ze swojej rzeźby. Jednak jednym stylem z regionu są rzeźby na słupach, wyrzeźbione w ludzkie kształty i ozdobione formami geometrycznymi, podczas gdy na szczytach wyrzeźbiono postacie zwierząt, ludzi i różnych przedmiotów. Słupy te są więc umieszczane obok grobów i kojarzą się ze śmiercią i światem przodków. Kultura znana z Wielkiego Zimbabwe pozostawiła bardziej imponujące budynki niż rzeźby, ale osiem steatytowych ptaków Zimbabwe wydaje się mieć szczególne znaczenie i zostało osadzonych na monolitach . Współcześni rzeźbiarze ze steatytu z Zimbabwe odnieśli znaczny międzynarodowy sukces . Najstarsze znane gliniane figurki z Afryki Południowej pochodzą z okresu od 400 do 600 roku n.e. i mają cylindryczne głowy z mieszanką cech ludzkich i zwierzęcych.

Etiopii i Erytrei

Tworzenie rzeźb w Etiopii i Erytrei można prześledzić wstecz do starożytnej przeszłości z królestwami Dʿmt i Aksum . Sztuka chrześcijańska powstała w Etiopii wraz z przejściem z pogaństwa na chrześcijaństwo w IV wieku n.e., za panowania króla Ezany z Aksum . Chrześcijańskie obrazy zdobiły kościoły w okresie Asksumite i późniejszych epok. Na przykład w Lalibeli w kościele Bet Golgota wyrzeźbiono świętych naturalnej wielkości ; zgodnie z tradycją zostały one wykonane za panowania władcy Zagwe Gebre Mesqel Lalibela w XII wieku, ale bardziej prawdopodobne jest, że zostały wykonane w XV wieku, za panowania dynastii salomońskiej . Jednak kościół św. Jerzego w Lalibeli , jeden z kilku przykładów architektury wykutej w skale w Lalibeli, zawierającej skomplikowane rzeźby, został zbudowany w X – XIII wieku, o czym świadczy archeologia.

Sudan

W starożytnym Sudanie rozwój rzeźby rozciąga się od prostej ceramiki kultury Kerma , która rozpoczęła się około 2500 r . p.n.e. Aksum z Etiopii). Oprócz wyrobów ceramicznych kultura Kermy wytwarzała również meble zawierające rzeźby, takie jak złote kopyta bydła jako nogi łóżek. Rzeźba w Królestwie Kusz obejmowała pełnowymiarowe posągi (zwłaszcza królów i królowych), mniejsze figurki (najczęściej przedstawiające służących królewskich) oraz płaskorzeźby w kamieniu, na które wpływ miała współczesna tradycja rzeźbiarska starożytnego Egiptu.

Amerykanie

Rzeźba na terenie dzisiejszej Ameryki Łacińskiej rozwinęła się w dwóch odrębnych i odrębnych obszarach, Mezoameryce na północy i Peru na południu. Na obu obszarach rzeźba była początkowo z kamienia, a później z terakoty i metalu, gdy cywilizacje na tych obszarach stały się bardziej zaawansowane technologicznie. Region Mezoameryki wyprodukował bardziej monumentalne rzeźby, od masywnych, podobnych do bloków dzieł kultur Olmeków i Tolteków , po wspaniałe płaskorzeźby , które charakteryzują kultury Majów i Azteków . W regionie andyjskim rzeźby były zazwyczaj małe, ale często przedstawiały doskonałe umiejętności.

Prekolumbijski

Ameryka północna

Panel św. Jakuba , z reredos w Cristo Rey Church, Santa Fe, Nowy Meksyk , ok. 1760

W Ameryce Północnej wyrzeźbiono drewno na totemy , maski, przybory, czółna wojenne i wiele innych zastosowań, z wyraźnymi różnicami między różnymi kulturami i regionami. Najbardziej rozwinięte style to te z północno-zachodniego wybrzeża Pacyfiku , gdzie rozwinęła się grupa wyszukanych i wysoce stylizowanych stylów formalnych, tworząc podstawę tradycji, która trwa do dziś. Oprócz słynnych totemów, malowane i rzeźbione fasady domów uzupełniono rzeźbionymi słupami wewnątrz i na zewnątrz, a także figurami grobowymi i innymi przedmiotami. Wśród Eskimosów z dalekiej północy nadal kontynuowane są tradycyjne style rzeźbienia w kości słoniowej i steatycie.

Pojawienie się europejskiej kultury katolickiej z łatwością dostosowało lokalne umiejętności do dominującego stylu barokowego , tworząc niezwykle wyszukane retablos i inne rzeźby, głównie kościelne, w różnych stylach hybrydowych. Najbardziej znanym z takich przykładów w Kanadzie jest obszar ołtarza Bazyliki Notre Dame w Montrealu w Quebecu, który został wyrzeźbiony przez chłopskich robotników . Później artyści wyszkoleni w zachodniej tradycji akademickiej podążali za europejskimi stylami, aż pod koniec XIX wieku ponownie zaczęli czerpać z wpływów tubylczych, zwłaszcza meksykańskiego barokowego groteskowego stylu znanego jako Churrigueresque . Ludy aborygeńskie zaadaptowały także rzeźbę kościelną w wariacjach na temat gotyku ciesielskiego ; jednym ze słynnych przykładów jest Kościół Świętego Krzyża w Skookumchuck Hot Springs w Kolumbii Brytyjskiej .

Historia rzeźby w Stanach Zjednoczonych po przybyciu Europejczyków odzwierciedla XVIII-wieczne fundamenty tego kraju w rzymskich republikańskich wartościach obywatelskich i protestanckim chrześcijaństwie . W porównaniu z obszarami skolonizowanymi przez Hiszpanów, rzeźba w koloniach brytyjskich rozwijała się niezwykle wolno, prawie nie miała miejsca w kościołach, a jej rozpędu nadawała dopiero potrzeba potwierdzenia przynależności narodowej po uzyskaniu niepodległości. Amerykańska rzeźba od połowy do końca XIX wieku była często klasyczna, często romantyczna, ale wykazywała skłonność do dramatycznego, narracyjnego, niemal dziennikarskiego realizmu. Budynki użyteczności publicznej w ostatniej ćwierci XIX wieku i pierwszej połowie XX wieku często stanowiły oprawę architektoniczną dla rzeźby, zwłaszcza płaskorzeźby. W latach trzydziestych XX wieku popularny stał się międzynarodowy styl architektury i projektowania oraz art deco , charakteryzujący się pracami Paula Manshipa i Lee Lawrie i innych. W latach pięćdziesiątych tradycyjna edukacja rzeźbiarska została prawie całkowicie zastąpiona przez inspirowaną Bauhausem troskę o abstrakcyjny projekt. Minimalistyczna rzeźba zastąpiła postać w miejscach publicznych, a architekci prawie całkowicie przestali wykorzystywać rzeźbę w swoich projektach lub na nich. Współcześni rzeźbiarze (XXI wiek) wykorzystują zarówno projekty inspirowane klasyką, jak i abstrakcją. Począwszy od lat 80. nastąpił zwrot w kierunku figuratywnej rzeźby publicznej; do 2000 roku wiele nowych elementów publicznych w Stanach Zjednoczonych miało charakter figuratywny.

W stronę sztuki nowoczesnej

Wiek XIX – początek XX, wczesny modernizm i kontynuacja realizmu

Edgar Degas , Mały Tancerz Czternastu Lat , odlany w 1922 roku z rzeźby wykonanej techniką mieszaną, wzorowanej na ok. 1879–80, brąz, częściowo barwiony, z bawełną

Współczesny klasycyzm kontrastował na wiele sposobów z klasyczną rzeźbą XIX wieku, która charakteryzowała się przywiązaniem do naturalizmu ( Antoine-Louis Barye ) – melodramatycznym ( François Rude ) sentymentalizmem ( Jean-Baptiste Carpeaux ) – lub rodzajem dostojnej wielkości ( Lord Leightona ). Na przełomie wieków obrano kilka różnych kierunków w tradycji klasycznej, ale badanie żywego modelu i tradycji postrenesansowej było dla nich nadal fundamentalne. Auguste Rodin był najbardziej znanym europejskim rzeźbiarzem początku XX wieku. Często jest uważany za impresjonistę rzeźbiarza , podobnie jak jego uczniowie, w tym Camille Claudel i Hugo Rheinhold , próbujący modelować ulotną chwilę zwykłego życia. Współczesny klasycyzm wykazywał mniejsze zainteresowanie naturalizmem, a większe stylizacją formalną. Większą uwagę zwrócono na rytmy objętości i przestrzeni - a także na kontrastujące cechy powierzchni (otwarte, zamknięte, płaskie, łamane itp.), Podczas gdy mniej uwagi poświęcono opowiadaniu historii i przekonującym szczegółom anatomii lub kostiumu . Większą uwagę poświęcono efektom psychologicznym niż realizmowi fizycznemu i wykorzystano wpływy wcześniejszych stylów z całego świata.

Do pierwszych mistrzów nowoczesnego klasycyzmu należeli: Aristide Maillol , Alexander Matveyev , Joseph Bernard , Antoine Bourdelle , Georg Kolbe , Libero Andreotti , Gustav Vigeland , Jan Stursa , Constantin Brâncuși . W miarę upływu stulecia nowoczesny klasycyzm został przyjęty jako styl narodowy dwóch wielkich europejskich imperiów totalitarnych: nazistowskich Niemiec i sowieckiej Rosji , które dokooptowały prace wcześniejszych artystów, takich jak Kolbe i Wilhelm Lehmbruck w Niemczech oraz Matwiejew w Rosji. W ciągu 70 lat ZSRR nowe pokolenia rzeźbiarzy były szkolone i wybierane w ramach ich systemu, a także rozwinął się odrębny styl, socrealizm , który powrócił do XIX-wiecznego nacisku na melodramat i naturalizm.

Kształcenie klasyczne zostało wykorzenione z edukacji artystycznej w Europie Zachodniej (i obu Amerykach) do 1970 roku, a klasyczne warianty XX wieku zostały zmarginalizowane w historii modernizmu. Ale klasycyzm był podstawą edukacji artystycznej w radzieckich akademiach do 1990 roku, zapewniając podstawę ekspresyjnej sztuki figuratywnej w całej Europie Wschodniej i części Bliskiego Wschodu. Do roku 2000 europejska tradycja klasyczna nadal cieszy się szerokim zainteresowaniem opinii publicznej, ale oczekuje, że tradycja edukacyjna ożywi jej współczesny rozwój.

Niektóre współczesne klasyki stały się albo bardziej dekoracyjne/art deco ( Paul Manship , Jose de Creeft , Carl Milles ), albo bardziej abstrakcyjnie stylizowane lub bardziej wyraziste (i gotyckie) ( Anton Hanak , Wilhelm Lehmbruck , Ernst Barlach , Arturo Martini ) – lub zamienione bardziej do renesansu ( Giacomo Manzù , Venanzo Crocetti ) lub pozostał taki sam ( Charles Despiau , Marcel Gimond ).

Modernizm

Gaston Lachaise , Pływająca postać 1927, brąz, nr. 5 z wydania 7, National Gallery of Australia

Modernistyczne ruchy rzeźbiarskie obejmują między innymi kubizm , abstrakcję geometryczną , De Stijl , suprematyzm , konstruktywizm , dadaizm , surrealizm , futuryzm , formalizm , ekspresjonizm abstrakcyjny , pop-art , minimalizm , sztukę ziemi i sztukę instalacji .

Henry Moore , Large Reclining Figure , 1984 (na podstawie mniejszego modelu z 1938), Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith , CUBI VI, (1963), Muzeum Izraela , Jerozolima .

Na początku XX wieku Pablo Picasso zrewolucjonizował sztukę rzeźbiarską, kiedy zaczął tworzyć swoje konstrukcje , łącząc różne przedmioty i materiały w jedną skonstruowaną rzeźbę; rzeźbiarski odpowiednik kolażu w sztuce dwuwymiarowej. Pojawienie się surrealizmu doprowadziło do tego, że czasami określano rzeczy jako „rzeźby”, które wcześniej nie byłyby takimi, na przykład „rzeźba mimowolna” w kilku znaczeniach, w tym coulage . W późniejszych latach Picasso stał się płodnym garncarzem , co doprowadziło do odrodzenia sztuki ceramicznej z całego świata, z udziałem takich postaci jak George E. Ohr , a następnie Peter Voulkos , Kenneth Price i Robert Arneson . Marcel Duchamp zapoczątkował użycie „ przedmiotu znalezionego ” (francuski: objet trouvé) lub gotowych elementów, takich jak Fontanna (1917).

Podobnie twórczość Constantina Brâncușiego na początku wieku utorowała drogę późniejszej rzeźbie abstrakcyjnej. W buncie przeciwko naturalizmowi Rodina i jemu współczesnych z końca XIX wieku, Brâncuși sprowadził tematy do ich esencji, co ilustrują elegancko wyrafinowane formy jego serii Bird in Space (1924).

Wpływ Brâncuși , z jego słownictwem redukcji i abstrakcji , był widoczny w latach 30 . _ do lat czterdziestych na abstrakcyjną rzeźbę wpłynęli i rozszerzyli ją Alexander Calder , Len Lye , Jean Tinguely i Frederick Kiesler , którzy byli pionierami sztuki kinetycznej .

Modernistyczni rzeźbiarze w dużej mierze przegapili ogromny rozkwit sztuki publicznej, wynikający z zapotrzebowania na pomniki wojenne z czasów dwóch wojen światowych, ale od lat pięćdziesiątych XX wieku organy publiczne i zamawiające poczuły się bardziej komfortowo z rzeźbą modernistyczną, a duże zamówienia publiczne, zarówno abstrakcyjne, jak i figuratywne, stały się powszechne . Picasso otrzymał zlecenie wykonania makiety do ogromnej rzeźby publicznej o wysokości 50 stóp (15 m), tzw. Chicago Picasso (1967). Jego projekt był niejednoznaczny i nieco kontrowersyjny, a to, co przedstawia postać, nie jest jasne; może to być ptak, koń, kobieta lub całkowicie abstrakcyjny kształt.

Pod koniec lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych rzeźbiarze abstrakcyjni zaczęli eksperymentować z szeroką gamą nowych materiałów i różnymi podejściami do tworzenia swoich dzieł. Surrealistyczne obrazy, abstrakcja antropomorficzna, nowe materiały i kombinacje nowych źródeł energii oraz różnorodne powierzchnie i przedmioty stały się charakterystyczne dla wielu nowych rzeźb modernistycznych. Wspólne projekty z projektantami krajobrazu, architektami i architektami krajobrazu rozszerzyły witrynę zewnętrzną i integrację kontekstową. Artyści tacy jak Isamu Noguchi , David Smith , Alexander Calder , Jean Tinguely , Richard Lippold , George Rickey , Louise Bourgeois , Philip Pavia i Louise Nevelson przybyli, aby scharakteryzować wygląd współczesnej rzeźby.

W latach 60. dominował abstrakcyjny ekspresjonizm , abstrakcja geometryczna i minimalizm , który redukuje rzeźbę do jej najbardziej istotnych i podstawowych cech. Niektóre dzieła z tego okresu to: dzieła Cubi autorstwa Davida Smitha i spawane konstrukcje stalowe Sir Anthony'ego Caro , a także spawane rzeźby wielu różnych rzeźbiarzy, wielkoformatowe prace Johna Chamberlaina i prace w skali instalacji środowiskowych autorstwa Marka di Suvero . Inni minimaliści to Tony Smith , Donald Judd, Robert Morris , Anne Truitt , Giacomo Benevelli , Arnaldo Pomodoro , Richard Serra , Dan Flavin , Carl Andre i John Safer , którzy dodali ruch i monumentalność do tematu czystości linii.

W latach 60. i 70. XX wieku rzeźby figuratywne modernistycznych artystów w stylizowanych formach tworzyli tacy artyści jak Leonard Baskin , Ernest Trova , George Segal , Marisol Escobar , Paul Thek , Robert Graham w klasycznym, artykułowanym stylu, a Fernando Botero przenosząc „ponadgabarytowe” obrazy swojego malarstwa figur” w monumentalne rzeźby.

Galeria rzeźby modernistycznej

Współczesne ruchy

Christo i Jeanne-Claude , Parasole 1991, Japonia
Device to Root Out Evil (1997) rzeźba Dennisa Oppenheima w
Palma de Mallorca , Plaça de la Porta de Santa Catalina

Dzieła sztuki specyficznej dla miejsca i środowiska są reprezentowane przez artystów: Andy Goldsworthy , Walter De Maria , Richard Long , Richard Serra , Robert Irwin , George Rickey oraz Christo i Jeanne-Claude poprowadzili współczesną rzeźbę abstrakcyjną w nowych kierunkach. Artyści stworzyli rzeźby środowiskowe na rozległych terenach w grupie projektów „ sztuka ziemi na amerykańskim Zachodzie ”. Te rzeźby w skali środowiskowej sztuki lądowej lub „sztuki ziemi”, których przykładem są artyści tacy jak Robert Smithson , Michael Heizer , James Turrell ( Roden Crater ). Eva Hesse , Sol LeWitt , Jackie Winsor , Keith Sonnier , Bruce Nauman i Dennis Oppenheim byli między innymi pionierami rzeźby postminimalistycznej .

Również w latach 60. i 70. artyści tak różnorodni jak Eduardo Paolozzi , Chryssa , Claes Oldenburg , George Segal , Edward Kienholz , Nam June Paik , Wolf Vostell , Duane Hanson i John DeAndrea badali abstrakcję, obrazy i figurację poprzez sztukę wideo , środowisko, światło rzeźbę i sztukę instalacji na nowe sposoby.

Sztuka konceptualna to sztuka, w której koncepcje lub idee zaangażowane w dzieło mają pierwszeństwo przed tradycyjnymi kwestiami estetycznymi i materialnymi. Prace obejmują Jedno i trzy krzesła , 1965, autorstwa Josepha Kosutha i Dąb Michaela Craiga-Martina oraz prace Josepha Beuysa , Jamesa Turrella i Jacka Tylickiego .

Minimalizm

Postminimalizm

Współczesne gatunki

Spiral Jetty autorstwa Roberta Smithsona w 2005 roku

Niektóre nowoczesne formy rzeźbiarskie są obecnie praktykowane na zewnątrz, jako sztuka środowiskowa i rzeźba środowiskowa , często na oczach widzów. Rzeźba świetlna , rzeźba sztuki ulicznej i sztuka site-specific również często wykorzystują środowisko. Rzeźba lodowa to forma efemerycznej rzeźby, która wykorzystuje lód jako surowiec. Jest popularny w Chinach, Japonii, Kanadzie, Szwecji i Rosji. Rzeźby lodowe występują dekoracyjnie w niektórych kuchniach, zwłaszcza w Azji. Rzeźby kinetyczne to rzeźby zaprojektowane do poruszania się, w tym ruchome . Rzeźby śnieżne są zwykle wycinane z jednego bloku śniegu o długości od 1,8 do 4,6 m z każdej strony i ważą około 20–30 ton. Śnieg jest gęsto upakowany w formę po wytworzeniu go sztucznie lub zebraniu z ziemi po opadach śniegu. Rzeźby dźwiękowe przybierają formę instalacji dźwiękowych w pomieszczeniach, instalacji zewnętrznych, takich jak harfy eolskie, automaty, lub są mniej lub bardziej zbliżone do konwencjonalnych instrumentów muzycznych. Rzeźba dźwiękowa jest często specyficzna dla miejsca. Zabawki artystyczne stały się kolejnym formatem dla współczesnych artystów od późnych lat 90., na przykład te produkowane przez Takashi Murakami i Kid Robot , zaprojektowane przez Michaela Lau lub wykonane ręcznie przez Michaela Leavitta (artystę) .

Ochrona

Widoczne uszkodzenia rzeźby spowodowane kwaśnym deszczem

Rzeźby są wrażliwe na warunki środowiskowe, takie jak temperatura , wilgotność oraz ekspozycja na światło i promieniowanie ultrafioletowe . Kwaśne deszcze mogą również powodować uszkodzenia niektórych materiałów budowlanych i zabytków. Dzieje się tak, gdy kwas siarkowy w deszczu reaguje chemicznie ze związkami wapnia zawartymi w kamieniach (wapień, piaskowiec, marmur i granit), tworząc gips , który następnie odpada. Poważne zanieczyszczenie powietrza powoduje również szkody w zabytkach.

W dowolnym momencie wiele współczesnych rzeźb było zwykle wystawianych w miejscach publicznych; kradzież nie stanowiła problemu, ponieważ elementy były natychmiast rozpoznawalne. Na początku XXI wieku wartość metalu wzrosła do tego stopnia, że ​​​​kradzież masywnych rzeźb z brązu za wartość metalu stała się problemem; rzeźba warta miliony została skradziona i przetopiona za stosunkowo niską wartość metalu, niewielki ułamek wartości dzieła sztuki.

Formularz

Kulturalny

metoda

Aplikacja

Zobacz też

Notatki

Bibliografia

  • Boucher, Bruce, włoska rzeźba barokowa , 1998, Thames & Hudson (World of Art), ISBN  0-500-20307-5
  • Blunt Anthony , Artistic Theory in Italy, 1450-1660 , OUP, 1940 (odnośniki do 1985 edn), ISBN  0-19-881050-4
  • Boardman, John ed., The Oxford History of Classical Art , OUP, 1993, ISBN  0-19-814386-9
  • Briggs, Philip (2015) [1995]. Etiopia . Chalfont St Peter: przewodniki turystyczne Bradt. ISBN  978-1-84162-922-3 .
  • Burnett, Andrew, monety; Interpretacja przeszłości , University of California / British Museum, 1991, ISBN  0-520-07628-1
  • Calkins, Robert G.; Zabytki sztuki średniowiecznej , Dutton, 1979, ISBN  0-525-47561-3
  • Czereśnia, Jan. The Holy Thorn Reliquary , 2010, British Museum Press (obiekty British Museum w centrum uwagi), ISBN  0-7141-2820-1
  • Cook, RM , sztuka grecka , Penguin, 1986 (przedruk z 1972), ISBN  0-14-021866-1
  • De Lorenzi, James (2015). Strażnicy tradycji: historycy i pisma historyczne w Etiopii i Erytrei . Rochester: University of Rochester Press. ISBN  978-1-58046-519-9 .
  • Dodwell, CR , Sztuka anglosaska, nowa perspektywa , 1982, Manchester University Press, ISBN  0-7190-0926-X
  • Frankfort, Henri , The Art and Architecture of the Ancient Orient , Pelican History of Art, 4th ed 1970, Penguin (obecnie Yale History of Art), ISBN  0-14-056107-2
  • Harkless, Necia Desiree (2006). Nubijscy faraonowie i królowie meroiccy: Królestwo Kush . Bloomington, Indiana: AuthorHouse. ISBN  1-4259-4496-5 .
  • Harle, JC, Sztuka i architektura subkontynentu indyjskiego , wyd. 1994, Yale University Press Pelikan Historia sztuki, ISBN  0-300-06217-6
  • Henderson, George. Gotyk , 1967, pingwin, ISBN  0-14-020806-2
  • Henig, Martin (red.), Podręcznik sztuki rzymskiej , Phaidon, 1983, ISBN  0-7148-2214-0
  • Paine, Robert Treat , w: Paine, RT i A. Soper, The Art and Architecture of Japan , 3. wydanie 1981, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN  0-14-056108-0
  • Hugh Honor i John Fleming, Światowa historia sztuki , wyd. 1982 (wiele późniejszych wydań), Macmillan, Londyn, strona odsyła do 1984 Macmillan 1st edn miękka oprawa. ISBN  0-333-37185-2
  • Howgego, Christopher, Historia starożytna z monet , Routledge, 1995, ISBN  0-415-08993-X
  • Kitzinger, Ernst , Sztuka bizantyjska w trakcie tworzenia: główne linie rozwoju stylistycznego w sztuce śródziemnomorskiej, III – VII wiek , 1977, Faber & Faber, ISBN  0-571-11154-8 (USA: Cambridge UP, 1977)
  • Olson, Roberta JM, Italian Renaissance Sculpture , 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN  978-0-500-20253-1
  • Rawson, Jessica (red.). The British Museum Book of Chinese Art , 2007 (wyd. 2), British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2446-9
  • Piotrovsky, MB i JM Rogers (red.), Niebo na ziemi: sztuka z krajów islamu , 2004, Prestel, ISBN  3-7913-3055-1
  • Robinson, James, Arcydzieła sztuki średniowiecznej , 2008, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2815-3
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, obecnie Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn .; wczesne datowanie zostało zastąpione)
  • Scholten, Frits (2011).Europejska rzeźba i metaloplastyka. Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art. ISBN 978-1-58839-441-5.
  • Sickman, Laurence, w: Sickman L., & A. Soper, „The Art and Architecture of China”, Pelican History of Art , wyd. 3 1971, Penguin (obecnie Yale History of Art), LOC 70-125675
  • Szymon, Jozue. Neomaterializm , Berlin: Sternberg Press, 2013, ISBN  978-3-943365-08-5
  • Smith, W. Stevenson i Simpson, William Kelly. Sztuka i architektura starożytnego Egiptu , wyd. 1998, Yale University Press (Penguin / Yale History of Art), ISBN  0-300-07747-5
  • Snyder, James . Sztuka północnego renesansu , 1985, Harry N. Abrams, ISBN  0-13-623596-4
  • Sobania, Neal W. (2012), „Lalibela”, w: Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Słownik biografii afrykańskiej , Oxford: Oxford University Press, s. 462, ISBN  978-0-19-538207-5 .
  • Sobania, Neal W. (2012). „Lalibela” w Akyeampong, Emmanuel; Gates, Henry Louis, Jr., Słownik biografii afrykańskiej . Oksford: Oxford University Press. ISBN  978-0-19-538207-5 .
  • Strong, Donald i in., Roman Art , 1995 (wyd. 2), Yale University Press (Penguin / Yale History of Art), ISBN  0-300-05293-6
  • Williams, Dyfri. Arcydzieła sztuki klasycznej , 2009, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2254-0

Linki zewnętrzne