Robert Altman - Robert Altman

Robert Altman
Robert Altman 02 (przycięte).jpg
Altman w 1982 r.
Urodzić się
Robert Bernard Altman

( 20.02.1925 )20 lutego 1925
Kansas City, Missouri , Stany Zjednoczone
Zmarł 20 listopada 2006 (2006-11-20)(w wieku 81 lat)
Zawód Filmowiec
lata aktywności 1947-2006
Znany z M*A*S*H (1970)
McCabe & Mrs. Miller (1971)
Długie pożegnanie (1973)
Nashville (1975)
3 kobiety (1977)
Gracz (1992) Na
skróty (1993)
Gosford Park (2001)
Małżonkowie
LaVonne Elmer
( M.  1946⁠-⁠1951)

Lotos Corelli
( M.  1954⁠-⁠1957)

( M,  1959),
Dzieci 6
Kariera wojskowa
Serwis/ oddział Siły Powietrzne Armii USA 1943-1947
Ranga Insygnia US-O2.svg Porucznik
Jednostka Trzynasta 307. Grupa Bombardowa Sił Powietrznych
Bitwy/wojny II wojna światowa
Nagrody Skrzydła USAAF.png Odznaka pilota wojskowych sił powietrznych Cytat jednostki prezydenckiej sił powietrznych Medal kampanii amerykańskiej Medal kampanii Azji i Pacyfiku Medal zwycięstwa II wojny światowej Cytat jednostki prezydenckiej Filipin
AF Presidential Unit Citation Ribbon.png
Medal kampanii amerykańskiej wstążka.svg
Medal Kampanii Azji i Pacyfiku ribbon.svg
Medal zwycięstwa II wojny światowej wstążka.svg
Cytat jednostki prezydenckiej (Filipiny).svg

Robert Altman Bernard ( / ɔː l t m ə n / ; 20 lutego 1925 - 20 listopada 2006), amerykański reżyser, scenarzysta i producent. Altman jest znany jako pięciokrotny nominowany do Oscara dla najlepszego reżysera i niezmienna postać z epoki Nowego Hollywood , porównywalna z takimi reżyserami jak Martin Scorsese , Woody Allen , Sidney Lumet czy Francis Ford Coppola . Altman był uważany za „niezależnego” w tworzeniu filmów o wysoce naturalistycznej, ale stylizowanej i satyrycznej estetyce, w przeciwieństwie do większości filmów hollywoodzkich. Jest konsekwentnie uznawany za jednego z największych i najbardziej wpływowych twórców kina amerykańskiego.

Jego styl kręcenia filmów obejmował wiele gatunków, ale zwykle z „ wywrotowym ” akcentem, który zazwyczaj opierał się na satyrze i humorze, aby wyrazić jego osobiste poglądy. Altman zyskał reputację „antyhollywoodzkiego” i nonkonformisty zarówno pod względem tematów, jak i stylu reżyserskiego. Aktorzy szczególnie lubili pracować pod jego kierunkiem, ponieważ zachęcał ich do improwizacji, inspirując w ten sposób ich własną kreatywność.

W swoich filmach wolał duże obsady i rozwinął wielościeżkową technikę nagrywania, która powodowała nakładanie się dialogów wielu aktorów. Dało to widzowi bardziej naturalne, dynamiczne i bardziej złożone wrażenia. Wykorzystał również wysoce mobilną pracę kamery i obiektywy zmiennoogniskowe, aby wzmocnić aktywność zachodzącą na ekranie. Krytyczka Pauline Kael , pisząc o swoim stylu reżyserskim, powiedziała, że ​​Altman mógłby „zrobić filmowe fajerwerki z niczego”. Do najsłynniejszych osiągnięć reżyserskich Altmana należą M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), Długie pożegnanie (1973), Nashville (1975), 3 kobiety (1977), Gracz (1992), Na skróty (1993) i Gosford Park (2001).

W 2006 roku Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej przyznała dorobku Altmana Nagrodę Honorową Akademii . Nigdy nie zdobył konkurencyjnego Oscara pomimo siedmiu nominacji. Jego filmy M*A*S*H , McCabe & Mrs. Miller oraz Nashville zostały wybrane do Narodowego Rejestru Filmów Stanów Zjednoczonych . Altman jest jednym z trzech filmowców, których filmy zdobyły Złotego Niedźwiedzia w Berlinie , Złotego Lwa w Wenecji i Złotą Palmę w Cannes (pozostali to Henri-Georges Clouzot i Michelangelo Antonioni ).

Wczesne życie

Altman urodził się 20 lutego 1925 r. w Kansas City w stanie Missouri jako syn Helen (z domu Matthews), potomka Mayflowera z Nebraski , i Bernarda Clementa Altmana, zamożnego sprzedawcy ubezpieczeń i hazardzisty, który pochodził z klasy wyższej. rodzina. Pochodzenie Altmana było niemieckie, angielskie i irlandzkie; jego dziadek ze strony ojca, Frank Altman, Sr., zanglicyzował pisownię nazwiska z „Altmann” na „Altman”. Altman miał katolickie wychowanie, ale jako dorosły nie kontynuował ani nie praktykował religii, chociaż określano go mianem „rodzaju katolika” i katolickiego reżysera. Kształcił się w szkołach jezuickich , w tym w Rockhurst High School w Kansas City. Ukończył Akademię Wojskową Wentworth w Lexington w stanie Missouri w 1943 roku.

Wkrótce po ukończeniu studiów Altman dołączył do Sił Powietrznych Armii Stanów Zjednoczonych w wieku 18 lat. Podczas II wojny światowej Altman wykonał ponad 50 bombardowań jako drugi pilot B-24 Liberator z 307. Grupą Bombową na Borneo i Holenderskie Indie Wschodnie .

Po zwolnieniu w 1947 roku Altman przeniósł się do Kalifornii. Pracował w reklamie dla firmy, która wynalazła maszynę do tatuażu do identyfikacji psów. Wszedł do produkcji filmowej pod wpływem kaprysu, sprzedając RKO scenariusz do filmu Bodyguard z 1948 roku , który napisał wspólnie z George'em W. George'em. Natychmiastowy sukces Altmana skłonił go do przeniesienia się do Nowego Jorku , gdzie próbował rozpocząć karierę jako pisarz. Po niewielkim sukcesie powrócił do Kansas City w 1949 roku; gdzie przyjął posadę reżysera i scenarzysty filmów przemysłowych dla firmy Calvin Company . Altman wyreżyserował około 65 filmów przemysłowych i dokumentów dla Calvin Company. W swoich wczesnych pracach nad filmami przemysłowymi Altman eksperymentował z techniką narracyjną i rozwinął charakterystyczne dla siebie użycie nakładających się dialogów. W lutym 2012 roku, wczesny film Calvina w reżyserii Altmana, Modern Football (1951), został znaleziony przez filmowca Gary'ego Hugginsa.

Kariera zawodowa

1950

Pierwsze wypady Altmana język TV reżyserię były na DuMont serialu puls miasta (1953-1954), a epizod z 1956 r zachodnich serii szeryfem Cochise . W 1956 roku został zatrudniony przez miejscowego biznesmena do napisania i wyreżyserowania filmu fabularnego w Kansas City o przestępczości nieletnich . Film zatytułowany The Delinquents , wyprodukowany za 60 000 dolarów, został zakupiony przez United Artists za 150 000 dolarów i wydany w 1957 roku. Choć prymitywny, ten nastoletni wyzyskiwany film zawierał podwaliny późniejszych prac Altmana, wykorzystując swobodny, naturalistyczny dialog. Dzięki temu sukcesowi Altman po raz ostatni przeniósł się z Kansas City do Kalifornii. Był współreżyserem The James Dean Story (1957), filmu dokumentalnego, który pojawił się w kinach, by wykorzystać niedawną śmierć aktora i promować go wśród wschodzących kultowych fanów. Obie prace zwróciły uwagę Alfreda Hitchcocka, który zatrudnił Altmana jako reżysera do jego serii antologii CBS Alfred Hitchcock Presents . Po zaledwie dwóch odcinkach Altman zrezygnował z powodu różnic z producentem, ale ta ekspozycja pozwoliła mu na udaną karierę telewizyjną. Przez następną dekadę Altman pracował intensywnie w telewizji (i prawie wyłącznie w serialach), reżyserując wiele odcinków Whirlybirds , The Millionaire , US Marshal , The Troubleshooters , The Roaring 20s , Bonanza , Bus Stop , Kraft Mystery Theatre , Combat! , a także pojedyncze odcinki kilku innych znaczących seriali, w tym Hawaiian Eye , Maverick (odcinek czwartego sezonu „Bolt From the Blue”, również napisany przez Altmana i z udziałem Rogera Moore'a ), Lawman , Surfside 6 , Peter Gunn i Route 66 .

1960

W latach sześćdziesiątych Altman stał się reżyserem telewizyjnym ze względu na jego zdolność do szybkiej i wydajnej pracy przy ograniczonym budżecie. Chociaż często był zwalniany z projektów telewizyjnych za odmowę podporządkowania się nakazom sieci, Altman zawsze był w stanie zdobyć nowe zlecenia. W 1964 roku producenci postanowili rozszerzyć "Once Upon a Savage Night", jeden z jego odcinków Kraft Suspense Theater , do premiery jako filmu telewizyjnego pod tytułem Nightmare in Chicago .

Dwa lata później Altman został zatrudniony do wyreżyserowania niskobudżetowego filmu o podróżach kosmicznych Countdown , ale został zwolniony w ciągu kilku dni od zakończenia projektu, ponieważ odmówił zmontowania filmu do rozsądnej długości. Nie wyreżyserował innego filmu aż do That Cold Day in the Park (1969), który okazał się krytyczną i kasową katastrofą.

W ciągu dekady Altman zaczął wyrażać w swoich pracach polityczne podteksty. W szczególności wyrażał antywojenne sentymenty dotyczące wojny w Wietnamie. Z tego powodu kariera Altmana ucierpiałaby, ponieważ zaczął być związany z ruchem antywojennym .

lata 70.

W 1969 Altmanowi zaproponowano scenariusz do MASH , adaptacji mało znanej powieści z czasów wojny koreańskiej, satyryzującej życie w siłach zbrojnych; przekazało go ponad tuzin innych filmowców. Altman wahał się przed podjęciem produkcji, a zdjęcia były tak burzliwe, że Elliott Gould i Donald Sutherland próbowali zwolnić Altmana z powodu jego niekonwencjonalnych metod filmowania. Niemniej jednak MASH został powszechnie okrzyknięty klasykiem po wydaniu w 1970 roku. Zdobył Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1970 roku i pięć nominacji do Oscara. Był to najbardziej dochodowy film Altmana, wypuszczony na ekrany w okresie narastających nastrojów antywojennych w Stanach Zjednoczonych. Academy Film Archive zachowane MASH w 2000 roku.

Teraz uznawany za wielki talent, Altman odniósł krytyczne sukcesy w McCabe & Mrs. Miller (1971), rewizjonistycznym westernie, w którym zjadliwe piosenki Leonarda Cohena podkreślają surową wizję amerykańskiego pogranicza; The Long Goodbye (1973), kontrowersyjna adaptacja powieści Raymonda Chandlera (scenariusz Leigh Brackett ) została uznana za znaczący wpływ na podgatunek neo-noir ; Złodzieje lubią nas (1974), adaptacja powieści Edwarda Andersona, nakręconej wcześniej przez Nicholasa Raya jako Żyją nocą (1949); California Split (1974), komediodramat hazardowy nakręcony częściowo w plenerze w Reno w stanie Nevada ; i Nashville (1975), z silnym motywem politycznym, zestawionym ze światem muzyki country . Gwiazdy filmu napisały własne piosenki; Keith Carradine zdobył Oscara za piosenkę „ I'm Easy ”. Chociaż jego filmy często spotykały się z rozdźwiękami, wielu wybitnych krytyków filmowych tamtej epoki (w tym Pauline Kael , Vincent Canby i Roger Ebert ) przez całą dekadę pozostało niezłomnie wierne jego reżyserskiemu stylowi.

Publiczność potrzebowała trochę czasu, aby docenić jego filmy, a on nie chciał zadowolić urzędników studia. W 1970 roku, po wydaniu MASH, założył Lion's Gate Films, aby mieć swobodę niezależnej produkcji. Firmy Altmana nie należy mylić z obecną Lionsgate , kanadyjsko-amerykańską firmą rozrywkową. Filmy, które nakręcił za pośrednictwem swojej firmy, to Brewster McCloud , Wesele , 3 kobiety i Kwintet .

lata 80.

Altman z Lillian Gish i Lily Tomlin na ceremonii rozdania nagród w Nashville w 1976 r.

W 1980 wyreżyserował film muzyczny Popeye . Wyprodukowany przez Roberta Evansa i napisany przez Julesa Feiffera , film został oparty na komiksie/karykaturze o tym samym tytule, aw jego debiucie filmowym wystąpili Shelley Duvall i komik Robin Williams . Produkcja została nakręcona w plenerze na Malcie, jako narzędzie do zwiększenia komercyjnej pozycji Altmana po serii niskobudżetowych filmów z końca lat 70. (w tym 3 kobiety , Wesele i Kwintetu ), które zostały docenione przez krytyków, ale nie odniosły sukcesu komercyjnego . Wkrótce większość obsady i ekipy, w tym reżyser, nękała go intensywne używanie narkotyków i alkoholu; Altman podobno starł się z Evansem, Williamsem (który groził opuszczeniem filmu) i autorem piosenek Harrym Nilssonem (który odszedł w połowie sesji, pozostawiając Van Dyke Parks, aby dokończył orkiestrację). Chociaż film zarobił 60 milionów dolarów na całym świecie przy budżecie 20 milionów dolarów i był drugim najbardziej dochodowym filmem, jaki Altman wyreżyserował do tego momentu, nie spełnił oczekiwań studia i został uznany za rozczarowanie kasowe.

W 1981 roku reżyser sprzedał Lion's Gate producentowi Jonathanowi Taplinowi po tym, jak jego satyra polityczna Zdrowie (nakręcona na początku 1979 roku na potrzeby świątecznego wydania) została odłożona na półkę przez długoletniego dystrybutora 20th Century Fox po letnich testach i pokazach festiwalowych w 1980 roku. Odejście długoletniego partyzanta Altmana Alan Ladd, Jr. z wytwórni Fox również odegrał decydującą rolę w zapobieżeniu premierze filmu.

Nie będąc w stanie zapewnić sobie dużego finansowania w erze kinowego hitu post-New Hollywood , ze względu na swoją mercurialną reputację i szczególnie burzliwe wydarzenia związane z produkcją Popeye , Altman zaczął „kierować piśmiennymi dramatycznymi nieruchomościami na skromne budżety na scenę, domowe wideo, telewizję i ograniczone premiera kinowa”, w tym cieszące się uznaniem Secret Honor i Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , krytycznie antypodejską adaptację sztuki wyreżyserowanej przez Altmana na Broadwayu.

W 1982 roku Altman wystawił produkcję Igor Strawiński „s The Rake Progress na University of Michigan , gdzie równocześnie uczył kurs na swoich filmach. Wkrótce potem wrócił do filmowania Sekretny honor ze studentami. W 2008 roku Biblioteka Uniwersytetu Michigan nabyła archiwum Altmana. Był także współautorem hitowego singla Johna Andersona z 1983 roku „ Black Sheep ”.

Nastolatków komedia O.C. a Stiggs (1985), nieudany powrót do hollywoodzkiego kinematografii retrospektywnie scharakteryzowany przez Brytyjski Instytut Filmowy jako „prawdopodobnie najmniej udany film Altmana”, doczekał się spóźnionego, ograniczonego wydania komercyjnego w 1987 roku, po tym, jak został odłożony na półkę przez MGM .

Zaadaptowany przez Altmana i Sama Sheparda dla The Cannon Group z nominowanej do nagrody Pulitzera sztuki Sheparda , Fool for Love (1985) zawierał dramaturga-aktora obok Kim Basinger , Harry'ego Deana Stantona i Randy'ego Quaida ; radził sobie lepiej niż większość jego filmów z tamtych czasów, zarabiając 900 000 dolarów w kraju przy budżecie w wysokości 2 milionów dolarów i pozytywnych recenzjach od Rogera Eberta i Vincenta Canby'ego . Wciąż jednak umykała mu powszechna popularność wśród publiczności.

Odrobinę przychylności krytyków odzyskał za swój telewizyjny mockument Tanner '88 (1988), współpracę z Garrym Trudeau osadzoną w warunkach kampanii prezydenckiej w Stanach Zjednoczonych, za którą otrzymał nagrodę Primetime Emmy .

1990

W 1990 roku Altman wyreżyserował Vincent & Theo , biografię o Vincent van Gogh, która miała być miniserialem telewizyjnym do emisji w Wielkiej Brytanii. Teatralna wersja filmu odniosła w Stanach Zjednoczonych skromny sukces, stanowiąc istotny punkt zwrotny w krytycznym odrodzeniu reżysera.

Altman na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1992 roku

Ożywił swoją karierę na poważnie dzięki satyrze na Hollywood Gracz (1992). Koprodukowany przez wpływowego Davida Browna ( Żądło , Szczęki , Kokon ), film był nominowany do trzech Oscarów, w tym do nagrody dla najlepszego reżysera . Choć nie zdobył Oscara, otrzymał nagrodę dla najlepszego reżysera na Festiwalu Filmowym w Cannes , BAFTA i Koła Krytyków Nowojorskich .

Altman następnie wyreżyserował Short Cuts (1993), ambitną adaptację kilku opowiadań Raymonda Carvera , które przedstawiały życie różnych mieszkańców Los Angeles w ciągu kilku dni. Duża obsada filmu i przeplatanie się wielu różnych wątków były podobne do jego filmów z dużą obsadą z lat 70.; zdobył Złotego Lwa na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1993 roku oraz kolejną nominację do Oscara dla najlepszego reżysera.

Reszta lat 90. przyniosła Altmanowi ograniczony sukces. Jego wydawnictwo Prêt-à-Porter z 1994 roku (znane również jako Ready to Wear ) zyskało znaczny rozgłos przed premierą, ale okazało się komercyjną i krytyczną klapą, chociaż otrzymało kilka nominacji do nagród na koniec roku, w tym dwie nominacje do Złotego Globu i zdobyło nagrodę Nagroda National Board of Review za najlepszą rolę aktorską w zespole . W 1996 roku Altman wyreżyserował Kansas City , wyrażając swoją miłość do jazzu lat 30. poprzez skomplikowaną historię porwania. Historia spotkała się z letnimi lub pozytywnymi recenzjami, ale w kasie prawie nic nie zrobiła, podobnie jak thriller prawniczy z 1998 roku The Gingerbread Man .

Zakończył dekadę na wysokim poziomie, filmem Cookie's Fortune z 1999 roku , dziwaczną czarną komedią o samobójstwie bogatej wdowy, jego pierwszym filmem od prawie 6 lat, który odzyskał swój budżet, i który przyniósł mu ogólnie pozytywne pochwały od krytyków. Został wybrany członkiem Amerykańskiej Akademii Sztuk i Nauk w 1999 roku.

2000s

Gosford Park (2001), wielka obsada, tajemnica morderstwa w brytyjskim wiejskim domu, znalazła się na listach wielu krytyków dziesięciu najlepszych filmów tego roku. Zdobył Oscara za najlepszy scenariusz oryginalny ( Julian Fellowes ) oraz sześć nominacji, w tym dwie dla Altmana za najlepszą reżyserię i najlepszy film.

Współpraca z niezależnymi studiami, takimi jak obecnie zamknięty Fine Line, Artisan (który został wchłonięty przez dzisiejsze Lionsgate ) i USA Films (obecnie Focus Features ), dała Altmanowi przewagę w tworzeniu filmów, które zawsze chciał robić bez ingerencji studia . Wersja filmu z Garrison Keillor „s serii radia publicznego Prairie Home Companion został wydany w czerwcu 2006 roku Altman wciąż opracowuje nowe projekty, aż do jego śmierci, w tym filmu opartego na ręce na twarde ciało: The Documentary (1997).

W 2006 roku Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej przyznała Altmanowi Honorową Nagrodę Akademii za całokształt twórczości. Podczas swojej przemowy akceptacyjnej ujawnił, że około dziesięć lub jedenaście lat wcześniej otrzymał przeszczep serca. Reżyser zażartował wtedy, że być może Akademia działała przedwcześnie, uznając dorobek jego pracy, ponieważ czuł, że przed nim mogą jeszcze cztery dekady życia.

Styl i technika reżyserska

Maverick i autorka

Portret Altmana, wykonany w 1983 r.

Po udanej karierze telewizyjnej Altman rozpoczął swoją nową karierę w przemyśle filmowym, gdy był w średnim wieku. Zrozumiał ograniczenia twórcze narzucane przez gatunek telewizyjny, a teraz zabrał się do reżyserowania i pisania filmów, które wyrażałyby jego osobiste wizje na temat amerykańskiego społeczeństwa i Hollywood. Jego filmy były później określane jako „ auteurystyczne ataki” i „idiosynkratyczne wariacje” tradycyjnych filmów, zazwyczaj wykorzystując subtelną komedię lub satyrę jako sposób wyrażania swoich obserwacji.

Jego filmy były zazwyczaj związane z tematami politycznymi, ideologicznymi i osobistymi, a Altman był znany z „odmawiania kompromisu z własną wizją artystyczną”. Opisywano go jako „antyhollywoodzkiego”, często ignorując presję społeczną, która wpływała na innych w branży, co utrudniało mu oglądanie wielu jego filmów. Powiedział, że jego niezależność jako filmowca pomogła mu ogólnie:

Nie sądzę, żeby żył lub kiedykolwiek żył filmowiec, który miałby lepsze wstrząsy niż ja. Nigdy nie byłem bez projektu i zawsze był to projekt mojego własnego wyboru. Więc nie wiem, o ile lepiej mogłoby być. Nie zostałem potentatem, nie buduję zamków i nie mam ogromnej osobistej fortuny, ale udało mi się zrobić to, co chciałem i zrobiłem to bardzo dużo.

„Altman był prawdziwym indywidualistą filmowym”, stwierdza autor Ian Freer , ponieważ sprzeciwiał się komercyjnemu konformizmowi przemysłu filmowego: „Był plagą establishmentu filmowego, a jego praca generalnie rzucała przenikliwe, zjadliwe spojrzenie na szerokość Kultura amerykańska, często eksplodująca gatunki i archetypy postaci; Altman był zafascynowany ludźmi z niedoskonałościami, ludźmi takimi, jakimi są naprawdę, a nie takimi, jakimi filmy każą ci wierzyć. Reżyser Alan Rudolph , podczas specjalnego hołdu dla Altmana, określa swój styl filmowy jako „Altmanesque”.

Swoim niezależnym stylem reżyserowania zyskał złą reputację wśród scenarzystów i ludzi zajmujących się biznesem filmowym. Przyznaje: „Mam złą reputację wśród pisarzy, wypracowaną przez lata: „Och, on nie robi tego, co piszesz, bla bla bla”. ... Ring Lardner był na mnie bardzo wkurzony” za nieprzestrzeganie jego scenariusza. Altman też nie dogadywał się dobrze z szefami wytwórni, raz uderzając dyrektora w nos i wrzucając go do basenu, ponieważ upierał się, że wyciął sześć minut z filmu, nad którym pracował.

Jego reputacja wśród aktorów była lepsza. Dzięki nim jego niezależność czasami rozciągała się na wybór aktorów, często wbrew konsensusowi. Cher , na przykład, przypisuje mu rozpoczęcie swojej kariery zarówno od sztuki teatralnej, jak i filmu Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). „Bez Boba nigdy nie zrobiłbym kariery filmowej. Wszyscy mówili mu, żeby mnie nie obsadził. Wszyscy… Nikt nie dałby mi spokoju. Jestem przekonany, że tylko Bob był na tyle odważny, żeby to zrobić”. Inni, jak Julianne Moore , opisują pracę z nim:

Wiesz, wszystkie te gadki o tym, że Bob jest tak wybuchowym, trudnym typem osoby? Cóż, nigdy nie był taki z aktorem lub kreatywną osobą, którą widziałem. Nigdy nigdy nigdy. Zaoszczędził to wszystko dla ludzi pieniędzy.

Reżyser Robert Dornhelm powiedział, że Altman „patrzył na film jak na czyste, artystyczne miejsce”. Na przykład w przypadku Short Cuts (1993) dystrybutor „błagał go”, aby skrócił go o kilka minut, aby zachować opłacalność komercyjną: „Bob po prostu myślał, że antychryst próbuje zniszczyć jego sztukę. Byli ludźmi o dobrych intencjach który chciał, żeby dostał to, na co zasłużył, co było wielkim komercyjnym hitem. Ale kiedy sprowadzało się do sztuki lub pieniędzy, był ze sztuką”.

Sally Kellerman , zauważając umyślną postawę Altmana, wciąż z żalem spogląda wstecz, że zrezygnowała z zagrania w jednym z jego filmów:

Właśnie skończyłem kręcić Last of the Red Hot Lovers, kiedy Bob zadzwonił do mnie pewnego dnia do domu. - Sally, chcesz być na moim zdjęciu po następnym? on zapytał. – Tylko jeśli to dobra część – powiedziałem. Odłożył słuchawkę.


Bob był tak samo uparty i arogancki jak ja wtedy, ale smutne jest to, że oszukałem siebie, pracując z kimś, kogo tak bardzo kochałem, kimś, kto sprawiał, że aktorstwo było zarówno zabawne, jak i łatwe, i kto ufał swoim aktorom. Bob kochał aktorów. Gwiazdy ustawiłyby się w kolejce, by pracować za darmo dla Boba Altmana.

Tematy i tematy

W przeciwieństwie do reżyserów, których twórczość mieści się w różnych gatunkach filmowych , takich jak westerny, musicale, filmy wojenne czy komedie, twórczość Altmana była określana przez różnych krytyków jako bardziej „antygatunkowa”. Wynika to częściowo z satyrycznego i komediowego charakteru wielu jego filmów. Geraldine Chaplin , córka Charliego Chaplina , porównała humor w jego filmach do filmów jej ojca:

Są zabawne we właściwy sposób. Śmieszne w krytyczny sposób — tego, czym jest świat i w jakim świecie żyjemy. Obaj byli geniuszami na swój sposób. Zmieniają twoje doświadczanie rzeczywistości. Mają swój świat i swój humor. Ten humor jest tak rzadki.

Altman dał jasno do zrozumienia, że ​​nie lubi „opowiadać historii” w swoich filmach, w przeciwieństwie do tego, jak robi się większość filmów telewizyjnych i mainstreamowych. Według biografa Altmana, Mitchella Zuckoffa , „nie lubił słowa »historia«, wierząc, że fabuła powinna być drugorzędna w stosunku do eksploracji czystego (lub jeszcze lepiej, nieczystego) ludzkiego zachowania”. Zuckoff tak opisuje cele leżące u podstaw wielu filmów Altmana: „Uwielbiał chaotyczną naturę prawdziwego życia, ze sprzecznymi perspektywami, zaskakującymi zwrotami akcji, niewyjaśnionymi działaniami i niejednoznacznymi zakończeniami. koktajl lub scena uliczna uchwycona tak, jak on tego doświadczył. Julianne Moore , po obejrzeniu niektórych jego filmów, przypisuje styl reżyserski Altmana za jej decyzję, by zostać aktorką filmową, a nie aktorką teatralną:

Odczułem to naprawdę mocno. Pomyślałem: „Nie wiem, kim jest ten facet, ale to właśnie chcę robić. Chcę wykonywać taką pracę”. Odtąd oglądałem jego filmy, kiedy tylko mogłem, a on zawsze był moim absolutnie ulubionym reżyserem ze względu na to, co mówił tematycznie i emocjonalnie oraz co czuł do ludzi.

Autor filmu Charles Derry pisze, że filmy Altmana „w charakterystyczny sposób zawierają spostrzegawcze obserwacje, wymowne wymiany zdań i momenty krystalicznie czystego objawienia ludzkiej głupoty”. Ponieważ Altman był wnikliwym obserwatorem społeczeństwa i „szczególnie interesował się ludźmi”, zauważa Derry, wielu z jego filmowych postaci miało „tę niechlujną niedoskonałość związaną z ludźmi takimi, jakimi są, z życiem takim, jakim się żyje”. W rezultacie jego filmy są często pośrednią krytyką amerykańskiego społeczeństwa.

W wielu filmach Altmana satyryczna treść jest oczywista: na przykład MASH (1970) to satyryczna czarna komedia, której akcja rozgrywa się podczas wojny koreańskiej; McCabe & Mrs. Miller (1971) to satyra na westerny; autor Matthew Kennedy stwierdza, że Nashville (1975) to „genialna satyra na Amerykę tuż przed dwustuleciem”; Wesele (1978) to satyra na amerykańskie rytuały małżeńskie i hipokryzję; Sam Altman powiedział, że Gracz (1992) był „bardzo łagodną satyrą” na hollywoodzki przemysł filmowy, a Vincent Canby zgodził się, stwierdzając, że „jako satyra, Gracz łaskocze. Satyra jego filmów prowadziła czasem do ich niepowodzenia w kasie, jeśli ich satyryczny charakter nie był rozumiany przez dystrybutora. Altman obwinia porażkę kasową kryminału „Długie pożegnanie” (1973) za błędny marketing filmu jako thrillera:

Kiedy obraz się otworzył, była to wielka, wielka klapa. ... Poszedłem do Davida Pickera i powiedziałem: „Nie możesz tego zrobić. Nic dziwnego, że ten pieprzony obraz zawodzi. Robi złe wrażenie.

Podobnie Altman obwinia porażkę OC i Stiggsa za to, że reklamowano go jako typowy „film dla nastolatków”, a nie to, co nakręcił jako „satyrę na film dla nastolatków”, powiedział.

Dialog improwizacji

Altman preferował historie wyrażające wzajemne powiązania między kilkoma postaciami, bardziej interesował się motywacją postaci niż zawiłymi fabułami. Dlatego miał tendencję do szkicowania tylko podstawowej fabuły filmu, odnosząc się do scenariusza jako „planu” akcji. Zachęcając swoich aktorów do improwizacji dialogów, Altman stał się w ten sposób znany jako „reżyser aktorski”, reputacja, która przyciągnęła wielu znanych aktorów do pracy w jego dużej obsadzie. Wykonawcy lubią pracować z Altmanem po części dlatego, że „daje im swobodę rozwijania swoich postaci i często zmienia scenariusz poprzez improwizację i współpracę” – zauważa Derry. Richard Baskin mówi, że „Bob był dość niezwykły w swoim sposobie, w jaki pozwalał ludziom robić to, co zrobili. Ufał, że zrobisz to, co zrobiłeś i dlatego zabiłeś dla niego”.

Geraldine Chaplin , która działała w Nashville , wspomina jedną ze swoich pierwszych prób:

Powiedział: „Czy przyniosłeś swoje scenariusze?” Powiedzieliśmy tak. Powiedział: „Cóż, wyrzuć je. Nie potrzebujesz ich. Musisz wiedzieć, kim jesteś, gdzie jesteś iz kim jesteś”. ... To było jak bycie na scenie z pełną widownią w każdej sekundzie. Wszystkie akty cyrkowe, które miałeś w swoim ciele, zrobiłbyś tylko dla niego.

Altman regularnie pozwalał swoim aktorom na rozwijanie postaci poprzez improwizację podczas prób, a czasem podczas samych zdjęć. Taka improwizacja była rzadkością w filmie ze względu na wysokie koszty produkcji filmowej, która wymaga starannego planowania, precyzyjnych scenariuszy i prób przed wystawieniem kosztownego filmu. Mimo to Altman wolał wykorzystywać improwizację jako narzędzie pomagające swoim aktorom w rozwijaniu ich postaci. Altman powiedział, że „kiedy zaczynamy kręcić, jest to bardzo ustalona sprawa. Improwizacja jest źle rozumiana. Nie tylko uwalniamy ludzi”. Chociaż starał się unikać dyktowania każdemu ruchowi aktora, wolał pozwolić mu kontrolować:

Kiedy obsadzam film, większość mojej pracy twórczej jest skończona. Muszę tam być, żeby włączyć przełącznik i dodać im otuchy jako postać ojca, ale oni wykonują całą pracę. ... Staram się tylko ułatwić aktorowi, bo kiedy zaczynasz kręcić, aktor jest artystą. ...Muszę dać im pewność siebie i dopilnować, aby mieli pewną ochronę, aby mogli być kreatywni. ... Przede wszystkim pozwalam im robić to, po co stali się aktorami: tworzyć.

Carol Burnett pamięta, jak Altman przyznał, że wiele pomysłów w jego filmach pochodzi od aktorów. „Nigdy nie słyszałeś, żeby reżyser tak powiedział. To była naprawdę zdumiewająca rzecz” – powiedziała. Inne, takie jak Jennifer Jason Leigh , stały się twórcze:

Zainspirowałby cię z czystej konieczności wymyślenia rzeczy, do których nie wiedziałeś, że jesteś zdolny, o których nie wiedziałeś, że masz w sobie. Był tak naprawdę psotny i tak cholernie zabawny.

Lubił pracować z wieloma tymi samymi wykonawcami, w tym Shelley Duvall i Bertem Remsenem (po 7 filmów); Paul Dooley (6 filmów); Michael Murphy (5 filmów); Jeff Goldblum , Lily Tomlin , Lyle Lovett , Henry Gibson , David Arkin i John Schuck (po 4 filmy); Tim Robbins , Carol Burnett , Belita Moreno , Richard E. Grant , Geraldine Chaplin , Craig Richard Nelson , Sally Kellerman i Keith Carradine (po 3 filmy). Krin Gabbard dodaje, że Altman lubił wykorzystywać aktorów, „którzy rozkwitają jako improwizatorzy”, takich jak Elliott Gould , który zagrał w trzech swoich filmach: MASH , The Long Goodbye i California Split . Gould wspomina, że ​​podczas kręcenia MASH , swojej pierwszej aktorskiej pracy z Altmanem, on i jego partner Donald Sutherland nie sądzili, że Altman wie, co robi. Napisał po latach: „Myślę, że z perspektywy czasu Donald i ja byliśmy dwoma elitarnymi, aroganckimi aktorami, którzy tak naprawdę nie rozumieli geniuszu Altmana”. Inni z obsady natychmiast docenili reżyserski styl Altmana. René Auberjonois wyjaśnia:

Myśleliśmy, że takie są filmy. Byli tak radosnym przeżyciem. Jeśli miałeś jakąkolwiek karierę, szybko zauważyłeś, że większość reżyserów tak naprawdę nie ufa aktorom, tak naprawdę nie chce oglądać aktorów grających. To była różnica z Bobem Altmanem. Kochał aktorów i chciał zobaczyć aktorstwo.

W przeciwieństwie do telewizji i tradycyjnych filmów, Altman unikał także „konwencjonalnego opowiadania historii” i opowiadał się za pokazaniem „zajętego zamętu prawdziwego życia”, zauważa Albert Lindauer. Wśród różnych technik pozwalających osiągnąć ten efekt, jego filmy często zawierają „obfitość dźwięków i obrazów, przez ogromne obsady lub szalone postacie, wiele wątków lub w ogóle ich brak, ... i poleganie na improwizacji”. Kilka miesięcy przed śmiercią Altman próbował podsumować motywy swojego stylu filmowego:

Utożsamiam tę pracę bardziej z malarstwem niż z teatrem czy literaturą. Historie mnie nie interesują. Zasadniczo bardziej interesuje mnie zachowanie. Nie reżyseruję, oglądam. Muszę być zachwycony, jeśli spodziewam się, że publiczność będzie zachwycona. Bo to, co naprawdę chcę zobaczyć od aktora, to coś, czego nigdy wcześniej nie widziałem, więc nie mogę im powiedzieć, co to jest. Staram się zachęcać aktorów, aby nie zmieniali się. Traktować rozmowę jako rozmowę. Myślę, że taka jest praca. Ma to na celu stworzenie obszaru komfortu, aby aktor mógł wyjść poza to, co myślał, że może zrobić.

Techniki dźwiękowe

Altman był jednym z nielicznych filmowców, którzy podczas kręcenia filmu „zwrócili pełną uwagę na możliwości dźwięku”. Próbował odtworzyć naturalne dźwięki konwersacyjne, nawet przy dużych obsadach, podłączając ukryte mikrofony do aktorów, a następnie nagrywając ich rozmowę na wiele ścieżek dźwiękowych. Podczas kręcenia nosił zestaw słuchawkowy, aby zapewnić, że ważny dialog będzie słyszalny, bez podkreślania tego. Dało to widzom „gęste wrażenia dźwiękowe”, pozwalając im usłyszeć wiele fragmentów dialogów, tak jakby podsłuchiwali różne prywatne rozmowy. Altman zauważył, że chociaż duże obsady szkodzą filmowi komercyjnie, „lubię widzieć, jak dużo się dzieje”.

Altman po raz pierwszy użył nakładających się ścieżek dźwiękowych w MASH (1970), technice dźwiękowej, którą autor filmu Michael Barson opisuje jako „zapierającą dech w piersiach innowację w tamtym czasie”. Opracował go, jak powiedział Altman, aby zmusić widzów do zwrócenia uwagi i zaangażowania się w film tak, jakby byli aktywnym uczestnikiem. Według niektórych krytyków, jednym z bardziej ekstremalnych zastosowań tej techniki jest McCabe i pani Miller (1971), również uważany za jeden z jego najlepszych filmów.

Odlewy zespołowe

Nakładające się dialogi między dużymi grupami aktorów dodają złożoności filmom Altmana i często byli krytykowani jako wyglądający przypadkowo lub rozłączeni podczas pierwszego oglądania. Niektórzy z jego krytyków zmienili zdanie po ponownym ich zobaczeniu. Brytyjski krytyk filmowy David Thomson wystawił Nashville (1975) złą recenzję po obejrzeniu go po raz pierwszy, ale później napisał: „Ale powrót do Nashville i niektórych wcześniejszych filmów… skłonił mnie do refleksji: pozostaje enigmatyczne, jak zorganizowany lub Celowe Nashville jest... Mozaika, czyli mieszanka, pozwala na wolność i ludzką dziwactwo, które Renoir mógł podziwiać. Podczas kręcenia filmu aktorzy byli zainspirowani, a aktorka Ronee Blakley była przekonana o ostatecznym sukcesie filmu:

Tak, myślałem, że będzie świetnie, cała praca była tak dobra, każdy aktor był zainspirowany, a zespół Altmana był niezwykle kompetentny, a on był tym rzadkim rodzajem geniuszu, który wie, co działa, a co nie. moment, w którym to się dzieje.

Thomson później rozpoznał te aspekty jako część stylu Altmana, poczynając od MASH (1970): „ MASH zaczął rozwijać kluczowy styl Altmana, polegający na nakładaniu się, zamazanych dźwięków i obrazów tak śliskich z zoomem, że nie było poczucia kompozycji. sprawia, że Nashville jest tak absorbujące”. Altman wyjaśnił, że takie nakładające się na siebie dialogi w jego filmach były dla niego bliższe rzeczywistości, zwłaszcza w przypadku dużych grup: „Jeżeli masz czternaście osób przy stole, wydaje mi się, że jest mało prawdopodobne, aby tylko dwie z nich były rozmawiając." Pauline Kael pisze, że Altman, „mistrz wielkich zespołów, luźnej akcji i nakładających się głosów, pokazuje, że… potrafi zrobić filmowe fajerwerki z prawie niczego”.

Fotografia

Charakterystyczny styl reżyserski Altmana przeniósł się na jego preferencje dotyczące pracy z kamerą. Wśród nich znalazło się zastosowanie kompozycji szerokoekranowych, które miały uchwycić wiele osób lub czynności, które odbywają się na ekranie w tym samym czasie. W przypadku niektórych filmów, takich jak McCabe i Mrs. Miller , stworzył potężną wizualną atmosferę z operatorem Vilmosem Zsigmondem , na przykład sceny z wykorzystaniem płynnej kamery, obiektywów zmiennoogniskowych i efektu zadymienia przy użyciu specjalnych filtrów przeciwmgielnych. Reżyser Stanley Kubrick powiedział Altmanowi, że "kamery były wspaniałe" i zapytał: "Jak to zrobiłeś?"

W Nashville Altman zastosował zestawy z wyczuwalną kolorystyką czerwieni, bieli i błękitu. W przypadku The Long Goodbye nalegał, aby Zsigmond utrzymywał aparat mobilny, montując go na ruchomych obiektach. Zsigmond twierdzi, że Altman „chciał zrobić coś innego” w tym filmie i powiedział mu, że „chciał, aby kamera poruszała się – przez cały czas. W górę. w dół. Operator Roger Deakins , omawiając sposób korzystania z obiektywów zmiennoogniskowych, skomentował: „Byłbym bardzo ekscytujący, gdybym miał nakręcić film z obiektywem zmiennoogniskowym, gdyby chodziło o ten obserwacyjny, wędrujący styl, z którego słynął Robert Altman. kamerę na ramieniu wysięgnika i płyń przez scenę i wybieraj te ujęcia, gdy szedł – całkiem niezły sposób pracy”.

Zsigmond wspomina również, że praca z Altmanem była fajna:

Raczej lubiliśmy robić rzeczy „ulepszone”. Altman to świetny improwizator. W ciągu pierwszych kilku dni zdjęć w mgnieniu oka „tworzył” różne podejścia. Pokazywał mi, jak chciał, żeby kamera się poruszała — zawsze się poruszała. Co było zabawne. Aktorzy to uwielbiali i zawsze miałem wyzwanie, aby znaleźć sposób na sfilmowanie tego, co wymyślił Altman.

Zdjęcia Vilmosa Zsigmonda do filmu McCabe i Pani Miller otrzymały nominację do Brytyjskiej Nagrody Filmowej Akademii Filmowej .

Partytury muzyczne

Używając muzyki w swoich filmach, Altman był znany z tego, że był bardzo selektywny, często wybierał muzykę, którą osobiście lubił. Reżyser Paul Thomas Anderson , który z nim pracował, zauważa, że ​​„wykorzystywanie muzyki przez Altmana jest zawsze ważne”, dodając: „Bob kochał swoją muzykę, prawda? Mój Boże, kochał swoją muzykę”. Ponieważ był „wielkim fanem” muzyki Leonarda Cohena , na przykład mówiąc, że „po prostu się upije i puszcza te rzeczy” przez cały czas, użył trzech swoich piosenek w McCabe and Mrs. Miller (1971) i kolejny do finałowej sceny w Weselu (1978).

Dla Nashville (1975) Altman miał wiele nowych piosenek country napisanych przez jego obsadę, aby stworzyć realistyczną atmosferę. Włączył „niesamowicie powtarzaną melodię” w The Long Goodbye (1973) i zatrudnił Harry'ego Nilssona i Van Dyke'a Parksa do napisania muzyki do Popeye (1980).

Wielu ekspertów muzycznych pisało o wykorzystaniu muzyki przez Altmana, w tym Richard R. Ness, który opisał muzykę do wielu filmów Altmana w artykule, uważanym za cenne źródło zrozumienia techniki filmowej Altmana. Podobnie profesor studiów filmowych Krin Gabbard napisał analizę wykorzystania muzyki jazzowej przez Altmana w Short Cuts (1993), zauważając, że niewielu krytyków rozważało „znaczenie muzyki” w filmie.

Jazz był również ważny w Kansas City (1996). W tym filmie muzyka jest uważana za podstawę opowieści. Altman stwierdza, że ​​„całym pomysłem nie było bycie zbyt konkretnym w historii”, ale żeby sam film był „raczej jazzem”. Technika Altmana polegająca na uczynieniu tematu filmu formą muzyki została uznana za „eksperyment, którego nikt wcześniej nie próbował”, a Altman przyznał, że jest ryzykowny. „Nie wiedziałem, czy to zadziała… Jeśli ludzie to rozumieją, to naprawdę im się to podoba”.

Wpływ

Reżyserzy pozostający pod wpływem Altmana to między innymi Paul Thomas Anderson , Richard Linklater , Alejandro González Inárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green i Michael Winterbottom . Krytycy zauważyli, że prace Paula Thomasa Andersona, Boogie Nights (1997), Magnolia (1999) i Inherent Vice (2014) są wirtualnymi okładkami Altmana. „Ukradłem Bobowi najlepiej, jak potrafiłem” – przyznał Anderson, który później zadedykował mu There Will Be Blood (2007).

Filmografia

jako reżyser

Rok Tytuł Pisarz Producent Dystrybucja
1957 Przestępcy tak tak Zjednoczeni Artyści
1968 Odliczanie Nie Nie Warner Bros.
1969 Ten zimny dzień w parku Nie Nie Commonwealth United Rozrywka
1970 ZACIER Nie Nie 20th Century Fox
1970 Brewster McCloud Nie Nie Metro-Goldwyn-Mayer
1971 McCabe i pani Miller tak Nie Warner Bros.
1972 Obrazy tak Nie Zdjęcia Kolumbii
1973 Długie pożegnanie Nie Nie Zjednoczeni Artyści
1974 Złodzieje jak my tak Nie
1974 Kalifornia Split Nie tak Zdjęcia Kolumbii
1975 Nashville Nie tak Najważniejsze zdjęcia
1976 Buffalo Bill i Indianie, czyli
Lekcja historii Siedzącego Byka
tak tak Zjednoczeni Artyści
1977 3 kobiety tak tak 20th Century Fox
1978 Wesele tak tak
1979 Kwintet tak tak
Idealna para tak tak
1980 Zdrowie tak tak
Popeye tak Nie Najważniejsze zdjęcia
1982 Wróć do Five
and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean
Nie Nie Zdjęcia kinowe
1983 Serpentyny Nie tak Zjednoczeni Artyści
1984 Tajny honor Nie tak Zdjęcia kinowe
1985 Głupi z miłości Nie Nie Grupa armat
OC i Stiggs Nie tak Metro-Goldwyn-Mayer
1987 Poza terapią tak Nie Zdjęcia Nowego Świata
1990 Vincent i Theo Nie Nie Metro-Goldwyn-Mayer
1992 Gracz Nie Nie Funkcje cienkiej linii
1993 Skróty tak Nie
1994 Prêt-à-Porter tak tak Filmy Miramax
1996 Kansas tak tak Funkcje cienkiej linii
1998 Pierniczkowy ludzik tak Nie Rozrywka PolyGram
1999 Fortuna Ciasteczek Nie tak Październikowe filmy
2000 Dr T i kobiety Nie tak Rozrywka rzemieślnicza
2001 Park Gosford Nie tak Funkcje ostrości
2003 Przedsiębiorstwo Nie tak Sony Pictures Klasyka
2006 Towarzysz domu na prerii Nie tak Kino nowej linii

Nagrody i wyróżnienia

Altman otrzymał wiele nagród i nominacji, w tym siedmiu Oscara nominacji zdobywając tytuł Honorowego Oscara w 2006. Otrzymał siedem Nagroda Brytyjskiej Akademii Filmowej nominacje zwycięskie dwukrotnie The Gracz (1992) oraz Gosford Park (2001). Otrzymał nagrodę Emmy Primetime dla Najlepsza reżyseria serialu dramatycznym dla Tanner '88 (1988). Otrzymał także pięć nominacji do Złotego Globu, zdobywając nagrodę Złotego Globu dla najlepszego reżysera dla Gosford Park . Otrzymał również różne nagrody na festiwalach filmowych, w tym prestiżową Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes za M*A*S*H oraz nagrodę na Festiwalu Filmowym w Cannes dla najlepszego reżysera dla aktora . On również otrzymał Berlin International Film Festival 's Golden Bear i tym festiwalu w Wenecji ' s Złotego Lwa . W 1994 roku otrzymał nagrodę Directors Guild of America Lifetime Achievement Award .

Życie osobiste

Rodzina

Altman był żonaty trzykrotnie: jego pierwszą żoną była LaVonne Elmer. Byli małżeństwem w latach 1947-1949 i mieli córkę Christine. Jego drugą żoną była Lotus Corelli. Pobrali się w latach 1950-1955 i mieli dwóch synów, Michaela i Stephena. W wieku czternastu lat Michael napisał tekst do " Suicide Is Painless ", piosenki przewodniej do filmu Altmana, MASH . Stephen jest scenografem, który często pracował ze swoim ojcem. Trzecią żoną Altmana była Kathryn Reed. Byli małżeństwem od 1957 roku aż do jego śmierci w 2006 roku. Mieli dwóch synów, Roberta i Matthew. Altman został ojczymem Konniego Reeda, kiedy poślubił Kathryn.

Kathryn Altman, zmarła w 2016 roku, jest współautorką książki o Altmanie, która ukazała się w 2014 roku. Była konsultantką i narratorką filmu dokumentalnego Altman z 2014 roku i przemawiała na wielu retrospektywnych pokazach filmów męża.

Domy

W latach 60. Altman mieszkał przez lata w Kanionie Mandeville w Brentwood w Kalifornii . Mieszkał w Malibu w latach 70., ale sprzedał ten dom i firmę producencką Lion's Gate w 1981 roku. „Nie miałem wyboru”, powiedział The New York Times . „Nikt nie odbierał telefonu” po flopie Popeye . Przeniósł swoją rodzinę i siedzibę firmy do Nowego Jorku, ale ostatecznie przeniósł się z powrotem do Malibu, gdzie mieszkał do śmierci.

Poglądy polityczne

W listopadzie 2000 roku Altman twierdził, że przeniósłby się do Paryża, gdyby George W. Bush został wybrany, ale żartował, że miał na myśli Paryż w Teksasie , kiedy to się stało. Zauważył, że „państwo byłoby lepiej, gdyby on (Bush) był poza tym”. Altman był otwartym użytkownikiem marihuany i służył jako członek rady doradczej NORML . Był także ateistą i działaczem antywojennym. Był jedną z wielu osób publicznych, w tym językoznawca Noam Chomsky i aktorka Susan Sarandon , która podpisała deklarację „ Nie w naszym imieniu ” sprzeciwiającą się inwazji na Irak w 2003 roku . Julian Fellowes uważa, że ​​antywojenna i antybushowska postawa Altmana kosztowała go Oscara dla najlepszego reżysera za film Gosford Park .

Altman gardził serialem telewizyjnym M * A * S * H, który pojawił się po jego filmie z 1970 roku, powołując się na to jako antytezę tego, o czym był jego film, i powołując się na jego antywojenne przesłanie jako „rasistowskie”. W komentarzu DVD z 2001 roku dla MASH , jasno określił powody, dla których odrzucił serię.

Śmierć i dziedzictwo

Altman zmarł 20 listopada 2006 roku w wieku 81 lat w Cedars-Sinai Medical Center w Los Angeles. Według jego firmy produkcyjnej w Nowym Jorku, Sandcastle 5 Productions, zmarł z powodu powikłań białaczki .

Reżyser filmowy Paul Thomas Anderson zadedykował swój film z 2007 roku Altmanowi poleje się krew . Anderson pracował jako zastępca reżysera w A Prairie Home Companion dla celów ubezpieczeniowych na wypadek, gdyby schorowany 80-letni Altman nie był w stanie dokończyć zdjęć.

Podczas uroczystego hołdu dla Altmana kilka miesięcy po jego śmierci został opisany jako "namiętny filmowiec" i autor, który odrzucił konwencję, tworząc coś, co reżyser Alan Rudolph nazwał "altmanowskim" stylem filmów. Wolał duże obsady aktorów, naturalnie nakładające się rozmowy i zachęcał aktorów do improwizacji i wyrażania wrodzonej kreatywności, ale bez obawy o porażkę. Lily Tomlin porównała go do „wielkiego, łagodnego patriarchy, który zawsze dbał o ciebie jako aktora”, dodając, że „nie boisz się z nim ryzykować”.

Odciski dłoni Altmana przed Palais des Festivals et des Congrès w Cannes we Francji

Wiele z jego filmów opisuje się jako „kwaśne satyry i kontrkulturowe studia postaci, które na nowo zdefiniowały i ożywiły współczesne kino”. Chociaż jego filmy obejmowały większość gatunków filmowych, takich jak westerny, musicale, filmy wojenne czy komedie, uważano go za „antygatunek”, a jego filmy były „szczerze wywrotowe”. Był znany z tego, że nienawidził „fałszywości”, którą widział w większości filmów głównego nurtu, i „chciał je eksplodować” poprzez satyrę.

Aktor Tim Robbins , który zagrał w wielu filmach Altmana, opisuje niektóre z unikalnych aspektów swojej metody reżyserskiej:

Stworzył na swoich planach niepowtarzalny i cudowny świat, w którym psotny tata spuścił ze smyczy „dzieci aktorzy” do zabawy. Gdzie twoja wyobraźnia była zachęcana, pielęgnowana, wyśmiewana, obejmowana i altmanizowana. Słodka anarchia, której wielu z nas nie czuło od szkolnego podwórka, rozpętana przez dzikie serce Boba.

Archiwa osobiste Altmana znajdują się na Uniwersytecie Michigan i obejmują około 900 pudeł z osobistymi dokumentami, skryptami, aktami prawnymi, biznesowymi i finansowymi, zdjęciami, rekwizytami i powiązanymi materiałami. Altman nakręcił film Secret Honor na uniwersytecie, a także wyreżyserował tam kilka oper.

Od 2009 roku nagroda Roberta Altmana przyznawana jest reżyserowi, reżyserowi obsady i obsadzie filmów podczas corocznych nagród Independent Spirit Awards .

W 2014 roku ukazał się pełnometrażowy film dokumentalny Altman , w którym przygląda się jego życiu i pracy z klipami filmowymi i wywiadami.

Zobacz też

Przypisy

Bibliografia

Bibliografia

Dalsza lektura

  • Caso, Frank (2015). Robert Altman w American Grain . Londyn: Książki reakcji. Numer ISBN 978-1-78023-522-6.
  • Komentarz reżysera do DVD McCabe & Mrs. Miller , skupiając się na tym filmie, obejmuje również w pewnym stopniu ogólną metodologię Altmana jako reżysera.
  • Judith M. Kass. Robert Altman: American Innovator wcześnie (1978) ocena pracy reżysera i jego zainteresowania hazardem. Część Leonard Maltin „s wybierane Biblioteki serii filmowca.
  • Angielski zespół Maxïmo Park ma piosenkę "Robert Altman", stronę b do ich singla " Our Velocity "
  • The Criterion Collection wydała kilka filmów Altmana na DVD (Short Cuts, 3 Women, Tanner '88, Secret Honor), które zawierają komentarze audio i wywiady wideo z nim, które rzucają światło na jego styl reżyserski.
  • Warren, Karol (2006). Crouse, Jeffey (red.). „Cavell, Altman i Cassavetes”. Film Międzynarodowy . Wydanie specjalne Stanleya Cavella. Tom. 4 nie. 22. s. 14–20.
  • Rick Armstrong, „Robert Altman: Critical Essays” Aktorzy, historycy, filmoznawcy i teoretycy kultury zastanawiają się nad Altmanem i jego pięcioletnią karierą… (McFarland, 18 lutego 2011)
  • Mitchell Zuckoff, Robert Altman: Biografia ustna. Nowy Jork: Alfred A. Knopf, 2009. ISBN  978-0-307-26768-9
  • Opis i szczegóły ścieżki dźwiękowej Short Cuts, aby uzyskać więcej szczegółowych informacji na temat tego tytułu.
  • Helene Keyssar, Ameryka Roberta Altmana. Oksford, 1991

Zewnętrzne linki

Filmy