Sztuka renesansu - Renaissance art

Jan van Eyck , Ghent Ołtarz : Adoracja Mistycznego Baranka (Wygląd wewnętrzny), 1432

Sztuka renesansu (1350 - 1620 ne) to malarstwo, rzeźba i sztuka dekoracyjna z okresu historii Europy znanej jako renesans , który pojawił się jako odrębny styl we Włoszech około 1400 rne, równolegle z rozwojem filozofii , literatura , muzyka , nauka i technologia . Sztuka renesansowa przyjęła za podstawę sztukę starożytności klasycznej , uważaną za najszlachetniejszą ze starożytnych tradycji, ale tę tradycję przekształciła, wchłaniając najnowsze osiągnięcia w sztuce Europy Północnej i stosując współczesną wiedzę naukową. Wraz z renesansową filozofią humanistyczną rozprzestrzeniła się w całej Europie, oddziałując zarówno na artystów, jak i ich mecenasów poprzez rozwój nowych technik i nowych wrażliwości artystycznych. Dla historyków sztuki sztuka renesansowa oznacza przejście Europy od średniowiecza do wczesnej epoki nowożytnej .

Sandro Botticelli , Narodziny Wenus , c . 1485, Uffizi , Florencja

Dzieło sztuki, malarstwo, rzeźba, architektura, muzyka i literatura określane jako „sztuka renesansu” powstawały głównie w XIV, XV i XVI wieku w Europie pod wpływem połączonych wpływów zwiększonej świadomości natury, odrodzenia klasycznego uczenie się i bardziej indywidualistyczne spojrzenie na człowieka. Uczeni nie wierzą już, że renesans oznaczał gwałtowne zerwanie z wartościami średniowiecznymi, jak sugeruje francuskie słowo renesans , dosłownie oznaczające „odrodzenie”. Źródła historyczne sugerują raczej, że zainteresowanie przyrodą, nauką humanistyczną i indywidualizmem było obecne już w okresie późnego średniowiecza i stało się dominujące w XV i XVI-wiecznych Włoszech, równocześnie z przemianami społecznymi i gospodarczymi, takimi jak sekularyzacja życia codziennego, powstanie racjonalnej gospodarki pieniężno-kredytowej i znacznie zwiększona mobilność społeczna. W wielu częściach Europy sztuka wczesnego renesansu powstawała równolegle ze sztuką późnego średniowiecza .

Początki

Wiele wpływów na rozwój renesansowych mężczyzn i kobiet na początku XV wieku przypisuje się pojawieniu się sztuki renesansowej; są takie same, jak te, które wpłynęły na filozofię, literaturę, architekturę, teologię, naukę, rząd i inne aspekty społeczeństwa. Poniższa lista przedstawia zestawienie zmian warunków społecznych i kulturowych, które zostały zidentyfikowane jako czynniki, które przyczyniły się do rozwoju sztuki renesansowej. Każdy z nich został dokładniej omówiony w cytowanych powyżej głównych artykułach. Badacze okresu Renesansu skupili się na obecnym życiu i sposobach na to, by ludzkie życie ewoluowało i ulepszało się w całości. Nie przywiązywali dużej wagi do średniowiecznej filozofii czy religii. W tym okresie uczeni i humaniści, tacy jak Erazm, Dante i Petrarka, krytykowali zabobonne wierzenia, a także kwestionowali je. Pojęcie edukacji również poszerzyło swoje spektrum i skoncentrowało się bardziej na stworzeniu „idealnego człowieka”, który miałby dobre rozumienie sztuki, muzyki, poezji i literatury oraz byłby w stanie docenić te aspekty życia. W tym okresie pojawił się pogląd naukowy, który pomógł ludziom kwestionować niepotrzebne rytuały kościoła.

  • Udostępnione stały się teksty klasyczne, utracone przez wieki dla europejskich uczonych. Były to między innymi dokumenty filozofii, prozy, poezji, dramatu, nauki, tezy o sztuce i teologii wczesnochrześcijańskiej.
  • Europa uzyskała dostęp do zaawansowanej matematyki, która miała swoje korzenie w pracach uczonych islamskich.
  • Pojawienie się druku ruchomego w XV wieku umożliwiło łatwe rozpowszechnianie idei, a coraz więcej książek pisano dla szerszej publiczności.
  • Utworzenie Banku Medici i związany z nim handel przyniósł bezprecedensowe bogactwo jednemu włoskiemu miastu, Florencji .
  • Cosimo de' Medici wyznaczył nowy standard mecenatu sztuki, niezwiązany z kościołem czy monarchią.
  • Filozofia humanistyczna oznaczała, że ​​relacja człowieka z ludzkością, wszechświatem i Bogiem nie była już wyłączną domeną Kościoła.
  • Odrodzenie zainteresowania klasyką zaowocowało pierwszymi badaniami archeologicznymi rzymskich pozostałości przez architekta Brunelleschiego i rzeźbiarza Donatello . Odrodzenie stylu architektonicznego opartego na klasycznych precedensach zainspirowało odpowiedni klasycyzm w malarstwie i rzeźbie, który ujawnił się już w latach 20. XIV wieku w obrazach Masaccio i Uccello .
  • Udoskonalenie farby olejnej i rozwój techniki malarstwa olejnego przez belgijskich artystów, takich jak Robert Campin , Jan van Eyck , Rogier van der Weyden i Hugo van der Goes doprowadziły do ​​jej przyjęcia we Włoszech od około 1475 roku i ostatecznie wywarły trwały wpływ na praktyki malarskie na calym swiecie.
  • Nieoczekiwana obecność w regionie Florencji na początku 15 wieku niektórych osobników geniuszu artystycznego, przede Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti , Piero della Francesca , Donatello i Michelozzo tworzą etos, z którego skoczył wielkich mistrzów renesansu , a także wspieranie i zachęcanie wielu pomniejszych artystów do osiągania dzieł o niezwykłej jakości.
  • Podobna spuścizna dokonań artystycznych miała miejsce w Wenecji za sprawą utalentowanej rodziny Bellini , ich wpływowych teściów Mantegny , Giorgione , Tycjana i Tintoretta .
  • Publikacja dwóch traktatów Leone Battisty Albertiego , De pictura ("O malarstwie") w 1435 i De re aedificatoria ("Dziesięć ksiąg o architekturze") w 1452.

Historia

Protorenesans we Włoszech, 1280-1400

Fresk kwadratowy.  W płytkiej przestrzeni, przypominającej scenografię, wokół martwego ciała Jezusa gromadzą się realistyczne postacie.  Wszyscy są w żałobie.  Maria Magdalena płacze nad jego stopami.  Uczeń płci męskiej rozrzuca ramiona w rozpaczy.  Józef z Arymetei trzyma całun.  W Niebie małe aniołki krzyczą i wyrywają sobie włosy.
Giotto : Opłakiwanie , c. . 1305, Kaplica Scrovegnich , zapowiada renesans.

We Włoszech pod koniec XIII i na początku XIV wieku rzeźba Nicola Pisano i jego syna Giovanniego Pisano , pracujących w Pizie , Sienie i Pistoi, wykazuje wyraźne tendencje klasycystyczne, prawdopodobnie pod wpływem znajomości tych artystów ze starożytnymi rzymskimi sarkofagami . Ich arcydziełami są ambony baptysterium i katedry w Pizie .

Współczesny z Giovannim Pisano, florencki malarz Giotto rozwinął sposób malarstwa figuratywnego, który był bezprecedensowo naturalistyczny, trójwymiarowy, realistyczny i klasycystyczny w porównaniu z malowaniem jego współczesnych i nauczyciela Cimabue . Giotto, którego największym dziełem jest cykl Życia Chrystusa w kaplicy Arena w Padwie , był postrzegany przez XVI-wiecznego biografa Giorgio Vasariego jako „ratowanie i przywracanie sztuki” z „surowego, tradycyjnego stylu bizantyjskiego” panującego we Włoszech w XIII wieku.

Wczesny renesans we Włoszech, 1400-1495

Donatello, David (1440s?) Museo Nazionale del Bargello.

Chociaż zarówno Pisanos, jak i Giotto mieli uczniów i naśladowców, pierwsi prawdziwie renesansowi artyści pojawili się we Florencji dopiero w 1401 r. w konkursie na wyrzeźbienie zestawu drzwi z brązu do baptysterium katedry we Florencji , do którego włączono wpisy siedmiu młodych rzeźbiarzy, w tym Brunelleschiego. , Donatello i zwycięzca Lorenzo Ghiberti . Brunelleschi, najbardziej znany jako architekt kopuły katedry we Florencji i kościoła San Lorenzo , stworzył szereg dzieł rzeźbiarskich, w tym naturalnej wielkości krucyfiks w Santa Maria Novella , słynący z naturalizmu . Uważa się, że jego studia nad perspektywą wywarły wpływ na malarza Masaccio . Donatello zasłynął jako największy rzeźbiarz wczesnego renesansu, a jego arcydzieła to humanistyczny i niezwykle erotyczny posąg Dawida , jednej z ikon Republiki Florenckiej , oraz jego wielki pomnik Gattamelaty , pierwszego dużego brązu konnego, który powstał od czasów rzymskich. czasy.

Współczesny Donatello, Masaccio, był malarskim potomkiem Giotta i rozpoczął wczesny renesans we włoskim malarstwie w 1425 roku, wspierając tendencję do solidności formy i naturalizmu twarzy i gestu, którą Giotto rozpoczął sto lat wcześniej. W latach 1425-1428 Masaccio ukończył kilka obrazów panelowych, ale jest najbardziej znany z cyklu fresków, który rozpoczął w kaplicy Brancaccich ze starszym artystą Masolino i który miał głęboki wpływ na późniejszych malarzy, w tym Michała Anioła . Rozwój Masaccio był kontynuowany w obrazach Fra Angelico , szczególnie w jego freskach w klasztorze San Marco we Florencji.

Traktowanie elementów perspektywy i światła w malarstwie było przedmiotem szczególnej troski XV-wiecznych malarzy florenckich. Uccello miał taką obsesję na punkcie uzyskania pozoru perspektywy, że według Giorgio Vasariego , zakłócało to jego sen. Jego rozwiązania są widoczne w jego arcydziełach składających się z trzech obrazów, Bitwa pod San Romano , która prawdopodobnie została ukończona do 1460 roku. Piero della Francesca przeprowadził systematyczne i naukowe badania zarówno perspektywy świetlnej, jak i liniowej, których wyniki można widziany w jego cyklu fresków Historia Prawdziwego Krzyża w San Francesco, Arezzo .

W Neapolu malarz Antonello da Messina zaczął używać farb olejnych do portretów i obrazów religijnych w okresie, który wyprzedził innych malarzy włoskich, prawdopodobnie około 1450 roku. Przeniósł tę technikę na północ i wywarł wpływ na malarzy weneckich . Jednym z najwybitniejszych malarzy północnych Włoch był Andrea Mantegna , który udekorował wnętrze pokoju, Camera degli Sposi dla swojego patrona Ludovico Gonzagi , umieszczając portrety rodziny i dworu w iluzjonistycznej przestrzeni architektonicznej.

Końcowy okres wczesnego renesansu w sztuce włoskiej wyznacza, podobnie jak jego początek, specjalna komisja skupiająca artystów, tym razem raczej we współpracy niż w konkurencji. Papież Sykstus IV odbudował Kaplicę Papieską, nazwaną na jego cześć Kaplicą Sykstyńską , i zlecił grupie artystów, Sandro Botticellemu , Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio i Cosimo Rosselli ozdobienie jej ściany cyklami fresków przedstawiającymi Życie Chrystusa i Życie Mojżesza. W szesnastu dużych obrazach artyści, choć każdy z nich pracował w swoim indywidualnym stylu, uzgodnili zasady formatu i wykorzystali techniki oświetlenia, perspektywy liniowej i atmosferycznej, anatomii, skrótów perspektywicznych i charakteryzacji, które zostały przeniesione do najwyższego punktu w historii. duże florenckie studia Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio i Perugino.

Jean Fouquet , autoportret (1450). Najwcześniejsza miniatura portretowa i prawdopodobnie najwcześniejszy formalny autoportret .

Wczesna sztuka niderlandzka, 1425-1525

Rogier van der Weyden , Zstąpienie z krzyża (ok. 1435), olej na dębowym panelu, 220 cm x 262 cm (87 cali x 103 cali). Muzeum Prado w Madrycie.

W tym okresie malarzami Niderlandów byli Jan van Eyck , jego brat Hubert van Eyck , Robert Campin , Hans Memling , Rogier van der Weyden i Hugo van der Goes . Ich malarstwo rozwijało się częściowo niezależnie od malarstwa wczesnego renesansu włoskiego i bez wpływu świadomego i świadomego dążenia do ożywienia starożytności.

Styl malarstwa wyrósł bezpośrednio ze średniowiecznego malarstwa temperą , na tablicach i iluminowanych rękopisach oraz innych formach, takich jak witraże ; medium fresku było mniej powszechne w północnej Europie. Użytym medium była farba olejna , która od dawna była używana do malowania skórzanych tarcz ceremonialnych i akcesoriów, ponieważ była elastyczna i stosunkowo trwała. Najwcześniejsze niderlandzkie obrazy olejne są drobiazgowe i szczegółowe jak obrazy temperowe. Materiał pozwalał na zobrazowanie wariacji tonalnych i faktury, ułatwiając w ten sposób obserwację natury w najdrobniejszych szczegółach.

Malarze niderlandzcy nie podchodzili do tworzenia obrazu poprzez ramy perspektywy linearnej i właściwej proporcji. Utrzymywali średniowieczny pogląd na hierarchiczne proporcje i symbolikę religijną, zachwycając się realistycznym traktowaniem elementów materialnych, zarówno naturalnych, jak i stworzonych przez człowieka. Jan van Eyck wraz z bratem Hubertem namalowali Ołtarz Mistycznego Baranka . Jest prawdopodobne, że Antonello da Messina zapoznał się z twórczością Van Eycka podczas pobytu w Neapolu czy na Sycylii. W 1475 r. Ołtarz Portinari Hugo van der Goesa przybył do Florencji, gdzie miał wywrzeć głęboki wpływ na wielu malarzy, przede wszystkim Domenico Ghirlandaio , który namalował ołtarz imitujący jego elementy.

Bardzo znaczącym malarzem niderlandzkim pod koniec tego okresu był Hieronim Bosch , który wykorzystywał typ fantazyjnych form, którymi często zdobiono bordiury i litery w iluminowanych rękopisach, łącząc formy roślinne i zwierzęce z architektonicznymi. Wyjęte z kontekstu iluminacji i zaludnione ludźmi, formy te nadają obrazom Boscha surrealistyczną jakość, której nie ma żaden inny malarz renesansowy. Jego arcydziełem jest tryptyk Ogród rozkoszy ziemskich .

Wczesny renesans we Francji, 1375-1528

Jean Hey, Tryptyk z Moulins , c. 1498, olej na desce, Katedra w Moulins.

Artyści francuscy (w tym księstwa takie jak Burgundia ) często związani byli z dworami, dostarczając szlachcie iluminowane rękopisy i portrety, a także obrazy dewocyjne i ołtarze. Wśród najbardziej znanych byli bracia Limbourg , flamandzcy iluminatorzy i twórcy iluminacji rękopisów Très Riches Heures du Duc de Berry . Jean Fouquet , malarz dworu królewskiego, odwiedził Włochy w 1437 roku i odzwierciedla wpływy malarzy florenckich, takich jak Paolo Uccello. Chociaż najbardziej znany ze swoich portretów, takich jak portret Karola VII z Francji , Fouquet tworzył również iluminacje i jest uważany za wynalazcę miniatury portretowej . W tym czasie było wielu artystów, którzy malowali słynne ołtarze, które stylistycznie różnią się zarówno od włoskiego, jak i flamandzkiego. Należą do nich dwie enigmatyczne postaci, Enguerrand Quarton , któremu przypisuje się Pietę z Villeneuve-lès-Avignon , oraz Jean Hey , znany również jako „Mistrz z Moulins” po jego najsłynniejszym dziele, Ołtarzu z Moulins. Realizm i wnikliwa obserwacja postaci ludzkiej, emocje i oświetlenie łączą się w tych pracach ze średniowieczną formalnością, na którą składają się złocone tła.

Wysoki renesans we Włoszech, 1495-1520

„Uniwersalny geniusz” Leonardo da Vinci miał dalej doskonalić aspekty sztuki malarskiej (oświetlenie, perspektywa liniowa i atmosferyczna, anatomia, skróty perspektywiczne i charakterystyka), które zajmowały się artystami wczesnego renesansu przez całe życie studiowania i skrupulatnego rejestrowania swoich obserwacji świata przyrody. Jego przyjęcie farby olejnej jako głównego medium oznaczało, że mógł przedstawiać światło i jego wpływ na krajobraz i przedmioty w bardziej naturalny i bardziej dramatyczny sposób niż kiedykolwiek wcześniej, jak pokazano w Mona Lisie (1503–1506). Jego sekcja zwłok przeniosła zrozumienie anatomii szkieletu i mięśni, jak widać w niedokończonym Saint Hieronim in the Wilderness (ok. 1480). Jego przedstawienie ludzkich emocji w Ostatniej Wieczerzy , ukończonej w latach 1495–1498, wyznaczyło punkt odniesienia dla malarstwa religijnego.

Michał Anioł, Stworzenie Adama , c. 1511, od stropu Kaplicy Sykstyńskiej

Sztuka młodszego współczesnego Leonarda, Michała Anioła, poszła w zupełnie innym kierunku. Michał Anioł ani w swoim malarstwie, ani w rzeźbie nie wykazuje zainteresowania obserwacją jakiegokolwiek naturalnego obiektu poza ludzkim ciałem. Udoskonalił swoją technikę przedstawiania go, gdy miał dwadzieścia kilka lat, tworząc ogromny marmurowy posąg Dawida i grupy Pieta w Bazylice św. Piotra w Rzymie. Następnie zajął się badaniem ekspresyjnych możliwości anatomii człowieka. Zlecenie przez papieża Juliusza II namalowania sufitu Kaplicy Sykstyńskiej zaowocowało arcydziełem kompozycji figuratywnej , która miała wywrzeć głęboki wpływ na każde kolejne pokolenie artystów europejskich. Jego późniejsze dzieło, Sąd Ostateczny , namalowane na ścianie ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej w latach 1534-1541, pokazuje styl manierystyczny (zwany także późnym renesansem) z ogólnie wydłużonymi korpusami, który przejął styl renesansu w latach 1520-1530.

Stojąc obok Leonardo i Michelangelo jako trzeci wielkiego malarza renesansu był młodszy Raphael , który w krótkiej żywotności namalował wielką liczbę niemal jak i wciągające portrety, w tym tych z papieża Juliusza II i jego następca papież Leon X , oraz liczne przedstawienia Madonny i Dzieciątka Jezus, w tym Madonny Sykstyńskiej . Jego śmierć w 1520 roku w wieku 37 lat jest uważana przez wielu historyków sztuki za koniec okresu renesansu, chociaż niektórzy indywidualni artyści kontynuowali pracę w stylu renesansu przez wiele lat.

W północnych Włoszech renesans reprezentowany jest przede wszystkim przez członków szkoły weneckiej, zwłaszcza przez późniejsze dzieła Giovanniego Belliniego , zwłaszcza obrazy religijne, które obejmują kilka dużych ołtarzy typu zwanego „ Świętą Rozmową ”, które przedstawiają grupę święci wokół Madonny na tronie. Jego współczesny Giorgione , który zmarł w wieku około 32 lat w 1510 roku, pozostawił po sobie niewielką liczbę enigmatycznych dzieł, w tym Burzę , której temat pozostaje kwestią spekulacji. Najwcześniejsze dzieła Tycjana pochodzą z epoki wysokiego renesansu, w tym masywny ołtarz Wniebowzięcia Najświętszej Maryi Panny, który łączy ludzką akcję i dramat ze spektakularnymi kolorami i atmosferą. Tycjan kontynuował malowanie w generalnie stylu renesansu aż do końca swojej kariery w latach 70. XVI wieku, chociaż coraz częściej używał koloru i światła ponad linią do definiowania swoich postaci.

Niemiecka sztuka renesansu

Lucas Cranach Starszy , Apollo i Diana .

Sztuka niemieckiego renesansu należy do szerszej kategorii renesansu w Europie Północnej, znanego również jako renesans północny . Wpływy renesansowe zaczęły pojawiać się w sztuce niemieckiej w XV wieku, ale trend ten nie był powszechny. Sztuka Gardnera przez wieki identyfikuje Michaela Pachera , malarza i rzeźbiarza, jako pierwszego niemieckiego artystę, którego prace zaczynają ujawniać wpływy włoskiego renesansu. Według tego źródła obraz Pachera Św. Wolfgang zmusza diabła do trzymania modlitewnika (ok. 1481 r.), utrzymany jest w stylu późnogotyckim, ale pokazuje także wpływy włoskiego artysty Mantegny .

W XVI wieku sztuka renesansowa w Niemczech stała się bardziej powszechna, ponieważ, według Gardnera, „Sztuka północnej Europy w XVI wieku charakteryzuje się nagłą świadomością postępów dokonanych przez włoski renesans i chęcią przyswojenia tego nowego stylu tak szybko, jak to możliwe." Jednym z najbardziej znanych praktyków sztuki niemieckiego renesansu był Albrecht Dürer (1471–1528), którego fascynacja klasycznymi ideami zaprowadziła go do Włoch na studia artystyczne. Zarówno Gardner, jak i Russell uznali znaczenie wkładu Dürera w niemiecką sztukę we wprowadzaniu włoskich stylów i idei renesansu do Niemiec. Russell nazywa to „otwarciem gotyckich okien sztuki niemieckiej”, podczas gdy Gardner nazywa to „misją życiową” Dürera. Co ważne, jak wskazuje Gardner, Dürer „był pierwszym artystą północnym, który w pełni zrozumiał podstawowe cele południowego renesansu”, chociaż jego styl nie zawsze to odzwierciedlał. To samo źródło podaje, że Hans Holbein Młodszy (1497–1543) z powodzeniem przyswoił włoskie idee, zachowując jednocześnie „północne tradycje bliskiego realizmu”. Kontrastuje to z tendencją Dürera do pracy w „swoim własnym ojczystym niemieckim stylu”, zamiast łączenia stylów niemieckich i włoskich. Innymi ważnymi artystami niemieckiego renesansu byli Matthias Grünewald , Albrecht Altdorfer i Lucas Cranach Starszy .

Rzemieślnicy, tacy jak grawerzy, bardziej interesowali się estetyką niż tylko doskonaleniem swojego rzemiosła. Niemcy mieli mistrzów grawerowania, takich jak Martin Schongauer , który wykonywał ryciny w metalu pod koniec XV wieku. Gardner odnosi to mistrzostwo w sztuce graficznej do postępów w druku, które miały miejsce w Niemczech, i mówi, że grawerowanie metalu zaczęło zastępować drzeworyt w okresie renesansu. Jednak niektórzy artyści, tacy jak Albrecht Dürer, nadal tworzyli drzeworyty. Zarówno Gardner, jak i Russell opisują doskonałą jakość drzeworytów Dürera, a Russell stwierdza w The World of Dürer, że Dürer „podniósł je do wysokich dzieł sztuki”.

Brytania

Wielka Brytania bardzo późno rozwinęła wyraźny styl renesansowy, a większość artystów na dworze Tudorów była importowanymi obcokrajowcami, zwykle z Niderlandów , w tym Hans Holbein Młodszy , który zmarł w Anglii. Wyjątkiem była miniatura portretowa , którą artyści, w tym Nicholas Hilliard, rozwinęli w odrębny gatunek na długo przed tym, zanim stał się popularny w pozostałej części Europy. Sztuka renesansu w Szkocji była podobnie zależna od artystów importowanych i w dużej mierze ograniczona do dworu.

Tematy i symbolika

Sandro Botticelli , Magnificat Madonna , 1480–1481, tempera na desce, Uffizi , Florencja

Artyści renesansowi malowali różne tematy. Dużym zainteresowaniem cieszyły się ołtarze religijne , cykle fresków i drobne dzieła dewocji prywatnej. Dla inspiracji, zarówno malarzy Włoch i północnej Europie często okazał się Jakub de Voragine „s Złota Legenda (1260), bardzo wpływowej książce źródłowego życiu świętych , które już miały silny wpływ na średniowiecznych artystów. Odrodzenie klasycznego antyku i renesansowego humanizmu zaowocowało także wieloma obrazami mitologicznymi i historycznymi . Na przykład bardzo popularne były opowieści Owidiusza . Ornament dekoracyjny , często stosowany w malowanych elementach architektonicznych, był szczególnie pod wpływem klasycznych motywów rzymskich.

Techniki

  • Użycie proporcji – Pierwsze poważne potraktowanie obrazu jako okna w przestrzeń pojawiło się w twórczości Giotto di Bondone na początku XIV wieku. Prawdziwą perspektywę linearną sformalizowali później Filippo Brunelleschi i Leon Battista Alberti . Oprócz bardziej realistycznej prezentacji sztuki, skłoniło to malarzy renesansowych do komponowania większej liczby obrazów.
  • Foreshortening – Termin foreshortening odnosi się do artystycznego efektu skracania linii na rysunku, aby stworzyć iluzję głębi.
  • Sfumato – Termin sfumato został wymyślony przez włoskiego artystę renesansu Leonarda da Vinci i odnosi się do techniki malarstwa artystycznego polegającej na rozmywaniu lub łagodzeniu ostrych konturów poprzez subtelne i stopniowe mieszanie jednego tonu w drugi za pomocą cienkich szkliw, aby stworzyć iluzję głębia lub trójwymiarowość. Wywodzi się to z włoskiego słowa sfumare, które oznacza odparowanie lub zanikanie. Pochodzenie łacińskie to fumare , do palenia.
  • Światłocień – Termin światłocienie odnosi się do efektu modelowania malarstwa artystycznego polegającego na użyciu silnego kontrastu między światłem a ciemnością, aby dać iluzję głębi lub trójwymiarowości. Pochodzi od włoskich słów oznaczających światło ( chiaro ) i ciemność ( scuro ), technika, która weszła do powszechnego użytku w okresie baroku .

Lista artystów renesansowych

Włochy

Niskie kraje

Niemcy

Francja

Hiszpania i Portugalia

Chorwacja

Pracuje

Główne kolekcje

Zobacz też

Bibliografia

Zewnętrzne linki