Ceramika czerwonofigurowa - Red-figure pottery

Procesja mężczyzn, Kylix przez Triptolemos Malarz , circa 480 BC. Paryż: Luwr
Ślub Tetydy , Pyxis przez Painter ślubne , około 470/460 pne. Paryż: Luwr

Czerwonofigurowe malowanie waz jest jednym z najważniejszych stylów figuralnego greckiego malarstwa wazowego .

Rozwinął się w Atenach około 520 p.n.e. i pozostał w użyciu do końca III wieku p.n.e. W ciągu kilkudziesięciu lat zastąpił dominujący dotychczas styl malowania czarnofigurowych waz . Jego współczesna nazwa opiera się na przedstawieniach figuralnych w kolorze czerwonym na czarnym tle, w przeciwieństwie do wcześniejszego stylu czarnofigurowego z czarnymi figurami na czerwonym tle. Najważniejsze obszary produkcji, poza Attyką , znajdowały się w południowych Włoszech . Styl ten został również przyjęty w innych częściach Grecji . Etruria stała się ważnym ośrodkiem produkcji poza Greckim Światem .

Czerwonofigurowe wazony ze strychu były eksportowane do całej Grecji i poza nią. Przez długi czas dominowali na rynku ceramiki szlachetnej. Tylko nieliczne ośrodki produkcji ceramiki mogą konkurować z Atenami pod względem innowacyjności, jakości i zdolności produkcyjnych. Z czerwonych wazonów z figurami produkowanych w samych Atenach do dziś przetrwało ponad 40 000 okazów i fragmentów. Z drugiego najważniejszego ośrodka produkcyjnego, południowych Włoch, zachowało się ponad 20 000 wazonów i fragmentów. Począwszy od studiów Johna D. Beazleya i Arthura Dale Trendalla , badanie tego stylu sztuki poczyniło ogromne postępy. Niektóre wazony można przypisać poszczególnym artystom lub szkołom. Obrazy dostarczają dowodów na eksplorację greckiej historii kultury , życia codziennego , ikonografii i mitologii .

Technika

Czerwona figura jest po prostu odwrotnością techniki czarnej figury. Obydwa zostały osiągnięte dzięki zastosowaniu techniki wypalania trójfazowego . Malowidła zostały nałożone na ukształtowane, ale niewypalone naczynia po wyschnięciu do skórzastej, prawie kruchej tekstury. W Attyce normalna niespalona glina miała na tym etapie kolor pomarańczowy. Kontury zamierzonych postaci rysowano albo tępą skrobaczką, pozostawiającą lekki rowek, albo węglem drzewnym, który znikał całkowicie podczas strzelania. Potem kontury zostały przerysowane ze szczotką, używając błyszczącej gliny poślizg . Czasami malarz decydował się nieco zmienić scenę figuratywną. W takich przypadkach rowki z oryginalnego szkicu czasami pozostają widoczne. Ważne kontury często rysowano grubszym poślizgiem, prowadzącym do lekko wystającego konturu (linia reliefowa); mniej ważne linie i detale wewnętrzne zostały narysowane rozcieńczoną błyszczącą gliną.

W tym miejscu zastosowano detale w innych kolorach, w tym białym lub czerwonym. Linię reliefu namalowano prawdopodobnie pędzlem lub włosiem zamoczonym w gęstej farbie. (Sugestia, że ​​wydrążona igła może odpowiadać za takie cechy, wydaje się nieco nieprawdopodobna.) Konieczne było zastosowanie konturów reliefu, ponieważ w przeciwnym razie raczej płynna błyszcząca glina okazałaby się zbyt matowa. Po początkowej fazie rozwoju techniki zastosowano obie alternatywy, aby wyraźniej rozróżniać gradacje i szczegóły. Przestrzeń między postaciami wypełniła błyszcząca szara glina. Następnie poddano wazony wypalania trójfazowy, w którym błyszczący gliny osiągnięte charakterystyczny czarny lub czarno-brązowy kolor, przez redukcję , w czerwonawym kolorze od końcowej ponowne utlenienie . Ponieważ ta końcowa faza utleniająca została wypalona w niższych temperaturach, oszklone części wazonu nie uległy ponownemu utlenieniu z czerni do czerwieni: ich drobniejsza powierzchnia uległa stopieniu (spiekaniu) w fazie redukującej, a teraz była chroniona przed tlenem.

Nowa technika miała główną zaletę pozwalającą na znacznie lepsze wykonanie detali wewnętrznych. W czarnofigurowym malowaniu wazowym takie detale musiały być wydrapane na pomalowanych powierzchniach, co zawsze było mniej dokładne niż bezpośrednie nanoszenie detalu pędzlem. Przedstawienia czerwonych postaci były ogólnie bardziej żywe i realistyczne niż sylwetki czarnych postaci . Były też wyraźniej skontrastowane z czarnym tłem. Teraz można było przedstawiać ludzi nie tylko z profilu, ale także z przodu, z tyłu lub z perspektywy trzech czwartych. Technika czerwonofigurowa pozwoliła również na wskazanie trzeciego wymiaru na figurach. Miała jednak również wady. Na przykład rozróżnienie płci za pomocą czarnej bielizny dla męskiej skóry i białej farby dla kobiecej skóry było teraz niemożliwe. Utrzymująca się tendencja do przedstawiania bohaterów i bóstw nagich i w młodym wieku utrudniała również rozróżnienie płci na podstawie strojów lub fryzur. W początkowych fazach zdarzały się również błędne obliczenia dotyczące grubości postaci ludzkich.

W czarnofigurowym malarstwie wazowym narysowane wcześniej kontury były częścią postaci. W czerwonofigurowych wazonach kontur po wypaleniu stanowiłby część czarnego tła. Doprowadziło to na początku do wazonów z bardzo cienkimi figurami. Kolejny problem polegał na tym, że czarne tło nie pozwalało na głębsze ukazanie przestrzeni, tak że prawie nigdy nie podjęto próby perspektywy przestrzennej. Niemniej jednak zalety przewyższały wady. Przedstawienie mięśni i innych szczegółów anatomicznych wyraźnie ilustruje rozwój stylu.

Attyka

Malowanie czarnych waz z figurami zostało rozwinięte w Koryncie w VII wieku pne i szybko stało się dominującym stylem dekoracji ceramiki w całym świecie greckim i poza nim. Chociaż Corinth dominował na całym rynku, rozwinęły się rynki regionalne i centra produkcji. Początkowo Ateny kopiowały styl koryncki, ale stopniowo zaczęły rywalizować i przezwyciężać dominację Koryntu. Artyści na poddaszu rozwinęli styl do niespotykanej jakości, osiągając szczyt swoich możliwości twórczych w drugiej połowie VI wieku p.n.e. Exekias , aktywny około 530 rpne, może być postrzegany jako najważniejszy przedstawiciel stylu czarnofigurowego.

Wojownicy, otoczeni przez Hermesa i Atenę . Amfora garncarza Andokidesa i Andokides Painter , około 530 pne. Paryż : Luwr

W V wieku szlachetna ceramika attycka, obecnie głównie czerwonofigurowa, utrzymała swoją dominację na rynkach. Ceramikę strychową eksportowano do Magna Graecia, a nawet do Etrurii . Preferowanie wazonów attyckich doprowadziło do powstania lokalnych warsztatów lub „szkół” południowowłoskich i etruriańskich, silnie naznaczonych stylem attyckim, ale produkujących wyłącznie na lokalne rynki.

Początki

Pierwsze wazony z czerwonymi figurami zostały wyprodukowane około 530 r. p.n.e. Wynalezienie tej techniki jest zwykle akredytowane przez malarza Andokides . On i inni wcześni przedstawiciele tego stylu, np. Psiax , malowali początkowo wazony w obu stylach, ze scenami czarnofigurowymi po jednej stronie i czerwonofigurowymi po drugiej. Takie wazony, np. Amfora Brzucha autorstwa Andokides Painter (Monachium 2301) , nazywane są wazami dwujęzycznymi . Chociaż wykazują znaczne postępy w stosunku do stylu czarnych postaci, postacie nadal wydają się nieco szczupłe i rzadko nakładają się na siebie. Kompozycje i techniki dawnego stylu pozostały w użyciu. Tak więc nacięte linie są dość powszechne, podobnie jak dodatkowe nakładanie czerwonej farby („dodano czerwieni”), aby pokryć duże obszary.

Faza pionierska

Krater zesceną palestry : sportowcy przygotowujący się do zawodów, przypisywany Euphroniosowi , około 510/500 pne, Berlin : Antikensammlung

Artyści tzw. „ Grupy Pionierskiej ” zrobili krok w kierunku pełnego wykorzystania możliwości techniki czerwonofigurowej. Działali od około 520 do 500 pne. Ważni przedstawiciele to Euphronios , Euthymides i Phintias . Grupa ta, rozpoznana i zdefiniowana przez dwudziestowieczną naukę, eksperymentowała z różnymi możliwościami nowego stylu. Pojawiały się więc postacie w nowych perspektywach, takich jak widoki z przodu lub z tyłu, eksperymentowano ze skrótami perspektywicznymi i bardziej dynamicznymi kompozycjami. Jako innowację techniczną Euphronios wprowadził „linię odciążającą”. W tym samym czasie wynaleziono nowe kształty wazonów , czemu sprzyjał fakt, że wielu pionierów grupy malarzy pracowało również jako garncarze.

Nowe kształty to psykter i pelike . W tym czasie popularne stały się wielkie krater i amfory . Choć nic nie wskazuje na to, by malarze pojmowali siebie jako grupę tak jak współczesna nauka, istniały pewne powiązania i wzajemne wpływy, być może w atmosferze przyjacielskiej rywalizacji i zachęty. Tak więc na wazie Euthymidesa widnieje napis „jak Euphronios nigdy [nie byłby w stanie]” . Ogólnie rzecz biorąc, grupa pionierów miała tendencję do używania napisów. Etykietowanie postaci mitologicznych lub dodawanie inskrypcji Kalos jest raczej regułą niż wyjątkiem.

Oprócz malarzy wazowych, w nowym stylu posługiwali się także malarze misowi. Należą do nich Oltos i Epiktetos . Wiele z ich prac było dwujęzycznych, często z wykorzystaniem czerwonej figury tylko na wnętrzu misy.

późno archaiczny

Młodzież wykonująca libację , wnętrze miski Makrona , ok. 480 pne. Paryż : Luwr

Pokolenie artystów po pionierach, działające w okresie późnego archaizmu ( ok. 500-470 pne) przyniosło nowy rozkwit stylowi. W tym czasie wazony z czarnymi figurami nie osiągnęły tej samej jakości i ostatecznie zostały wycofane z rynku. Do tego pokolenia należą jedni z najsłynniejszych malarzy waz attyckich. Obejmują one Berlin Painter , z Kleophrades Painter , a wśród malarzy miski Onesimos , Douris , Makron i Brygos malarskie . Poprawie jakości towarzyszyło podwojenie produkcji w tym okresie. Ateny stały się dominującym producentem szlachetnej ceramiki w świecie śródziemnomorskim , przysłaniając prawie wszystkie inne ośrodki produkcyjne.

Jedną z kluczowych cech tego najbardziej udanego stylu malowania waz attyckich jest opanowanie skrótu perspektywicznego, pozwalającego na znacznie bardziej naturalistyczne przedstawienie postaci i działań. Inną cechą charakterystyczną jest drastyczne zmniejszenie liczby figur na naczyniu, detali anatomicznych i zdobniczych dekoracji. Natomiast repertuar przedstawianych scen został powiększony. Na przykład w tym czasie bardzo popularne stały się mity otaczające Tezeusza . Często stosowano nowe lub zmodyfikowane kształty waz, w tym amforę Nolan (patrz Typologia greckich kształtów waz ), lekythoi , a także miski typu askos i dinos . Wzrosła specjalizacja w osobnych malarzach wazowych i misowych.

Wczesna i wysoka klasyka

Amfora na szyję autorstwa Providence Painter , młodego mężczyzny wymachującego mieczem, około 470 pne. Paryż : Luwr

Kluczową cechą wczesnych klasycznych figur jest to, że często są one nieco mniej dynamiczny i masywniejszego niż ich poprzednicy. W efekcie przedstawienia nabrały powagi, a nawet patosu . Fałdy odzieży były przedstawione mniej linearnie, przez co wydawały się bardziej plastyczne. Istotnie zmienił się również sposób przedstawiania scen. Po pierwsze, obrazy przestały skupiać się na momencie konkretnego zdarzenia, ale z dramatycznym napięciem ukazywały sytuację bezpośrednio przed akcją, implikując i kontekstualizując właściwe zdarzenie. Również niektóre inne nowe osiągnięcia ateńskiej demokracji zaczęły wykazywać wpływ na malowanie waz. W ten sposób można wykryć wpływy tragedii i malarstwa ściennego . Ponieważ greckie malarstwo ścienne jest dziś niemal całkowicie zaginione, jego refleksja nad wazami stanowi jedno z nielicznych, choć skromnych, źródeł informacji o tym gatunku sztuki.

Edyp i sfinks , amfora Nolan autorstwa malarza Achillesa , około 440/430 pne. Monachium : Staatliche Antikensammlungen

Inne wpływy na malarstwo wazowe w stylu klasycystycznym to nowo wzniesiony Partenon i jego dekoracja rzeźbiarska . Jest to szczególnie widoczne w przedstawieniu szat; materiał opada teraz bardziej naturalnie i przedstawiono więcej fałd, co prowadzi do zwiększonej „głębokości” przedstawienia. Całość kompozycji została jeszcze bardziej uproszczona. Artyści położyli szczególny nacisk na symetrię , harmonię i równowagę . Postacie ludzkie powróciły do ​​swojej wcześniejszej smukłości; często promieniują pochłoniętym sobą, boskim spokojem.

Ta amfora namalowana przez Niobid Malarz jest przykładem jego zamiłowania do zrównoważonych i harmonijnych kompozycji. Walters Art Museum , Baltimore .

Do ważnych malarzy tego okresu, około 480-425 pne, należą malarz opatrznościowy , Hermonax i malarz Achillesa , wszyscy podążający za tradycją malarza berlińskiego. Nie bez znaczenia jest również malarz Phiale , prawdopodobnie uczeń malarza Achillesa. Rozwinęły się również nowe tradycje warsztatowe. Godnymi uwagi przykładami są tak zwani " manieriści ", najsłynniejszy wśród nich Pan Malarz . Inna tradycja została zapoczątkowana przez Malarz Niobidów i kontynuowane przez Polygnotos , w Kleophon Painter , a Dinos Painter . Zmniejszyła się rola mis, choć nadal były one produkowane w dużych ilościach, m.in. przez warsztat malarza pentezylejskiego .

Późna klasyka

Hydria , nazwa wazon z Meidias Painter . Górny rejestr przedstawia porwanie Leucippidae przez Dioscuri , dolny przedstawia Heraklesa w ogrodzie Hesperydów i grupę lokalnych bohaterów attyckich. Około 420/400 pne. Londyn : Muzeum Brytyjskie .
Erotyczne sceny na oinochoe przez Szuwałow Malarz , circa 430 BC. Berlin : Altes Museum .

W okresie późnoklasycznym, w ostatniej ćwierci V wieku, powstały dwa przeciwstawne nurty. Z jednej strony rozwinął się styl malarstwa wazowego silnie inspirowany „bogatym stylem” rzeźbiarskim, z drugiej strony niektóre warsztaty kontynuowały rozwój epoki klasycznej, kładąc większy nacisk na przedstawianie emocji i zakres scen erotycznych. Najważniejszym przedstawicielem Stylu Bogatego jest Malarz Meidias . Cechami charakterystycznymi są przeźroczyste szaty i liczne fałdy materiału. Wzrosło również przedstawienie biżuterii i innych przedmiotów. Bardzo efektowne jest zastosowanie kolorów dodatkowych, głównie bieli i złota, przedstawiających dodatki w płaskorzeźbie. Z biegiem czasu następuje wyraźne „zmiękczenie”: męskie ciało, do tej pory definiowane przez przedstawienie mięśni, stopniowo traciło tę kluczową cechę.

Cassandra i Hector na kantharos przez malarza Eretria , około 425/20 pne. Gravina w Apulii : Museo Pomarici-Santomasi.

Malowidła rzadziej niż wcześniej przedstawiały sceny mitologiczne. Coraz większego znaczenia nabierały wizerunki świata prywatnego i domowego. Szczególnie częste są sceny z życia kobiet. W scenach mitologicznych dominują wizerunki Dionizosa i Afrodyty . Nie jest jasne, co spowodowało tę zmianę przedstawianego tematu u niektórych artystów. Sugestie obejmują kontekst z okropnościami wojny peloponeskiej , ale także utratę dominującej roli Aten w handlu ceramiką śródziemnomorską (częściowo w wyniku wojny). Rosnąca rola nowych rynków, np. Iberia , pociągała za sobą nowe potrzeby i życzenia ze strony klientów. Tym teoriom przeczy fakt, że niektórzy artyści zachowali wcześniejszy styl. Niektórzy, np. Malarz Eretria , próbowali połączyć obie tradycje. Najlepsze dzieła z okresu późnego klasycyzmu znajdują się często na mniejszych naczyniach, takich jak brzuszne lekythoi , pyksydy i oinochai . Popularne były również Lekanis , Bell krater (patrz Typologia greckich kształtów waz ) i hydria .

Produkcja ceramiki czerwonofigurowej głównego nurtu ustała około 360 p.n.e. Do tego czasu istniały style Rich i Simple. Późni przedstawiciele to Meleager Painter (styl bogaty) i Jena Painter (styl prosty).

Styl Kercz

Ostatnie dekady malarstwa attyckiego – wazonowego z figurami są zdominowane przez styl kerczeński . Styl ten, obecny między 370 a 330 rpne, łączył poprzedzający go styl bogaty i skromny, z przewagą stylu bogatego. Typowe są zatłoczone kompozycje z dużymi posągowymi postaciami. Dodane kolory to teraz niebieski, zielony i inne. Objętość i cieniowanie są wskazywane przez użycie rozcieńczonej rzadkiej błyszczącej glinki. Niekiedy całe figury dodawane są w formie aplikacji, czyli cienkich płaskorzeźb figuralnych przyczepionych do korpusu wazonu. Znacznie zmniejszono różnorodność używanych kształtów naczyń. Wspólna malowane kształty obejmują pelike , kielich Krater , brzuch lekyt , skyfos , hydria i oinochoe . Sceny z życia kobiet są bardzo częste. Wątki mitologiczne są nadal zdominowane przez Dionizosa ; Ariadna i Herakles to najczęściej przedstawiani bohaterowie. Najbardziej znanym malarzem tego stylu jest Marsjasz Malarz .

Ostatnie ateńskie wazy z przedstawieniami figuralnymi powstały najpóźniej około 320 roku p.n.e. Styl utrzymał się nieco dłużej, ale z dekoracjami niefiguralnymi. Ostatnimi uznanymi przykładami są malarze znani jako Grupa YZ .

Artyści i dzieła

Podpisanie przez garncarza Amazisa w sprawie Olpe , circa 550/30 pne. Paryż : Luwr

Kerameikos była czwarta Potterów Aten. Zawierała różne małe warsztaty i prawdopodobnie kilka większych. W 1852 r. podczas działalności budowlanej przy ulicy Ermou odkryto warsztat malarza z Jeny . Jej artefakty znajdują się obecnie w zbiorach uniwersyteckich Uniwersytetu Fryderyka Schillera w Jenie . Według współczesnych badań warsztaty należały do ​​garncarzy. Nazwiska około 40 attyckich malarzy waz są znane z inskrypcji na wazach, którym zwykle towarzyszą słowa ἐγραψεν (égrapsen, malował). Natomiast sygnatura garncarza, ἐποίησεν (epoíesen, wykonał) zachowała się na ponad dwukrotnie większej liczbie, a mianowicie około 100 garnkach (obie liczby odnoszą się do całości attyckiego malarstwa figuralnego wazowego). Chociaż podpisy były znane od ok. 580 pne (pierwszy znany podpis garncarza Sophilosa ), ich użycie wzrosło do szczytu wokół fazy pionierskiej. Zmieniający się, najwyraźniej coraz bardziej negatywny stosunek do rzemieślników, doprowadził do redukcji podpisów, począwszy od okresu klasycznego najpóźniej. Ogólnie podpisy są dość rzadkie. Fakt, że najczęściej znajdują się na szczególnie dobrych dziełach wskazuje, że wyrażały dumę garncarza i/lub malarza.

Status malarzy w stosunku do garncarzy pozostaje nieco niejasny. Fakt, że np. Eufroniusz mógł pracować zarówno jako malarz, jak i garncarz, sugeruje, że przynajmniej część malarzy nie była niewolnikami . Z drugiej strony niektóre znane nazwiska wskazują, że wśród malarzy byli przynajmniej byli niewolnicy i niektórzy periojkowie . Dodatkowo niektóre nazwiska nie są unikalne: na przykład kilku malarzy sygnowanych jako Polygnotos . Może to oznaczać próby skorzystania z nazwiska tego wielkiego malarza. Tak samo może być w przypadku, gdy malarze noszą znane skądinąd nazwiska, jak Arystofanes (malarz waz) . Kariera niektórych malarzy waz jest dość dobrze znana. Oprócz malarzy o stosunkowo krótkich okresach działalności (jedna lub dwie dekady), niektórych można tropić znacznie dłużej. Przykłady obejmują Douris , Makron , Hermonax i Malarz Achillesa . Fakt, że kilku malarzy później zostało garncarzami, oraz stosunkowo częste przypadki, w których nie jest jasne, czy niektórzy garncarze byli również malarzami, czy odwrotnie , sugerują strukturę kariery, być może rozpoczynającą się od stażu polegającego głównie na malarstwie, a kończącego się na byciu garncarzem.

Tondo z kylix z palestry sceny i podpisem Epiktetos , circa 520/10 pne. Paryż : Luwr .

Wydaje się, że ten podział prac rozwinął się wraz z wprowadzeniem malarstwa czerwonofigurowego, ponieważ wielu malarzy garncarzy jest znanych z okresu czarnych postaci (w tym Exekias , Nearchos i być może malarz Amasis ). Zwiększony popyt na eksport doprowadziłby do powstania nowych struktur produkcji, zachęcając do specjalizacji i podziału pracy, prowadząc do niekiedy niejednoznacznego rozróżnienia między malarzem a garncarzem. Jak wspomniano powyżej, malowaniem naczyń prawdopodobnie zajmowali się głównie młodsi pomocnicy lub uczniowie. Można zasugerować dalsze wnioski dotyczące organizacyjnych aspektów produkcji ceramiki. Wydaje się, że generalnie kilku malarzy pracowało dla jednego warsztatu garncarskiego, o czym świadczy fakt, że często kilka mniej więcej współczesnych garnków tego samego garncarza jest malowanych przez różnych malarzy. Do przykładów, garnki wykonane przez Euphronios okazały się być namalowany przez Onesimos , Douris , z antyfony Painter , z Triptolemos Malarz i Pistoxenos Painter . I odwrotnie, pojedynczy malarz może również zmieniać warsztaty. Na przykład malarz miskowy Oltos pracował dla co najmniej sześciu różnych garncarzy.

Chociaż z nowoczesnej perspektywy malarze waz są często uważani za artystów, a ich wazy za dzieła sztuki , to pogląd ten nie jest spójny z starożytnym. Malarze waz, podobnie jak garncarze, uważani byli za rzemieślników, a ich wytwory jako towary handlowe. Rzemieślnicy musieli mieć dość wysoki poziom wykształcenia, bo pojawiają się różne inskrypcje. Z jednej strony wspomniane inskrypcje Kalos są powszechne, z drugiej zaś napisy często oznaczają przedstawiane postacie. O tym, że nie każdy malarz waz potrafiłby napisać, świadczą przykłady bezsensownych rzędów przypadkowych liter. Wazony wskazują na stałą poprawę umiejętności czytania i pisania od VI wieku p.n.e. Do tej pory nie wyjaśniono dostatecznie, czy garncarze, a może i malarze waz należeli do elity attyckiej . Czy częste przedstawianie sympozjum , określonej działalności klasy wyższej, odzwierciedla osobiste doświadczenia malarzy, ich aspiracje do uczestnictwa w takich wydarzeniach, czy po prostu wymagania rynku? Duża część malowanych wazonów, takich jak psykter , krater , kalpis , stamnos , a także kylikes i kantharoi , była wytwarzana i kupowana na sympozja.

Inskrypcja Kalos na naczyniu w kształcie podwójnej głowy, namalowana przez artystę klasy Epilykos , być może Skythes , około 520/10 pne. Paryż : Luwr .

Misternie malowane wazony były dobrymi, ale nie najlepszymi zastawami stołowymi dostępnymi dla Greka. Dużym szacunkiem cieszyły się naczynia metalowe, zwłaszcza z metali szlachetnych. Jednak malowane wazony nie były produktami tanimi; zwłaszcza większe okazy były drogie. Około 500 rpne duży malowany wazon kosztował około jednej drachmy , co odpowiada dziennej pensji kamieniarza. Sugerowano, że malowane wazony stanowią próbę imitacji naczyń metalowych. Zwykle zakłada się, że niższe klasy społeczne miały tendencję do używania prostych, nieozdabianych, grubych towarów, których ogromne ilości znajdują się w wykopaliskach . Zastawy stołowe wykonane z łatwo psujących się materiałów, takich jak drewno, mogły być jeszcze bardziej rozpowszechnione. Jednak liczne znaleziska czerwonofigurowych wazonów, zwykle nienajwyższej jakości, znajdowane w osadach, świadczą o tym, że takie naczynia były używane w życiu codziennym. Dużą część produkcji zajmowały naczynia kultowe i grobowe. W każdym razie można założyć, że produkcja wysokiej jakości ceramiki była dochodowym biznesem. Na przykład na ateńskim Akropolu znaleziono kosztowny dar wotywny od malarza Euphroniosa . Nie ma wątpliwości, że eksport takiej ceramiki w istotny sposób przyczynił się do zamożności Aten. Nic dziwnego, że wydaje się, że wiele warsztatów ukierunkowało swoją produkcję na rynki eksportowe, na przykład wytwarzając kształty statków, które były bardziej popularne w regionie docelowym niż w Atenach. Upadek malarstwa attyckiego w IV wieku p.n.e. zbiega się wymownie z okresem, w którym Etruskowie , prawdopodobnie główny zachodni rynek eksportowy, znaleźli się pod rosnącą presją ze strony południowowłoskich Greków i Rzymian . Kolejnym powodem zakończenia produkcji waz zdobionych figuralnie jest zmiana gustów na początku okresu hellenistycznego . Główny powód należy jednak upatrywać w coraz bardziej nieudanym postępie wojny peloponeskiej, której kulminacją była miażdżąca klęska Aten w 404 p.n.e. Po tym Sparta kontrolowała handel zachodni, aczkolwiek nie mając siły ekonomicznej, aby w pełni go wykorzystać. Garncarze attyccy musieli znaleźć nowe rynki zbytu; zrobili to w rejonie Morza Czarnego . Ale Ateny i ich przemysł nigdy w pełni nie podniosły się po klęsce. Niektórzy garncarze i malarze już w czasie wojny przenieśli się do Włoch w poszukiwaniu lepszych warunków ekonomicznych. Kluczowym wskaźnikiem zorientowanego na eksport charakteru produkcji waz Attic jest prawie całkowity brak scen teatralnych. Kupujący z innych środowisk kulturowych, takich jak Etruskowie lub późniejsi klienci na Półwyspie Iberyjskim , uznaliby takie przedstawienie za niezrozumiałe lub nieciekawe. W południowowłoskim malarstwie wazowym, które w większości nie było nastawione na eksport, takie sceny są dość powszechne.

Południowe Włochy

Przynajmniej z nowoczesnego punktu widzenia, południowowłoskie, czerwonofigurowe obrazy wazowe stanowią jedyny region produkcji, który osiąga attyckie standardy jakości artystycznej. Po wazonach attyckich najdokładniej zbadane są wazony z południowych Włoch (w tym z Sycylii ). W przeciwieństwie do swoich poddaszowych odpowiedników, produkowano je głównie na rynki lokalne. Poza południowymi Włochami i Sycylią znaleziono tylko kilka egzemplarzy. Pierwsze warsztaty założyli w połowie V wieku p.n.e. garncarze attyccy. Wkrótce przeszkolono miejscowych rzemieślników i przezwyciężono tematyczne i formalne uzależnienie od waz attyckich. Pod koniec stulecia w Apulii rozwinął się charakterystyczny „styl ozdobny” i „styl prosty” . Zwłaszcza ozdobny styl został przyjęty przez inne szkoły kontynentalne, ale bez osiągnięcia tej samej jakości.

Do tej pory znanych jest 21 000 południowych wazonów i fragmentów. Spośród nich 11 000 przypisuje się warsztatom apulijskim, 4 000 warsztatom kampanskim, 2 000 Paestanowi, 1500 lukańskim i 1000 sycylijskim.

Apulia

Skyphos z wizerunkiem kobiecej głowy, autorstwa Armidale Painter , ok. 340 rpne. Berlin : Altes Museum

Apulii wazon malowanie tradycja jest uważany za czołowego włoskiego stylu Południowej. Główny ośrodek produkcji znajdował się w Taras . Apulijskie wazony z czerwonymi figurami były produkowane od około 430 do 300 lat p.n.e. Wyróżnia się proste i ozdobne style. Główną różnicą pomiędzy nimi jest to, że zwykły styl preferowane dzwon kratery , kolumna kratery i mniejszych jednostek, a jeden „zwykły” statek rzadko przedstawiono więcej niż cztery liczby. Głównymi tematami były sceny mitologiczne, głowy kobiet, wojownicy w scenach walki pożegnania oraz dionizyjskie obrazy thiasos . Rewers często przedstawiał młodzież w pelerynach. Kluczową cechą tych prosto zdobionych wyrobów jest ogólny brak dodatkowych kolorów. Ważnymi przedstawicielami stylu prostego są malarz syzyfowy i malarz tarporley . Po połowie IV wieku p.n.e. styl ten coraz bardziej upodabnia się do stylu ozdobnego. Ważnym artystą tego okresu jest Varrese Painter .

Artyści posługujący się ozdobnym stylem skłaniali się ku dużym naczyniom, takim jak kratery wolutowe , amfory , loutrophoroi i hydriai . Większa powierzchnia została wykorzystana do przedstawienia do 20 postaci, często w kilku rejestrach na korpusie wazonu. Obficie stosowane są kolory dodatkowe, zwłaszcza odcienie czerwieni, żółto-złotego i białego. Od drugiej połowy IV wieku szyje i boki waz zdobione są bogatą dekoracją roślinną lub ornamentalną. Jednocześnie rozwijają się widoki perspektywiczne, zwłaszcza budowli takich jak „Pałac Hadesu ” ( naiskoi ). Od 360 roku p.n.e. takie budowle często przedstawiane są w scenach związanych z obrzędami pogrzebowymi ( wazony naiskos ). Ważnymi przedstawicielami tego stylu są na Ilioupersis Painter , z Darius Painter i Baltimore Painter . Szczególnie popularne były sceny mitologiczne: zgromadzenie bogów, amazonomachia , wojna trojańska , Herakles i Bellerophon . Ponadto takie wazony często przedstawiają sceny z mitów, które rzadko są ilustrowane na wazach. Niektóre okazy stanowią jedyne źródło ikonografii konkretnego mitu. Innym tematem nieznanym w malarstwie waz attyckich są sceny teatralne. Zwłaszcza sceny farsowe , np. z tak zwanych waz fliaksowych, są dość powszechne. Sceny aktywności sportowej czy życia codziennego występują dopiero we wczesnej fazie, znikają całkowicie po 370 roku p.n.e.

Apulijskie malowanie waz miało kształtujący wpływ na tradycje innych ośrodków produkcyjnych w południowych Włoszech. Przypuszcza się, że poszczególni artyści apulijscy osiedlili się w innych włoskich miastach i tam wnieśli swoje umiejętności. Oprócz czerwonej figury Apulia produkowała również wazony lakierowane na czarno z malowanym dekorem (wazony Gnathia) oraz wazony polichromowane (wazony Canosa).

Kampania

Medea zabija jedno ze swoich dzieci, amfora na szyję autorstwa Ixion Painter , ok. 330 p.n.e. Paryż : Luwr .

Kampania produkowała również wazony z czerwonymi figurami w V i IV wieku p.n.e. Jasnobrązowa glina Kampanii została pokryta warstwą, która po wypaleniu nabrała różowego lub czerwonego odcienia. Malarze kampanijscy preferowali mniejsze typy naczyń, ale także hydriaje i kratery dzwonowe . Najpopularniejszym kształtem jest amfora z dziobową rączką. Wiele typowe kształty naczyń Apulii, jak spiralnośrubowych kratery , kolumna kratery , loutrophoroi , rhyta i nestoris amfor nieobecności pelikes są rzadkie. Repertuar motywów jest ograniczony. Tematy obejmują młodzież, kobiety, sceny thiasos, ptaki i zwierzęta, a często rdzenni wojownicy. Na plecach często widać zakapturzonych młodzieńców. Sceny mitologiczne i przedstawienia związane z obrzędami pogrzebowymi pełnią rolę pomocniczą. Sceny Naiskos , elementy zdobnicze i polichromie zostały przyjęte po 340 rpne pod wpływem Lucan.

Przed emigracją garncarzy sycylijskich w drugiej ćwierci IV wieku p.n.e., kiedy w Kampanii powstało kilka warsztatów, znany jest jedynie Warsztat Sowich Słupów z drugiej połowy V wieku. Malowanie waz kampańskich dzieli się na trzy główne grupy:

Pierwszą grupę reprezentuje malarz Kassandra z Kapui , wciąż pozostający pod wpływem sycylijskim. Został następnie pracowni Parrish Malarz i że z Laghetto Malarz i Caivano Painter . Ich twórczość charakteryzuje się upodobaniem do postaci satyrów z tyrsos , przedstawieniami głów (zwykle poniżej rączek hydrii ), ozdobnymi lamówkami szat oraz częstym stosowaniem dodatkowo bieli, czerwieni i żółci. Wydaje się, że malarze Laghetto i Caivano przenieśli się później do Paestum .

AV Grupa miała również swój warsztat w Kapui. Szczególne znaczenie ma Whiteface-Frignano Painter , jeden z pierwszych w tej grupie. Jego charakterystyczną cechą jest stosowanie dodatkowej białej farby do przedstawiania twarzy kobiet. Ta grupa faworyzowała sceny domowe, kobiety i wojowników. Rzadko zdarzają się liczne figurki, zwykle z przodu iz tyłu wazonu jest tylko jedna figura, czasem tylko głowa. Ubrania są zwykle rysowane niedbale.

Po roku 350 pne malarz CA i jego następcy pracowali w Kumach . Malarz CA uważany jest za wybitnego artystę swojej grupy, a nawet całego kampanijskiego malarstwa wazowego. Od 330 r. widoczne są silne wpływy apulijskie. Najczęstszymi motywami są naiskos i sceny nagrobne, sceny dionizyjskie i sympozja. Popularne są również wizerunki wysadzanych klejnotami głów kobiecych. Malarz CA był polichromowany, ale w architekturze i postaciach kobiecych używał dużo bieli. Jego następcy nie byli w stanie w pełni utrzymać jego jakości, co doprowadziło do szybkiego upadku, kończącego się wraz z końcem malarstwa kampańskiego około 300 pne.

Hermes ściga kobietę, krater dzwonów przez malarza Dolon , około 390/80 pne. Paryż : Luwr .

Lucania

Lucanian wazon malowanie tradycja rozpoczęła się około 430 pne, z dzieł Pisticci Painter . Prawdopodobnie działał w Pisticci , gdzie odkryto niektóre z jego dzieł. Był pod silnym wpływem tradycji attyckiej. Jego następcy, Malarz Amycus i Malarz Cyklopów mieli warsztaty w Metapontum . Jako pierwsi namalowali nowy typ wazonu nestoris (patrz Typologia greckich kształtów waz). Powszechne są sceny mityczne lub teatralne. Na przykład malarz Cheophoroi , nazwany na cześć Cheophoroi przez Ajschylosa, pokazał sceny z omawianej tragedii na kilku swoich wazonach. Jednocześnie z grubsza namacalny staje się wpływ apulijskiego malarstwa wazowego. Zwłaszcza polichromia i wystrój roślinny stały się standardem. Ważnymi przedstawicielami tego stylu są malarz Dolon i malarz Brooklyn-Budapeszt . W połowie IV wieku p.n.e. zauważalny staje się ogromny spadek jakości i różnorodności tematycznej. Ostatnim godnym uwagi Lucanian malarzem waz był Primato Painter , będący pod silnym wpływem apulijskiego malarza Lycourgos . Po nim, po krótkim, szybkim upadku następuje zaprzestanie malowania waz Lucan na początku ostatniej ćwierci IV wieku p.n.e.

Paestum

Krater kielichowy ze sceną fliaksu autorstwa malarza Asteasa , około 350/40 pne. Berlin : Altes Museum .

Paestan wazon malowanie styl opracowany jako ostatni ze stylów Południowa włoskich. Został założony przez sycylijskich imigrantów około 360 pne. pierwszy warsztat był kontrolowany przez Asteas i Pythona . Są jedynymi południowowłoskimi malarzami wazowymi znanymi z inskrypcji. Malowali głównie kratery dzwonowe , amfory szyjne, hydriai , lebes gamikos , lekanes , lekythoi i dzbanki, rzadziej pelikes , kratery kielichowe i kratery wolutowe . Charakterystyczne są ozdoby, takie jak boczne palmety, wzór wąsów z kielichem i baldachem zwany „kwiatem asteas”, przypominające krenelaż wzory na szatach i kręcone włosy zwisające z tyłu postaci. Równie powszechne są postacie pochylające się do przodu, spoczywające na roślinach lub skałach. Często używane są kolory specjalne, zwłaszcza biały, złoty, czarny, fioletowy i odcienie czerwieni.

Orestes w Delphi , Krater przez Python , circa 330 BC. Londyn : Muzeum Brytyjskie .

Przedstawione tematy często należą do cyklu dionizyjskiego: sceny thiasos i sympozjów, satyry, menady , Silenos , Orestes , Elektra , bogowie Afrodyta i Eros , Apollo , Atena i Hermes . Malarstwo Paestańskie rzadko przedstawia sceny domowe, ale faworyzuje zwierzęta. Asteas i Python miały duży wpływ na malowanie waz Paestum. Widać to wyraźnie w pracy malarza Afrodyty , który prawdopodobnie wyemigrował z Apulii. Około roku 330 p.n.e. rozwinął się drugi warsztat, pierwotnie po pracach pierwszego. Szybko pogarszała się jakość malarstwa i różnorodność motywów. Jednocześnie zauważalny jest wpływ kampanskiego malarza Caivano , ubiory układają się w linearny sposób i pojawiają się bezkonturowe postacie kobiece. Około 300 pne malowanie waz z Paestanu zostało wstrzymane.

Sycylia

Phlyax scena na Krater z Lentini - Manfria Grupa : niewolnik w krótkim chiton , circa 350/40 BC. Paryż : Luwr .

Produkcja sycylijskiej wazonie malarstwa rozpoczął się przed końcem 5 wieku pne, w poleis z Himery i Syracusae . Pod względem stylistyki, tematyki, zdobnictwa i kształtów wazonów warsztaty były silnie inspirowane tradycją attycką, zwłaszcza późnoklasycystycznym malarzem Meidias . W drugiej ćwierci IV wieku sycylijscy malarze waz wyemigrowali do Kampanii i Paestum, gdzie wprowadzili czerwonofigurowe malowanie waz. Tylko Syrakuzy zachowały ograniczoną produkcję.

Typowy styl sycylijski rozwinął się dopiero około 340 rpne. Można wyróżnić trzy grupy warsztatów. Pierwsza, znana jako Grupa Lentini-Manfria , była aktywna w Syrakuzach i Gela , druga, tworząc Centuripe Ware wokół góry Aetna , a trzecia na Lipari . Najbardziej typową cechą sycylijskiego malarstwa wazowego jest stosowanie dodatkowych kolorów, zwłaszcza bieli. We wczesnej fazie malowano duże naczynia, takie jak kratery kielichowe i hydriaje , ale bardziej typowe są naczynia mniejsze, takie jak kolby, lekanes , lekythoi i piksydy skyfoidalne . Najczęstsze motywy to sceny z życia kobiecego, erotyki , kobiece głowy i sceny fliax . Sceny mitologiczne są rzadkie. Podobnie jak we wszystkich innych dziedzinach, malarstwo wazowe znika z Sycylii około 300 roku p.n.e.

Etruria i inne regiony

Artemida w rydwanie , Kantharos przez malarza Wielkich Aten Kantharos, ok. 450/425 pne.

W przeciwieństwie do czarnofigurowego malarstwa wazowego, czerwonofigurowe malowanie waz rozwinęło kilka regionalnych tradycji, warsztatów czy „szkół” poza Attyką i południowymi Włochami. Nieliczne wyjątki obejmują niektóre warsztaty w Beocji ( Malarz Wielkiego Aten Kantharos ), Chalkidike , Elis , Eretria , Koryncie i Lakonii .

Tylko Etruria , jeden z głównych rynków eksportowych wazonów strychowych, rozwinęła własne szkoły i warsztaty, ostatecznie eksportując własne produkty. Przyjęcie malarstwa czerwonofigurowego, naśladującego wazy ateńskie, nastąpiło dopiero po 490 roku p.n.e., pół wieku po wypracowaniu stylu. Ze względu na zastosowaną technikę najwcześniejsze przykłady znane są jako obrazy pseudo-czerwono-figurowych wazonów. Prawdziwa technika czerwonofigurowa została wprowadzona znacznie później, pod koniec V wieku p.n.e. Kilku malarzy, warsztatów i zakładów produkcyjnych jest znanych z obu stylów. Ich wyroby były wykorzystywane nie tylko lokalnie, ale także eksportowane na Maltę , Kartaginę , Rzym i Ligurię .

Pseudo-czerwono-figurowe malowanie wazonów

Wczesne przykłady etruriańskie naśladowały jedynie technikę czerwonofigurową. Podobnie jak w rzadkiej i wczesnej technice attyckiej (patrz technika Six ), całe naczynie pokryto czarną błyszczącą gliną, a następnie nałożono figury przy użyciu farb mineralnych, które utleniały czerwień lub biel. Tak więc, w przeciwieństwie do współczesnego malarstwa attyckiego, kolor czerwony nie został osiągnięty poprzez pozostawienie obszarów niepomalowanych, ale poprzez dodanie farby do czarnej warstwy podkładowej. Podobnie jak w wazonach czarnofigurowych, detale wewnętrzne nie zostały namalowane, lecz nacięte na postacie. Ważnymi przedstawicielami tego stylu są Praxias Painter i inni mistrzowie z jego warsztatu w Vulci . Pomimo ewidentnej dobrej znajomości mitu greckiego i ikonografii, nie ma dowodów na to, że malarze ci wyemigrowali z Attyki. Wyjątkiem może być Praxia Painter, gdyż grecki napis na czterech jego wazach może wskazywać, że pochodził z Grecji.

W Etrurii styl pseudo-czerwonofigurowy nie był tylko fenomenem najwcześniejszych faz, jak to było w Attyce. Zwłaszcza w IV wieku niektóre warsztaty specjalizowały się w tej technice, chociaż prawdziwe malowanie czerwonofigurowe było w tym samym czasie szeroko rozpowszechnione wśród warsztatów etruriańskich. Godne uwagi warsztaty obejmują Sokra Group i Phantom Group . Grupa Sokra, nieco starsza, preferowała misy z dekoracją wnętrz o motywach mitycznych greckich, ale także w niektórych motywach etruskich. Grupa widmowa malowała głównie postacie zamaskowane połączone z ornamentem roślinnym lub palmetowym. Podejrzewa się, że warsztaty obu grup znajdowały się w Caere , Falerii i Tarquinia . Grupa Phantom produkowała do początku III wieku p.n.e. Podobnie jak wszędzie, zmieniające się gusta klientów doprowadziły ostatecznie do końca tego stylu.

Czerwono-figurowe malowanie wazonów

Atena i Posejdon na kraterze wolutowym autorstwa malarza Nazzano , około 360 pne. Paryż : Luwr .

Prawdziwe malowanie waz z postaciami w kolorze czerwonym, tj. wazony, w których czerwone obszary pozostały niepomalowane, zostały wprowadzone do Etrurii pod koniec V wieku p.n.e. Pierwsze warsztaty powstały w Vulci i Falerii i powstały również dla okolicznych obszarów. Prawdopodobnie za tymi wczesnymi warsztatami stali mistrzowie attyccy, ale widoczne są również wpływy południowych Włoch . Warsztaty te zdominowały rynek etruski w IV wieku p.n.e. Duże i średnie naczynia, takie jak kratery i dzbanki, zdobiły głównie sceny mitologiczne. W IV wieku produkcja Falerian zaczęła przyćmiewać produkcję Vulci. Powstały nowe centra produkcyjne w Chiusi i Orvieto . Szczególnie ważna stała się Grupa Tondo z Chiusi, produkująca głównie naczynia do picia z wewnętrznymi przedstawieniami scen dionizyjskich. W drugiej połowie wieku Volterra stała się głównym ośrodkiem. Tutaj produkowano zwłaszcza kratery z rączką prętową i, zwłaszcza we wczesnych fazach, starannie malowano.

W drugiej połowie IV wieku p.n.e. motywy mitologiczne zniknęły z repertuaru malarzy etruskich. Zostały one zastąpione kobiecymi głowami i scenami do dwóch postaci. Zamiast przedstawień figuralnych korpusy naczyń pokrywały ornamenty i motywy roślinne. Duże kompozycje figuralne, jak ta na kraterze przez malarza Den Haag Funnel Group, były produkowane wyjątkowo. Pierwotnie produkcja na dużą skalę w Falerii straciła swoją dominującą rolę na rzecz centrum produkcyjnego w Caere, które prawdopodobnie zostało założone przez malarzy falerskich i nie można powiedzieć, że reprezentuje odrębną tradycję. Standardowy repertuar warsztatów Caere obejmował po prostu malowane oinochoai , lekythoi i miski do picia Grupy Torcop oraz talerze Grupy Genucuilia . Przejście na produkcję waz z czarnej glazury pod koniec IV wieku, prawdopodobnie jako reakcja na zmieniające się gusta czasu, oznaczało koniec etruriańskiego malarstwa waz czerwonofigurowych.

Badania i recepcja

Wiadomo, że przetrwało około 65 000 waz z czerwonymi figurami i fragmentów waz. Studia nad starożytną ceramiką i greckim malarstwem wazowym rozpoczęły się już w średniowieczu . Restoro d'Arezzo poświęcił rozdział ( Capitolo de le vasa antiche ) swojego opisu świata starożytnym wazom. Uważał zwłaszcza naczynia gliniane za doskonałe pod względem kształtu, koloru i stylu artystycznego. Niemniej jednak początkowo uwaga skupiła się na wazach w ogóle, a może zwłaszcza na wazach kamiennych. Pierwsze kolekcje antycznych waz, w tym niektóre naczynia malowane, powstały w okresie renesansu . Wiemy nawet o pewnym imporcie z Grecji do Włoch w tym czasie. Jednak do końca epoki baroku malarstwo wazonowe pozostawało w cieniu innych gatunków, zwłaszcza rzeźby . Rzadkim wyjątkiem przedklasycystycznym jest księga akwarel przedstawiająca figuralne wazony, która została wykonana dla Nicolasa-Claude'a Fabri de Peiresc . Podobnie jak niektórzy z jego współczesnych kolekcjonerów, Peiresc posiadał kilka glinianych waz.

Od okresu klasycyzmu coraz częściej zbierano naczynia ceramiczne. Na przykład Sir William Hamilton i Giuseppe Valletta mieli kolekcje wazonów. Wazony znalezione we Włoszech były stosunkowo niedrogie, dzięki czemu nawet osoby prywatne mogły gromadzić ważne kolekcje. Wazony były popularną pamiątką dla młodych Europejczyków z Północnego Zachodu, którą przywieźli do domu z Grand Tour . W pamiętnikach swojej podróży do Włoch Goethe odwołuje się do pokusy zakupu antycznych waz. Ci, których nie było stać na oryginały, mieli możliwość nabycia kopii lub druków. Istniały nawet manufaktury specjalizujące się w imitowaniu starożytnej ceramiki. Najbardziej znane są wyroby z Wedgwood , chociaż wykorzystywały techniki całkowicie niezwiązane z tymi stosowanymi w starożytności, wykorzystując starożytne motywy jedynie jako inspirację tematyczną.

Od lat 60. XVIII wieku badania archeologiczne zaczęły koncentrować się również na malarstwie wazowym. Wazony były cenione jako materiał źródłowy do wszystkich aspektów życia starożytnego, zwłaszcza do badań ikonograficznych i mitologicznych . Malarstwo wazonowe traktowano teraz jako namiastkę niemal całkowicie utraconego dorobku greckiego malarstwa monumentalnego . Mniej więcej w tym czasie powszechny pogląd, że wszystkie malowane wazony są dziełami etruskimi, stał się nie do utrzymania. Niemniej ówczesną artystyczną modę na naśladowanie antycznych waz zaczęto nazywać all'etrusque . Anglia i Francja próbowały prześcignąć się zarówno w badaniach, jak i naśladowaniu waz. Malarstwa wazowego studiowali niemieccy pisarze estetyczni Johann Heinrich Müntz i Johann Joachim Winckelmann . Winckelmann szczególnie chwalił Umrißlinienstil ("styl konturowy", czyli malowanie czerwonofigurowe). Ozdoby wazonowe zostały skompilowane i rozpowszechnione w Anglii za pośrednictwem książek wzorcowych .

Wedgwood wolutowy wazon kraterowy , ca. 1780, przy użyciu różnych technik imitujących czerwonofigurowe malowanie wazowe

Malarstwo wazonowe miało nawet wpływ na rozwój nowoczesnego malarstwa. Styl linearny wpłynął na artystów takich jak Edward Burne-Jones , Gustave Moreau czy Gustav Klimt . Około 1840 roku Ferdinand Georg Waldmüller namalował Martwą naturę ze srebrnymi naczyniami i czerwoną figurą Bell Krater . Henri Matisse namalował podobny obraz ( Intérieur au vase étrusque ). Ich estetyczny wpływ rozciąga się na teraźniejszość. Na przykład dobrze znany zakrzywiony kształt butelki Coca-Coli inspirowany jest greckimi wazonami.

Naukowe badania malowideł na wazonach na Attyce zostały rozwinięte zwłaszcza przez Johna D. Beazleya . Beazley zaczął studiować wazony od około 1910 roku, zainspirowany metodologią, którą historyk sztuki Giovanni Morelli opracował do badania malarstwa. Zakładał, że każdy malarz tworzył indywidualne prace, które zawsze można bezbłędnie przypisać. W tym celu porównano poszczególne szczegóły, takie jak twarze, palce, ręce, nogi, kolana, fałdy odzieży i tak dalej. Beazley zbadał 65 000 wazonów i fragmentów (z czego 20 000 to czarne postacie). W ciągu sześciu dekad studiów udało mu się przypisać 17 tys. z nich poszczególnym artystom. Tam, gdzie ich imiona pozostawały nieznane, opracował system konwencjonalnych imion. Beazley również jednoczył i łączył poszczególnych malarzy w grupy, warsztaty, szkoły i style. Żaden inny archeolog nigdy nie wywarł tak kształtującego wpływu na całą subdyscyplinę, jak Beazley na badanie greckiego malarstwa wazowego. Duża część jego analizy jest nadal uważana za aktualną. Beazley po raz pierwszy opublikował swoje wnioski na temat malowania waz z czerwonymi figurami w 1925 i 1942 roku. Jego początkowe badania dotyczyły wyłącznie materiałów sprzed IV wieku p.n.e. Do nowego wydania swojego dzieła, opublikowanego w 1963 roku, uwzględnił również ten późniejszy okres, korzystając z prac innych uczonych, takich jak Karl Schefold , który szczególnie studiował wazony w stylu kerczeńskim . Znani uczeni, którzy kontynuowali badania nad czerwoną postacią poddasza po Beazley, to między innymi John Boardman , Erika Simon i Dietrich von Bothmer .

W badaniach nad malowaniem przypadków w południowych Włoszech praca Arthura Dale Trendalla ma podobne znaczenie jak Beazley dla Attyki. Można powiedzieć, że większość post-Beazleyowskich uczonych podąża za tradycją Beazleya i stosuje jego metodologię. Trwają badania nad wazami greckimi, nie tylko ze względu na ciągłe dodawanie nowych materiałów z wykopalisk archeologicznych , nielegalnych wykopalisk i nieznanych kolekcji prywatnych.

Zobacz też

Notatki, odniesienia i źródła

Uwagi

Bibliografia

Źródła

  • Beazley, John Davidson (1963) [1946]. Poddasze czerwonofigurowi malarze wazonów (wyd. 2). Oxford: Clarendon Press . OCLC  419228649 .
  • Boardman, John (1994) (1981). Rotfigurige Vasen aus Athen: die archaische Zeit: ein Handbuch [ Wazy czerwonofigurowe z Aten: czasy archaiczne: podręcznik ]. Kulturgeschichte der antiken Welt (w języku niemieckim). 4 (wyd. 4). Moguncja: von Zabern. Numer ISBN 3805302347.
  • Boardman, John (1991) (1981). Rotfigurige Vasen aus Athen: die archaische Zeit: ein Handbuch [ Wazy czerwonofigurowe z Aten: czasy archaiczne: podręcznik ]. Kulturgeschichte der antiken Welt (w języku niemieckim). 4 (wyd. 2). Moguncja: von Zabern. Numer ISBN 3805312628.
  • Fless, Friederike (2002). Rotfigurige Keramik als Handelsware: Erwerb und Gebrauch attischer Vasen im mediterranen und pontischen Raum während des 4. Jhs. v. Chr [ Ceramika czerwonofigurowa jako towar: Nabywanie i użytkowanie waz strychowych w regionie śródziemnomorskim i pontyckim w IV wieku p.n.e. ]. Internationale Archäologie (w języku niemieckim). 71 . Rahden : Leidorf. Numer ISBN 3896463438.
  • Giuliani, Luca (1995). Tragik, Trauer und Trost: Bildervasen für eine apulische Totenfeier [ Tragiczny, smutek i pocieszenie: obrazy w wazonie na apulijską ucztę pogrzebową ] (w języku niemieckim). Berlin: Staatliche Museen . 878870139 OCLC  .
  • Rolf Hurschmann: Apulische VasenWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 1 (1996), kol. 922 n.; Kampanische VasenmalereiWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 6 (1998), kol. 227 n.; Lukanische VasenWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 7 (1999), kol. 491; Paestanische VasenWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 9 (2000), kol. 142/43; Sizilische VasenWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 11 (2001), kol. 606; Unteritalische VasenmalereiWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 12/1 (2002), kol. 1009–1011
  • Mannack, Thomas (2002). Griechische Vasenmalerei [ Greckie malarstwo wazonowe ] (w języku niemieckim) ( Wissenschaftliche Buchgesellschaft  ed.). Stuttgart; Darmstadt: Teza. Numer ISBN 3806217432.
  • Sabine Naumer: Vasen/VasenmalereiWymagana płatna subskrypcja , w DNP 15/3, kol. 946-958
  • John H. Oakley: Rotfigurige VasenmalereiWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 10 (2001), kol. 1141-43
  • Reusser, Christoph (2002). Vasen für Etrurien: Verbreitung und Funktionen attischer Keramik im Etrurien des 6. und 5. Jahrhunderts vor Christus [ Wazy dla Etrurii: Proliferacja i funkcja ceramiki attyckiej w Etrurii VI i V wieku p.n.e. ] (rozprawa habilitacyjna). Akant crescens (w języku niemieckim). 5:1 . Zurych: Akant. Numer ISBN 3905083175.
  • Scheiblera, Ingeborga (1995). Griechische Töpferkunst. Herstellung, Handel und Gebrauch der antiken Tongefäße [ ceramika grecka. Produkcja, handel i użytkowanie zabytkowych naczyń glinianych ] (w języku niemieckim) (wyd. 2). Monachium: Beck. Numer ISBN 9783406393075.
  • Ingeborg Scheibler : VasenmalerWymagana płatna subskrypcja , w: DNP 12/I (2002), kol. 1147f.
  • Szymon, Erika ; Hirmer, Max (1981). Die griechischen Vasen [ Greckie wazy ] (w języku niemieckim) (wyd. 2). Monachium: Hirmer. Numer ISBN 3777433101.
  • Trendall, Arthur Dale (1991). Rotfigurige Vasen aus Unteritalien und Sizilien: Ein Handbuch [ Wazy czerwonofigurowe z Dolnych Włoch i Sycylii: Podręcznik ]. Kulturgeschichte der Antiken Welt (w języku niemieckim). 47 . Moguncja: P. von Zabern. Numer ISBN 3805311117.

Dalsza lektura

  • Boardman, John. 2001. Historia greckich waz: garncarze, malarze, obrazy. Nowy Jork: Thames i Hudson.
  • Bouzek, styczeń 1990. Badania ceramiki greckiej na obszarze Morza Czarnego. Praga: Uniwersytet Karola.
  • Kucharz, Robert Manuel i Pierre Dupont. 1998. Ceramika wschodniogrecka. Londyn: Routledge.
  • Farnswortha, Marie. 1964. „Grecka ceramika: studium mineralogiczne”. American Journal of Archeology 68 (3): 221-28.
  • Sparkes, Brian A. 1996. The Red and the Black: Studies in Greek Pottery. Londyn: Routledge.
  • von Bothmer, Dietrich (1987). Malarstwo greckie w wazonie. Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art. Numer ISBN 0-87099-084-5.

Zewnętrzne linki