Ozdoba (sztuka) -Ornament (art)

Rokokowe wnętrze opactwa Wilhering ( Wilhering , Austria ), z malowanym sufitem w stylu trompe-l'oeil , otoczonym bogato zdobioną sztukaterią

W architekturze i sztuce zdobniczej ornament jest dekoracją służącą do upiększania części budynku lub obiektu. Z terminu wyłączone są duże elementy figuratywne, takie jak rzeźba monumentalna i ich odpowiedniki w sztuce zdobniczej; większość ozdób nie zawiera postaci ludzkich, a jeśli są obecne, są one niewielkie w porównaniu z ogólną skalą. Ornament architektoniczny może być wyrzeźbiony z kamienia, drewna lub metali szlachetnych, uformowany z tynku lub gliny, albo pomalowany lub wytłoczony na powierzchni jako nałożony ornament ; w innych sztukach użytkowych można zastosować główny materiał przedmiotu lub inny, taki jak farba lub szkliwo szkliste .

Szeroka gama stylów i motywów zdobniczych została opracowana dla architektury i sztuki użytkowej, w tym ceramiki , mebli , metaloplastyki . W tekstyliach , tapetach i innych przedmiotach, gdzie dekoracja może być głównym uzasadnieniem jej istnienia, częściej stosuje się terminy wzór lub wzór. Szeroka gama motywów stosowanych w ornamentach czerpie z geometrycznych kształtów i wzorów, roślin oraz postaci ludzkich i zwierzęcych. W całej Eurazji i świecie śródziemnomorskim istnieje bogata i powiązana tradycja ozdób roślinnych od ponad trzech tysięcy lat; tradycyjna ozdoba z innych części świata opiera się zazwyczaj bardziej na motywach geometrycznych i zwierzęcych.

Chińska flasza ozdobiona smokiem, chmurkami i kilkoma falami, przykład porcelany z Jingdezhen

W eseju z 1941 roku historyk architektury Sir John Summerson nazwał to „modulacją powierzchni”. Najwcześniejsze zdobienia i ornamenty często przetrwały z kultur prehistorycznych w postaci prostych oznaczeń na ceramice, gdzie zaginęła dekoracja z innych materiałów (w tym tatuaży ). Tam , gdzie używano koła garncarskiego , technologia bardzo ułatwiała niektóre rodzaje dekoracji; tkanie to kolejna technologia, która również bardzo łatwo nadaje się do dekoracji lub wzoru i do pewnego stopnia dyktuje jej formę. Ornament był widoczny w cywilizacjach od początku pisanej historii , począwszy od architektury starożytnego Egiptu po stanowczy brak ornamentu w modernistycznej architekturze XX wieku .

Ornament oznacza, że ​​przedmiot zdobiony pełni funkcję, którą może pełnić również nieozdobiony odpowiednik. Jeżeli przedmiot nie pełni takiej funkcji, ale istnieje tylko po to, by być dziełem sztuki , takim jak rzeźba lub obraz, termin ten jest rzadziej używany, z wyjątkiem elementów peryferyjnych. W ostatnich stuleciach stosuje się rozróżnienie między sztukami pięknymi a sztukami użytkowymi lub zdobniczymi (z wyjątkiem architektury), przy czym ornamentykę postrzega się głównie jako cechę tej drugiej klasy.

Historia

Różne ornamenty architektoniczne na fasadach Luwru

Historia sztuki w wielu kulturach pokazuje szereg trendów falowych, w których poziom stosowanego ornamentu wzrasta z czasem, zanim ostra reakcja powraca do prostych form, po czym ornamentacja stopniowo się zwiększa. Wzór ten jest szczególnie widoczny w post-rzymskiej sztuce europejskiej, gdzie bogato zdobiona sztuka wyspiarska z Księgi z Kells i inne rękopisy wpłynęła na Europę kontynentalną, ale w dużej mierze zastąpiła ją inspirowana klasycznie sztuka karolińska i ottońska. Ozdoba wzrosła w okresie romańskim i gotyckim , ale została znacznie zmniejszona w stylach wczesnego renesansu , ponownie pod wpływem klasycyzmu. Kolejny okres wzrostu, w manieryzmie północnym , baroku i rokoko , został zahamowany przez neoklasycyzm i okres romantyzmu , zanim wznowiono w XIX-wiecznym stylu Napoleona III wiktoriańską sztukę zdobniczą i jej odpowiedniki z innych krajów, aby zostać zdecydowanie zredukowaną przez Ruch Arts and Crafts, a następnie modernizm .

Szczegółowe badanie eurazjatyckich form zdobniczych rozpoczął Alois Riegl w swoim formalistycznym studium Stilfragen : Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik ( Problemy stylu: podstawy historii ornamentu ) z 1893 roku, który w ten sposób rozwinął swoją wpływową koncepcję Kunstwollen . Riegl prześledził formalistyczną ciągłość i rozwój ozdobnych form roślinnych od sztuki starożytnego Egiptu i innych starożytnych cywilizacji Bliskiego Wschodu, poprzez świat klasyczny, po arabeskę sztuki islamu . Chociaż koncepcja Kunstwollen ma dziś niewielu zwolenników, jego podstawowa analiza rozwoju form została potwierdzona i udoskonalona przez szerszy zbiór znanych dziś przykładów. Jessica Rawson rozszerzyła ostatnio analizę o sztukę chińską , której Riegl nie uwzględnił, czerpiąc wiele elementów chińskiej dekoracji z tej samej tradycji; wspólne tło pomagało w harmonijnym i produktywnym asymilacji motywów chińskich w sztuce perskiej po inwazji mongolskiej .

Style zdobnictwa można badać w odniesieniu do konkretnej kultury , która wykształciła unikatowe formy zdobnictwa, lub zmodyfikowaną ornamentykę z innych kultur. Kultura starożytnego Egiptu jest prawdopodobnie pierwszą cywilizacją, która dodaje czystą dekorację do swoich budynków. Ich ornamenty przybierają w tym klimacie formy świata przyrody, ozdabiając kapitele kolumn i ściany wyobrażeniami papirusów i palm. Kultura asyryjska wyprodukowała ornament, który pokazuje wpływy ze źródeł egipskich i szereg oryginalnych motywów, w tym postaci roślin i zwierząt z regionu.

Starożytna cywilizacja grecka stworzyła wiele nowych form ozdób, które rozprzestrzeniły się w całej Eurazji dzięki podbojom Aleksandra Wielkiego i ekspansji buddyzmu , który przeniósł niektóre motywy do Azji Wschodniej w nieco zmodyfikowanej formie. Na Zachodzie starożytne rzymskie , zlatynizowane formy greckiego ornamentu przetrwały około tysiąclecia, a po okresie, gdy zostały zastąpione formami gotyckimi , mocno odżyły we włoskim renesansie i są niezwykle szeroko stosowane do dziś.

rzymska ozdoba

Ozdoby w imperium rzymskim wykorzystywały różnorodne style i materiały, w tym marmur, szkło, obsydian i złoto. Rzymski ornament, zwłaszcza w kontekście Pompei, został zbadany i opisany przez uczoną Jessicę Powers w jej rozdziale książki „Poza malowaniem w domach Pompejów: ozdoby ścienne i ich patroni”. Zamiast studiować przedmioty ozdobne w odosobnieniu, Powers twierdzi, że jeśli informacje są przekazywane, należy podejść do przedmiotów w ich oryginalnym kontekście. Informacje te mogą obejmować lokalizację, w której dzieło zostało odnalezione, inne przedmioty znajdujące się lub znalezione w pobliżu lub kto był patronem, który mógł zlecić pracę. Rozdział Jessiki Powers omawia przede wszystkim Casa Degli Amorini Dorati w Pompejach, gdzie znaleziono 18 ozdób ściennych, najwięcej ze wszystkich pompejańskich domów. Ozdoba ścienna wewnętrzna w domu pompejańskim zwykle dzieliła ścianę na trzy lub więcej części, pod którymi znajdowałby się dado zajmujący mniej więcej jedną szóstą wysokości ściany. Odcinki muru były dzielone szerokimi pilastrami połączonymi fryzem opasującym górną część muru. Ozdoba znaleziona w Casa Degli Amorini Dorati w Pompejach odzwierciedlała ten standardowy styl i zawierała przedmioty, które wyraźnie zostały ponownie użyte, oraz rzadkie i importowane przedmioty. Kilka paneli ze ścian Casa Degli Amorini Dorati zostało usuniętych podczas prac archeologicznych w latach 70., ujawniając, że panele zostały przyklejone do różnych ścian przed tą, na której zostały znalezione. Jessica Powers twierdzi, że te panele ilustrują właściciela domu i korelują gotowość klientów do wykorzystania uszkodzonych lub używanych materiałów we własnym domu. Co więcej, materiały użyte w dekoracyjnych panelach ściennych zostały zidentyfikowane jako pochodzące z greckiego Wschodu lub Egiptu, a nie z Pompejów. Wskazuje to na skomplikowane szlaki handlowe, które kwitły w Cesarstwie Rzymskim, oraz na to, że właściciele domów byli zainteresowani wykorzystaniem materiałów spoza Pompejów do upiększenia swoich domów.

Oprócz domów, budynki publiczne i świątynie to miejsca, w których eksponowano rzymskie style ornamentów. W rzymskiej świątyni ekstrawaganckie użycie ornamentu służyło jako środek samouwielbienia, jak zauważa uczony Owen Jones w swoim rozdziale książki, Roman Ornament. Techniki zdobienia rzymskiego obejmują modelowanie powierzchni, w którym na powierzchnię nakładane są style zdobnicze. Był to powszechny styl zdobniczy z marmurowymi powierzchniami. Jednym z powszechnych stylów zdobniczych było użycie liścia akantu, motywu zapożyczonego od Greków. Użycie liścia akantu i innych motywów naturalistycznych można zaobserwować w stolicach korynckich, w świątyniach i innych miejscach publicznych.

Druki ornamentowe i wzorniki

Nadproże khmerskie w stylu Preah Ko (na wschód od Angkor, Kambodża), koniec IX w., nawiązujące do późniejszych europejskich stylów scrollwork
Przykłady ozdób w różnych stylach. Od lewej do prawej i od góry do dołu: girlanda z puttem stojącym na nim, liść akantu , palmety , kartusz , maszkaron , oraz trofeum instrumentów muzycznych
Balkon rokokowy z XVIII wieku , Bawaria . Forma sama w sobie jest ozdobna, a dodatkowo ozdobiona malowanym tynkiem
Renesansowe ozdoby nad drzwiami w Domu Dimitrie Sturdza z Bukaresztu ( Rumunia ), nad którymi każde drzwi mają to samo
Płaskorzeźba Diany w Amalienburgu w Monachium (Niemcy)
Ozdobny nadruk Sebalda Behama Centaury walczące z konnymi mężczyznami
Barokowy ornament w weneckim pałacu
Typowa odmiana motywów zdobniczych na greckiej wazonie z ok. 191 roku. 530 pne.

Zachowało się kilka średniowiecznych notatników, najsłynniejszy z Villard de Honnecourt (XIII wiek) pokazujący, jak artyści i rzemieślnicy zapisywali projekty, które widzieli do wykorzystania w przyszłości. Wraz z pojawieniem się druku , druki ornamentalne stały się ważną częścią dorobku grafików, zwłaszcza w Niemczech, i odegrały istotną rolę w szybkim rozpowszechnianiu się nowych stylów renesansowych wśród twórców wszelkiego rodzaju przedmiotów. Oprócz ożywionego ornamentu klasycznego, zarówno architektonicznego, jak i groteskowego , wywodzącego się z rzymskiego wystroju wnętrz, obejmowały one nowe style, takie jak moreska , europejska adaptacja islamskiej arabeski (rozróżnienie to nie zawsze było wówczas jasne).

W miarę potanienia druku z pojedynczego ornamentu powstały zestawy, a w końcu książki. Od XVI do XIX wieku w Europie ukazywały się wzorniki , które dawały dostęp do elementów zdobniczych, w końcu także tych zapisanych w kulturach całego świata. I quattro libri dell'architettura Andrei Palladio (Cztery księgi o architekturze) (Wenecja, 1570), która zawierała zarówno rysunki klasycznych rzymskich budynków, jak i renderingi własnych projektów Palladia wykorzystujące te motywy, stała się najbardziej wpływową książką, jaką kiedykolwiek napisano o architekturze. Napoleon miał udokumentowane wielkie piramidy i świątynie w Egipcie w Description de l'Egypte (1809) . Owen Jones opublikował Gramatykę ornamentu w 1856 roku z kolorowymi ilustracjami dekoracji z Egiptu, Turcji, Sycylii i Hiszpanii. Zamieszkał w pałacu Alhambra, gdzie wykonywał rysunki i odlewy gipsowe ozdobnych detali muzułmańskich ozdób , w tym arabesek , kaligrafii i wzorów geometrycznych . Zainteresowanie architekturą klasycystyczną podsycała także tradycja podróżowania na The Grand Tour oraz tłumaczenie wczesnej literatury o architekturze w twórczości Witruwiusza i Michała Anioła .

W XIX wieku dopuszczalne użycie ornamentu i jego precyzyjna definicja stały się źródłem kontrowersji estetycznych w akademickiej architekturze zachodniej, ponieważ architekci i ich krytycy poszukiwali odpowiedniego stylu. „Wielkie pytanie brzmi” – zapytał Thomas Leverton Donaldson w 1847 roku – „czy mamy mieć architekturę naszego okresu, odrębny, indywidualny, namacalny styl XIX wieku?”. W 1849 roku, kiedy Matthew Digby Wyatt oglądał Francuską Wystawę Przemysłową zorganizowaną na Polach Elizejskich w Paryżu, nie pochwalał w rozpoznawalnych nowoczesnych kategoriach gipsowych ozdób w imitacji brązu i imitacji drewna:

Zarówno wewnętrznie, jak i zewnętrznie jest sporo niesmacznych i nieopłacalnych ozdób... Gdyby każdy prosty materiał mógł opowiedzieć swoją własną historię, a linie konstrukcji ułożone tak, by wzbudzać poczucie wielkości, cechy „Władza” i „prawda”, które jej ogromny zasięg musiał koniecznie zapewnić, nie mogły nie wzbudzić podziwu, i to przy bardzo znacznych oszczędnościach kosztów.

Kontakty z innymi kulturami poprzez kolonializm i nowe odkrycia archeologii poszerzyły repertuar ornamentu dostępny dla rewitalistów. Po około 1880 roku fotografia udostępniła szczegóły ornamentów jeszcze szerzej niż druki.

Nowoczesna ozdoba

XVIII-wieczna ilustracja przedstawiająca kobietę wykonana z ozdób i elementów architektury klasycznej

Nowoczesne ozdoby hutnicze wykonane są z drewna, tworzyw sztucznych, kompozytów itp. Występują w wielu różnych kolorach i kształtach. Nowoczesna architektura , pojmowana jako eliminacja ornamentu na rzecz struktur czysto funkcjonalnych, pozostawiła architektom problem, jak właściwie zdobić nowoczesne konstrukcje. Istnieją dwie dostępne drogi z tego postrzeganego kryzysu. Jedną z nich była próba opracowania słownictwa ozdobnego, które byłoby nowe i zasadniczo współczesne. Tą drogą podążali architekci tacy jak Louis Sullivan i jego uczeń Frank Lloyd Wright lub wyjątkowy Antoni Gaudi . Popularna na przełomie XIX i XX wieku secesja była po części świadomym wysiłkiem wykształcenia takiego „naturalnego” słownictwa ornamentalnego.

Bardziej radykalna droga całkowicie zrezygnowała z ornamentyki, jak w niektórych projektach obiektów autorstwa Christophera Dressera . W owym czasie takie nieozdobione przedmioty można było znaleźć w wielu niepozornych, codziennych przedmiotach wzornictwa przemysłowego, na przykład w ceramice produkowanej w manufakturze Arabia w Finlandii czy szklanych izolatorach linii elektrycznych.

To ostatnie podejście opisał architekt Adolf Loos w swoim manifeście z 1908 r., przetłumaczonym na język angielski w 1913 r. i polemicznie zatytułowanym Ornament i zbrodnia , w którym deklarował, że brak dekoracji jest oznaką zaawansowanego społeczeństwa. Jego argumentem było to, że ornament jest ekonomicznie nieefektywny i „moralnie zdegenerowany”, a zmniejszanie ornamentu jest oznaką postępu. Moderniści chętnie wskazywali amerykańskiego architekta Louisa Sullivana jako swojego ojca chrzestnego w sprawie uproszczeń estetycznych, odrzucając węzły misternie wzorzystego ornamentu, który wyrażał skórę jego konstrukcji.

Wraz z pracami Le Corbusiera i Bauhausu w latach 20. i 30. XX wieku brak dekoracyjnych detali stał się znakiem rozpoznawczym nowoczesnej architektury i utożsamiany z moralnymi cnotami uczciwości, prostoty i czystości. W 1932 roku Philip Johnson i Henry-Russell Hitchcock nazwali to „ stylem międzynarodowym ”. To, co zaczęło się jako kwestia gustu, przekształciło się w mandat estetyczny. Moderniści zadeklarowali swoją drogę jako jedyny akceptowalny sposób budowania. Gdy styl osiągnął swój cel w wysoko rozwiniętej powojennej pracy Miesa van der Rohe , założenia modernizmu z lat 50. stały się tak surowe, że nawet uznani architekci, tacy jak Edward Durrell Stone i Eero Saarinen , mogli zostać wyśmiewani i skutecznie wykluczeni z ostracyzmu za odstępstwo od zasad estetyki.

W tym samym czasie zaczęły pojawiać się poważne wątpliwości co do niepisanych przepisów zakazujących ozdób. „Architektura z pewnym trudem wyzwoliła się z ornamentu, ale nie wyzwoliła się ze strachu przed ornamentem” — zauważył John Summerson w 1941 roku.

Sama różnica między ornamentem a strukturą jest subtelna i być może arbitralna. Ostre łuki i latające przypory architektury gotyckiej są ozdobne, ale konstrukcyjnie niezbędne; kolorowe rytmiczne pasma drapacza chmur Pietro Belluschi International Style są integralną częścią, nie są stosowane, ale z pewnością mają efekt ozdobny. Co więcej, ornament architektoniczny może służyć praktycznemu celowi ustalenia skali, sygnalizacji wpisów i pomocy w odnajdywaniu drogi, a te przydatne taktyki projektowe zostały zakazane. W połowie lat pięćdziesiątych modernistyczni figuranci Le Corbusier i Marcel Breuer łamali własne zasady, tworząc bardzo ekspresyjne, rzeźbiarskie prace z betonu.

Argument przeciwko ornamentom osiągnął szczyt w 1959 r. podczas dyskusji na temat budynku Seagram , gdzie Mies van der Rohe zainstalował szereg strukturalnie niepotrzebnych pionowych belek dwuteowych na zewnątrz budynku, a do 1984 r., kiedy Philip Johnson wyprodukował swój budynek AT&T na Manhattanie z neo-gruziński fronton z ozdobnego różowego granitu, kłótnia się skończyła. Z perspektywy czasu krytycy postrzegają budynek AT&T jako pierwszy budynek postmodernistyczny .

Zobacz też

Uwagi

  1. ^ Summerson, John (1941) wydrukowany w Heavenly Mansions 1963, s. 217
  2. ^ Tabba, 74-75
  3. ^ Rawson, 24-25; zobacz także „Styl” — lub cokolwiek innego”, J. Duncan Berry , Przegląd Problemów stylu Aloisa Riegla, Nowe kryterium , kwiecień 1993
  4. ^ Rawson, temat jej książki, patrz przedmowa i rozdział 5 o chińskich wpływach na sztukę perską.
  5. ^ Rawson, w całości, ale dla szybkiego odniesienia: 23, 27, 32, 39-57, 75-77
  6. ^ Pompeje: sztuka, przemysł i infrastruktura . Starorzecze Księgi. 2011. ISBN 978-1-84217-984-0. JSTOR  j.ctt1cfr84m .
  7. ^ Jones, Owen (26.07.2016). Gramatyka ornamentu . Wydawnictwo Uniwersytetu Princeton. doi : 10.1515/9781400882717 . ISBN 978-1-4008-8271-7.
  8. ^ Jones, Owen (26.07.2016). Gramatyka ornamentu . Wydawnictwo Uniwersytetu Princeton. doi : 10.1515/9781400882717 . ISBN 978-1-4008-8271-7.
  9. ^ Centrum Studiów Palladiańskich w Ameryce, Inc. Palladio i jego książki”. Zarchiwizowane 2018-07-05 w Wayback Machine
  10. ^ cytowany przez Summerson
  11. ^ Druga Republika Ekspozycja zarchiwizowana 2006-02-12 w Wayback Machine
  12. ^ Sankovitch, Anne-Marie (01.12.1998). „Struktura/ornament a współczesna figuracja architektury” . Biuletyn Sztuki. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 7 listopada 2007 . Źródło 2007-11-13 . {{cite journal}}: ; Sprawdź wartości dat w: ( pomoc )Cytowanie dziennika wymaga |journal=( pomoc )|date=
  13. ^ James, Trilling (2001). Język ornamentu . s. 186-210. ISBN 0-500-20343-1.
  14. ^ „Slogany i okrzyki bojowe | Paul Shepheard | Architekt | Pisarz” . www.paulshepheard.com . Źródło 2018-05-12 .

XIX-wieczne kompendia ozdób

Bibliografia