Stary druk wzorcowy - Old master print

Trzy krzyże , sucha igła przez Rembrandt , 1653, stan III IV

Stary mistrz druku jest dzieło sztuki wyprodukowane przez drukarskiej procesu w zachodniej tradycji. Termin ten pozostaje aktualny w branży artystycznej i nie ma łatwej alternatywy w języku angielskim, aby odróżnić dzieła „ sztuki piękne ” wytworzone w grafice od szerokiej gamy druków dekoracyjnych, użytkowych i popularnych, które szybko rosły wraz z drukiem artystycznym z XV wieku. wiek później. Piętnastowieczne druki są na tyle rzadkie, że zaliczane są do starych druków mistrzowskich, nawet jeśli mają prymitywną lub jedynie rzemieślniczą jakość artystyczną. Za koniec okresu, którego druki objęte są tym terminem, przyjmuje się zwykle datę około 1830 roku.

Główne techniki stosowane w kolejności ich wprowadzania to drzeworyt , grawerowanie , akwaforta , mezzotinta i akwatinta , choć są i inne. W jednym druku łączy się często różne techniki. Z nielicznymi wyjątkami drukowanymi na tekstyliach, takich jak jedwab, czy welin , stare wzorce drukowane są na papierze . Artykuł dotyczy artystycznych, historycznych i społecznych aspektów tematu; artykuł o grafice podsumowuje techniki stosowane przy wykonywaniu starych druków wzorcowych z nowoczesnej perspektywy.

Wielu wielkich artystów europejskich, takich jak Albrecht Dürer , Rembrandt i Francisco Goya , było oddanymi grafikami. W swoim czasie ich międzynarodowa reputacja w dużej mierze pochodziła z ich grafik, które były szeroko rozpowszechnione niż ich obrazy. Z tego samego powodu wpływy między artystami przenoszone były również głównie poza jedno miasto za pomocą grafik (a czasem rysunków). Grafiki są więc często poruszane w szczegółowych analizach poszczególnych obrazów w historii sztuki . Dziś, dzięki kolorowym reprodukcjom fotografii i publicznym galeriom, ich obrazy są znacznie lepiej znane, a ich odbitki ze względów konserwatorskich są wystawiane rzadko. Ale niektóre muzealne drukarnie pozwalają odwiedzającym zobaczyć ich kolekcję, czasami tylko po wcześniejszym umówieniu się, a duże muzea prezentują teraz dużą liczbę odbitek online w bardzo wysokiej rozdzielczości, powiększanych obrazach.

Melencolia I , 1514, rycina Albrecht Dürer
Ten portret darczyńcy z około 1455 roku przedstawia duży kolorowy odcisk przymocowany do ściany za pomocą wosku do pieczętowania . Petrus Christus , NGA, Waszyngton . Tutaj można zobaczyć inny przykład .

Historia

Drzeworyt przed Albrechtem Dürer

Najstarszą techniką jest drzeworyt, czyli drzeworyt, który został wynaleziony jako metoda drukowania na tkaninach w Chinach. To dotarło do Europy przez świat islamski przed 1300 r., jako metoda drukowania wzorów na tekstyliach. Papier dotarł do Europy, także z Chin przez islamską Hiszpanię nieco później, a we Włoszech pod koniec XIII wieku, a w Burgundii i Niemczech pod koniec XIV. Religijne obrazy i karty do gry są udokumentowane jako wyprodukowane na papierze, prawdopodobnie wydrukowane przez Niemca w Bolonii w 1395 roku. Jednak najbardziej imponujące drukowane obrazy europejskie, które przetrwały przed 1400 rokiem, są drukowane na tkaninach, do wykorzystania jako zasłony na ścianach lub meblach , w tym ołtarze i mównice . Niektóre były używane jako wzór do haftowania. Niektóre obrazy religijne były używane jako bandaże przyspieszające gojenie.

Najwcześniejsze drukowane obrazy mają w większości wysoki poziom artystyczny i zostały wyraźnie zaprojektowane przez artystów z doświadczeniem malarskim (na ścianach, panelach lub rękopisach). Nie wiadomo, czy ci artyści sami wycinali bloki, czy tylko tuszowali wzór na bloku, aby inny mógł wyrzeźbić. W ciągu XV wieku liczba druków znacznie wzrosła, ponieważ papier stał się powszechnie dostępny i tańszy, a średni poziom artystyczny spadł, tak że w drugiej połowie wieku typowy drzeworyt jest stosunkowo surowym obrazem. Znakomita większość zachowanych XV-wiecznych druków ma charakter religijny, choć prawdopodobnie te z nich mają większe szanse na przetrwanie. Ich twórcy byli czasami nazywani w dokumentach „twórcą Jezusa” lub „świętomistrzem”. Podobnie jak w przypadku ksiąg rękopisów, instytucje klasztorne czasami produkowały, a często sprzedawały druki. Do końca stulecia żaden artysta nie mógł być utożsamiany z konkretnymi drzeworytami.

Nieliczne dowody, jakie mamy, sugerują, że drzeworyty stały się stosunkowo powszechne i tanie w XV wieku i były dostępne dla wykwalifikowanych robotników w miastach. Na przykład, być może najwcześniejszy zachowany włoski druk, „Madonna Ognia”, wisiał na gwoździu na ścianie w małej szkole w Forlì w 1428 roku. Szkoła zapaliła się, a tłum, który zebrał się, by oglądać odcisk uniesiony w powietrze przez ogień, zanim spadł w tłum. Uznano to za cudowną ucieczkę i rycinę przewieziono do katedry w Forlì, gdzie od 1636 r. pozostaje w specjalnej kaplicy, wystawianej raz w roku. Jak większość odbitek sprzed około 1460 roku, zachował się tylko jeden nakład (termin używany dla kopii starego wzorca; „kopia” oznacza odbitkę będącą kopią innego odbitki) tego odbitki.

Anonimowy niemiecki drzeworyt z XV w., ok. 1480 r., ręcznie barwiony, w tym (niezwykle) plamy złota. 5,2 x 3,9 cm (podobny do oryginalnego rozmiaru na większości ekranów)
Drzeworyt św. Krzysztofa z 1423 r. (południowe Niemcy); Biblioteka Johna Rylandsa

Bloki drzeworytnicze drukowane są pod lekkim naciskiem i są w stanie wydrukować kilka tysięcy odbitek, a nawet w tym okresie niektóre odbitki mogły być wykonane w takiej ilości. Wiele odbitek było ręcznie barwionych, głównie akwarelą ; w rzeczywistości ręczne barwienie odcisków trwało przez wiele stuleci, chociaż handlarze usunęli je z wielu zachowanych przykładów. Głównymi obszarami produkcji były Włochy, Niemcy, Francja i Holandia; Wydaje się, że Anglia nie wyprodukowała żadnych odcisków do około 1480 r. Jednak odbitki są bardzo przenośne i były transportowane przez całą Europę. Już w weneckim dokumencie z 1441 r. skarży się na tani import kart do gry, który szkodzi miejscowemu przemysłowi.

Bloki były bardzo popularną formą (krótkiej) książki, w której strona z obrazkami i tekstem była wycięta jako jeden drzeworyt. Były znacznie tańsze niż rękopisy i były produkowane głównie w Holandii; Art of Dying ( Ars moriendi ) był najsłynniejszym; znanych jest trzynaście różnych zestawów klocków. Jako technika reliefowa (patrz grafika ) drzeworyt można łatwo drukować razem z ruchomą czcionką, a po pojawieniu się tego wynalazku w Europie około 1450 drukarzy szybko włączyło drzeworyty do swoich książek. Niektórzy właściciele książek wklejali również druki w szczególności do modlitewników. Karty do gry były kolejnym godnym uwagi zastosowaniem nadruków, a wersje francuskie są podstawą tradycyjnych zestawów, które są nadal używane.

W ostatnim ćwierćwieczu pojawiło się duże zapotrzebowanie na drzeworyty do ilustracji książkowych, a zarówno w Niemczech, jak i we Włoszech znacznie poprawiły się standardy górnej części rynku. Norymberga była największym ośrodkiem niemieckiego wydawnictwa, a Michael Wolgemut , mistrz największego tam warsztatu, pracował nad wieloma projektami, w tym nad gigantyczną Kroniką Norymberską . Albrecht Dürer był uczniem Wolgemuta na wczesnych etapach projektu i był chrześniakiem Antona Kobergera, jego drukarza i wydawcy. Kariera Dürera polegała na doprowadzeniu sztuki drzeworytu do najwyższego rozwoju.

Niemiecki grawerunek przed Dürer

Męczeństwo św . Sebastiana , rycina Mistrza Kart do Gry , ok. 1900 . 1445

Grawerowanie na metalu było częścią rzemiosła złotniczego przez cały okres średniowiecza, a pomysł drukowania grawerowanych wzorów na papierze prawdopodobnie zaczął się jako metoda zapisywania wzorów na sprzedanych egzemplarzach. Niektórzy artyści wyszkoleni jako malarze zaangażowali się od około 1450–1460, chociaż wielu grawerów nadal wywodziło się ze środowiska złotniczego. Grawerowanie od początku znajdowało się w rękach kupców luksusowych, w przeciwieństwie do drzeworytu, gdzie przynajmniej cięcie bloku wiązało się z niższymi zawodami stolarskimi, a być może rzeźbiarskim. Ryciny były również od bardzo wcześnie ważne jako wzory dla innych artystów, zwłaszcza malarzy i rzeźbiarzy, a wiele prac przetrwało, zwłaszcza z mniejszych miast, które czerpią swoje kompozycje bezpośrednio z grafik. Służenie jako wzór dla artystów mogło być głównym celem tworzenia wielu grafik, zwłaszcza licznych serii postaci apostołów .

Zachowane ryciny, choć w większości religijne, wykazują większy udział wizerunków świeckich niż inne rodzaje sztuki z tego okresu, w tym drzeworyt . Jest to z pewnością częściowo wynikiem względnych współczynników ocalałych — chociaż bogate XV-wieczne domy z pewnością zawierały na ścianach (wewnątrz i na zewnątrz) świeckie obrazy oraz zasłony z materiału, tego typu obrazy przetrwały w niewielkich ilościach. Kościół znacznie lepiej zachował swoje wizerunki. Ryciny były stosunkowo drogie i sprzedawane miejskiej klasie średniej, która stawała się coraz bardziej zamożna w pasie miast rozciągającym się od Holandii w dół Renu po południowe Niemcy, Szwajcarię i północne Włochy. Grawerowano również te same rodzaje obrazów, co drzeworyty , zwłaszcza wizerunki dewocyjne i karty do gry , ale wydaje się, że wiele z nich zebrano w celu ukrycia w albumie lub książce, sądząc po doskonałym stanie zachowania wielu fragmentów papier ponad pięćset lat.

Mistrz ES , " Liebespaar auf der Rasenbank "

Ponownie, w przeciwieństwie do drzeworytu, od samego początku można znaleźć artystów, których można zidentyfikować. Niemiecki, a może niemiecko-szwajcarski mistrz kart do gry był aktywny co najmniej do lat czterdziestych XIV wieku; był wyraźnie wyszkolonym malarzem. Mistrz ES był płodnym grawer, z złotniczej tle, aktywny od około 1450-1467, a pierwszy do podpisania jego odciski z monogramem w płycie. Dokonał znaczących postępów technicznych, które pozwoliły na pobranie większej ilości odcisków z każdej płyty. Wiele z jego twarzy ma wygląd przypominający budyń, co zmniejsza wpływ tego, co poza tym dobrze działa. Wiele z jego prac wciąż ma wielki urok, a świeckie i komiczne tematy, które wyrył, prawie nigdy nie znajdują się w ocalałym obrazie z tego okresu. Podobnie jak ryciny Otto we Włoszech, większość jego prac była prawdopodobnie przeznaczona dla kobiet.

Pierwszym ważnym artystą, który grawerował, był Martin Schongauer (ok. 1450–1491), który pracował w południowych Niemczech i był również znanym malarzem. Jego ojciec i brat byli złotnikami, więc mógł mieć doświadczenie z grzebaniem od najmłodszych lat. Jego 116 rycin ma wyraźny autorytet i piękno i stało się dobrze znane we Włoszech i północnej Europie, a także wiele kopiowane przez innych rytowników. Ponadto rozwinął technikę grawerowania, w szczególności udoskonalił kreskowanie krzyżowe, aby przedstawić objętość i cień w czysto liniowym medium.

Inny znany artysta tego okresu znany jest jako Housebook Master . Był bardzo utalentowanym niemieckim artystą, znanym także z rysunków, zwłaszcza albumu Housebook, od którego wziął swoje nazwisko. Jego odciski zostały wykonane wyłącznie sucha igła , drapiąc się po linie na płycie zostawić wiele linii płytszy niż grawera Burin przyniosłoby; mógł wymyślić tę technikę. W rezultacie z każdej płyty można było uzyskać tylko kilka odcisków – może około dwudziestu – chociaż niektóre płyty zostały przerobione, aby przedłużyć ich żywotność. Pomimo tego ograniczenia jego odbitki były wyraźnie szeroko rozpowszechniane, ponieważ wiele ich kopii istnieje u innych grafików. Jest to bardzo typowe dla podziwianych odbitek we wszystkich mediach do co najmniej 1520 roku; nie było możliwej do wyegzekwowania koncepcji czegoś takiego jak prawa autorskie. Wiele kompozycji drukowanych Housebook Mastera znamy tylko z kopii, ponieważ żaden z domniemanych oryginałów nie zachował się — bardzo duża część jego oryginalnych grafik jest znana tylko z jednego nakładu. Największa kolekcja jego grafik znajduje się w Amsterdamie; prawdopodobnie były one przechowywane jako kolekcja, być może przez samego artystę, mniej więcej w czasie ich powstania.

Pierwszy autoportret pierwszego biznesmena w historii grafiki, Israhela van Meckenama z żoną

Israhel van Meckenam był grawerem z pogranicza Niemiec i Holandii, który prawdopodobnie szkolił się u Mistrza ES i prowadził najbardziej produktywny warsztat rycin stulecia między około 1465 a 1503 rokiem. Wyprodukował ponad 600 płyt, większość kopii innych druków , był bardziej wyrafinowany w autoprezentacji, podpisując późniejsze ryciny swoim nazwiskiem i miastem oraz tworząc pierwszy druk autoportretu siebie i swojej żony. Niektóre płyty wydawały się być wielokrotnie przerabiane przez jego warsztat lub produkowane w więcej niż jednej wersji, a wiele odbitek przetrwało, więc jego zdolność do dystrybucji i sprzedaży swoich odbitek była ewidentnie wyrafinowana. Jego własne kompozycje są często bardzo żywe i bardzo interesują się świeckim życiem jego czasów.

Najwcześniejsze włoskie ryciny

Grafika drzeworytnicza i grawerska pojawiła się w północnych Włoszech w ciągu kilkudziesięciu lat od ich wynalezienia na północ od Alp i miała podobne zastosowania i charakter, choć w znacznie odmiennych stylach artystycznych i ze znacznie większym udziałem podmiotów świeckich. Wspomniany został najstarszy znany drzeworyt włoski. Grawerowanie prawdopodobnie pojawiło się najpierw we Florencji w latach czterdziestych XIV wieku; Vasari zwykle twierdził, że jego florentyńczyk, złotnik i nielloista Maso Finiguerra (1426–64) wynalazł tę technikę. Teraz jest jasne, że jest to błędne, i obecnie uważa się, że nie ma żadnych odcisków jako takich, które można by mu przypisać w jakikolwiek inny sposób niż spekulacje. Być może nigdy nie wykonywał żadnych drukowanych rycin z płyt, w przeciwieństwie do pobierania odcisków z prac, które miały być niellowane. Istnieje wiele skomplikowanych niellowskich scen religijnych, które prawdopodobnie wykonał i mógł zaprojektować lub nie, które miały wpływ na styl florencki w grawerowaniu. Zachowały się z nich niektóre odciski papierowe i odlewy siarkowe. Jest to kilka pax w Bargello we Florencji oraz jeden w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, które przedstawiają sceny z dużymi i dobrze zorganizowanymi tłumami małych postaci. Są też rysunki w Uffizi we Florencji, które mogą być jego autorstwa.

Florencja

Antonio Pollaiuolo , Bitwa nagości

Tam, gdzie niemieckie grawerowanie wkroczyło do wciąż gotyckiego świata artystycznego , włoskie grawerowanie uchwyciło bardzo wczesny renesans, a od początku grafiki są w większości większe, bardziej otwarte w atmosferze i zawierają klasyczne i egzotyczne tematy. Są mniej gęsto obrobione i zwykle nie używają kreskowania krzyżowego. Od około 1460–1490 we Florencji rozwinęły się dwa style, które pozostały największym ośrodkiem włoskiego grawerunku. Nazywa się je (chociaż terminy są obecnie rzadziej używane) „Dobry sposób” i „Szeroki sposób”, odnosząc się do typowej grubości użytych linii. Czołowymi artystami w stylu Fine Manner są Baccio Baldini i „Mistrz Pasji Wiedeńskiej”, a w Broad Manner Francesco Rosselli i Antonio Pollaiuolo , których jedynym drukiem była Bitwa nagich mężczyzn (po prawej), arcydzieło XV -wieczny rycina florencka. Wykorzystuje do modelowania nowy zygzakowaty „skok powrotny”, który prawdopodobnie wymyślił.

Przypadkowe przetrwanie to kolekcja w większości dość prymitywnie wykonanych rycin florenckich, obecnie w British Museum , znana jako ryciny Ottona od wcześniejszego właściciela większości z nich. Był to prawdopodobnie własny zestaw grafik warsztatowych, w większości okrągłych lub owalnych, którymi zdobiono wewnętrzne okładki pudełek, głównie dla kobiet. Sugeruje się, że tak udekorowane pudła mogły być wręczane jako prezenty na weselach. Tematyka i wykonanie tej grupy sugeruje, że miały one odwoływać się do kobiecego gustu z klasy średniej; wielu kochanków i amorków, a alegoria pokazuje prawie nagiego młodego mężczyznę przywiązanego do pala i bijącego przez kilka kobiet.

Ferrara

Drugą zauważalną wcześnie ośrodek był Ferrara , od 1460s, które prawdopodobnie produkowane oba zestawy tzw „ Mantegna Tarocchi ” karty, które nie grają w karty, ale swego rodzaju narzędzie edukacyjne dla młodych humanistów z pięćdziesięciu kart, wyposażony Planety i Kule, Apollo i Muzy , personifikacje Siedmiu sztuk wyzwolonych i czterech Cnót, a także „Warunki Człowieka” od papieża do chłopa.

Mantegna w Mantui

Herkules i Anteusz , rycina , 1490-1500, Szkoła Mantegna

Andrea Mantegna, który trenował w Padwie , a następnie osiadł w Mantui , był najbardziej wpływową postacią we włoskim rytownictwie stulecia, chociaż wciąż trwa dyskusja, czy faktycznie sam grawerował jakieś talerze (debata wznowiona w ostatnich latach przez Suzanne Boorsch ). Szereg rycin od dawna przypisywano jego szkole lub warsztacie, a tylko siedem zwykle dano mu osobiście. Cała grupa tworzy spójną grupę stylistyczną i bardzo wyraźnie odzwierciedla jego styl w malarstwie i rysunku lub kopiuje zachowane jego dzieła. Wydają się datować od końca lat 60. XIV wieku.

Wpływ Dürera

Główny artykuł: Albrecht Dürer

W ostatnich pięciu latach XV wieku Dürer, mający pod koniec lat dwudziestych i mający własny warsztat w Norymberdze, zaczął wytwarzać najwyższej jakości drzeworyty i ryciny, które bardzo szybko rozpowszechniły się w ośrodkach artystycznych Europy. Około 1505 roku większość młodych włoskich grafików przeszła fazę bezpośredniego kopiowania całych odbitek lub dużych części tła krajobrazowego Dürera, zanim przystąpiła do dostosowania jego technicznych osiągnięć do własnego stylu. Kopiowanie druków było już dużą i akceptowaną częścią kultury graficznej, ale żadne druki nie były kopiowane tak często, jak Dürera.

Dürer był również malarzem, ale niewiele z jego obrazów można było zobaczyć, z wyjątkiem tych, które miały dobry dostęp do prywatnych domów w okolicy Norymbergi. Lekcja o tym, jak bardziej spektakularnie podążał śladami Schongauera i Mantegny, był w stanie tak szybko zdobyć reputację na całym kontynencie w dużej mierze dzięki swoim grafikom, nie umknęła uwadze innych malarzy, którzy zaczęli znacznie bardziej interesować się grafiką.

Włochy 1500–1515

Przez krótki okres wielu artystów, którzy zaczynali od kopiowania Dürera, wykonało bardzo dokładne odbitki w różnych stylach. Był wśród nich Giulio Campagnola , któremu udało się przełożyć na grawerowanie nowy styl, który Giorgione i Tycjan wnieśli do malarstwa weneckiego . Marcantonio Raimondi i Agostino Veneziano spędzili kilka lat w Wenecji, zanim przenieśli się do Rzymu , ale nawet ich wczesne druki pokazują tendencje klasycyzujące, a także wpływy Północy. Style florenckiego Cristofano Robetta i Benedetto Montagna z Vicenzy nadal są oparte na włoskim malarstwie tego okresu, a później także pod wpływem Giulio Campagnoli .

Giovanni Battista Palumba , znany niegdyś jako „Mistrz IB z ptakiem” ze swojego monogramu, był głównym włoskim artystą drzeworytu w tych latach, a także rytownikiem uroczych scen mitologicznych, często o tematyce erotycznej.

Powstanie druku reprodukcyjnego

Rozrodczego grawerowanie przez Jacoba Matham , w tym przypadku rzeźby , Mojżesza , przez Michelangelo , 1593

Druki kopiujące druki były już powszechne, a wiele piętnastowiecznych druków musiało być kopiami obrazów, ale nie przeznaczonych do postrzegania jako takich, ale jako obrazy same w sobie. Warsztat Mantegny wykonał szereg rycin kopiujących jego Triumf Cezara (obecnie pałac Hampton Court ) lub rysunków do niego, które były być może pierwszymi rycinami, które miały być rozumiane jako przedstawiające obrazy – zwanymi odbitkami reprodukcyjnymi . Wraz z rosnącym tempem innowacji w sztuce i krytycznym zainteresowaniem wśród nieprofesjonalnej publiczności, wiarygodne przedstawienia obrazów spełniły oczywistą potrzebę. Z czasem żądanie to niemal zdławiło stary druk wzorcowy.

Dürer nigdy nie kopiował żadnego ze swoich obrazów bezpośrednio do odbitek, chociaż niektóre z jego portretów opierają obraz i odbitkę na tym samym rysunku, który jest bardzo podobny. Kolejny etap rozpoczął się, gdy Tycjan w Wenecji i Rafael w Rzymie niemal równocześnie rozpoczęli współpracę z grafikami przy wykonywaniu odbitek do ich projektów. Tycjan na tym etapie pracował z Domenico Campagnolą i innymi przy drzeworytach, podczas gdy Raphael pracował z Raimondi przy rycinach, dla których zachowało się wiele rysunków Rafaela. Raczej później obrazy namalowane przez szkołę z Fontainebleau zostały skopiowane na akwafortach, najwyraźniej w krótkim zorganizowanym programie obejmującym wielu samych malarzy.

Włoskie partnerstwa odniosły sukces artystyczny i komercyjny, i nieuchronnie przyciągnęły innych grafików, którzy po prostu samodzielnie kopiowali obrazy, aby tworzyć odbitki w pełni reprodukcyjne. Zwłaszcza we Włoszech druki te, o bardzo różnej jakości, zdominowały rynek i wypierały oryginalną grafikę, która znacznie spadła z około 1530–40 we Włoszech. Do tej pory niektórzy wydawcy/dealerzy stali się ważni, zwłaszcza holenderscy i flamandzcy operatorzy, tacy jak Philippe Galle i Hieronymus Cock , rozwijając sieci dystrybucji, które stawały się międzynarodowe i zlecano im wiele pracy. Skutki rozwoju handlu drukami są przedmiotem kontrowersji naukowych, ale nie ma wątpliwości, że w połowie stulecia tempo oryginalnej grafiki we Włoszech znacznie spadło w porównaniu z poprzednim pokoleniem, jeśli nie tak gwałtownie. jak w Niemczech.

Północ po Dürer

Mleczarka , rycina Lucasa van Leydena , 1510

Chociaż żaden artysta od 1500 do 1550 roku nie mógł zignorować Dürera, kilku artystów po jego śladach nie miało trudności z utrzymaniem bardzo charakterystycznych stylów, często z niewielkim wpływem z jego strony. Lucas Cranach Starszy był tylko o rok młodszy od Dürera, ale miał około trzydziestu lat, zanim zaczął tworzyć drzeworyty w intensywnym północnym stylu, przypominającym Matthiasa Grünewalda . Był także wczesnym eksperymentatorem w technice drzeworytu światłocieniowego . Jego styl później złagodniał i uległ wpływom Dürera, ale skoncentrował swoje wysiłki na malarstwie, w którym zdominował protestanckie Niemcy z siedzibą w Saksonii , przekazując swoją bardzo produktywną pracownię synowi w stosunkowo młodym wieku.

Lucas van Leyden miał niezwykły naturalny talent do grawerowania, a jego wcześniejsze odbitki odniosły wielki sukces, często przyziemnie potraktowane i genialną techniką, tak, że zaczął być postrzegany jako główny rywal Dürera na Północy. Jednak jego późniejsze grafiki cierpiały z powodu włoskiej wielkości, co pozostawiło jedynie technikę stosowaną w znacznie mniej dynamicznych kompozycjach. Podobnie jak Dürer, miał „flirt” z akwafortą, ale raczej na miedzi niż na żelazie. Jego holenderscy następcy przez jakiś czas pozostawali pod silnym urokiem Włoch, których strawienie zabrało im większość stulecia.

Albrecht Altdorfer wykonał kilka włoskich grafik religijnych, ale najbardziej znany jest ze swoich bardzo północnych pejzaży z obwisłych modrzewi i jodeł, które są wysoce innowacyjne zarówno w malarstwie, jak i grafice. Był jednym z najskuteczniejszych wczesnych użytkowników techniki akwaforty , wynalezionej niedawno jako technika grafiki przez Daniela Hopfera , płatnerza z Augsburga . Ani Hopfer, ani pozostali członkowie jego rodziny, którzy kontynuowali jego styl, nie byli wykształconymi lub naturalnymi artystami, ale wiele ich wizerunków ma wielki urok, a ich „ozdobne nadruki”, wykonane zasadniczo jako wzory dla rzemieślników z różnych dziedzin, szeroko rozprzestrzeniają swój wpływ.

Hans Burgkmair z Augsburga , sąsiad i rywal Norymbergi , był nieco starszy od Dürera i pod pewnymi względami miał równoległą karierę, trenując z Martinem Schongauerem, zanim najwyraźniej odwiedził Włochy, gdzie stworzył własną syntezę stylów północnych i włoskich. stosowane w malarstwie i drzeworycie, głównie książkowe, ale z wieloma znaczącymi „jednoskrzydłowymi” (tj. indywidualnymi) odbitkami. Obecnie powszechnie przypisuje się mu wynalezienie kolorowego drzeworytu światłocieniowego . Hans Baldung był uczniem Dürera i został kierownikiem warsztatu w Norymberdze podczas drugiej włoskiej podróży Dürera. Nie miał trudności z zachowaniem bardzo osobistego stylu drzeworytu i stworzył kilka bardzo mocnych obrazów. Urs Graf był szwajcarskim najemnikiem i grafikiem, który wynalazł technikę drzeworytu białą linią , w której powstały jego najbardziej charakterystyczne odbitki.

Mali Mistrzowie

The Little Fool przez Sebald Beham , 1542, 4,4 x 8,1 cm

Mała Masters to termin dla grupy kilku grafików, którzy wszystko produkowanego bardzo małych drobnych szczegółach ryciny o dużej mierze burżuazyjnego rynku, łącząc w elementach miniaturowych od Dürera i od Marcantonio Raimondi , a koncentrując się na świeckie, często mitologiczne i erotyczne, zamiast na tematy religijne. Najbardziej utalentowanymi byli bracia Bartel Beham i długowieczny Sebald Beham . Podobnie jak Georg Pencz pochodzili z Norymbergi i zostali na pewien czas wydaleni przez radę za ateizm . Drugim głównym członkiem grupy był Heinrich Aldegrever , przekonany luteranin o anabaptystycznych inklinacjach, który być może dlatego był zmuszony spędzać większość swojego czasu na wytwarzaniu odbitek ornamentalnych.

Inny przekonany protestant, Hans Holbein Młodszy , spędził większość swojej dorosłej kariery w Anglii, wtedy i przez długi czas zbyt prymitywnie jako rynek i pomoc techniczna, aby wspierać drobną grafikę. Za życia słynnego wycinacza bloków Hansa Lützelburgera stworzył on z projektów Holbeina słynną serię małych drzeworytów Taniec śmierci . Kolejna seria Holbeina, składająca się z dziewięćdziesięciu jeden scen ze Starego Testamentu, w znacznie prostszym stylu, była najpopularniejszą próbą kilku artystów stworzenia protestanckich obrazów religijnych. Obie serie zostały wydane w Lyonie we Francji przez niemieckiego wydawcę, powstałego w Szwajcarii .

Po śmierci tego bardzo błyskotliwego pokolenia zarówno jakość, jak i ilość oryginalnej niemieckiej grafiki doznała dziwnego załamania; być może niemożliwe stało się utrzymanie przekonującego stylu północnego w obliczu przytłaczających włoskich produkcji w „utowarowanym” stylu renesansowym. Niderlandy stały się teraz ważniejsze dla produkcji grafik, co miało pozostać aż do końca XVIII wieku.

Grafika manierystyczna

Herkules , rycina Giorgio Ghisi , wg Bertani, 1558

Niektórzy włoscy graficy poszli w zupełnie innym kierunku niż Raimondi i jego zwolennicy czy Niemcy i używali tego medium do eksperymentów i bardzo osobistej pracy. Parmigianino sam wykonał niektóre akwaforty, a także ściśle współpracował z Ugo da Carpi przy drzeworytach światłocieniowych i innych grafikach.

Giorgio Ghisi był głównym grafikiem szkoły mantuańskiej, która zachowała raczej więcej indywidualności niż Rzym. Wiele jego prac było reprodukcjami, ale jego oryginalne odbitki są często bardzo dobre. Odwiedził Antwerpię, co było odzwierciedleniem władzy, jaką wydawcy tam teraz mieli nad tym, co było teraz europejskim rynkiem druków. Wielu grafików, głównie zajmujących się akwafortą, nadal tworzyło doskonałe odbitki, ale głównie jako uboczny element malarstwa lub grafiki reprodukcyjnej. Należą do nich Battista Franco , Il Schiavone , Federico Barocci i Ventura Salimbeni , którzy wyprodukowali tylko dziewięć odbitek, prawdopodobnie dlatego, że nie zapłacili. Annibale Carracci i jego kuzyn Ludovico wykonali kilka wpływowych rycin, podczas gdy brat Annibale'a Agostino rytował. Obaj bracia wpłynęli na Guido Reni i innych włoskich artystów pełnego okresu baroku w następnym stuleciu.

Francja

Włoscy artyści znani jako Szkoła z Fontainebleau zostali zatrudnieni w latach 30. XVI wieku przez króla Francji Franciszka I do dekoracji jego wizytówki Chateau w Fontainebleau. W trakcie tego długiego projektu wykonano akwaforty, w nieznanych okolicznościach, ale najwyraźniej w samym Fontainebleau i głównie w latach czterdziestych XVI wieku, głównie przedstawiające malowidła ścienne i tynki w zamku (bardzo obecnie zniszczonym). Technicznie rzecz biorąc, są raczej słabe – suche i nierówne – ale te najlepsze z mocą przywołują dziwną i wyrafinowaną atmosferę tamtych czasów. Wiele z najlepszych jest autorstwa Leona Daventa do projektów Primaticcio , czy Antonio Fantuzziego . Kilku artystów, w tym Davent, wyjechało później do Paryża i nadal tam drukowało.

Wcześniej jedynym konsekwentnym grafiką we Francji był Jean Duvet , złotnik, którego bardzo osobisty styl wydaje się być w połowie drogi między Dürerem a Williamem Blake'iem . Jego talerze są niezwykle zatłoczone, nie są konwencjonalnie dobrze narysowane, ale pełne intensywności; przeciwieństwo leniwej elegancji rycin z Fontainebleau, które miały większy wpływ na grafikę francuską. Jego druki pochodzą z lat 1520-1555, kiedy miał siedemdziesiąt lat i ukończył swoje arcydzieło, dwadzieścia trzy druki Apokalipsy.

Holandia

Farnese Hercules , grawerowanie przez Goltziusa

Cornelius Cort był grawerem z Antwerpii, wyszkolonym w wydawnictwie Cocka, o kontrolowanym, ale energicznym stylu i doskonałym w przedstawianiu dramatycznych efektów świetlnych. Udał się do Włoch i w 1565 roku został zatrzymany przez Tycjana do wykonywania odbitek jego obrazów (Tycjan zapewnił sobie „przywileje” lub prawa do wyłącznego powielania własnych dzieł). Tycjan zadał sobie sporo trudu, aby uzyskać pożądany efekt; powiedział, że Cort nie może pracować na samym obrazie, więc stworzył dla niego specjalne rysunki . Ostatecznie wyniki okazały się bardzo skuteczne i udane, a po śmierci Tycjana Cort przeniósł się do Rzymu, gdzie uczył wielu najbardziej utytułowanych grafików następnego pokolenia, w szczególności Hendrika Goltziusa , Francesco Villamenę i Agostino Carracciego , ostatniego ważnego włoskiego artysty powstrzymać rozprzestrzenianie się trawienia.

Goltzius, prawdopodobnie ostatni wielki rytownik, doprowadził styl Corta do najdalszego punktu. Z powodu wypadku w dzieciństwie rysował całym ramieniem, a jego użycie linii pęczniejącej, zmieniającej profil wiertła w celu pogrubienia lub zmniejszenia linii podczas ruchu, nie ma sobie równych. Był niezwykle płodny, a artystyczna, jeśli nie techniczna, jakość jego pracy jest bardzo zmienna, ale jego najlepsze grafiki czekają na energię Rubensa i są tak zmysłowe w użyciu linii, jak on w farbie.

W tym samym czasie inny wyszkolony w Cort artysta, który uciekł malować, Pieter Brueghel starszy , wykonywał odbitki w zupełnie innym stylu; pięknie narysowany, ale po prostu wygrawerowany. Sam wytrawił tylko jeden talerz, wspaniały pejzaż, Łowcy królików , ale stworzył wiele rysunków dla specjalistów z Antwerpii, przedstawiające życie chłopskie, satyry i wydarzenia warte opublikowania.

W międzyczasie wielu innych grawerów w Holandii nadal produkowało ogromną liczbę odbitek reprodukcyjnych i ilustracyjnych o bardzo różnym stopniu jakości i atrakcyjności — te dwa w żadnym wypadku nie zawsze idą w parze. Znane dynastie, często wydawców i artystów, obejmują rodzinę Wierix , Saenredams i Aegidius Sadeler oraz kilku jego krewnych . Philippe Galle założył kolejną długowieczną firmę rodzinną. Theodor de Bry specjalizował się w ilustrowaniu książek o nowych obszarach kolonialnych.

XVII wiek i epoka Rembrandta

Autoportret przez Rembrandta , 1630

Wiek XVII przyniósł ciągły wzrost ilości grafiki komercyjnej i reprodukcyjnej; Rubens , podobnie jak Tycjan przed nim, zadał sobie wiele trudu, aby dostosować wyszkolonych rytowników w swoim warsztacie do konkretnego stylu, którego chciał, chociaż kilku uznało jego wymagania za zbyt wiele i odeszło. Pokolenie po nim stworzyło wielu rozproszonych grafików o bardzo indywidualnym i osobistym stylu; do tej pory akwaforta stała się normalnym medium dla takich artystów.

Rembrandt kupił prasę drukarską do swojego domu w czasach swojej wczesnej prosperity i kontynuował produkcję akwafort (zawsze tak zwanych zbiorowo, chociaż Rembrandt mieszał techniki, dodając grawerowanie i suchą igłę do niektórych swoich akwafort) aż do jego bankructwa, kiedy przegrał zarówno dom, jak i prasa. Na szczęście jego odciski były zawsze gorliwie zbierane i, jak się wydaje, przetrwała duża część jego stanów pośrednich, często tylko w jednym lub dwóch odbitkach. Wyraźnie sam był bardzo bezpośrednio zaangażowany w proces drukowania i prawdopodobnie sam selektywnie wycierał płytkę atramentu, aby uzyskać efekt tonacji powierzchni na wielu odciskach. Nieustannie eksperymentował również z efektami różnych artykułów. Tworzył odbitki o szerszym zakresie tematów niż jego obrazy, z kilkoma czystymi pejzażami, wieloma autoportretami, często bardziej ekstrawagancko fantazyjnymi niż jego obrazy, niektórymi tematami erotycznymi (w każdym razie obscenicznymi) i dużą liczbą odbitek religijnych . Coraz bardziej interesowały go mocne efekty świetlne i bardzo ciemne tła. Jego reputacja największego grawera w historii tego medium została ugruntowana za jego życia i od tego czasu nigdy nie była kwestionowana. Niewiele z jego obrazów opuściło Holandię za jego życia, ale jego odbitki krążyły po całej Europie, a jego szersza reputacja początkowo opierała się wyłącznie na nich.

Kilku innych holenderskich artystów tego stulecia stworzyło oryginalne odbitki wysokiej jakości, w większości trzymające się tych samych kategorii gatunków, które malowali. Ekscentryczny Hercules Seghers i Jacob van Ruisdael tworzyli pejzaże w bardzo małych ilościach, włoskie pejzaże Nicolaesa Berchema i Karela Dujardina ze zwierzętami i postaciami oraz sceny chłopskie Adriaena van Ostade . Żaden z nich nie był bardzo płodny, ale najpopularniejszym tematem był pejzaż włoski; Berchem miał większe dochody ze swoich grafik niż obrazów.

„Wskrzeszenie Łazarza”, akwaforta Castiglione
„Masakra niewiniątek” Callota , 13,7 x 10,5 cm, ukazująca użycie wielokrotnych przystanków

Giovanni Benedetto Castiglione dorastał w Genui i był pod silnym wpływem pobytów tam Rubensa i van Dycka, gdy był młodym artystą. Jego technika akwaforty była niezwykle płynna i we wszystkich mediach często powtarza te same tematy w wielu zupełnie różnych kompozycjach. Jego wczesne druki zawierają szereg brawurowych zabiegów o tematyce klasycznej i pastoralnej, podczas gdy późniejsze dominuje tematyka religijna. Wyprodukował także dużą serię małych głów egzotycznie ubranych mężczyzn, których często używali inni artyści. Był technicznie innowacyjny, wymyślił monotyp, a także szkic olejny, który miał być produktem końcowym. Podobnie jak Rembrandt interesował się efektami światłocienia (kontrasty światła i ciemności), stosując szereg bardzo różnych podejść.

Być może Jusepe de Ribera nauczył się akwaforty w Rzymie, ale wszystkie jego mniej niż trzydzieści odbitek powstało w Neapolu w latach 20. XVII wieku, kiedy jego kariera jako malarza wydawała się być w zastoju. Kiedy znów zaczęły napływać zlecenia malarskie, prawie porzucił grafikę. Jego talerze zostały sprzedane po jego śmierci wydawcy z Rzymu, który lepiej radził sobie z ich sprzedażą niż sam Ribera. Jego potężny i bezpośredni styl rozwinął się niemal natychmiast, a jego tematy i styl pozostają zbliżone do jego obrazów.

Jacques Bellange był malarzem nadwornym w Lotaryngii , świecie, który miał zniknąć nagle podczas wojny trzydziestoletniej, wkrótce po jego śmierci. Żadnego ocalałego obrazu jego nie można utożsamić z pewnością, a większość z tych, które czasem mu przypisuje, nie robi wrażenia. Jego grafiki, głównie religijne, to barokowe ekstrawagancje, które były traktowane z przerażeniem przez wielu XIX-wiecznych krytyków, ale mocno wróciły do ​​​​mody – bardzo odmienny barokowy styl innego artysty z Lotaryngii, Georgesa de La Tour , cieszy się podobnym odrodzeniem. Był pierwszym takim grafiką (lub artystą) lotaryńskim i musiał mieć wpływ na młodszego Jacquesa Callota , który pozostał w Lotaryngii, ale został opublikowany w Paryżu , gdzie wywarł ogromny wpływ na francuską grafikę.

Innowacje techniczne Callota w ulepszaniu receptur podłoża do trawienia miały kluczowe znaczenie dla umożliwienia akwaforty konkurowania ze szczegółami grawerowania, a na dłuższą metę oznaczały koniec grawerowania artystycznego. Wcześniej niepewny charakter użytego podłoża oznaczał, że artyści nie mogli ryzykować zbytniego wysiłku w wytrawioną płytę, ponieważ praca może zostać zrujnowana przez przecieki w ziemi. Podobnie, wielokrotne przystanki, umożliwiające linie wyryte na różnych głębokościach przez różną długość ekspozycji na kwas, były zbyt ryzykowne. Callot był liderem w wykorzystywaniu nowych możliwości; większość jego akwafort jest niewielka, ale pełna drobnych szczegółów, a on rozwinął poczucie recesji w krajobrazowych tłach w akwafortach z wielokrotnymi ugryzieniami, aby wytrawić tło lżej niż pierwszy plan. Użył również specjalnej igły do ​​trawienia zwanej échoppe, aby wytworzyć linie obrzęku, takie jak te utworzone przez rytownik w grawerunku, a także wzmocnił wytrawione linie wiertłem po ugryzieniu; co wkrótce stało się powszechną praktyką wśród sztycharzy. Callot wyrył wiele różnych tematów w ponad 1400 rycinach, od groteski po swoją maleńką, ale niezwykle mocną serię Les Grandes Misères de la guerre . Abraham Bosse , paryski rysownik, spopularyzował metody Callota w niezwykle udanym podręczniku dla studentów. Jego własna praca odnosi sukces w deklarowanym przez niego celu, aby akwaforty wyglądały jak ryciny i bardzo przypomina francuskie życie w połowie wieku.

Wczesna mezzotinta autorstwa Walleranta Vaillanta , asystenta lub nauczyciela Siegena

Wenzel Hollar był czeskim ( czeskim ) artystą, który uciekł ze swojego kraju w czasie wojny trzydziestoletniej, osiedlając się głównie w Anglii (był oblężony w Basing House podczas angielskiej wojny domowej , a następnie podążył za swoim rojalistycznym patronem na nowe wygnanie w Antwerpii, gdzie współpracował z wieloma tamtejszymi dużymi wydawnictwami). Wyprodukował wiele akwafort w prostym realistycznym stylu, wiele topograficznych, w tym duże widoki z lotu ptaka , portrety i inne przedstawiające kostiumy, zawody i rozrywki. Stefano della Bella był czymś w rodzaju włoskiego odpowiednika Callota, tworząc wiele bardzo szczegółowych małych akwafort, ale także większe i swobodniejsze prace, bliższe włoskiej tradycji rysunku. Anthony van Dyck wykonał tylko dużą serię odbitek portretowych współczesnych notabli, Ikonografię, do której sam wyrył tylko kilka głów, ale w genialnym stylu, który miał wielki wpływ na XIX-wieczną akwafortę. Ludwig von Siegen był niemieckim żołnierzem i dworzaninem, który wynalazł technikę mezzotinty , która w rękach lepszych od niego artystów miała stać się ważną, głównie reprodukcyjną techniką XVIII wieku.

Ostatnie trzecie stulecia przyniosło stosunkowo niewiele oryginalnej grafiki, która cieszyła się dużym zainteresowaniem, chociaż grafika ilustracyjna osiągnęła wysoki poziom jakości. Francuskie odbitki portretowe, najczęściej kopiowane z obrazów, były najwspanialsze w Europie i często niezwykle błyskotliwe, przy czym szkoła obejmowała zarówno akwafortę, jak i grawerowanie, często w tym samym dziele. Najważniejszymi artystami byli Claude Mellan , rytownik od lat 30. XVI wieku i jego współczesny Jean Morin , którego połączenie grawerowania i akwaforty wpłynęło na wielu późniejszych artystów. Robert Nanteuil był oficjalnym rytownikiem portretów Ludwika XIV i wykonał ponad dwieście znakomicie grawerowanych portretów dworskich i innych znanych postaci francuskich.

Dzieła grafiki artystycznej po śmierci Rembrandta

Jeden z poglądów Piranesiego na Rzym

Niezwykle popularne ryciny Williama Hogartha w Anglii w niewielkim stopniu dotyczyły technicznych efektów graficznych; w wielu z nich tworzył reprodukcje własnych obrazów (co jest zaskakująco rzadkim zjawiskiem), które miały na celu jedynie jak najdokładniejsze przekazanie jego zatłoczonych kompozycji moralnych. Nie byłoby możliwe, bez wiedzy, odróżnić je od jego oryginalnych grafik, które mają ten sam cel. Wycenił swoje druki, aby dotrzeć do średniego, a nawet wyższego rynku klasy robotniczej, i odniósł w tym wspaniały sukces.

Canaletto był również malarzem odnoszącym wielkie sukcesy i choć jego stosunkowo nieliczne odbitki są wedutami , różnią się one raczej od jego malowanych iw pełni świadome możliwości medium akwafortowego. Piranesi był przede wszystkim grafikiem, innowatorem technicznym, który wydłużył żywotność swoich płyt ponad to, co było wcześniej możliwe. Jego Widoki Rzymu — dobrze ponad sto ogromnych płyt — były poparte poważnym zrozumieniem architektury rzymskiej i nowoczesnej oraz znakomicie wykorzystywały dramat zarówno starożytnych ruin, jak i barokowego Rzymu. Wiele odbitek przedstawiających widoki rzymskie powstało już wcześniej, ale wizja Piranesiego stała się punktem odniesienia. Gianbattista Tiepolo , pod koniec swojej długiej kariery, stworzył kilka genialnych rycin, bezpodstawnych capricci krajobrazu klasycznych ruin i sosen, zamieszkałych przez elegancką grupę pięknych młodych mężczyzn i kobiet, filozofów w fantazyjnych strojach, żołnierzy i satyrów. Złe usposobienie sowy spoglądają z góry na sceny. Jego syn Domenico wykonał znacznie więcej akwafort w podobnym stylu, ale o znacznie bardziej konwencjonalnych tematach, często odtwarzając obrazy ojca.

Nieustannie rozwijały się środki techniczne, którymi dysponowali graficy reprodukcyjni, a wiele znakomitych i poszukiwanych odbitek wykonali angielscy mezzotinterowie (wiele z nich to w rzeczywistości irlandzcy) i francuscy graficy w różnych technikach. Francuskie próby produkcji kolorowych wydruków wysokiej jakości zakończyły się sukcesem pod koniec stulecia, chociaż techniki te były drogie. Wydruki mogą być teraz produkowane bardzo zbliżone rysunki w kredką lub akwarelami . W ten sposób wykonano kilka oryginalnych odbitek, ale stosowało je niewielu znaczących artystów.

Powstanie powieści spowodowało zapotrzebowanie na małe, bardzo ekspresyjne ilustracje do nich. Wyspecjalizowało się w nich wielu znakomitych francuskich i innych artystów, ale wyraźnie wyróżnia się na tle innych twórczość Daniela Chodowieckiego , Niemca polskiego pochodzenia, który wykonał ponad tysiąc małych akwafort. Głównie ilustracje do książek, są wspaniale narysowane i podążają za duchem czasu, poprzez kult sentymentu do rewolucyjnego i nacjonalistycznego zapału początku XIX wieku.

Jednym z Los desastres de la guerra , akwatinta przez Goya

Wspaniali , ale brutalni akwatinci Goyi często wyglądają, jakby ilustrowali jakieś nienapisane dzieło literackie, ale ich znaczenie musi być wyjaśnione z ich tytułów, często zawierających kilka znaczeń, oraz z krótkich komentarzy na temat wielu z nich nagranych przez niego. Jego grafiki ukazują od początku makabryczny świat, który pojawia się jedynie we wskazówkach na obrazach, aż do ostatnich lat. Niemal wszystkie zostały wydane w kilku seriach, z których najbardziej znane to: Caprichos (1799), Los desastres de la guerra ( Klęski wojny po 1810 roku, ale niepublikowane pięćdziesiąt lat później). Zbyt wiele dalszych wydań ukazało się po jego śmierci, kiedy jego delikatny ton akwatinty został zużyty lub przerobiony.

William Blake był tak samo niekonwencjonalny technicznie, jak w temacie i wszystkim innym, będąc pionierem procesu trawienia wypukłego, który później stał się przez pewien czas dominującą techniką ilustracji komercyjnych. Wiele jego odbitek to strony do jego książek, z tekstem i obrazem na tej samej płycie, jak w XV-wiecznych księgach blokowych. Ruch romantyczny doświadczył odrodzenia oryginalnej grafiki w kilku krajach, z dużym udziałem Niemiec; wielu z ruchu nazareńskiego było grafikami. W Anglii John Sell Cotman wyrył wiele pejzaży i budynków w efektownym, prostym stylu. JMW Turner wyprodukował kilka serii druków, w tym jedną, Liber Studiorum , która składała się z siedemdziesięciu jeden akwafort z mezzotintą, które miały wpływ na artystów krajobrazu; według Lindy Hults, ta seria grafik jest „podręcznikiem typów krajobrazu Turnera i … deklaracją jego filozofii krajobrazu”. Wraz ze stosunkowo nielicznymi akwafortami Delacroix można powiedzieć, że okres dawnego druku wzorcowego dobiegł końca.

Grafika miała odrodzić się potężnie później, w XIX i XX wieku, w wielkiej różnorodności technik. W szczególności Odrodzenie Trawiarstwa , trwające od około lat 50. XIX wieku do krachu na Wall Street w 1929 roku, odmłodziło tradycyjne techniki monochromatyczne, w tym nawet drzeworyt, podczas gdy litografia stopniowo stała się najważniejszą techniką graficzną w tym samym okresie, zwłaszcza że stała się bardziej efektywna w użyciu kilku kolory w tym samym druku.

Napisy

Graficy, którzy podpisywali swoje prace, często dodawali inskrypcje, które charakteryzowały charakter ich wkładu.

Lista z ich definicjami obejmuje:

  • Ad vivum wskazuje, że portret powstał „z życia”, a nie po obrazie, np. Aug. de St. Aubin al vivum delin. i rzeźbić.
  • Aq., aquaf., aquafortis oznaczają wytrawiacz
  • D., del., delin., delineavit odnoszą się do kreślarza
  • Projekt, projekt. odnieść się do projektanta
  • Kierunek, Kierunek. pokazać kierunek lub nadzór nad uczniem przez mistrza
  • Np., exc., excu., excu., excud., excudebat wskaż wydawcę
  • F., fe., f t , fec., fec t , fecit, fa., fac., fac t , faciebat wskazują, przez kogo grawer został „wykonany” lub wykonany
  • Formis , podobnie jak excudit , opisuje akt publikacji
  • Chochlik. wskazuje drukarkę
  • Inc., inci., incid., incidit, incidebat odnoszą się do tego, który „nacinał” lub grawerował tabliczkę
  • Inv., invenit, wynalazca oznacz "wynalazcę" lub projektanta obrazu
  • Cząstka pomarańczy. nie oznacza „litografowany przez”, ale „drukowany przez”. Tak więc Lit. de C. Motte, Lit. Lasteyrie, ja lit. de Delpech odnoszą się do drukarni litograficznych
  • P., pictor, pingebat, pinx, pinx t , pinxit pokazują kto namalował obraz, z którego wykonano grawerunek
  • S., sc., scul., sculpsit, sculpebat, rzeźbiarz występują po nazwisku grawera

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

  • Bareau, Juliet Wilson , Goya Prints , The Tomás Harris Collection w British Museum , 1981, British Museum Publications, ISBN  0-7141-0789-1
  • Bartrum, Giulia (1995), Niemieckie druki renesansowe, 1490-1550 . Londyn: British Museum Press ISBN  0-7141-2604-7
  • Bartrum, Giulia (2002), Albrecht Dürer i jego dziedzictwo . Londyn: British Museum Press ISBN  0-7141-2633-0
  • Bury, Michael; Druk we Włoszech, 1550-1620 , 2001, British Museum Press, ISBN  0-7141-2629-2
  • Filedt Kok, JP (red.), Żywotniejszy niż życie , The Master of the Amsterdam Cabinet lub Housebook Master 1470-1500 , Rijksmuseum / Garry Schwartz / Princeton University Press, 1985, ISBN  90-6179-060-3 / ISBN  0 -691-04035-4
  • Griffiths, Antony (1980), Grafiki i grafika ; 2. wyd. z 1986 używane, British Museum Press ISBN  0-7141-2608-X
  • Griffiths, Antony i Carey, Francis; Grafika niemiecka w epoce Goethego , 1994, British Museum Press, ISBN  0-7141-1659-9
  • Griffiths, Antony i Hartley, Craig (1997), Jacques Bellange, c. 1575–1616, grafik lotaryński . Londyn: British Museum Press ISBN  0-7141-2611-X
  • Griffiths, Antoniusz, wyd. (1996), Landmarks in Print Collecting: koneserzy i darczyńcy w British Museum od 1753 . Londyn: British Museum Press ISBN  0-7141-2609-8
  • Hind, Arthur M. (1923), Historia grawerowania i trawienia . Boston, Massachusetts: Houghton Mifflin Co. (przedrukowany przez Dover Publications, New York, 1963 ISBN  0-486-20954-7 )
  • Hind, Arthur M. (1935), Wprowadzenie do historii drzeworytu . Boston, Massachusetts: Houghton Mifflin Co. (przedrukowany przez Dover Publications, New York, 1963 ISBN  0-486-20952-0 )
  • Hults, Linda, The Print in the Western World: An Introductory History , The University of Wisconsin Press, Madison, Wisconsin, 1996,
  • Karen Jacobson, red. (często błędnie kat. Georg Baselitz ), The French Renaissance in Prints , 1994, s. 470; Centrum Grunwaldzkie, UCLA, ISBN  0-9628162-2-1
  • Landau, David & Parshall, Peter (1996), druk renesansowy . New Haven: Yale UP ISBN  0-300-06883-2
  • Langdale, Shelley, Battle of the Nudes: Renesansowe arcydzieło Pollaiuolo , The Cleveland Museum of Art, 2002.
  • Levinson, JA, ed., Wczesne włoskie ryciny z Narodowej Galerii Sztuki . Waszyngton, DC: Narodowa Galeria Sztuki LCCN  73-79624
  • Michael Marqusee, Objawienie św. Jana; Ryciny apokalipsy Jean Duvet , Paddington Press, Londyn, 1976, ISBN  0-8467-0148-0
  • Burmistrz, A. Hyatt, Prints and People , Princeton, NJ: Metropolitan Museum of Art / Princeton UP ISBN  0-691-00326-2 , Druki i ludzie: historia społeczna drukowanych zdjęć w pełni online z MMA
  • Pon, Lisa, Raphael, Dürer i Marcantonio Raimondi, Kopiowanie i włoski renesansowy druk , 2004, Yale UP, ISBN  978-0-300-09680-4
  • Reed, Sue Welsh & Wallace, Richard, wyd. (1989) Włoscy rytownicy renesansu i baroku . Boston, Massachusetts: Muzeum Sztuk Pięknych ISBN  0-87846-306-2
  • Shestack, Alan (1967a) XV-wieczne Ryciny Europy Północnej . Waszyngton, DC: Narodowa Galeria Sztuki LCCN  67-29080 (Katalog)
  • Shestack, Alan (1967b), Mistrz ES Filadelfia: Philadelphia Museum of Art
  • Spangeberg, KL, ed., Six Century of Master Prints . Cincinnati: Muzeum Sztuki w Cincinnati ISBN  0-931537-15-0
  • Weitenkampf, Frank (1921). Jak doceniać druki , wydanie trzecie poprawione (w archiwum internetowym). Nowy Jork: Synowie Charlesa Scribnera.
  • White, Christopher, Późne akwaforty Rembrandta . Londyn: Muzeum Brytyjskie/Lund Humphries

Zewnętrzne linki