Notacja muzyczna - Musical notation

Ręczny zapis nutowy JS Bacha (1685–1750). Tak zaczyna się Preludium z Suity na lutnię g-moll BWV 995 (transkrypcja V Suity wiolonczelowej BWV 1011).

Notacji muzycznej lub notacja muzyczna jest każdy system wykorzystana do reprezentowania słuchowo postrzeganej muzyka odtwarzana z instrumentami lub śpiewane przez głos ludzki poprzez użycie pisanych, drukowanych, lub inaczej produkowanych symboli, w tym zapisie do trwania braku dźwięku, takich jak suportów .

Rodzaje i metody notacji różniły się w zależności od kultury i historii, a wiele informacji na temat notacji muzycznej starożytnej jest fragmentarycznych. Nawet w tym samym okresie, na przykład w latach 2010, różne style muzyczne i różne kultury stosują różne metody zapisu nutowego; na przykład, dla profesjonalnych wykonawców muzyki klasycznej , zapis nutowy z użyciem pięciolinii i nagłówków jest najczęstszym sposobem notowania muzyki, ale dla profesjonalnych muzyków sesyjnych muzyki country , główną metodą jest system liczb Nashville .

Użyte symbole obejmują starożytne symbole i współczesne symbole wykonane na dowolnych nośnikach, takie jak symbole wyryte w kamieniu, wykonane w glinianych tabliczkach , wykonane piórem na papirusie lub pergaminie lub papierze rękopisowym ; drukowane na prasie drukarskiej (ok. 1400), drukarce komputerowej (ok. 80) lub innej technologii druku lub nowoczesnej technologii kopiowania .

Chociaż wiele starożytnych kultur używało symboli do reprezentowania melodii i rytmów , żadna z nich nie była szczególnie wyczerpująca, co ograniczyło dzisiejsze rozumienie ich muzyki. Ziarna tego, co ostatecznie stanie się współczesną notacją zachodnią, zostały zasiane w średniowiecznej Europie, poczynając od celu Kościoła katolickiego dotyczącego jednolitości kościelnej. Kościół zaczął notować melodie chorałowe , aby te same pieśni mogły być używane w całym kościele. Notacja muzyczna rozwinęła się dalej w epoce muzycznej renesansu i baroku . W okresie klasycznym (1750-1820) i epoce muzyki romantycznej (1820-1900) notacja rozwijała się wraz z rozwojem nowych technologii instrumentów muzycznych . W współczesnej muzyki klasycznej z 20 i 21 wieku, notacji muzycznej nadal rozwijać, wraz z wprowadzeniem notacji graficznej przez niektórych współczesnych kompozytorów i stosowania, od 1980 roku, od komputerowych score pisarz programów notating muzykę. Notacja muzyczna została dostosowana do wielu rodzajów muzyki, w tym muzyki klasycznej, popularnej i tradycyjnej .

Historia

Starożytny Bliski Wschód

Rysunek jednej strony tabliczki, na której zapisany jest Hymn do Nikkala

Najwcześniejszą formę zapisu nutowego można znaleźć na tabliczce klinowej, która została stworzona w Nippur w Babilonii (dzisiejszy Irak ) około 1400 r. p.n.e. Tablica przedstawia fragmentaryczne instrukcje wykonywania muzyki, że muzyka została skomponowana w harmoniach tercjowych i że została napisana w skali diatonicznej . Tabliczka z około 1250 roku p.n.e. pokazuje bardziej rozwiniętą formę zapisu. Choć interpretacja systemu notacji wciąż budzi kontrowersje, jasne jest, że notacja wskazuje nazwy strun na lirze , których strojenie jest opisane w innych tabliczkach. Chociaż są one fragmentaryczne, tabliczki te reprezentują najwcześniejsze zapisane melodie znalezione na całym świecie.

Zdjęcie oryginalnego kamienia w Delfach zawierającego drugi z dwóch hymnów delfickich do Apolla . Zapis muzyczny to linia okazjonalnych symboli nad główną, nieprzerwaną linią greckich liter.

Starożytna Grecja

Starożytna grecka notacja muzyczna była używana od co najmniej VI wieku p.n.e. do około IV wieku naszej ery; zachowała się tylko jedna kompletna kompozycja ( Seikilos epitafium ) i szereg fragmentów wykorzystujących ten zapis. Zapis muzyki śpiewanej składa się z literowych symboli wysokości dźwięków, umieszczonych nad sylabami tekstu. Rytm jest wskazywany jedynie w sposób szczątkowy, za pomocą długich i krótkich symboli. Seikilos epitafium została różnie datowane między 2 wieku pne do 2 wieku naszej ery.

W rękopisie istnieją trzy hymny Mesomedes z Krety . Delficka Hymny , datowane na 2 wieku pne, wykorzystywać również ten zapis, ale nie są one w pełni zachowane. Wygląda na to, że starożytna notacja grecka przestała być używana w czasach upadku Cesarstwa Zachodniorzymskiego .

Imperium Bizantyjskie

Notacji muzycznej bizantyjski w pierwszej edycji (1823) z dnia Macarie Ieromonahul za anastasimatarion , wykorzystując zbiór hymnów z codziennym chorału (łącznie troparia zmartwychwstania zwanych apolytikia anastasima ) w oktoechos aby każda sekcja rozpoczęła się wieczorem psalmu 140 (tutaj odcinku Echos PROTOS z rumuńskim transliteracji w pismo cyrylicy)

Muzyka bizantyjska kiedyś zawierała muzykę do ceremonii dworskich, ale przetrwała tylko jako wokalna muzyka kościelna w różnych ortodoksyjnych tradycjach monodycznych (monofonicznych) śpiewów zapisanych w bizantyjskiej notacji okrągłej (patrz anastasimatarion Macarie z tekstem greckim przetłumaczonym na rumuński i transliterowanym na cyrylicę) .

Od VI wieku greckie kategorie teoretyczne ( melos , genos , harmonia , systema ) odgrywały kluczową rolę w zrozumieniu i przekazywaniu muzyki bizantyjskiej , zwłaszcza tradycja Damaszku miała silny wpływ na przedislamski Bliski Wschód porównywalny z wpływem perskim muzyka . Najwcześniejsze dowody to papirusowe fragmenty greckiej tropologii. Te fragmenty po prostu przedstawiają tekst hymnu następujący po sygnaturze modalnej lub kluczu (np. „ ΠΛ Α ” dla echos plagios protos lub „ Β ” dla echos devteros ).

W przeciwieństwie do notacji zachodniej, neumy bizantyjskie używane od X wieku były zawsze powiązane z krokami modalnymi (ten sam stopień modalny, jeden stopień niższy, dwa stopnie wyższy itd.) w stosunku do takiego klucza lub klucza modalnego ( podpisy modalne ). Pierwotnie ta tonacja lub incipit wspólnej melodii wystarczał do wskazania pewnego wzorca melodycznego podanego w echach . Obok notacji ekfonetycznej , używanej jedynie w lekcjonarzach do wskazywania formuł używanych na lekcjach pism świętych, notacja melodyczna rozwinęła się nie wcześniej niż między IX a X wiekiem, kiedy pisano a theta ( θ ), oxeia ( / ) lub diple ( // ) pod pewną sylabą tekstu, gdy oczekiwano dłuższego melizmu. Ta prymitywna forma została nazwana „theta” lub „notacją diple”.

Dziś można prześledzić ewolucję tej notacji w greckich księgach śpiewów monastycznych, takich jak sticherarion i heirmologion (zapis Chartres był raczej używany na Górze Athos i Konstantynopolu, notacja Coislin w patriarchatach Jerozolimy i Aleksandrii), podczas gdy był inny notacja gestyczna pierwotnie używana dla asmatikon (księga chórowa) i kontakarion (księga solisty lub monophonaris) obrządku katedry konstantynopolitańskiej. Najwcześniejsze księgi, które przetrwały, to "kondakars" w tłumaczeniu słowiańskim, które już posiadają system notacji znany jako notacja kondakariańska . Podobnie jak w alfabecie greckim znaki notacji są uporządkowane od lewej do prawej (chociaż kierunek można dostosować, jak w niektórych manuskryptach syryjskich). Kwestia rytmu była całkowicie oparta na cheironomii (interpretacji tak zwanych wielkich znaków, które wywodzą się z różnych ksiąg śpiewów). Te wielkie znaki ( μεγάλα σῃμάδια ) wskazywały na znane frazy melodyczne wydawane gestami chórzystów obrządku katedralnego. Istniały kiedyś jako część tradycji ustnej, rozwinęły notację kondakariańską i zostały w XIII wieku zintegrowane z bizantyjską notacją okrągłą jako rodzaj uniwersalnego systemu notacji.

Dziś główna różnica między neumami zachodnimi i wschodnimi polega na tym, że wschodnie symbole zapisu są raczej „różnicowe” niż bezwzględne, tj. wskazują kroki wysokości tonu (wznoszące, opadające lub na tym samym kroku), a muzycy wiedzą, jak poprawnie wywnioskować na podstawie partytury. i nutę, którą śpiewają obecnie, o której poprawny interwał chodzi. Te symbole schodkowe same w sobie, lub lepiej „neumy foniczne”, przypominają pociągnięcia pędzlem i są potocznie nazywane gántzoi („haki”) we współczesnej grece .

Nuty jako klasy wysokości dźwięku lub klawisze modalne (zazwyczaj zapamiętywane przez sygnatury modalne) są reprezentowane w formie pisemnej tylko między tymi neumami (w rękopisach zwykle pisanych czerwonym atramentem). We współczesnej notacji służą one po prostu jako opcjonalne przypomnienie, aw razie potrzeby dodano kierunki modalne i tempowe. W notacji papadzkiej podpisy przyśrodkowe oznaczały zwykle chwilową zmianę w inne echa.

Tak zwane „wielkie znaki” były kiedyś związane ze znakami cheironomicznymi; według współczesnych interpretacji są one rozumiane jako ozdobniki i przyciągania mikrotonowe (zmiany wysokości tonu mniejsze od półtonu ), oba istotne w choracie bizantyjskim.

Chrysanthos' Kanonion z porównania starożytnego greckiego tetraphonia (kolumna 1), Western Solfeggio The Papadic Parallage (rosnąco: kolumna 3 i 4; malejąco: kolumna 5 i 6), zgodnie z systemem trochos , a jego heptaphonic parallage zgodnie z nowym Metoda (sylaby w nagłówku i martyriai w ostatniej kolumnie) ( Chrysanthos 1832 , s. 33)

Od Chrysanthos z Madytos istnieje siedem standardowe nazwy note stosowane w „Solfege” ( parallagē ) PA, vu, g h A, D h I, KE ZO, NE , natomiast starsze praktyka nadal używane cztery enechemata lub formuły intonacji cztery echoi nadawane przez sygnatury modalne, autentyczny lub kyrioi w kierunku rosnącym i plagal lub plagioi w kierunku opadającym ( Papadic Octoechos ). Z wyjątkiem vú i zō odpowiadają one z grubsza zachodnim sylabom solmizacyjnym jako re, mi, fa, sol, la, si, do . Muzyka bizantyjska wykorzystuje osiem naturalnych, nietemperowanych skal, których elementy zostały zidentyfikowane wyłącznie przez Ēkhoi , „dźwięki”, i dlatego absolutna wysokość każdej nuty może się nieznacznie różnić za każdym razem, w zależności od konkretnego użytego Ēkhos . Notacja bizantyjska jest nadal używana w wielu Kościołach prawosławnych. Niekiedy kantorzy stosują też transkrypcje na zachodnią lub kijowską notację pięcioliniową, dodając z pamięci nienotatalny materiał upiększający i „wsuwając się” w naturalne skale z doświadczenia, ale nawet w przypadku współczesnych wydań neumowych od czasu reformy Chrysanthos wiele szczegółów znanych jest tylko z tradycja ustna związana z tradycyjnymi mistrzami i ich doświadczeniem.

XIII-wieczny Bliski Wschód

W 1252 Safi al-Din al-Urmawi opracował formę notacji muzycznej, w której rytmy były reprezentowane przez reprezentację geometryczną . Wielu późniejszych badaczy rytmu dążyło do opracowania graficznych notacji geometrycznych. Na przykład podobny układ geometryczny opublikował w 1987 r. Kjell Gustafson, którego metoda przedstawia rytm jako dwuwymiarowy wykres.

Wczesna Europa

Zapis muzyczny z mszału angielskiego z początku XIV wieku

Uczony i teoretyk muzyki Izydor z Sewilli , pisząc na początku VII wieku, uważał, że „jeżeli dźwięki nie zostaną zachowane w pamięci człowieka, giną, ponieważ nie można ich zapisać”. Jednak w połowie IX wieku w klasztorach w Europie zaczął rozwijać się rodzaj zapisu neumatycznego jako mnemonika do chorału gregoriańskiego , wykorzystującego symbole znane jako neumy ; najstarszy zachowany zapis muzyczny tego typu jest w Disciplina Musica z Aurelian z Réôme od około 850. Są rozproszone przeżycia z Półwyspu Iberyjskiego przed upływem tego czasu, typu notacji zwanej neum Visigothic , ale jej kilka fragmentów, które przeżyły mieć jeszcze nie został odszyfrowany. Problem z tym zapisem polegał na tym, że pokazywał tylko kontury melodyczne, a co za tym idzie muzyka nie mogła być odczytana przez kogoś, kto jeszcze jej nie znał.

Zapis muzyki dawnej

Notacja rozwinęła się na tyle daleko, aby można było zapisywać melodię, ale wciąż nie było systemu notowania rytmu. Traktat z połowy XIII wieku, De Mensurabili Musica , wyjaśnia zestaw sześciu trybów rytmicznych, które były wówczas w użyciu, choć nie jest jasne, w jaki sposób powstały. Wszystkie te tryby rytmiczne były w potrójnym czasie i raczej ograniczonym rytmie w śpiewie do sześciu różnych powtarzających się wzorów. Był to błąd dostrzeżony przez niemieckiego teoretyka muzyki Franco z Kolonii i podsumowany jako część jego traktatu Ars cantus mensurabilis (sztuka śpiewu miarowego lub notacji menzuralnej ). Zasugerował, że poszczególne nuty mogą mieć własne rytmy reprezentowane przez kształt nuty. Dopiero w XIV wieku powstało coś takiego jak obecny system stałych długości nut. Stosowanie regularnych miar (takich) stało się powszechne pod koniec XVII wieku.

Założycielem, co jest obecnie uważany za standardowy zespół muzyczny był Guido z Arezzo , mnich benedyktyński włoski, który żył od około 991 aż po 1033. Uczył wykorzystanie nazwa solmizacyjna sylab na podstawie hymn do świętego Jana Chrzciciela , który rozpoczyna Ut Queant Laxis i został napisany przez lombardzkiego historyka Pawła diakona . Pierwsza zwrotka to:

  1. Ut queant laxis
  2. re sonare fibris,
  3. Mi ra gestorum
  4. fa muli tuorum,
  5. Sol ve polluti
  6. la bii reatum,
  7. S ancte I ohannes.

Guido użył pierwszej sylaby każdej linii, Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La i Si, aby odczytać zapisane nuty w kategoriach heksakordów ; nie były to nazwy nut i każda z nich, w zależności od kontekstu, mogła być zastosowana do dowolnej nuty. W XVII wieku Ut zostało zmienione w większości krajów z wyjątkiem Francji na łatwo śpiewalną, otwartą sylabę Do, podobno zaczerpniętą od imienia włoskiego teoretyka Giovanniego Battisty Doni , ale raczej Do zostało zaczerpnięte od słowa „Dominus”. po łacinie ze znaczeniem „Pan”.

Mnisi katoliccy opracowali pierwsze formy nowoczesnej europejskiej notacji muzycznej w celu ujednolicenia liturgii w całym Kościele na całym świecie, i przez wieki skomponowano dla niej ogromny zbiór muzyki religijnej. Doprowadziło to bezpośrednio do powstania i rozwoju europejskiej muzyki klasycznej i wielu jej pochodnych. Styl barokowy , który obejmował muzykę, sztukę i architekturę, był szczególnie popierany przez poreformacyjny Kościół katolicki, ponieważ takie formy oferowały środki ekspresji religijnej, które były poruszające i emocjonalne, mające na celu pobudzenie gorliwości religijnej.

Nowoczesna notacja personelu

Przykład współczesnej notacji muzycznej: Preludium op. 28, nr 7, Frédéric Chopin PlayO tym dźwięku 

Współczesna notacja muzyczna jest używana przez muzyków różnych gatunków na całym świecie. Piętna działa jak szkielet, na którym wskazuje się wysokość tonu, umieszczając owalne główki nut na liniach pięciolinii, między liniami lub nad i pod pięciolinią za pomocą linii księgi. Podziałka owalnych noteheads muzyczne mogą być modyfikowane przez chromatycznych . Czas trwania (długość nuty) jest pokazany z różnymi wartościami nuty , co może być wskazane przez to, że główka nuty jest pustym owalem bez łodygi ( cała nuta lub semibreve), pustym prostokątem lub pustym owalem bez łodygi z jedną lub dwiema pionowymi liniami po obu stronach ( podwojenie całego wiadomości lub breve), a wynika wydrążony owalny (a połowa uwaga albo minima) lub stałe owalny pomocą wynika wskazuje ćwierćnuty (ćwierćnutami) i pochodzi z dodatkiem flagi lub belek wskazuje mniejsze podziały i inne symbole takie jak kropki i więzi, które wydłużają czas trwania nuty. Notacja jest odczytywana od lewej do prawej, co utrudnia ustawienie muzyki dla skryptów pisanych od prawej do lewej.

Pięciolinia (lub pięciolinia w brytyjskim angielskim) muzyki pisanej zwykle zaczyna się od klucza , który wskazuje pozycję jednej konkretnej nuty na pięciolinii. Klucz wiolinowy lub G Klucz był pierwotnie litera G i identyfikuje się na drugą linię personelu pięć linii, jak notatki G nad środkowym C bas klucz wiolinowy lub pokazach F Klucz położenie nuty F poniżej środkowego C, podczas gdy klucz wiolinowy i basowy są najczęściej używanymi kluczami, używane są inne klucze, takie jak altowy (używany do altówki i puzonu altowego ) oraz tenorowy (używany do niektórych wiolonczeli , fagotów , puzonów tenorowych i kontrabasów ) . Notatki reprezentujące wysokość poza zakresem pięcioliniowej pięciolinii mogą być reprezentowane za pomocą linii księgi , które zapewniają pojedynczą notatkę z dodatkowymi liniami i odstępami. Niektóre instrumenty wykorzystują głównie jeden klucz, na przykład skrzypce i flet, które wykorzystują klucz wiolinowy i kontrabas oraz tubę , które wykorzystują klucz basowy . Niektóre instrumenty regularnie wykorzystują oba klucze, takie jak fortepian i organy piszczałkowe .

Po kluczu, sygnatura na pięciolinii wskazuje tonację utworu lub piosenki, określając, że niektóre nuty są płaskie lub ostre w całym utworze, chyba że wskazano inaczej, dodając znaki chromatyczne przed niektórymi nutami. Kiedy krzyżyk jest umieszczony przed nutą, nuta ta jest o półton wyżej. Kiedy bemol jest umieszczony przed nutą, nuta ta jest o pół tonu niżej. Podwójne krzyżyki i podwójne spłaszczenia są mniej powszechne, ale są używane. Podwójny krzyżyk umieszczany jest przed nutą, aby była o dwa półtony wyższa. Podwójny bemol jest umieszczony przed nutą o dwa półtony niżej. Naturalny znak umieszczony przed nutą sprawia, że notatka w „naturalnej” postaci, co oznacza, że wszelkie ostre lub mieszkania mające zastosowanie do tej notatce z podpisem kluczowego lub chromatycznych są anulowane. Czasami w muzyce, gdzie nie jest to technicznie wymagane, używa się przypadkowej uprzejmości , aby przypomnieć muzykowi, jakiej wysokości wymaga tonacja.

Po sygnaturze klucza znajduje się sygnatura czasowa . Sygnatura czasowa zazwyczaj składa się z dwóch cyfr, z których jedną z najczęstszych jest4
4
. Górna cyfra „4” oznacza, że ​​na takt składają się cztery uderzenia (nazywane również bar ). Dolna cyfra „4” oznacza, że ​​każdy z tych uderzeń to ćwierćnuty. Środki podzielić na grupy kawałek uderzeń , a metrum określić te ugrupowania.4
4
jest używany tak często, że nazywa się go również „ czasem wspólnym ” i może być wskazywany wspólny czasraczej za pomocą liczb niż liczb. Inne często używane sygnatury czasowe to3
4
(trzy uderzenia na takt, przy czym każde uderzenie jest ćwierćnutą); 2
4
(dwa uderzenia na takt, przy czym każde uderzenie jest ćwierćnutą); 6
8
(sześć uderzeń na takt, przy czym każde uderzenie jest ósemką) i 12
8
(dwanaście uderzeń na takt, przy czym każde uderzenie jest ósemką; w praktyce ósemki są zwykle podzielone na cztery grupy po trzy ósemki. 12
8
jest złożonym typem metrum). Istnieje wiele innych sygnatur czasowych, takich jak3
8
, 5
8
, 5
4
, 7
4
, 9
8
, i tak dalej.

Wiele krótkich utworów muzyki klasycznej z epoki klasycznej oraz piosenek z muzyki tradycyjnej i muzyki popularnej jest sygnaturą czasową dla większości lub całego utworu. Muzyka z epoki romantyzmu i później, w szczególności współczesna muzyka klasyczna i gatunki muzyki rockowej , takie jak rock progresywny i podgatunek hardcore punk mathcore , może używać metrum mieszanego ; piosenki lub utwory zmieniają się z jednego metra na drugi, na przykład naprzemiennie między taktami5
4
oraz 7
8
.

Wskazówki dla gracza dotyczące takich kwestii jak tempo (np. Allegro , Andante , Largo , Vif, Lent, Modérément , Presto itp.), dynamika (pianississimo, pianissimo, fortepian, mezzopiano, mezzoforte, forte, fortissimo, fortississimo itp. ) pojawiają się nad lub pod pięciolinią. Terminy określające ekspresję muzyczną lub „odczucie” utworu lub utworu są wskazane na początku utworu oraz w każdym miejscu, w którym zmienia się nastrój (np. „Slow March”, „Fast Swing”, „Medium Blues”, „Fougueux ", "Feierlich", "Gelassen", "Piacevole", "Con slancio", "Majestic", "Hostile" itp.) W przypadku muzyki wokalnej teksty są pisane blisko wysokości melodii. W przypadku krótkich przerw (oddechów) dodawane są powtórki (powtórki są oznaczone znakiem ').

W muzyce dla zespołówpartytura ” pokazuje muzykę dla wszystkich muzyków razem, z pięcioliniami dla różnych instrumentów i/lub głosów ułożonymi pionowo. Dyrygent wykorzystuje wynik prowadząc takie orkiestry , zespół koncertowy , chór lub innego dużego zespołu. Poszczególni wykonawcy w zespole grają z „części”, które zawierają tylko muzykę graną przez pojedynczego muzyka. Partyturę można zbudować z pełnego zestawu części i odwrotnie. Proces ten był pracochłonny i czasochłonny, gdy części były ręcznie kopiowane z partytury, ale od czasu rozwoju oprogramowania komputerowego scorewriter w latach 80. partytura przechowywana elektronicznie może zawierać części automatycznie przygotowane przez program i szybko i niedrogo wydrukowane za pomocą komputera drukarka.

w muzyce obniża skok w dół o pół tonu. w muzyce podnosi nutę o pół tonu. Na przykład krzyżyk na D podniósłby go do D♯ , a bemol obniżyłby go do D♭ .

Wariacje na temat notacji personelu

Arkusz ołowiu
Wykres akordowy. GrajO tym dźwięku 
  • Konwencje zapisu perkusyjnego są zróżnicowane ze względu na szeroką gamę instrumentów perkusyjnych. Perkusja dzieli się na ogół na dwie kategorie: tonie (np dzwonki lub rurowych dzwonów ) i nie tonie (np bębna Bass i werbel ). Notacja instrumentów perkusyjnych bez stroju jest mniej znormalizowana. Instrumenty strojone używają standardowej zachodniej notacji klasycznej dla wysokości i rytmów. Ogólnie rzecz biorąc, notacja dla perkusji bez stroju używa pięcioliniowego pięciolinii, z różnymi liniami i przestrzeniami reprezentującymi różne instrumenty perkusyjne . Do wskazania rytmu używana jest standardowa zachodnia notacja rytmiczna.
  • Notacja cyfrowa basu wywodzi się z barokowych partii basso continuo . Jest również szeroko stosowany w notacji akordeonowej . Nuty basowe w muzyce są notowane konwencjonalnie, wraz z liczbami i innymi znakami, które określają, które akordy klawesynista, organista lub lutnista powinien improwizować. Nie określa jednak dokładnych wysokości harmonii, pozostawiając to wykonawcy do improwizacji.
  • A arkusz ołowiu określa tylko melodii, teksty i harmonii, wykorzystując jeden z pracowników symbolami akordów umieszczonych powyżej i poniżej tekstami. Służy do uchwycenia podstawowych elementów popularnej piosenki bez określania, jak piosenka powinna być zaaranżowana lub wykonana.
  • Wykres akord lub „wykres” zawiera niewiele lub nie melodyjny głos wiodący lub informacji w ogóle, ale zawiera podstawowe informacje o harmonicznych progresji akordów . Niektóre wykresy akordów zawierają również informacje rytmiczne, wskazane za pomocą notacji ukośnej dla pełnych uderzeń i notacji rytmicznej dla rytmów. Jest to najczęstszy rodzaj muzyki pisanej używany przez profesjonalnych muzyków sesyjnych grających jazz lub inne formy muzyki popularnej i przeznaczony przede wszystkim do sekcji rytmicznej (zazwyczaj zawierającej fortepian , gitarę , bas i perkusję ).
  • Prostsze wykresy akordów dla utworów mogą zawierać tylko zmiany akordów, umieszczone nad tekstami, w których występują. Takie wykresy zależą od wcześniejszej znajomości melodii i są używane jako przypomnienie podczas występu lub nieformalnego śpiewu grupowego . Niektóre wykresy akordów przeznaczone dla akompaniatorów sekcji rytmicznej zawierają tylko progresję akordów.
  • Kształt notatka System znajduje się w niektórych śpiewników kościelnych, zapisy nutowe i śpiewników, zwłaszcza w południowej części Stanów Zjednoczonych . Zamiast zwyczajowej eliptycznej główki nuty, używa się główki nut o różnych kształtach, aby pokazać położenie nuty w skali durowej. Święta Harfa to jedna z najpopularniejszych melodii wykorzystujących nuty kształtowe.

W różnych krajach

Korea

System notacji muzycznej Jeongganbo

Jeongganbo to unikalny tradycyjny system notacji muzycznej stworzony w czasach Sejong Wielkiego, który był pierwszym systemem wschodnioazjatyckim reprezentującym rytm, wysokość i czas. Wśród różnych rodzajów tradycyjnej koreańskiej muzyki, Jeong-gan-bo skupia się na określonym gatunku, Jeong-ak ( 정악, 正樂).

Jeong-gan-bo mówi o boisku, zapisując nazwę boiska w polu zwanym „jeong-gan” (stąd nazwa). Jeden jeong-gan to jedno uderzenie i można go podzielić na dwa, trzy lub więcej, aby utrzymać pół uderzenia, ćwierć uderzenia i więcej. Ułatwia to czytelnikowi odgadnięcie rytmu.

Istnieje również wiele oznaczeń wskazujących na rzeczy takie jak ozdoby. Większość z nich została później stworzona przez Ki-su Kima.

Indie

Muzyka indyjska, początek XX wieku.

Samaweda tekst (1200 pne - 1000 pne) zawiera zapisaną melodię, a te są prawdopodobnie te, najstarszym na świecie, które przeżyły. Notacja muzyczna jest pisana zwykle bezpośrednio nad, czasem wewnątrz linii tekstu Samaveda, w formie sylabicznej lub numerycznej, w zależności od Samavedy Sakha (szkoła). Indyjski uczony i teoretyk muzyki Pingala (ok. 200 pne) w swojej Chanda Sutrze używał znaków oznaczających długie i krótkie sylaby do oznaczenia metrów w poezji sanskryckiej.

Napis naskalny z około 7-8 wieku ne w Kudumiyanmalai , Tamil Nadu zawiera wczesny przykład zapisu muzycznego. Po raz pierwszy został zidentyfikowany i opublikowany przez archeologa/epigrafa DR Bhandarkara . Napisany w skrypcie Pallava-grantha z VII wieku, zawiera 38 poziomych linii notacji wpisanych na prostokątnej ścianie skalnej (o wymiarach około 13 na 14 stóp). Każdy wiersz zapisu zawiera 64 znaki (znaki reprezentujące nuty), zapisane w grupach po cztery nuty. Do podstawowych znaków siedmiu nut, „sa ri ga ma pa dha ni”, dołączane są samogłoski a, i, u, e. Na przykład w miejscu „sa” używa się dowolnego z „sa”, „si”, „su” lub „se”. Podobnie, zamiast ri używa się dowolnego z „ra”, „ri”, „ru” lub „re”. Linie poziome dzielą zapis na 7 części. Każda sekcja zawiera od 4 do 7 linii zapisu, z tytułem wskazującym na jej muzyczny „tryb”. Te tryby mogły być popularne co najmniej od VI wieku naszej ery i zostały włączone do indyjskiego systemu „raga”, który rozwinął się później. Ale niektóre z niezwykłych cech widocznych w tym zapisie zostały podane przez uczonych w kilku niejednoznacznych interpretacjach.

W notacji indyjskim raga , system solfege-jak nazywa SARGAM służy. Podobnie jak w zachodnim solfeżu, istnieją nazwy siedmiu podstawowych tonów skali durowej (Shadja, Rishabha, Gandhara, Madhyama, Panchama, Dhaivata i Nishada, zwykle skracane do Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni). Tonik każdej gamy nazywa się Sa, a dominujące Pa. Sa jest ustalone w dowolnej skali, a Pa jest ustalone na kwincie powyżej niej ( kwinta pitagorejska, a nie kwinta równohartowana ). Te dwie nuty są znane jako achala swar ('notatki stałe').

Każda z pozostałych pięciu nut, Re, Ga, Ma, Dha i Ni, może przybrać „zwykły” (szuddha) ton, który jest odpowiednikiem jego wysokości w standardowej skali durowej (czyli shuddha Re, drugi stopień skala jest o cały krok wyższa niż Sa) lub zmienioną tonację, pół kroku powyżej lub pół kroku poniżej tonacji shuddha. Re, Ga, Dha i Ni mają zmienionych partnerów, którzy są pół stopnia niżej (Komal- „płasko”) (zatem komal Re jest pół stopnia wyższy niż Sa).

Ma ma zmienionego partnera, który jest pół stopnia wyżej ( teevra – „ostry”) (zatem tivra Ma jest czwartą powiększoną powyżej Sa). Re, Ga, Ma, Dha i Ni nazywane są swar vikrut („ruchome banknoty”). W pisanym systemie notacji indyjskiej opracowanej przez Ravi Shankara wysokości tonu są reprezentowane przez zachodnie litery. Wielkie litery są używane dla swar achala i dla większej różnorodności wszystkich swar vikrut. Małe litery są używane dla niższej odmiany swar vikrut.

Inne systemy istnieją dla non-dwunastotonowej równego temperamentu i muzyki non-Zachodniej, takich jak Indian Swaralipi .

Rosja

Przykład notacji Znamenny z tak zwanymi „czerwonymi znakami”, Rosja, 1884. „ Czcimy Twój Krzyż , o Panie, i Twoje święte Zmartwychwstanie chwalimy”.
Ręcznie rysowany lubok z „notacją haczyka i banera”

Znamenny Chant to tradycja śpiewu używana w Rosyjskim Kościele Prawosławnym, która używa notacji „hak i sztandar”. Znamenny Chant to unisono , melizmatyczny śpiew liturgiczny, który posiada własną notację, zwaną notacją stolp . Symbole używane w notacji stolp to kryuki (ros. крюки , „haki”) lub znana (ros. знамёна , „znaki”). Często nazwy znaków są używane w odniesieniu do notacji stolp. Melodie Znamenny są częścią systemu składającego się z ośmiu modów (struktur intonacyjnych; zwanych glasy); melodie charakteryzują się płynnością i równowagą ( Kholopov 2003 , 192). Istnieje kilka rodzajów Znamenny Chant: tak zwany Stolpovoy , Malyj (Mały) i Bolshoy (Wielki) Znamenny Chant. Chorał ruski ( Prostopinije ) jest czasem uważany za pododdział tradycji Znamenny Chant, przy czym śpiew moskiewski (właściwie Znamenny Chant) jest drugą gałęzią tego samego muzycznego kontinuum.

Pieśni Znamenny nie są pisane nutami (tzw. notacją liniową), ale specjalnymi znakami, zwanymi Znamëna (po rosyjsku "znaki", "banery") lub Kryuki ("haczyki"), ponieważ niektóre kształty tych znaków przypominają haczyki . Każdy znak może zawierać następujące elementy: duży czarny haczyk lub czarną kreskę, kilka mniejszych czarnych „kropek” i „przecinków” oraz linii w pobliżu haczyka lub krzyżującego się z haczykiem. Niektóre znaki mogą oznaczać tylko jedną nutę, niektóre od 2 do 4 nut, a jeszcze inne całą melodię składającą się z ponad 10 nut o skomplikowanej strukturze rytmicznej. Notacja stolp została opracowana na Rusi Kijowskiej jako wschodniosłowiańskie udoskonalenie bizantyjskiej neumatycznej notacji muzycznej.

Najbardziej godną uwagi cechą tego systemu notacji jest to, że rejestruje przejścia melodii, a nie nuty . Znaki reprezentują również nastrój i gradację tego, jak ma być śpiewana ta część melodii (tempo, siła, oddanie, łagodność itp.). Każdy znak ma swoją nazwę, a także pełni funkcję symbolu duchowego. Na przykład istnieje specyficzny znak, zwany „gołąbkiem” (ros. голубчик (golubczik) ), który reprezentuje dwa wznoszące się dźwięki, ale który jest również symbolem Ducha Świętego . Stopniowo system stawał się coraz bardziej skomplikowany. Ten system był również niejednoznaczny, tak że prawie nikt, z wyjątkiem najbardziej wyszkolonych i wykształconych śpiewaków, nie mógł śpiewać nieznanej melodii na widok. Znaki pomogły jedynie odtworzyć melodię, nie kodując jej w jednoznaczny sposób. (Patrz Cesarstwo Bizantyjskie )

Chiny

Chińska notacja Guqin , 1425

Najwcześniejsze znane przykłady tekstu odnoszącego się do muzyki w Chinach to inskrypcje na instrumentach muzycznych znalezione w grobowcu markiza Yi z Zeng (zm. 433 pne). Zestawy 41 dzwonów i 65 dzwonów nosiły długie inskrypcje dotyczące wysokości, łusek i transpozycji. Dzwony wciąż brzmią tak, jak nawiązują do nich napisy. Chociaż nie znaleziono żadnych zapisanych utworów muzycznych, inskrypcje wskazują, że system był wystarczająco zaawansowany, aby umożliwić zapis muzyczny. Istniały dwa systemy nomenklatury wysokości dźwięku, jeden dla wysokości względnej i jeden dla wysokości dźwięku absolutnego. Dla skoku względnego zastosowano system solmizacji .

Notacja Gongche używała chińskich znaków w nazwach skali.

Japonia

Tempyō Biwa Fu 天平琵琶譜(około 738 r.), notacja muzyczna dla Biwa . ( Shōsōin , w Nara, Japonia)

Muzyka japońska jest bardzo zróżnicowana i dlatego wymaga różnych systemów notacji. Na przykład w japońskiej muzyce shakuhachi glissanda i barwy są często ważniejsze niż wyraźne tony, podczas gdy notacja taiko skupia się na dyskretnych uderzeniach.

Ryukyuan Sanshin zastosowań muzycznych kunkunshi , system notacji kanji z każdego znaku odpowiadającego położeniu palca na dany ciąg.

Indonezja

Notacja odgrywa stosunkowo niewielką rolę w tradycjach ustnych Indonezji . Jednak na Jawie i Bali od końca XIX wieku opracowano kilka systemów, początkowo do celów archiwalnych. Obecnie najbardziej rozpowszechnione są zapisy szyfrowe ("nie angka" w najszerszym tego słowa znaczeniu), w których wysokości są reprezentowane przez pewien podzbiór liczb od 1 do 7, gdzie 1 odpowiada którejkolwiek najwyższej nucie danej oktawy, jak w sundańskim gamelanie , lub najniższy, jak w kepatihan notacji z jawajski gamelan .

Nuty w zakresach poza środkową oktawą są reprezentowane przez jedną lub więcej kropek powyżej lub poniżej każdej liczby. W większości te zapisy szyfrowe są używane głównie do zapisywania melodii szkieletowej ( balungan ) i partii wokalnych ( gerongan ), chociaż transkrypcje opracowywanych wariacji instrumentów są czasami wykorzystywane do analizy i nauczania. Partie bębnów są zapisane systemem symboli w dużej mierze opartym na literach reprezentujących słownictwo używane do uczenia się i zapamiętywania wzorców bębnów; symbole te są zazwyczaj ułożone w siatce pod szkieletową melodią dla konkretnego lub ogólnego utworu.

Symbole używane do notacji perkusyjnej (jak również reprezentowane słownictwo) są bardzo zmienne w zależności od miejsca i od wykonawcy do wykonawcy. Oprócz tych obecnych systemów, dwie starsze notacje wykorzystywały rodzaj pięciolinii: pismo solone mogło uchwycić elastyczne rytmy pesinden za pomocą zawijasów na poziomej pięciolinii, podczas gdy w Yogyakarcie pionowa laska przypominająca drabinę pozwalała na zapis balunganu przez kropki, a także ważne uderzenia bębna. Na Bali wydano kilka książek z utworami gamelana gender wayang , wykorzystującymi zapis alfabetyczny w starym balijskim piśmie.

Kompozytorzy i uczeni, zarówno indonezyjscy, jak i zagraniczni, odwzorowali również systemy strojenia slendro i pelog gamelanu na zachodnią pięciolinię, z różnymi symbolami mikrotonów i bez nich . Holenderski kompozytor Ton de Leeuw wynalazł także trzywierszową pięciolinię do swojej kompozycji Gending . Systemy te nie cieszą się jednak powszechnym zastosowaniem.

W drugiej połowie XX wieku indonezyjscy muzycy i uczeni rozszerzyli notację szyfrową na inne tradycje ustne, a notacja szyfrowa w skali diatonicznej stała się powszechna do notowania gatunków zachodnich (hymnów kościelnych, popularnych piosenek itp.). W przeciwieństwie do notacji szyfrowej dla muzyki gamelan, która używa „stałego Do” (to znaczy, że 1 zawsze odpowiada tej samej wysokości, w ramach naturalnej zmienności strojenia gamelanów), indonezyjski diatoniczny zapis szyfrowy jest notacją „ruchome-Do”, więc wyniki musi wskazywać, która wysokość dźwięku odpowiada numerowi 1 (na przykład „1=C”).

Inne systemy i praktyki

Notacja nawiasu skoku

Przykład notacji muzycznej w nawiasie wysokości tonu.

W notacji nawiasów wysokościowych muzyka jest zapisywana za pomocą linii melodycznych i nawiasów wysokości. Linie melodii przypominają linie pięciolinii, z wyjątkiem tego, że mogą zmieniać wysokość tonu, pisząc na nich nawiasy. Nawiasy Pitch dodają lub odejmują kroki skali do linii melodycznej. Kształt wspornika (np. wspornik kątowy) określa liczbę stopni podziałki do dodania. Kierunek nawiasu, otwieranie lub zamykanie, określa, czy dodać lub odjąć kroki skali. Ze względu na matematyczny charakter zapisu w nawiasie skokowym, arytmetyka i algebra mogą być bezpośrednio zastosowane do notacji. Z ich tematów można matematycznie wygenerować wariacje muzyczne.

Notacja szyfrowa

Amazing Grace w notacji numerowanej.

Systemy notacji szyfrowej przypisujące cyfry arabskie do stopni skali durowej były używane co najmniej od XVI-wiecznych tabulatur organowych iberyjskich i obejmują takie egzotyczne adaptacje, jak Siffernotskrift . Obecnie najczęściej używanym jest chiński Jianpu , omówiony w głównym artykule . Liczby mogą być również przypisane do różnych systemów skali, jak w jawajskiej notacji kepatihan opisanej powyżej .

Solfege

Solfège to sposób przypisywania sylab do nazw skali muzycznej. W kolejności są one dzisiaj: Do Re Mi Fa Sol La Ti Do ' (na oktawę). Klasyczna odmiana to: Do Re Mi Fa Sol La Si Do ' . Pierwszy zachodni system nazw funkcjonalnych nut wprowadził Guido z Arezzo (ok. 991 – po 1033), wykorzystując początkowe sylaby pierwszych sześciu wersów muzycznych łacińskiego hymnu Ut queant laxis . Oryginalną sekwencją była Ut Re Mi Fa Sol La , gdzie każdy wers rozpoczynał się o nutę gamy wyżej. „Ut” później przekształciło się w „Do”. Odpowiednie sylaby używane w muzyce indyjskiej to: Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni . Zobacz też: solfeż , sargam , znaki ręczne Kodály .

Tonic sol-fa to rodzaj zapisu wykorzystujący początkowe litery solfeżu.

Notacja literowa

Nuty w skali 12-tonowej mogą być zapisane przez ich nazwy literowe A–G, prawdopodobnie z kończącym się symbolem krzyżyka lub płaskiego, takim jak A lub B .

Tabulatura

Tabulatura była po raz pierwszy używana w średniowieczu w muzyce organowej, a później w renesansie w muzyce lutniowej . W większości tabulatur lutniowych używana jest pięciolinia, ale zamiast wartości wysokości tonu linie pięciolinii reprezentują struny instrumentu. Te progi do palca są napisane na każdej linii, oznaczone literami lub cyframi. Rytm jest zapisywany oddzielnie z jedną lub inną odmianą standardowych wartości nut, wskazującą czas trwania najszybciej poruszającej się części. Niewielu zdaje się zwracać uwagę na fakt, że tabulatura łączy w jednym systemie notacji zarówno fizyczne, jak i techniczne wymagania gry (linie i symbole na nich oraz w odniesieniu do siebie, reprezentujące rzeczywiste czynności wykonawcze) z rozwojem samej muzyki ( linie tabulatury ujęte poziomo przedstawiają rzeczywisty przebieg czasowy muzyki). W późniejszych okresach muzykę lutniową i gitarową pisano w standardowym zapisie nutowym. Tabulatura ponownie zainteresowała się pod koniec XX wieku popularną muzyką gitarową i innymi instrumentami progowymi, ponieważ łatwo ją transkrybować i udostępniać w Internecie w formacie ASCII . Strony internetowe takie jak OLGA posiadają archiwa tekstowych tabulatur muzycznych.

notacja Klavar

Klavarskribo (czasami skracany do klavar ) to system notacji muzycznej wprowadzony w 1931 roku przez Holendra Cornelisa Pot. Nazwa oznacza "pisanie na klawiaturze" w Esperanto . Różni się od konwencjonalnej notacji muzycznej pod wieloma względami i ma być łatwo czytelny. Wielu czytelników klawaru pochodzi z Holandii.

Notacje oparte na rolkach fortepianowych

Niektóre systemy chromatyczne zostały stworzone z wykorzystaniem układu czarno-białych klawiszy standardowej klawiatury fortepianowej. „Laska” jest najczęściej określana jako „rolka fortepianu”, tworzona przez wydłużenie czarno-białych klawiszy fortepianu.

Notacje pięcioliniowe chromatyczne

W ciągu ostatnich trzech stuleci zaproponowano setki systemów notacji muzycznej jako alternatywę dla tradycyjnej notacji muzycznej zachodniej. Wiele z tych systemów ma na celu ulepszenie tradycyjnej notacji poprzez użycie „pięci chromatycznej”, w której każda z 12 klas wysokości dźwięków ma swoje własne, unikalne miejsce na pięciolinii. Przykładami są notacja Ailler-Brennink, notacja muzyczna Dodeka Jacquesa-Daniela Rochata , notacja Tom Reed's Twinline , notacja Ambrose Piano Tabs Russella Ambrose'a , Clairnote Paula Morrisa , Express Stave Johna Kellera i bilinear Music Notation José A. Sotorrio . Te systemy notacji nie wymagają stosowania standardowych sygnatur kluczy, znaków chromatycznych ani znaków wiolinowych. Reprezentują również relacje interwałowe bardziej konsekwentnie i dokładniej niż tradycyjna notacja. Projekt Music Notation Project (wcześniej znany jako Music Notation Modernization Association) ma stronę internetową zawierającą informacje o wielu z tych systemów notacji.

Notacja graficzna

Termin „notacja graficzna” odnosi się do współczesnego wykorzystywania nietradycyjnych symboli i tekstu do przekazywania informacji o wykonaniu utworu muzycznego. Wśród praktykujących są Christian Wolff , Earle Brown , Anthony Braxton , John Cage , Morton Feldman , Krzysztof Penderecki , Cornelius Cardew i Roger Reynolds . Książka Notations jest kolejnym przykładem tego rodzaju notacji.

Uproszczona notacja muzyczna

Uproszczona notacja muzyczna to alternatywna forma notacji muzycznej zaprojektowana w celu ułatwienia czytania a vista . Opiera się na klasycznej notacji pięcioliniowej , ale zawiera krzyżyki i bemolę w kształcie główek nut . Nuty, takie jak podwójne krzyżyki i podwójne bemole, są zapisywane na wysokości, na której są faktycznie grane, ale poprzedzone symbolami zwanymi znakami historii, które wskazują, że zostały transponowane .

Zmodyfikowana notacja pięcioliniowa

Modified Stave Notation (MSN) to alternatywny sposób zapisywania muzyki dla osób, które nie potrafią łatwo odczytać zwykłego zapisu nutowego, nawet jeśli jest on powiększony.

Kod proboszcza

Kod Parsonsa służy do kodowania muzyki, dzięki czemu można ją łatwo przeszukiwać.

Muzyka brajlowska

Muzyka brajlowska jest kompletnym, dobrze rozwiniętym i akceptowanym na całym świecie systemem notacji muzycznej, który posiada symbole i konwencje zapisu zupełnie niezależne od zapisu nutowego. Ma charakter liniowy, podobny do języka drukowanego i różni się od dwuwymiarowej natury standardowej drukowanej notacji muzycznej. Muzyka brajlowska przypomina do pewnego stopnia muzyczne języki znaczników, takie jak MusicXML czy NIFF .

Notacja liczb całkowitych

W notacji liczb całkowitych lub całkowitym modelu wysokości dźwięku wszystkie klasy wysokości dźwięku i odstępy między klasami wysokości dźwięku są oznaczone numerami od 0 do 11.

Notacja rapowa

Standardową formą notacji rapowej jest „schemat przepływu”, w którym raperzy układają swoje teksty pod „numerami rytmów”. Badacze hip-hopu wykorzystują również te same diagramy przepływu, których używają raperzy: książki How to Rap i How to Rap 2 szeroko wykorzystują diagramy, aby wyjaśnić rapowe tryplety, płomienie, pauzy, schematy rymowania, biegania rymów i łamania schematów rymowania , między innymi technikami. Podobne systemy stosują muzykolodzy Adam Krims w swojej książce Rap Music and the Poetics of Identity oraz Kyle Adams w swojej pracy nad przepływem rapu. Ponieważ rap zwykle obraca się wokół silnego rytmu 4/4, z pewnymi sylabami wyrównanymi do rytmu, wszystkie systemy notacji mają podobną strukturę: wszystkie mają cztery liczby uderzeń na górze diagramu, dzięki czemu sylaby można zapisać w zgodnie z rytmem.

Notacja muzyczna na komputerach

Unicode

Blok Musical Symbols Unicode koduje rozbudowany system formalnej notacji muzycznej.

Blok Miscellaneous Symbols ma kilka bardziej powszechnych symboli:

  • U+2669 NOTATKA KWARTAŁOWA
  • U+266A UWAGA ÓSMA
  • U+266B BELKA ÓSMA NUTY
  • U+266C SZESNASTY BELKA NUTY
  • U+266D MUZYKA PŁASKI ZNAK
  • U+266E MUZYKA NATURALNY ZNAK
  • U+266F MUZYKA OSTRY ZNAK

Blok Różne symbole i piktogramy zawiera trzy emoji, które mogą zawierać przedstawienia nut:

  • U+1F3A7 🎧 SŁUCHAWKI
  • U + 1F3B5 🎵 nuta
  • U+1F3B6 🎶 WIELE MUZYCZNYCH NOTATK

Oprogramowanie

Opracowano wiele programów komputerowych do tworzenia notacji muzycznej (tzw. scorewriters lub oprogramowanie do notacji muzycznej ). Muzyka może być również przechowywana w różnych formatach plików cyfrowych do celów innych niż zapis graficzny.

Perspektywy zapisu muzycznego w kompozycji i wykonaniu muzycznym

Według Philipa Tagga i Richarda Middletona , muzykologia i do pewnego stopnia europejska praktyka muzyczna cierpią z powodu „centryczności notacji”, metodologii nachylonej przez cechy notacji. Różnorodni kompozytorzy XX i XXI wieku radzili sobie z tym problemem, albo adaptując standardową zachodnią notację muzyczną, albo stosując notację graficzną. Należą do nich George Crumb , Luciano Berio , Krzysztof Penderecki , Earl Brown , John Cage , Witold Lutosławski i inni.

Zobacz też

Uwagi

Źródła

  • Adams, Kyle (październik 2009). „O metrycznych technikach przepływu w muzyce rap” . Teoria muzyki w Internecie . 5 (9) . Pobrano 4 kwietnia 2014 .
  • Aleksandra, Maria (2000). Studie über die 'großen Zeichen' der byzantinischen musikalischen Notation unter besonderer Berücksichtigung der Periode vom Ende des 12. bis Anfang des 19. Jahrhunderts [ Studium „wielkich znaków” bizantyjskiej notacji muzycznej ze szczególnym uwzględnieniem okresu od końca XII do początku XIX w. (w języku niemieckim). Kopenhaga: Københavns Universitet, Det Humanistiske Fakultet.
  • Apel, Willi (1961). Notacja muzyki polifonicznej, 900–1600 . Publikacje Średniowiecznej Akademii Ameryki, nr. 38 (5. poprawione iz komentarzem wyd.). Cambridge, Massachusetts: Średniowieczna Akademia Ameryki.
  • Bagley, Robert (26 października 2004). Prehistoria chińskiej teorii muzyki (mowa). Elsley Zeitlyn Wykład z archeologii i kultury chińskiej. Program wykładów Jesiennej Akademii Brytyjskiej 2004. Londyn: Akademia Brytyjska. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 9 czerwca 2008 roku . Źródło 30 maja 2010 .
  • Bhandarkar, DR (1913-1914). „28. Napis Kudimiyamalai o muzyce” . W Konowie Sten (red.). Epigrafia Indica . 12 . s. 226-237.
  • Christensen, Thomas (2002). The Cambridge History of Western Music Theory . Cambridge i Nowy Jork: Cambridge University Press.
  • Chrysanthos z Madytos (1832). Teoritikon mega tís Mousikís Θεωρητικὸν μέγα τῆς Μουσικῆς[ Wielka Teoria Muzyki ]. Tergeste: Michele Weis . Źródło 11 kwietnia 2012 .
  • Cogan, Robert (1976). Sonic Design Natura dźwięku i muzyki . New Jersey: Prentice Hall. Numer ISBN 0-13822726-8.
  • Edwards, Paweł (2009). Jak rapować: Sztuka i nauka hip-hopowego MC . przedmowa Kool G. Rap. Chicago: Chicago Review Press.
  • Edwards, Paweł (2013). How to Rap 2: Zaawansowane techniki przepływu i dostarczania . przedmowa przez Gift of Gab. Chicago: Chicago Review Press.
  • Floros, Konstantyn; Moran, Neil K. (2009). Początki muzyki rosyjskiej: Wprowadzenie do notacji Kondakarian . Frankfurt nad Menem itd.: Peter Lang. Numer ISBN 9783631595534.
  • Gnanadesikan, Amalia E. (2011). Rewolucja pisania: pismem klinowym do Internetu . John Wiley & Synowie. Numer ISBN 9781444359855. Pobrano 20 września 2016 .
  • Hall, John; Neitz, Mary Jo; Battani, Marshall (2003). Socjologia w kulturze . Londyn: Routledge. Numer ISBN 978-0-415-28484-4.
  • Izydor z Sewilli (2006). Etymologie Izydora z Sewilli (PDF) . przetłumaczone ze wstępem i notatkami Stephena A. Barneya, WJ Lewisa, JA Beacha i Olivera Berghofa, przy współpracy Muriel Hall. Cambridge i Nowy Jork: Cambridge University Press. Numer ISBN 978-0-521-83749-1.
  • Cholopow, Jurij (2003). Armenii. Теоретический курс (Harmonia: kurs teoretyczny), wydanie drugie. Moskwa; Sankt Petersburg: Lan'. ISBN  5-8114-0516-2 .
  • Kilmer, Anne Draffkorn (1965). „Struny instrumentów muzycznych: ich nazwy, liczby i znaczenie”. W Güterbock Hans G.; Jacobsen, Thorkild (red.). Studia na cześć Benno Landsbergera w jego siedemdziesiąte piąte urodziny, 21 kwietnia 1965 r . Badania asyriologiczne 16. Chicago: University of Chicago Press. s. 261-68.
  • Kilmer, Anne Draffkorn; Cywilny, Miguel (1986). „Stare babilońskie instrukcje muzyczne odnoszące się do hymnodii”. Czasopismo Studiów klinowych . 38 (1): 94–98. doi : 10.2307/1359953 . JSTOR  1359953 . S2CID  163942248 .
  • Krims, Adam (2001). Rap i poetyka tożsamości . Cambridge i Nowy Jork: Cambridge University Press.
  • Lindsay, Jennifer (1992). Jawajski Gamelan . Oksford i Nowy Jork: Oxford University Press. Numer ISBN 0-19-588582-1.
  • McNaught, WG (styczeń 1893). „Historia i zastosowania sylab Sol-fa” . Działalność Towarzystwa Muzycznego . 19 : 35–51. doi : 10.1093/jrma/19.1.35 . ISSN  0958-8442 .
  • Middleton, Richard (1990). Studiowanie muzyki popularnej . Filadelfia: Open University Press. Numer ISBN 0-335-15275-9.
  • Murray, Chris (1994). Słownik Sztuki . Nowy Jork: Fakty w aktach. Numer ISBN 978-0-8160-3205-1.
  • Myers, Grzegorz (1998). „Średniowieczny rosyjski Kondakar i chór z Kastorii: studium paleograficzne w bizantyjskich i słowiańskich stosunkach muzycznych”. Plainsong i muzyka średniowieczna . 7 (1): 21–46. doi : 10.1017/S0961137100001406 .
  • Otten, J. (1910). „Przewodnik z Arezzo” . Encyklopedia Katolicka . Nowy Jork: Firma Roberta Appletona . Źródło 30 maja 2010 .
  • Pierce, Brent (1973). Nowa notacja chóralna (podręcznik) . Nowy Jork: Walton Music Corporation.
  • Rochat, Jacques-Daniel (2018). Dodeka: la révolution musicale (po francusku). Chexbres: Crea 7. ISBN 9782970127505. OCLC  1078658738 .
  • Tagg, Filip (1979). Kojak—50 sekund muzyki telewizyjnej: ku analizie afektu w muzyce popularnej . Skrifter z Musikvetenskapliga Institutionen, Göteborg 2. Göteborg: Musikvetenskapliga Institutionen, Göteborgs Universitet. Numer ISBN 91-7222-235-2. Angielskie tłumaczenie "Kojak—50 sekunders tv-musik".
  • Toussaint, Godfried (2004). Porównanie miar podobieństwa rytmicznego (PDF) . Raport techniczny SOCS-TR-2004.6. Montreal: Szkoła Informatyki, Uniwersytet McGill. Zarchiwizowane z oryginału (PDF) w dniu 7 lipca 2012 r.
  • Zachód, Martin Litchfield (maj 1994). „Babilońska notacja muzyczna i huryjskie teksty melodyczne”. Muzyka i listy . 75 (2): 161–179. doi : 10,1093/ml/75.2.161 .
  • Widdess, DR (1979). „Napis Kudumiyamalai: źródło wczesnej muzyki indyjskiej w notacji”. Musica Asiatica . Oxford University Press. 2 : 115–150.
  • Zapke, Susana, wyd. (2007). Hispania Vetus: Rękopisy muzyczno-liturgiczne od Wizygotów do przejścia francusko-rzymskiego (IX–XII w . ) . Przedmowa Anscario M Mundó. Bilbao: Fundacja BBVA. Numer ISBN 978-84-96515-50-5.

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki