Metateatre - Metatheatre

Metateatr i blisko spokrewniony termin metadrama opisuje aspekty sztuki, które zwracają uwagę na jej naturę dramatu lub teatru lub na okoliczności jej wykonania.

Mogą to być: bezpośrednie przemówienie do publiczności (zwłaszcza w monologach , na marginesach , prologach i epilogach ); wyrażanie świadomości obecności odbiorców (bez względu na to, czy są kierowane bezpośrednio, czy nie); uznanie faktu, że osoby występujące są aktorami (a nie postaciami , które odgrywają); element, którego znaczenie zależy od różnicy między przedstawionym czasem i miejscem dramatu (światem fikcyjnym) a czasem i miejscem jego teatralnej prezentacji (rzeczywistość wydarzenia teatralnego); sztuki w przedstawieniach (lub maski, spektakle lub inne formy przedstawienia w ramach dramatu); nawiązania do aktorstwa , teatru, dramaturgii, widowiskowości i często używanej metafory, według której „ cały świat jest sceną ” ( Theatrum mundi ); sceny z podsłuchiwaniem lub inne sytuacje, w których jedna lub kilka postaci obserwuje inną lub innych, tak że ta pierwsza odnosi się do zachowania tej drugiej, jakby było to inscenizowane przedstawienie na ich rzecz.

Słowa „metateatr” i „metadrama” łączą teatr lub dramat z greckim przedrostkiem „meta—”, co oznacza „poziom poza” przedmiotem, który kwalifikuje.

W historii dramatu

Grecja i Rzym

Metateatralność była wymiarem dramatu od czasu jego wynalezienia w teatrze klasycznej Grecji 2500 lat temu. Jednym z głównych celów tej metateatralności było powstrzymanie widzów od całkowitego zaangażowania lub wiary w rozwój przedstawionej fabuły. Zwłaszcza komedia starożytnej Grecji często ją wykorzystywała (choć przykłady można znaleźć również w tragedii ).

Wczesny teatr nowoczesny

We wczesnym nowożytnym teatrze angielskim postacie często zajmują pozycję na dole sceny w bliskim kontakcie z publicznością i sarkastycznie lub krytycznie komentują poczynania innych, podczas gdy pozostali aktorzy przyjmują konwencję, że pierwszy pozostaje przy tym niesłyszalny i niewidoczny. Idąc za twórczością Roberta Weimanna i innych, teatrologia używa terminów locus i platea (odnoszących się do „lokalizacji” i „miejsca”, zapożyczonych z teatru średniowiecznego ), aby opisać ten efekt spektaklu - miejsce jest zlokalizowane w dramacie w taki sposób, że jego bohaterowie są zaabsorbowani fikcją i nieświadomi obecności widza; a platea to neutralna przestrzeń, pozostająca w bliskim kontakcie z widzem, znajdująca się na pograniczu fikcji i rzeczywistości widza.

Kiedy pokonana Kleopatra , grana przez chłopca w akcie piątym Szekspira Antoniusza i Kleopatry , obawia się swojego upokorzenia w teatrach w Rzymie w sztukach wystawionych, by ją ośmieszyć, mówi: „I zobaczę jakiegoś piszczącego chłopca Kleopatry, moja wielkość w postawa dziwki ”. Podczas gdy aktor niekoniecznie jest w tym momencie zaangażowany w bezpośredni kontakt z publicznością, rzeczywistość męskiego wykonawcy pod postacią żeńską jest otwarcie i komicznie uznana (kwalifikuje się w istotny sposób, wspierana dalej w scenie i sztuce jako całość, tragiczny akt jej nieuchronnego samobójstwa). Tego rodzaju metateatralność występuje w większości sztuk z tego okresu.

W Hamlecie następuje następująca wymiana zdań między Hamletem a Poloniuszem :

Hamlet: ... Panie, grałeś kiedyś na uniwersytecie, mówisz.
Poloniusz: Że zrobiłem mój panie i zostałem uznany za dobrego aktora.
Hamlet: A co zrobiłeś?
Poloniusz: Zrobiłem Juliusza Cezara . Zostałem zabity w stolicy. Brutus mnie zabił.
Hamlet: To była brutalna część niego, zabić tam tak wielkiego cielaka.

-  Hamlet (3.2.95–100).

Gdyby jedyne znaczenie tej wymiany polegało na nawiązaniu do postaci z innej sztuki, można by ją nazwać momentem metadramatycznym (lub „ intertekstualnym ”). W pierwotnym kontekście performansu istnieje jednak bardziej specyficzne, metateatralne odniesienie. Historycy przypuszczają, że Hamleta i Poloniusza grali ci sami aktorzy, którzy na tej samej scenie odegrali role wspomniane w Juliuszu Cezarze Szekspira rok lub dwa lata wcześniej. Oprócz dramatycznego powiązania postaci Hamleta z mordercą Brutusem (zapowiedź zamordowania Poloniusza przez Hamleta w dalszej części spektaklu), komicznie nawiązywana jest świadomość publiczności co do tożsamości aktorów i ich poprzednich ról.

Innym przykładem z Szekspira jest akt V Snu nocy letniej . Niegrzeczni mechanicy przedstawiają Pyramusa i Thisbe ateńskim szlachcicom, którzy otwarcie komentują rozwój spektaklu. Fabuła Pyramusa i Thisbe jest bardzo zbliżona do historii Lysandra i Hermii, co sugeruje, że ich historia mogła zakończyć się tragicznie. Następnie Puck, który kilkakrotnie przełamał czwartą ścianę, aby podzielić się z publicznością na bok, wychodzi poza akcję spektaklu, aby zwrócić się bezpośrednio do publiczności. Jego ostatnie przemówienie żegna się z publicznością i prosi, aby myśleli o sztuce jako o śnie, jeśli jest urażona. Odnosi się to do sposobu, w jaki Bottom racjonalizuje swoje doświadczenie w lesie jako tylko sen. Te metateatralne warstwy sugerują, że wszyscy pełnimy rolę obserwatora i obserwujemy go na światowej scenie oraz że dziwne doświadczenia można odrzucić jako sny.

Teatr nowoczesny

Czwarta ściana

W epoce nowożytnej rozwój realizmu i naturalizmu doprowadził do powstania konwencji performansu zwanej „ czwartą ścianą ”. Metafora sugeruje związek z mise-en-scène za łukiem proscenium . Gdy scena rozgrywa się we wnętrzu, a na scenie prezentowane są trzy ściany jej pomieszczenia, „czwarta” z nich biegłaby wzdłuż linii oddzielającej salę od widowni (technicznie nazywanej „proscenium”). Czwarta ściana jest więc niewidzialną, wyimaginowaną ścianą, która oddziela aktorów od publiczności. Konwencja zakłada, że ​​publiczność może patrzeć przez tę „ścianę”, ale aktorzy zachowują się tak, jakby nie mogli. W tym sensie „czwarta ściana” jest raczej konwencją gry aktorskiej niż scenograficznej . Można go stworzyć niezależnie od obecności rzeczywistych ścian w planie, fizycznej aranżacji budynku teatru lub przestrzeni spektaklu, czy też odległości aktorów od lub bliskości widowni.

„Przełamanie czwartej ściany” to każdy przypadek, w którym zlekceważa się tę konwencję wykonawczą, przyjętą bardziej ogólnie w dramacie. Tymczasowe zawieszenie konwentu w ten sposób zwraca uwagę na jego wykorzystanie w dalszej części spektaklu. Ten akt zwracania uwagi na konwencje wykonania sztuki jest metateatralny.

Podobny efekt metareferencji uzyskuje się, gdy konwencja wykonawcza polegająca na unikaniu bezpośredniego kontaktu z kamerą, powszechnie stosowana przez aktorów w telewizyjnym dramacie lub filmie, zostaje chwilowo zawieszona. Do opisania takich efektów w tych mediach używa się określenia „przełamanie czwartej ściany”.

Modernizm

Przypadki metateatralności inne niż „przełamanie czwartej ściany” występują w sztukach wielu dramaturgów realistów, w tym Henrika Ibsena , Augusta Strindberga i Antona Czechowa . Podobnie jak w przypadku modernizmu bardziej ogólnie, metareferencja w postaci metateatralności zaczyna odgrywać znacznie bardziej centralną i znaczącą rolę w teatrze modernistycznym, szczególnie w twórczości Bertolta Brechta , Vsevoloda Meyerholda , Luigiego Pirandello , Thorntona Wildera , Samuela Becketta i wielu innych. .

W ostatnich czasach, z ludźmi z mostu przez Dimitris Lyacos zatrudnia metateatralny technik którym gra prowizoryczny skupia się na legendzie o wampirach jest oglądany z perspektywy widza, który zapisuje w swoim dzienniku ustawienie i preparaty, jak również sekwencji monologi aktorów przeplatane osobistymi notatkami z rozwoju spektaklu.

Pochodzenie terminu

Termin „metateatr” został wymyślony przez Lionela Abla w 1963 roku i od tego czasu wszedł do powszechnego użytku krytycznego. Abel opisał metateatr jako odzwierciedlenie komedii i tragedii jednocześnie, w którym publiczność może śmiać się z bohatera, jednocześnie czując empatię. Abel odnosi się do postaci Don Kichota , którego uważa za prototypową, metateatralną, odnoszącą się do siebie postacią. Don Kichot szuka sytuacji, w których chce być częścią, nie czekając, aż życie przysłuży się, ale zamieniając rzeczywistość na wyobraźnię, gdy światu brakuje jego pragnień. Postać ma świadomość własnej teatralności. Khalil-Ghibran Meta-Theater krzyżuje się z greckim przedrostkiem, jak poprzednio, ale poetyckie podteksty kryją znajome poczucie świadomości.

Zobacz też

Bibliografia

Źródła

  • Abel, Lionel. 1963. Metateatr: nowe spojrzenie na formę dramatyczną. Hill i Wang.
  • Abel, Lionel. 2003 [pośmiertnie]. Tragedy and Metateatre: Essays on Dramatic Form . Nowy Jork: Holmes y Meier Publishers.
  • Angus, Bill. 2016. Metadrama and the Informer in Shakespeare and Jonson. Edinburgh University Press.
  • Angus, Bill. 2018. Inteligencja i metadrama we wczesnym teatrze nowożytnym. Edinburgh University Press.
  • Edwards Philip. 1985. Wprowadzenie. Hamlet, książę Danii Williama Szekspira. The New Cambridge Shakespeare Ser. Cambridge: Cambridge University Press. 1-71. ISBN   0-521-29366-9 .
  • Hornby, Richard. 1986. Dramat, Metadrama i Percepcja . Londyn: Cranbury; Mississauga: Associated University Press.
  • Weimann, Robert. 1978. Szekspir i tradycja ludowa w teatrze. Studia nad społecznym wymiarem formy i funkcji dramatu. Baltimore i Londyn: The Johns Hopkins University Press. ISBN   0-8018-3506-2 .