Sztuka średniowieczna - Medieval art

Sztuka średniowieczna
Monumentalne bizantyjskie mozaiki kościelne to jedno z wielkich osiągnięć sztuki średniowiecznej. Pochodzą one z Monreale na Sycylii z końca XII wieku.

Średniowieczna sztuka w świecie zachodnim obejmuje szeroki zakres czasie i miejscu, ponad 1000 lat sztuki w Europie , a w pewnych okresach w Azji Zachodniej i Afryce Północnej . Obejmuje główne ruchy i okresy artystyczne, sztukę narodową i regionalną, gatunki, odrodzenie, rzemiosło artystyczne i samych artystów.

Historycy sztuki próbują podzielić sztukę średniowieczną na główne okresy i style, często z pewnymi trudnościami. Na ogół przyjęty schemat obejmuje późniejszych fazach sztuki wczesnochrześcijańskiej , okresu migracji sztuki , sztuki bizantyjskiej , Insular sztuki , przedromańskich , sztuki romańskiej i sztuki gotyckiej , a także wielu innych okresach w ciągu tych stylów centralnych. Ponadto każdy region, głównie w okresie stawania się narodami lub kulturami, miał swój odrębny styl artystyczny, taki jak sztuka anglosaska czy sztuka wikingów .

Sztuka średniowieczna była produkowana w wielu mediach, a dzieła przetrwały w dużej liczbie w rzeźbie , iluminowanych rękopisach , witrażach , metaloplastyce i mozaikach , z których wszystkie miały wyższy wskaźnik przeżywalności niż inne media, takie jak freski na ścianach, prace z metali szlachetnych lub tekstyliów , w tym gobelinów . Szczególnie w początkach tego okresu dzieła z tzw. „sztuki drobnej” czy zdobnictwa , takie jak metaloplastyka, rzeźbienie w kości słoniowej, emaliowanie i haftowanie z wykorzystaniem metali szlachetnych, były prawdopodobnie bardziej cenione niż obrazy czy rzeźba monumentalna .

Sztuka średniowieczna w Europie wzrosła z artystycznego dziedzictwa cesarstwa rzymskiego i tradycji ikonograficznych z wczesnego kościoła chrześcijańskiego . Źródła te zostały zmieszane z energiczną „barbarzyńską” kulturą artystyczną Europy Północnej, aby stworzyć niezwykłą spuściznę artystyczną. Rzeczywiście, historię sztuki średniowiecznej można postrzegać jako historię wzajemnego oddziaływania elementów sztuki klasycznej , wczesnochrześcijańskiej i „barbarzyńskiej”. Poza formalnymi aspektami klasycyzmu istniała ciągła tradycja realistycznego przedstawiania przedmiotów, które przetrwały w sztuce bizantyjskiej przez cały ten okres, podczas gdy na Zachodzie pojawia się ona sporadycznie, łącząc, a czasem konkurując z nowymi możliwościami ekspresjonistycznymi rozwijanymi w Europie Zachodniej i Północnej. dziedzictwo energetycznych elementów dekoracyjnych. Okres ten zakończył się wraz z postrzeganym przez Renesans odzyskaniem umiejętności i wartości sztuki klasycznej, a spuścizna artystyczna średniowiecza była wówczas przez kilka stuleci dyskredytowana . Od czasu ożywienia zainteresowania i zrozumienia w XIX wieku postrzegana jest jako okres ogromnych osiągnięć, leżących u podstaw rozwoju późniejszej sztuki zachodniej.

Przegląd

Szczegółowo Skutki dobry rząd , a fresk w Ratuszu Sieny przez Ambrogio Lorenzetti , 1338.

W ciągu pierwszych kilku wieków średniowiecza w Europie — do około 800 r. n.e. — nastąpił spadek dobrobytu, stabilności i populacji, po którym następował dość stały i ogólny wzrost, aż do ogromnego niepowodzenia Czarnej Śmierci około 1350 r., które szacuje się zabił co najmniej jedną trzecią całej populacji w Europie, z generalnie wyższymi wskaźnikami na południu i niższymi na północy. Wiele regionów nie odzyskało dawnego poziomu zaludnienia aż do XVII wieku. Populacja Europy Szacuje się, że osiągnie niską temperaturę około 18 milionów w 650, aby podwoiły się około roku 1000, a także osiągnęły ponad 70 milionów od 1340 roku, tuż przed Czarnej Śmierci. W 1450 było to jeszcze tylko 50 milionów. W tych liczbach Europa Północna, zwłaszcza Wielka Brytania, miała mniejszy udział niż dzisiaj, a Europa Południowa, w tym Francja, wyższy. Na wzrost dobrobytu tych, którzy przeżyli, Czarna Śmierć miała znacznie mniejszy wpływ. Do około XI wieku w większości Europy brakowało siły roboczej, z dużymi ilościami nieużytków, a średniowieczny ciepły okres sprzyjał rolnictwu do około 1315 roku.

Sceny miłości dworskiej na gablocie z kości słoniowej . Paryż, 1300–1330.

Okres średniowiecza przyniósł w końcu zanik najazdów i najazdów spoza obszaru, który charakteryzował pierwsze tysiąclecie. W islamskich podbojów z 7 i 8 wieków nagle i trwale usunięte wszystkie Afryce Północnej od świata zachodniego, a przez resztę okresu narody islamskie stopniowo przejął Bizancjum , aż do końca średniowiecza, kiedy Europa katolicki, mający odzyskał Półwysep Iberyjski na południowym zachodzie, ponownie znalazł się pod zagrożeniem muzułmańskim z południowego wschodu.

Na początku średniowiecza najważniejszymi dziełami sztuki były bardzo rzadkie i kosztowne przedmioty związane ze świeckimi elitami, klasztorami lub głównymi kościołami i, jeśli są religijne, w dużej mierze produkowane przez mnichów. Pod koniec średniowiecza dzieła o dużym znaczeniu artystycznym można było znaleźć w małych wsiach i znacznej liczbie domów mieszczańskich w miastach, a ich produkcja była w wielu miejscach ważnym przemysłem lokalnym, z wyjątkiem artystów duchownych . Jednak Reguła św. Benedykta zezwalała na sprzedaż dzieł sztuki przez klasztory i jest jasne, że przez cały okres mnisi mogli wytwarzać sztukę, w tym dzieła świeckie, komercyjnie na rynek świecki, a klasztory w miarę potrzeby zatrudniałyby również świeckich specjalistów.

Zachowane dzieła mogą sprawiać wrażenie, że prawie cała sztuka średniowieczna była religijna. To jest dalekie od przypadku; chociaż kościół stał się bardzo bogaty w średniowieczu i był czasami gotów wydawać hojne pieniądze na sztukę, istniało również wiele świeckiej sztuki o równoważnej jakości, która cierpiała z powodu znacznie wyższego poziomu zużycia, utraty i zniszczenia. W średniowieczu na ogół brakowało koncepcji zachowania starszych dzieł ze względu na ich wartość artystyczną, w przeciwieństwie do ich związku ze świętą lub założycielem postaci, a kolejne okresy renesansu i baroku miały tendencję do dyskredytowania sztuki średniowiecznej. Najbardziej luksusowy iluminowanych rękopisów wczesnego średniowiecza miał obfite skarb wiążące Book-okładek metali szlachetnych, kości słoniowej i klejnotów; Odbite kartki i płaskorzeźby z kości słoniowej na okładki przetrwały w znacznie większej liczbie niż kompletne okładki, które w większości zostały w pewnym momencie pozbawione cennych materiałów.

Większość kościołów była odbudowywana, często kilka razy, ale średniowieczne pałace i duże domy ginęły w znacznie większym stopniu, co dotyczy również ich wyposażenia i dekoracji. W Anglii kościoły przetrwały w większości nienaruszone z każdego stulecia od VII wieku, a w znacznej liczbie dla późniejszych – samo miasto Norwich ma 40 średniowiecznych kościołów – ale z dziesiątek pałaców królewskich żaden nie przetrwał sprzed XI wieku i tylko garść pozostałości z reszty okresu. Sytuacja jest podobna w większości krajów Europy, chociaż XIV-wieczny Palais des Papes w Awinionie przetrwał w dużej mierze nienaruszony. Wiele z najdłużej trwających sporów naukowych dotyczących daty i pochodzenia poszczególnych prac dotyczy dzieł świeckich, ponieważ są one o wiele rzadsze – anglosaska broszka Fullera została odrzucona przez British Museum jako nieprawdopodobna podróbka, a mała wolnostojąca świecka Rzeźby z brązu są tak rzadkie, że data, pochodzenie, a nawet autentyczność obu tych dwóch najlepszych przykładów jest przedmiotem dyskusji od dziesięcioleci.

Stosowanie cennych materiałów jest stałym elementem sztuki średniowiecznej; do końca tego okresu znacznie więcej wydawano na ich zakup niż na płacenie artystom, nawet jeśli nie byli to mnisi pełniący swoje obowiązki. Złoto było używane w obiektach kościelnych i pałacowych, osobistej biżuterii i przystawkach do ubrań, a także – mocowane do tylnej strony szklanych tesser – jako solidne tło dla mozaik lub stosowane jako złote płatki do miniatur w rękopisach i obrazach panelowych. Wiele przedmiotów wykorzystujących metale szlachetne zostało wykonanych ze świadomością, że ich wartość w kruszcu może zostać zrealizowana w przyszłości – dopiero pod koniec okresu można było inwestować pieniądze w inny sposób niż w nieruchomości , z wyjątkiem dużego ryzyka lub lichwy .

Mały prywatny Dyptyk Wilton dla Ryszarda II z Anglii , c. . 1400, z tłoczonym złotym tłem i dużą ilością ultramaryny .

Jeszcze droższy pigmentowy ultramaryna , wytwarzany z mielonego lapis-lazuli, dostępnego tylko w Afganistanie , był obficie stosowany w okresie gotyku, częściej do tradycyjnego niebieskiego płaszcza Maryi Dziewicy niż do nieba. Kość słoniowa , często malowana, była ważnym materiałem do samego końca tego okresu, dobrze ilustrującym przejście sztuki luksusowej do dzieł świeckich; na początku tego okresu najczęściej używano dyptyków konsularnych do przedmiotów religijnych, takich jak okładki książek, relikwiarze i pastorały , ale w okresie gotyku świeckie gabloty na lustra, szkatułki i zdobione grzebienie stały się powszechne wśród zamożnych. Ponieważ cienkie panele z kości słoniowej wyrzeźbione w reliefie rzadko mogły zostać wykorzystane do innej pracy, liczba ocalałych jest stosunkowo wysoka – to samo dotyczy stron rękopisów, chociaż często były one ponownie przetwarzane przez skrobanie, po czym stają się palimpsestami .

Nawet te podstawowe materiały były kosztowne: kiedy anglosaskie opactwo Monkwearmouth-Jarrow planowało w 692 r. stworzyć trzy kopie Biblii — z których jeden przetrwał jako Codex Amiatinus — pierwszym niezbędnym krokiem było zaplanowanie hodowli bydła w celu zaopatrzenia 1600 cieląt, aby zapewnić skórę potrzebną do welinu .

Papier stał się dostępny w ostatnich stuleciach tego okresu, ale był również niezwykle drogi według dzisiejszych standardów; drzeworyty sprzedawane zwykłym pielgrzymom w kapliczkach często miały rozmiar zapałek lub mniejsze. Współczesna dendrochronologia ujawniła, że ​​większość dębu używanego we wczesnym malarstwie niderlandzkim w XV wieku została ścięta w dorzeczu Wisły w Polsce, skąd został przetransportowany w dół rzeki oraz przez Bałtyk i Morze Północne do portów flamandzkich , zanim został sezonowane przez kilka lat.

Sztuka średniowiecza to szeroki temat, a historycy sztuki tradycyjnie dzielą ją na kilka etapów, stylów lub okresów na dużą skalę. Okres średniowiecza ani nie zaczyna się, ani nie kończy się dokładnie w określonym dniu, ani w tym samym czasie we wszystkich regionach i to samo dotyczy głównych faz sztuki w tym okresie. Główne fazy zostały omówione w kolejnych sekcjach.

Sztuka wczesnego chrześcijaństwa i późnego antyku

Łuk Konstantyna w Rzymie, ukończony 315: Niższa, długa płaskorzeźba , z przysadzistymi figurami o rozmiarach zmieniających się w zależności od statusu, pochodzi z tej daty, podczas gdy rondle pochodzą z pomnika sprzed prawie 200 lat, który utrzymany jest w stylu klasycystycznym.

Sztuka wczesnochrześcijańska, bardziej ogólnie określana jako sztuka późnoantyczna , obejmuje okres od około 200 roku (przed którym nie zachowała się żadna odrębna sztuka chrześcijańska) do nastania w pełni bizantyjskiego stylu około 500 roku. Nadal istnieją różne poglądy na to, kiedy Okres średniowiecza rozpoczyna się w tym czasie, zarówno w zakresie historii ogólnej, jak i historii sztuki, ale najczęściej umieszczany jest w późnym okresie. W ciągu IV wieku chrześcijaństwo przekształciło się z prześladowanej sekty ludowej w oficjalną religię Imperium, przejmując istniejące style rzymskie i często ikonografię , zarówno ze sztuki popularnej, jak i cesarskiej. Od początku tego okresu głównymi pozostałościami sztuki chrześcijańskiej są malowidła nagrobne w popularnych stylach rzymskich katakumb , ale pod koniec pojawiło się wiele bogatych mozaik w kościołach zbudowanych pod patronatem Cesarstwa.

W tym okresie cesarska sztuka późnorzymska przeszła uderzająco „barokową” fazę, a następnie w dużej mierze porzuciła styl klasyczny i grecki realizm na rzecz bardziej mistycznego i hieratycznego stylu – proces, który miał miejsce na długo przed tym, zanim chrześcijaństwo stało się głównym czynnikiem wpływającym na sztukę cesarską. . Przyczyniły się do tego wpływy ze wschodnich części Imperium — Egiptu , Syrii i nie tylko, a także silna „italska” tradycja wernakularna.

Postacie są w większości widziane od frontu, wpatrując się w widza, gdzie klasyczna sztuka zwykle przedstawiała widok z profilu - zmiana była ostatecznie widoczna nawet na monetach. Silnie zanika indywidualność portretów, wielka siła sztuki rzymskiej, a anatomia i drapieżność postaci ukazane są ze znacznie mniejszym realizmem. Modele, z których w szczególności średniowieczna Europa Północna ukształtowała swoją ideę stylu „rzymskiego”, były prawie wszystkimi przenośnymi dziełami późnoantycznymi, a późnoantyczne rzeźbione sarkofagi znalezione w całym byłym Cesarstwie Rzymskim; determinacja w odnalezieniu wcześniejszych „czystszych” modeli klasycznych była kluczowym elementem w sztuce all'antica renesansu.

Płaskorzeźby z kości słoniowej

Sztuka bizantyjska

Król Dawid gra na harfie w X-wiecznym Psałterzu Paryskim , klasycyzującym dziele okresu macedońskiego.

Sztuka bizantyjska to sztuka greckojęzycznego Cesarstwa Bizantyjskiego utworzonego po podziale Cesarstwa Rzymskiego na wschodnią i zachodnią połowę, a czasem na części Włoch pod panowaniem bizantyńskim. Wywodzi się z późnej starożytności około 500 roku n.e. i wkrótce utworzyła tradycję odmienną od katolickiej Europy, ale z wielkim wpływem na nią. W okresie wczesnego średniowiecza najlepsza sztuka bizantyjska, często z wielkich cesarskich warsztatów, reprezentowała ideał wyrafinowania i techniki, który europejscy mecenasowie próbowali naśladować. W okresie ikonoklazmu bizantyjskiego w latach 730-843 zdecydowana większość ikon (świętych obrazów malowanych zazwyczaj na drewnie) uległa zniszczeniu; tak niewiele pozostało, że dziś każde odkrycie rzuca nowe zrozumienie, a większość pozostałych dzieł znajduje się we Włoszech (Rzym i Rawenna itp.) lub Egipcie w klasztorze św. Katarzyny .

Sztuka bizantyjska była niezwykle konserwatywna ze względów religijnych i kulturowych, ale zachowała ciągłą tradycję realizmu greckiego, który walczył z silnym impulsem antyrealistycznym i hieratycznym. Po wznowieniu produkcji ikon w 843 do 1453 tradycja sztuki bizantyjskiej kontynuowała stosunkowo niewiele zmian, pomimo lub z powodu powolnego upadku Cesarstwa. Nastąpiło znaczące odrodzenie stylu klasycznego w dziełach sztuki dworskiej z X wieku, takich jak Psałterz Paryski , a przez cały okres iluminacja rękopisów pokazuje równoległe style, często używane przez tego samego artystę, dla ikonicznych postaci w oprawionych miniaturach i bardziej nieformalnych małych scen lub postaci dodano nieoprawione na marginesach tekstu w znacznie bardziej realistycznym stylu.

Monumentalna rzeźba z postaciami pozostawała tabu w sztuce bizantyjskiej; nie ma prawie żadnych wyjątków. Ale specjalnością były małe płaskorzeźby z kości słoniowej, prawie wszystkie w stylu kultowym ( Tryptyk z Harbaville jest z podobnej daty do Psałterza Paryskiego, ale bardzo odmiennym stylem), podobnie jak płaskorzeźby na misach i innych metalowych przedmiotach.

Cesarstwo Bizantyjskie wyprodukowało wiele z najlepszych dzieł sztuki średniowiecza pod względem jakości materiałów i wykonania, przy czym produkcja dworska koncentrowała się na Konstantynopolu , chociaż niektórzy historycy sztuki kwestionowali powszechnie przyjmowane założenie, że wszystkie dzieła są najlepszej jakości z w stolicy nie przedstawiono żadnych informacji o pochodzeniu. Ukoronowaniem sztuki bizantyjskiej były monumentalne freski i mozaiki wewnątrz kopułowych kościołów, z których większość nie przetrwała z powodu klęsk żywiołowych i zawłaszczenia kościołów na meczety .

Koptyjska ikona Jezusa i opata z VI lub VII wieku podziela bardziej swojską formę antyrealistycznego stylu bizantyjskiej sztuki ikonicznej.

Sztuka bizantyjska wywierała ciągły wpływ na sztukę zachodnioeuropejską, a splendor bizantyjskiego dworu i klasztorów, nawet pod koniec cesarstwa, stanowił wzór dla zachodnich władców oraz patronów świeckich i duchownych. Na przykład bizantyjskie tkaniny jedwabne , często tkane lub haftowane we wzory postaci zarówno zwierzęcych, jak i ludzkich, często odzwierciedlające tradycje wywodzące się znacznie dalej na wschód, nie miały sobie równych w świecie chrześcijańskim aż do końca cesarstwa. Były one produkowane, ale prawdopodobnie nie do końca, w cesarskich warsztatach w Konstantynopolu, o których działalności nie wiemy prawie nic – podobne warsztaty są często domyślane dla innych sztuk, z jeszcze mniej dowodami. Styl złotej ziemi w mozaikach, ikonach i miniaturach rękopisów był powszechny w Europie w okresie gotyku. Niektóre inne sztuki dekoracyjne były mniej rozwinięte; Bizantyjskie ceramika rzadko wzrośnie powyżej poziomu atrakcyjnej sztuki ludowej , mimo starożytnego greckiego dziedzictwa i imponującej przyszłości w Osmańskiego okresu wyroby İznik i innych rodzajów ceramiki.

Koptyjski sztuki Egiptu wziął inną drogę; po oddzieleniu się Kościoła koptyjskiego w połowie V wieku nigdy już nie był wspierany przez państwo, a rdzenne wpływy egipskie dominowały, tworząc całkowicie nierealistyczny i nieco naiwny styl wielkookich postaci unoszących się w pustej przestrzeni. To było zdolne do wielkiej ekspresji i doprowadziło „wschodni” komponent sztuki bizantyjskiej do logicznych wniosków. Koptyjska dekoracja wykorzystywała skomplikowane wzory geometryczne, często antycypując sztukę islamską. Ze względu na wyjątkowo dobre zachowanie egipskich pochówków wiemy więcej o tkaninach używanych przez mniej zamożnych w Egipcie niż gdziekolwiek indziej. Były one często misternie zdobione figuratywnymi i wzorzystymi wzorami. Inne lokalne tradycje w Armenii , Syrii , Gruzji i gdzie indziej wykazywały generalnie mniej wyrafinowania, ale często więcej wigoru niż sztuka Konstantynopola , a czasami, zwłaszcza w architekturze , wydawały się mieć wpływ nawet w Europie Zachodniej. Na przykład figuralna rzeźba monumentalna na zewnątrz kościołów pojawia się tu kilka wieków przed pojawieniem się jej na Zachodzie.

Okres migracji przez chrystianizację

Zapięcie na ramię od Sutton Hoo , Anglo-Saxon, ok. 1930 r. 620. Węże gryzące z przeplotem i skonfrontowane knury (odcinki końcowe) są przedstawione całkowicie schematycznie.

Sztuka okresu wędrówek ludów opisuje sztukę „ barbarzyńskich ” ludów germańskich i wschodnioeuropejskich, które przemieszczały się, a następnie osiedlały na terenie dawnego Cesarstwa Rzymskiego, w okresie wędrówek ludów około 300-700; określenie zbiorcze obejmuje szeroki zakres stylów etnicznych i regionalnych, w tym początku anglosaskiej techniki , Visigothic techniki , Viking techniki i techniki merowińskiej , z których wykonane stosowanie stylu zwierząt , jak również pochodzące z motywów geometrycznych klasycznej techniki. W tym okresie styl zwierzęcy osiągnął znacznie bardziej abstrakcyjną formę niż we wcześniejszej sztuce scytyjskiej czy stylu La Tène . Większość dzieł sztuki była mała i przenośna, a te, które przetrwały, to głównie biżuteria i metaloplastyka, ze sztuką wyrażoną w geometrycznych lub schematycznych projektach, często pięknie pomyślanych i wykonanych, z niewielką liczbą postaci ludzkich i bez próby realizmu. Wczesne anglosaskie grobowe z Sutton Hoo są jednymi z najlepszych przykładów.

W miarę chrystianizacji ludów „barbarzyńskich” wpływy te wchodziły w interakcję z postklasyczną śródziemnomorską chrześcijańską tradycją artystyczną i nowymi formami, takimi jak iluminowany rękopis , a nawet monety , które próbowały naśladować rzymskie monety prowincjonalne i bizantyjskie typy. Wczesne monety, takie jak sceat, pokazują projektantów zupełnie nieprzyzwyczajonych do przedstawiania głowy z profilu, zmagającej się z problemem na wiele różnych sposobów.

Jeśli chodzi o większe dzieła, istnieją odniesienia do anglosaskich drewnianych pogańskich posągów, które teraz zaginęły, a w sztuce nordyckiej zachowano tradycję rzeźbionych kamieni runicznych po ich nawróceniu na chrześcijaństwo. Celtyccy Piktowie ze Szkocji również rzeźbili kamienie przed i po konwersji, a charakterystyczna anglosaska i irlandzka tradycja dużych rzeźbionych krzyży na świeżym powietrzu może odzwierciedlać wcześniejsze dzieła pogańskie. Sztuka Wikingów z późniejszych wieków w Skandynawii i części Wysp Brytyjskich obejmuje prace zarówno z pogańskich, jak i chrześcijańskich środowisk i była jednym z ostatnich rozkwitów tej szerokiej grupy stylów.

Sztuka wyspiarska

Księga Lindisfarne , Northumbria , c. 715; Dekoracja wkracza w tekst początku Mateusza : „Liber generationis Jesu Christi filii David, filii Abraham”.

Sztuka wyspiarska odnosi się do odrębnego stylu występującego w Irlandii i Wielkiej Brytanii od około VII wieku do około X wieku, trwającego później w Irlandii i niektórych częściach Szkocji. Styl widział fuzję pomiędzy tradycjami sztuki celtyckiej , germańskie migracji okres sztuki z Anglosasów i chrześcijańscy formy książki, wysokie krzyże i metaloplastyki liturgicznej.

Niezwykle szczegółowe geometryczne, przeplatane i stylizowane dekoracje zwierzęce, z formami wywodzącymi się ze świeckiego metaloplastyki, takich jak broszki , śmiało rozłożone na rękopisach, zwykle książkach gospel, takich jak Księga z Kells , z całymi stronami dywanu poświęconymi takim projektom i rozwinięciem dużych zdobionych i historyczny inicjał . Było bardzo niewiele postaci ludzkich – najczęściej były to portrety ewangelickie – i były one prymitywne, nawet jeśli ściśle podążały za modelami późnego antyku.

Rękopis wyspiarski został przeniesiony na kontynent przez misję hiberno-szkocką , a jego antyklasyczna energia była niezwykle ważna w tworzeniu stylów późniejszego średniowiecza. W większości późnoantycznych rękopisów tekst i dekoracje były wyraźnie oddzielone, chociaż niektóre inicjały zaczęto powiększać i opracowywać, ale główne rękopisy wyspiarskie czasami zajmują całą stronę na pojedynczy inicjał lub kilka pierwszych słów (patrz ilustracja) na początku ewangelii lub inne sekcje w książce. Dopuszczenie do dekoracji „prawa do wędrowania” miało mieć duży wpływ na sztukę romańską i gotycką we wszystkich mediach.

Budynki klasztorów, dla których sporządzono wyspiarskie księgi ewangelii, były wówczas małe i można je było śmiało nazwać prymitywnymi, zwłaszcza w Irlandii. Coraz częściej pojawiały się inne ozdoby kościołów, w miarę możliwości z metali szlachetnych, a garstka z nich przetrwała, jak kielich Ardagh , wraz z większą liczbą niezwykle bogato zdobionych i precyzyjnie wykonanych kawałków świeckiej biżuterii o wysokim statusie, które prawdopodobnie nosiły celtyckie broszki głównie przez mężczyzn, z których najbardziej spektakularna jest Broszka Tara .

„Franco-Saxon” to określenie szkoły późnokarolińskiej iluminacji w północno-wschodniej Francji, która wykorzystywała dekoracje w stylu wyspiarskim, w tym bardzo duże inicjały, czasami w połączeniu z obrazami figuratywnymi typowymi dla współczesnych francuskich stylów. „Najbardziej wytrwały ze wszystkich stylów karolińskich”, trwał aż do XI wieku.

Gigantyczne inicjały

Wpływ sztuki islamu

Romański portal w Moissac — patrz tekst. Szczegół tympanonu tutaj

Sztuka islamu w średniowieczu wykracza poza zakres tego artykułu, ale była szeroko importowana i podziwiana przez elity europejskie, a jej wpływy należy wspomnieć. Sztuka islamu obejmuje szeroką gamę mediów, w tym kaligrafię, ilustrowane rękopisy, tekstylia, ceramikę, metaloplastykę i szkło, i odnosi się do sztuki krajów muzułmańskich na Bliskim Wschodzie, islamskiej Hiszpanii i Afryki Północnej, choć nie zawsze rzemieślników. Na przykład produkcja szkła pozostawała przez cały ten okres specjalnością żydowską , a sztuka chrześcijańska, podobnie jak w Egipcie koptyjskim, była kontynuowana, zwłaszcza we wcześniejszych wiekach, utrzymując pewne kontakty z Europą. Nastąpił wczesny etap formacji w latach 600-900 i rozwój stylów regionalnych od 900 roku. Wczesna sztuka islamska wykorzystywała artystów mozaiki i rzeźbiarzy wyszkolonych w tradycji bizantyjskiej i koptyjskiej. Zamiast malowideł ściennych w sztuce islamu używano malowanych kafelków już w latach 862-3 (w Wielkim Meczecie w Kairouan we współczesnej Tunezji ), które rozprzestrzeniły się również na Europę. Według Johna Ruskina , na Pałac Dożów w Wenecji zawiera „trzy elementy dokładnie równych proporcjach. - rzymskiego, Lombard i arabskich Jest to centralny budynek świata ... historia architektury gotyckiej jest historią. wyrafinowanie i uduchowienie pracy Północy pod jej wpływem”.

Władcy islamscy kontrolowali w różnych punktach części południowych Włoch i większość współczesnej Hiszpanii i Portugalii, a także Bałkany , z których wszystkie zachowały duże populacje chrześcijańskie. Chrześcijańscy krzyżowcy w równym stopniu rządzili społecznościami islamskimi. Sztuka krzyżowców jest głównie hybrydą stylów katolickich i bizantyjskich, z niewielkimi wpływami islamu, ale mozarabska sztuka chrześcijan w Al Andaluz wydaje się wykazywać znaczny wpływ sztuki islamskiej, chociaż wyniki niewiele przypominają współczesne dzieła islamskie. Wpływy islamu można również doszukiwać się w głównym nurcie zachodniej sztuki średniowiecznej, na przykład w romańskim portalu w Moissac w południowej Francji, gdzie widać to w obu elementach dekoracyjnych, takich jak ząbkowane krawędzie drzwi, okrągłe dekoracje na nadprożu powyżej, a także w posiadaniu Chrystusa w majestacie w otoczeniu muzyków, co miało stać się powszechną cechą zachodnich scen niebieskich i prawdopodobnie wywodzi się z wizerunków królów islamskich na ich diwanie . Kaligrafia , ornamentyka i sztuka dekoracyjna były generalnie ważniejsze niż na Zachodzie.

W Hispano-mauretańskim wyroby garncarskie Hiszpanii po raz pierwszy zostały wyprodukowane w Al-Andaluz, ale muzułmańscy garncarzy wydają następnie wyemigrowali do obszaru chrześcijańskiej Walencji , gdzie produkowanej pracę, która była eksportowana do elit chrześcijańskich w całej Europie; inne rodzaje muzułmańskich dóbr luksusowych, zwłaszcza jedwabne tkaniny i dywany, pochodziły z ogólnie bogatszego wschodniego świata islamskiego (muzułmańskie kanały prowadzące do Europy na zachód od Nilu nie były jednak bogatsze), a wiele z nich przechodziło przez Wenecję. Jednak w większości luksusowe produkty kultury dworskiej, takie jak jedwabie, kość słoniowa, kamienie szlachetne i klejnoty, były importowane do Europy tylko w niedokończonej formie i wytwarzane jako produkt końcowy oznaczony jako „wschodni” przez miejscowych średniowiecznych rzemieślników. Były one wolne od przedstawień scen religijnych i zwykle zdobione ornamentami , co ułatwiało ich akceptację na Zachodzie, rzeczywiście w późnym średniowieczu panowała moda na pseudokufickie imitacje pisma arabskiego używane zdobnie w sztuce zachodniej.

Sztuka przedromańska

Fragment korony wotywnej z Hiszpanii Wizygotów , sprzed 672. Część skarbu Guarrazara .

Preromański to termin na architekturę i do pewnego stopnia sztukę malarską i przenośną, znalezioną początkowo w Europie Południowej (Hiszpania, Włochy i południowa Francja) między okresem późnego antyku a początkiem okresu romańskiego w XI wieku. Sztuka północnoeuropejska stopniowo staje się częścią ruchu po chrystianizacji , asymilując style postklasyczne. Karolingów sztuka z Franków Imperium , zwłaszcza współczesnej Francji i Niemiec, z około 780-900 bierze swoją nazwę od Karola i jest sztuką okręgu sądowego i kilka ośrodków monastycznych pod patronatem Imperial, że świadomie starał się ożywić style „Roman” i standardy jak przystało na nowe Imperium Zachodu . Niektóre ośrodki twórczości karolińskiej były również pionierami stylów ekspresyjnych w dziełach takich jak Psałterz Utrechcki i Ewangelie Ebbo . Chrześcijańska rzeźba monumentalna została odnotowana po raz pierwszy, a przedstawienie postaci ludzkiej w scenach narracyjnych po raz pierwszy stało się pewne w sztuce północnej. Architektura karolińska wytworzyła większe budynki niż widziano od czasów rzymskich, a także westwork i inne innowacje.

Po upadku dynastii nastąpiła przerwa, zanim nowa dynastia przyniosła w Niemczech odrodzenie ze sztuką ottońską , ponownie skupioną na dworze i klasztorach, ze sztuką zmierzającą w kierunku wielkiej ekspresji poprzez proste formy, które osiągają monumentalność nawet w małych dziełach, takich jak kość słoniowa płaskorzeźby i miniatury rękopisów , przede wszystkim ze szkoły Reichenau , np. Perykopy Henryka II (1002–1012). Późniejsza sztuka anglosaska w Anglii, od około 900 roku, była ekspresyjna w zupełnie inny sposób, z poruszonymi postaciami, a nawet draperiami, być może najlepiej pokazanymi na wielu rysunkach piórem w rękopisach. Mozarabski sztuki chrześcijańskiej Hiszpanii miał silny wpływ islamu, i kompletny brak zainteresowania realizmu w jego znakomicie kolorowych figurek, gdzie dane są prezentowane jako całkowicie płaskich wzorów. Obydwa miały wpłynąć na ukształtowanie się we Francji stylu romańskiego.

Sztuka romańska

Tympanon w Saint-Julien-de-Jonzy , połowa XII wieku. Chrystus w majestacie powyżej, Ostatnia Wieczerza poniżej.

Sztuka romańska rozwinęła się w okresie od około 1000 roku do narodzin sztuki gotyckiej w XII wieku, w połączeniu z rozwojem monastycyzmu w Europie Zachodniej. Styl rozwinął się początkowo we Francji, ale rozprzestrzenił się na chrześcijańską Hiszpanię, Anglię, Flandrię, Niemcy, Włochy i gdzie indziej, stając się pierwszym średniowiecznym stylem znalezionym w całej Europie, choć z regionalnymi różnicami. Pojawienie się stylu zbiegło się w czasie z wielkim wzrostem budowy kościołów, a także wielkości katedr i większych kościołów; wiele z nich zostało przebudowanych w późniejszych okresach, ale często osiągały mniej więcej swój obecny rozmiar w okresie romańskim. W architekturze romańskiej dominują grube mury, masywne konstrukcje pomyślane jako jedna organiczna forma, ze sklepionymi dachami oraz okrągłymi oknami i łukami.

Rzeźba figuralna, pierwotnie malowana kolorowo, odgrywa integralną i ważną rolę w tych budynkach, w kapitelach kolumn, a także wokół imponujących portali , zwykle skupionych na tympanonie nad głównymi drzwiami, jak w opactwie Vézelay i katedrze Autun . Płaskorzeźby są znacznie bardziej powszechne niż wolnostojące posągi z kamienia, ale romańska płaskorzeźba stała się znacznie wyższa, a niektóre elementy zostały całkowicie oderwane od ściany. Ważne stały się również duże rzeźby, zwłaszcza malowane drewniane krucyfiksy, takie jak Krzyż Gero z samego początku okresu i postacie Matki Boskiej, takie jak Złota Madonna z Essen . Królowie i wyższy duchowieństwo zaczęli zamawiać kukły naturalnej wielkości do pomników nagrobnych . Niektóre kościoły miały masywne pary brązowych drzwi ozdobionych narracyjnymi płaskorzeźbami, jak Drzwi Gnieźnieńskie lub te w Hildesheim , „pierwsze zdobione drzwi z brązu odlane w jednym kawałku na Zachodzie od czasów rzymskich” i prawdopodobnie najwspanialsze przed renesansem.

Większość kościołów była intensywnie ozdobiona freskami; typowy schemat miał Chrystusa w majestacie na wschodnim końcu (ołtarz), Sąd Ostateczny na zachodnim końcu nad drzwiami i sceny z Życia Chrystusa zwrócone typologicznie do scen ze Starego Testamentu na ścianach nawy . „Największego zachowanym zabytkiem romańskim malarstwa ściennego”, znacznie zmniejszona z tego, co było pierwotnie tam, jest w Opactwo Saint Savin sur Gartempe niedaleko Poitiers , gdzie zaokrąglone beczka sklepienie w nawie The krypta , portyk i inne obszary zachowały większość swoich obrazów. Równoważny cykl w Sant'Angelo in Formis w Kapui w południowych Włoszech autorstwa włoskich malarzy wyszkolonych przez Greków ilustruje trwającą dominację stylu bizantyjskiego w większości Włoch.

Francuski historyczny inicjał z mężczyznami zabijającymi potwora, z teologicznego rękopisu. 1110-1115

Rzeźba i malarstwo romańskie są często niezwykle żywiołowe i ekspresyjne, a także bardzo pomysłowe pod względem ikonografii — wybieranych tematów i ich traktowania. Chociaż wiele cech przejętych ze sztuki klasycznej stanowi część stylu romańskiego, artyści romańscy rzadko zamierzali osiągnąć jakikolwiek rodzaj klasycznego efektu, z wyjątkiem być może sztuki Mosan . W miarę jak sztukę dostrzegała szersza część społeczeństwa, a także z powodu wyzwań związanych z nowymi herezjami , sztuka stała się bardziej dydaktyczna, a lokalny kościół „ Biblią Biednego Człowieka ”. W tym samym czasie groteskowych bestii i potworów oraz walk z lub między nimi, były popularne tematy, do których może być luźno przymocowane znaczeń religijnych, choć nie zawiodła St Bernard z Clairvaux , który znakomicie wypowiedzenia takich rozrywek w klasztorach:

Ale w krużgankach, na oczach czytających mnichów, jaki sens ma tak śmieszna potworność, dziwny rodzaj bezkształtnej bezkształtności? Po co te brzydkie małpy, po co te dzikie lwy, po co potworne centaury, po co półludzie, po co cętkowane tygrysy, po co walczący żołnierze, po co trąbić myśliwych? ... Krótko mówiąc, wszędzie jest taka różnorodność i taka różnorodność dziwnych kształtów, że wolimy czytać kulki niż książki.

Mógł dobrze znać miniaturę po lewej, która została wyprodukowana w opactwie Cîteaux, zanim młody Bernard został stamtąd przeniesiony w 1115 roku.

W tym okresie typologia stała się dominującym podejściem w literaturze teologicznej i sztuce do interpretacji Biblii, przy czym incydenty ze Starego Testamentu były postrzegane jako prefiguracje aspektów życia Chrystusa i pokazywane w połączeniu z odpowiadającym im epizodem Nowego Testamentu. Często ikonografia sceny nowotestamentowej opierała się na tradycjach i wzorach wywodzących się z późnej starożytności, ale ikonografia epizodu ze Starego Testamentu z braku precedensów musiała zostać wymyślona właśnie w tym okresie. Opracowano nowe motywy, takie jak Drzewo Jessego , a przedstawienia Boga Ojca stały się bardziej akceptowalne. Zdecydowana większość zachowanej sztuki ma charakter religijny. Sztuka mozanska była szczególnie wyrafinowanym stylem regionalnym, z zachowanymi znakomitą metaloplastyką, często połączoną z emalią i elementami klasycyzmu rzadko spotykanymi w sztuce romańskiej, jak np. chrzcielnica w kościele św. Bartłomieja w Liège czy Sanktuarium Trzech Króli w Kolonii , jedno z wielu zachowanych dzieł Mikołaja z Verdun , którego usług poszukiwano w północno-zachodniej Europie.

Witraże stały się ważną formą sztuki w tym okresie, choć niewiele przetrwało romańskie szkło. W rękopisach iluminowanych Biblia stała się nowym przedmiotem intensywnej dekoracji, przy czym ważny pozostał także psałterz . Silny nacisk na cierpienie Chrystusa i innych świętych postaci wkroczył w tym okresie do sztuki zachodniej, co zdecydowanie odróżnia ją od sztuki bizantyjskiej i klasycznej do końca średniowiecza i poza nim. Krzyż Gero z lat 965-970, u szczytu sztuki ottońskiej i romańskiej, został nazwany pierwszym dziełem, które to eksponuje. Pod koniec okresu romańskiego rozpoczął się znacznie wzmożony nacisk na Marię Pannę w teologii, literaturze, a więc i sztuce, który miał się w pełni rozwinąć w okresie gotyku.

Sztuka gotycka

Chartres katedra C. 1220; najlepsza rzeźba wysokiego gotyku w dużej mierze na nowo odkryła sztukę naturalistycznego przedstawiania postaci.

Sztuka gotycka to pojęcie zmienne zależne od rzemiosła, miejsca i czasu. Termin pochodzi od architektury gotyckiej, która rozwinęła się we Francji od około 1137 roku wraz z przebudową kościoła opackiego św . Denisa . Podobnie jak w przypadku architektury romańskiej, obejmowało to rzeźbę jako integralną część stylu, z jeszcze większymi portalami i innymi figurami na fasadach kościołów , w których znajdowała się najważniejsza rzeźba, aż do późnego okresu, kiedy duże rzeźbione ołtarze i reredosy , zwykle w malowane i złocone drewno stało się ważnym punktem w wielu kościołach. Malarstwo gotyckie pojawiło się dopiero około roku 1200 (data ta ma wiele zastrzeżeń), kiedy to odbiegało od stylu romańskiego. Gotycki styl rzeźby pochodzą z Francji około 1144 roku i rozprzestrzenianie się w całej Europie, stając się przez 13 wieku styl międzynarodowy, zastępując romańskim, choć w rzeźbie i malowanie przejścia nie było tak ostre jak w architekturze.

Większość romańskich katedr i dużych kościołów została zastąpiona budynkami gotyckimi, przynajmniej w tych miejscach, które czerpią korzyści z rozwoju gospodarczego tego okresu – architekturę romańską najlepiej widać obecnie na obszarach, które w późniejszym okresie były stosunkowo przygnębione, jak wiele południowych regionów Francji i Włoch lub północna Hiszpania. Nowa architektura pozwoliła na znacznie większe okna, a witraże o nigdy nie przewyższającej jakości są prawdopodobnie rodzajem sztuki najbardziej kojarzonym w powszechnym umyśle z gotykiem, chociaż kościoły z prawie całym oryginalnym szkłem, jak Sainte-Chapelle w Paryżu, są niezwykle rzadkie i nieznane w Wielkiej Brytanii.

Zniknęła również większość gotyckich malowideł ściennych; były one bardzo powszechne, choć w kościołach parafialnych często wykonywano je dość prymitywnie. Budynki świeckie również często miały malowidła ścienne, chociaż członkowie rodziny królewskiej woleli znacznie droższe gobeliny, które nosili ze sobą podczas podróży między ich licznymi pałacami i zamkami lub zabierali ze sobą na kampanie wojskowe – najwspanialsza kolekcja późnośredniowiecznej sztuki tekstylnej pochodzi ze szwajcarskiego łupu w bitwie pod Nancy , kiedy pokonali i zabili Karola Śmiałego , księcia Burgundii , i zdobyli cały jego bagaż.

Centralny panel ogromnego ołtarza Maestà Duccio dla katedry w Sienie , ze złotym szlifem .

Jak wspomniano w poprzedniej części, okres gotyku zbiegł się ze znacznie zwiększonym naciskiem na Matkę Boską i to właśnie w tym okresie Matka Boża z Dzieciątkiem stała się takim znakiem rozpoznawczym sztuki katolickiej. Święci byli również przedstawiani znacznie częściej i po raz pierwszy pojawiło się wiele z szeregu atrybutów opracowanych w celu ich wizualnej identyfikacji dla wciąż w dużej mierze niepiśmiennej publiczności.

W tym okresie na znaczeniu zyskało malowanie tablicowe do ołtarzy, często poliptyki i mniejsze dzieła. Wcześniej ikony na panelach były znacznie bardziej powszechne w sztuce bizantyjskiej niż na Zachodzie, chociaż wiele zaginionych obecnie obrazów panelowych wykonanych na Zachodzie jest udokumentowanych ze znacznie wcześniejszych okresów, a początkowo zachodni malarze na panelach byli w dużej mierze pod wpływem modeli bizantyjskich, zwłaszcza we Włoszech, skąd pochodzi większość wczesnych zachodnich malowideł panelowych. Proces ustanawiania odrębnego stylu zachodniego rozpoczęli Cimabue i Duccio , a zakończył Giotto , tradycyjnie uważany za punkt wyjścia dla rozwoju malarstwa renesansowego. Większość malarstwa panelowego pozostała jednak bardziej konserwatywna niż malarstwo miniaturowe, częściowo dlatego, że było widziane przez szeroką publiczność.

Rekonstrukcja świątyni jerozolimskiej , miniatura burgundzka, ok. 1900 r. 1460.

Gotyk międzynarodowy opisuje dworską sztukę gotycką od około 1360 do 1430, po czym sztuka gotycka zaczyna się łączyć ze sztuką renesansową , która zaczęła kształtować się we Włoszech w okresie Trecento , z powrotem do klasycznych zasad kompozycji i realizmu, z rzeźbiarzem Nicola Pisano i malarz Giotto jako postacie szczególnie kształtujące. Bardzo bogate godzinki księcia de Berry jest jedną z najbardziej znanych dzieł gotyk międzynarodowy. Przejście do renesansu nastąpiło w różnym czasie w różnych miejscach - między nimi znajduje się wczesne malarstwo niderlandzkie , podobnie jak włoski malarz Pisanello . Poza Włochami style renesansowe pojawiły się w niektórych dziełach na dworach i w niektórych bogatych miastach, podczas gdy inne dzieła, a wszystkie dzieła poza tymi centrami innowacji, kontynuowały style późnego gotyku przez kilka dziesięcioleci. Reformacja często dostarczane punkt końcowy dla tradycji gotyckiej w obszarach, które przeszli protestanckich, gdyż wiązało się z katolicyzmem.

Wynalezienie wszechstronnego matematycznie opartego systemu perspektywy liniowej jest decydującym osiągnięciem włoskiego renesansu z początku XV wieku we Florencji , ale malarstwo gotyckie poczyniło już wielkie postępy w naturalistycznym przedstawianiu odległości i objętości, chociaż zwykle nie uwzględniało je jako istotne cechy dzieła, jeśli inne cele były z nimi sprzeczne, a późnogotycka rzeźba była coraz bardziej naturalistyczna. W burgundzkiej miniaturze z połowy XV wieku (po prawej) artysta wydaje się chętnie pokazywać swoje umiejętności przedstawiania budynków i bloków kamiennych ukośnie oraz zarządzania scenami z różnych odległości. Ale jego ogólna próba zmniejszenia rozmiarów bardziej odległych elementów jest niesystematyczna. Fragmenty kompozycji są w podobnej skali, ze względną odległością pokazaną przez nakładanie się, skrócenie perspektywiczne , a dalsze obiekty są wyższe niż bliższe, chociaż robotnicy po lewej wykazują dokładniejsze dopasowanie rozmiaru. Ale to jest porzucone po prawej stronie, gdzie najważniejsza postać jest znacznie większa niż murarz.

Śmierć przychodzi za kardynała , z drukowanego księgi z ręczną farbą, ok. godz . 1455–58, wczesny przykład Tańca Śmierci .

Koniec okresu obejmuje nowe media, takie jak druki ; wraz z małymi obrazami panelowymi były one często używane do emocjonalnych andachtsbilder („obrazów nabożnych”) pod wpływem nowych trendów religijnych tego okresu. Były to obrazy momentów oderwanych od narracji Męki Chrystusa, przeznaczone do medytacji nad Jego cierpieniami, czy te Matki Boskiej: Męża Bolesnego , Pieta , Chusta Weroniki czy Arma Christi . Trauma Czarnej Śmierci w połowie XIV wieku była przynajmniej częściowo odpowiedzialna za popularność takich tematów jak Taniec Śmierci i Memento mori . W tanich blokach z tekstem (często w języku narodowym ) i obrazami wyciętymi w jednym drzeworycie , dziełami takimi jak ilustrowany (po lewej), Ars Moriendi ( Sztuka Umierania ) i typologicznymi streszczeniami wierszy biblijnych, jak Speculum Humanae Salvationis ( Największą popularnością cieszyły się Mirror of Human Salvation ).

Renesansowy humanizm i powstanie zamożnej miejskiej klasy średniej, kierowanej przez kupców, zaczęły przekształcać dawny społeczny kontekst sztuki, wraz z odrodzeniem realistycznego portretu oraz pojawieniem się grafiki i autoportretu , wraz z upadkiem form takich jak: witraż i iluminowany rękopis. Portrety darczyńców , w okresie wczesnego średniowiecza w dużej mierze zarezerwowane dla papieży, królów i opatów, teraz przedstawiały biznesmenów i ich rodziny, a kościoły zapełniały się pomnikami nagrobnymi zamożnych.

Otwarcie z Godzin Katarzyny z Kleve , ok. godz . 1440, z Katarzyną klęczącą przed Matką Boską z Dzieciątkiem w otoczeniu heraldyki rodzinnej. Naprzeciwko jest początek jutrzni w Małym Biurze , ilustrowany przez Zwiastowanie Joachimowi . Typowe bogato zdobione marginesy wywodzą się ze sztuki wyspiarskiej i nie przypominają niczego w tradycji bizantyjskiej.

Książka godzin , rodzaj rękopisu normalnie własnością laików, a nawet częściej, laywomen, stał się rodzajem rękopis najczęściej mocno ilustrowany od wieku począwszy, a także 14 przez ten okres, wiodący w produkcji figurek przeszedł do artystki świeckie, także bardzo często kobiety. W najważniejszych ośrodkach iluminacji, Paryżu, a w XV w. miastach Flandrii , istniały duże warsztaty, eksportujące do innych części Europy. Inne formy dziedzinie, takie jak małymi wypukłościami słoniowej, witraż, obić i alabastry Nottingham (tanie tnące Panele altarpieces) wytworzono w podobnych warunkach i artystów i rzemieślników w miastach, zwykle były objęte gildii systemu-the Goldsmith gildii jest należał do najbogatszych w mieście, a malarze w wielu miejscach byli członkami specjalnej gildii św. Łukasza .

Prace świeckie, często wykorzystujące tematy związane z miłością dworską lub heroizmem rycerskim , powstawały w postaci iluminowanych rękopisów, rzeźbionych gablot z kości słoniowej, gobelinów i kunsztownych złotych dekoracji stołowych, takich jak nefs . Zaczyna być możliwe wyróżnienie znacznie większej liczby pojedynczych artystów, z których niektórzy mieli międzynarodową renomę. Zaczynają pojawiać się kolekcjonerzy dzieł sztuki, rękopisów wśród wielkich arystokratów, takich jak Jan, książę Berry (1340–1416) oraz grafik i innych dzieł wśród osób o umiarkowanym zamożności. Na bogatszych terenach maleńkie tanie drzeworyty religijne pod koniec XV wieku wprowadziły sztukę zbliżoną do najnowszego stylu nawet do domów chłopskich.

Maryja Dziewica

Późniejsza reputacja

Atak na Zamku Miłości , zaatakowany przez rycerzy i bronione przez kobiety, był popularnym tematem kości słoniowej gotyckie lustro przypadkach. Paryż, XIV wiek.

Sztuka średniowieczna miała niewielkie poczucie własnej historii sztuki i ten brak zainteresowania był kontynuowany w późniejszych okresach. Renesans generalnie odrzucił go jako „barbarzyński” wytwór „ ciemnych wieków ”, a termin „gotyk” został wymyślony jako celowo pejoratywny, po raz pierwszy użyty przez malarza Rafaela w liście z 1519 roku do scharakteryzowania wszystkiego, co nastąpiło między nimi. upadek sztuki klasycznej i jej rzekome „odrodzenie” w renesansie . Termin ten został następnie przyjęty i spopularyzowany w połowie XVI wieku przez florenckiego artystę i historyka Giorgio Vasariego , który używał go do ogólnego oczerniania architektury północnoeuropejskiej. Iluminowane rękopisy nadal były gromadzone przez antykwariuszy lub znajdowały się niezauważone w bibliotekach klasztornych lub królewskich, ale obrazy były najbardziej interesujące, jeśli miały historyczne skojarzenia z członkami rodziny królewskiej lub innymi. Przykładem jest długi okres złego traktowania Westminster Retable przez Westminster Abbey ; do XIX wieku uważany był jedynie za użyteczny kawałek drewna. Ale ich duży portret Ryszarda II z Anglii był dobrze utrzymany, podobnie jak inny portret Ryszarda, Dyptyk Wilton (pokazany powyżej). Podobnie jak w samym średniowieczu, inne obiekty często ocalały głównie dlatego, że uważano je za zabytki .

Nie było odpowiednika sztuki malarskiej „ przetrwania gotyku ” znalezionego w architekturze, gdy styl ostatecznie wymarł w Niemczech, Anglii i Skandynawii , a odrodzenie gotyku przez długi czas koncentrowało się na architekturze gotyckiej, a nie na sztuce. Zrozumienie następstwa stylów było wciąż bardzo słabe, jak sugeruje tytuł pionierskiej książki Thomasa Rickmana o architekturze angielskiej: Próba dyskryminowania stylów architektury angielskiej od podboju do reformacji (1817). Zaczęło się to zmieniać z nawiązką w połowie XIX wieku, gdy uznanie średniowiecznej rzeźby i jej malarstwa, znanego jako włoskie lub flamandzkie „Prymitywne”, stało się modne pod wpływem pisarzy, w tym Johna Ruskina , Eugène Viollet-le-Duc , i Pugin , jak również romantyczne medievalism dzieł literackich, takich jak Sir Walter Scott 's Ivanhoe (1819) i Victor Hugo ' s Dzwonnik z Notre Dame (1831). Wcześni kolekcjonerzy „Prymitywów”, wówczas jeszcze stosunkowo tanich, obejmował księcia Alberta .

Projekt Williama Burgesa dla letniej palarni w zamku Cardiff , lata 60. XIX wieku.

Wśród artystów niemiecki ruch nazareński z 1809 r. i angielskie Bractwo Prerafaelitów z 1848 r. odrzucały wartości co najmniej późniejszego renesansu, ale w praktyce i mimo że czasami przedstawiają sceny średniowieczne, ich twórczość czerpie raczej wpływy z wczesnego renesansu niż z okresu wczesnego renesansu. okresy gotyckie lub wcześniejsze - wczesne prace graficzne Johna Millaisa stanowią wyjątek. William Morris , także wybredny kolekcjoner sztuki średniowiecznej, bardziej wchłonął średniowieczny styl do swoich prac, podobnie jak William Burges .

Sen Józefa z bizantyjskich fresków w Castelseprio , które od czasu ich odkrycia w 1944 roku są przedmiotem wielu kontrowersji, a obecnie datowane są generalnie na X wiek.

Pod koniec XIX wieku wielu ilustratorów książek i producentów różnego rodzaju sztuki dekoracyjnej nauczyło się z powodzeniem wykorzystywać średniowieczne style z nowych muzeów, takich jak Muzeum Wiktorii i Alberta utworzone w tym celu. W tym samym czasie nowa akademicka dziedzina historii sztuki , zdominowana przez Niemcy i Francję, koncentrowała się mocno na sztuce średniowiecznej i wkrótce stała się bardzo produktywna w katalogowaniu i datowaniu zachowanych dzieł, a także analizowaniu rozwoju średniowiecznych stylów i ikonografii; chociaż późny antyk i okres przedkaroliński pozostawał mniej zbadaną „ziemią niczyją” aż do XX wieku.

Franz Theodor Kugler jako pierwszy nazwał i opisał sztukę karolińską w 1837 roku; podobnie jak wielu historyków sztuki tamtego okresu, starał się odnaleźć i promować w historii sztuki ducha narodowego własnego narodu, poszukiwania rozpoczęte przez Johanna Gottfrieda Herdera w XVIII wieku. Ważną postacią w rozwijaniu jej rozumienia był uczeń Kuglera, wielki szwajcarski historyk sztuki Jacob Burckhardt , choć nie można go było nazwać specjalistą od sztuki średniowiecznej. Sztuka średniowieczna była teraz intensywnie gromadzona, zarówno przez muzea, jak i prywatnych kolekcjonerów, takich jak George Salting , rodzina Rothschildów i John Pierpont Morgan .

Po upadku neogotyku i celtyckiej rewitalizacji stylów wyspiarskich, antyrealistyczne i ekspresyjne elementy sztuki średniowiecznej wciąż stanowią inspirację dla wielu współczesnych artystów.

Niemieckojęzyczni historycy sztuki nadal dominowali w średniowiecznej historii sztuki, pomimo postaci takich jak Émile Mâle (1862–1954) i Henri Focillon (1881–1943), aż do okresu nazistowskiego, kiedy duża liczba ważnych postaci wyemigrowała, głównie do Wielkiej Brytanii lub Ameryki , gdzie wciąż rozwijało się akademickie studium historii sztuki. Należeli do nich starszy Adolph Goldschmidt i młodsze postaci, w tym Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer i wielu innych. Meyer Schapiro wyemigrował jako dziecko w 1907 roku.

Portrety żydowskie w średniowiecznej sztuce chrześcijańskiej

Ogromna większość narracyjnej religijnej sztuki średniowiecznej przedstawiała wydarzenia z Biblii, w których większość przedstawionych osób była Żydami. Ale stopień, w jakim podkreślano to w ich przedstawieniach, był bardzo różny. W średniowieczu część sztuki chrześcijańskiej była wykorzystywana jako sposób wyrażania uprzedzeń i powszechnie wyznawanych negatywnych poglądów.

W średniowiecznej Europie między V a XV wiekiem wielu chrześcijan uważało Żydów za wrogów i obcych z powodu różnych czynników. Mieli również tendencję do nienawidzenia ich za to, że różnią się zarówno kulturowo, jak i religijnie, a także z powodu nauk religijnych, które miały negatywne poglądy na ludność żydowską, takie jak przedstawianie Antychrysta jako Żydów. Pozycja ekonomiczna narodu żydowskiego jako lichwiarzy, w połączeniu z udzieloną mu ochroną królewską , stworzyła napięte stosunki między Żydami a chrześcijanami. Ten szczep przejawiał się na kilka sposobów, z których jednym było tworzenie antysemickiej i antyjudaistycznej sztuki i propagandy, które służyły dyskredytacji zarówno Żydów, jak i ich przekonań religijnych, a także szerzeniu tych przekonań w społeczeństwie. Późnośredniowieczne obrazy Ecclesia i Synagoga reprezentowały chrześcijańską doktrynę supercesjonizmu , zgodnie z którą chrześcijańskie Nowe Przymierze zastąpiło żydowskie przymierze mojżeszowe Sara Lipton twierdzi, że niektóre przedstawienia, takie jak przedstawienia żydowskiej ślepoty w obecności Jezusa, miały służyć jako forma autorefleksji, a nie jawnie antysemityzm.

W wydanej w 2013 roku książce Saracens, Demons, and Jews , Debra Higgs Strickland twierdzi, że negatywne wizerunki Żydów w sztuce średniowiecznej można podzielić na trzy kategorie: sztuka skupiająca się na opisach fizycznych, sztuka zawierająca oznaki potępienia oraz obrazy przedstawiające Żydów jako potwory. Fizyczne przedstawienia narodu żydowskiego w średniowiecznej sztuce chrześcijańskiej to często mężczyźni ze spiczastymi żydowskimi kapeluszami i długimi brodami, co zostało uczynione jako uwłaczający symbol i aby wyraźnie oddzielić Żydów od chrześcijan. Ten wizerunek stawał się z czasem coraz bardziej zjadliwy, jednak żydowskim kobietom brakowało podobnych charakterystycznych opisów fizycznych w średniowiecznej sztuce chrześcijańskiej. Uważa się, że sztuka przedstawiająca Żydów w scenach ze znakami potępienia wywodzi się z chrześcijańskiego przekonania, że ​​Żydzi są odpowiedzialni za zamordowanie Chrystusa, co doprowadziło do niektórych przedstawień artystycznych, w których Żydzi ukrzyżowali Chrystusa. Naród żydowski był czasami postrzegany jako outsiderzy w społeczeństwach zdominowanych przez chrześcijan, które stany Strickland rozwinęły w przekonanie, że Żydzi są barbarzyńcami, co ostatecznie rozszerzyło się na ideę, że naród żydowski to potwory, które odrzucają „Prawdziwą Wiarę”. Niektóre dzieła sztuki z tego okresu łączyły te koncepcje i przekształcały stereotypową żydowską brodę i spiczasty kapelusz z obrazami potworów, tworząc sztukę, która uczyniła Żyda synonimem potwora.

Przyczyny tych negatywnych wizerunków Żydów można prześledzić w wielu źródłach, ale głównie wynikają one z oskarżeń Żydów o bogobójstwo, ich różnic religijnych i kulturowych w stosunku do kulturowych sąsiadów oraz z tego, jak często przedstawiano antychrysta jako żydowskiego w średniowiecznych pismach i teksty. Ostatnio oskarżano Żydów o śmierć Chrystusa i dlatego chrześcijanie negatywnie przedstawiali ich zarówno w sztuce, jak i w pismach świętych. Napięcia między Żydami a chrześcijanami były niezwykle wysokie, co spowodowało, że w ich artystycznym obrazie ukształtowały się i upowszechniły różne stereotypy na temat Żydów. Niektóre z cech odróżniających Żydów od ich chrześcijańskich odpowiedników w dziełach sztuki to spiczaste kapelusze, haczykowate i krzywe nosy oraz długie brody. Poprzez włączenie tych atrybutów do przedstawienia Żydów w sztuce, chrześcijanom udało się „odmienić” Żydów w większym stopniu niż byli i sprawili, że wydawali się jeszcze bardziej odseparowani i odseparowani od ogółu populacji niż byli. Te atrybuty nie tylko zostały dodane do przedstawień narodu żydowskiego, ale ogólnie przedstawiano je jako nikczemne i potworne z powodu ich rzekomego zamordowania Chrystusa, a także odrzucenia Chrystusa jako mesjasza. To, w połączeniu z faktem, że żyli w większości wyspiarskich grup, oddzieliło ich znacznie od chrześcijańskich sąsiadów i spowodowało trwały rozłam między grupami, który znajduje odzwierciedlenie w sztuce średniowiecznej.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki