Marina Abramović - Marina Abramović

Marina Abramović
арина Абрамовић
Marina Abramović.  Sprzątacz (45524492341).jpg
Marina Abramović – Sprzątaczka w Palazzo Strozzi we Florencji , Włochy, wrzesień 2018
Urodzić się ( 1946-11-30 )30 listopada 1946 (wiek 74)
Edukacja
Znany z
Wybitna praca
Ruch Sztuka konceptualna
Małżonkowie
Strona internetowa mai .art

Marina Abramović ( serbski cyrylicy : Марина Абрамовић , wymawiane  [marǐːna abrǎːmoʋitɕ] ; ur 30 listopada 1946) jest serbski koncepcyjne i performer , filantrop , pisarz i filmowiec. Jej prace zgłębiają body art , sztukę wytrzymałościową i sztukę feministyczną , relacje między performerem a publicznością, granice ciała i możliwości umysłu. Działając od ponad czterech dekad, Abramović określa się mianem „babci sztuki performance”. Zapoczątkowała nowe pojęcie tożsamości, angażując obserwatorów, skupiając się na „konfrontacji z bólem, krwią i fizycznymi ograniczeniami ciała”. W 2007 roku założyła Instytut Mariny Abramović (MAI), fundację non-profit zajmującą się sztuką performance.

Wczesne życie, edukacja i nauczanie

Abramović urodziła się 30 listopada 1946 roku w Belgradzie , w Serbii , wówczas części Jugosławii . W wywiadzie Abramović opisała swoją rodzinę jako „czerwoną burżuazję”. Jej stryjeczny dziadek był Varnava, serbski patriarcha z Serbskiej Cerkwi Prawosławnej . Oboje jej rodzice, Danica Rosić i Vojin Abramović, byli partyzantami jugosłowiańskimi podczas II wojny światowej . Po wojnie rodzice Abramović zostali „bohaterami narodowymi” i otrzymali stanowiska w powojennym rządzie jugosłowiańskim.

Abramović była wychowywana przez dziadków do szóstego roku życia. Jej babcia była głęboko religijna, a Abramović „spędziła [swoje] dzieciństwo w kościele, przestrzegając rytuałów [swojej] babci – świece rano, ksiądz przychodzący na różne okazje”. W wieku sześciu lat, kiedy urodził się brat Abramović, zaczęła mieszkać z rodzicami i pobierała lekcje gry na fortepianie, francuskiego i angielskiego. Chociaż nie brała lekcji sztuki, wcześnie zainteresowała się sztuką i jako dziecko lubiła malować.

Życie w domu rodzinnym Abramović pod ścisłym nadzorem matki było trudne. Kiedy Abramović była dzieckiem, jej matka biła ją za „rzekomy popis”. W wywiadzie opublikowanym w 1998 roku Abramović opisała, jak jej „matka przejęła całkowitą kontrolę nad mną i moim bratem w wojskowym stylu. [A] wszystkie występy w Jugosławii, które zrobiłem przed godziną 10 wieczorem, ponieważ musiałem być wtedy w domu. To kompletnie szalone, ale całe moje cięcie się, biczowanie, spalanie się, prawie utratę życia w Ognista Gwiazda” – wszystko zostało zrobione przed 10 wieczorem”.

W wywiadzie opublikowanym w 2013 roku Abramović powiedział: „Moja matka i ojciec mieli okropne małżeństwo”. Opisując incydent, kiedy jej ojciec rozbił 12 kieliszków do szampana i wyszedł z domu, powiedziała: „To był najstraszniejszy moment mojego dzieciństwa”.

W latach 1965-1970 była studentką Akademii Sztuk Pięknych w Belgradzie. Studia podyplomowe ukończyła w Akademii Sztuk Pięknych w Zagrzebiu , SR Chorwacja w 1972 roku. Następnie wróciła do SR Serbii i od 1973 do 1975 roku , wykładała w Akademii Sztuk Pięknych w Nowym Sadzie , realizując swoje pierwsze solowe występy.

Po tym, jak Abramović poślubiła Nešę Paripovic w latach 1971-1976, w 1976 wyjechała do Amsterdamu, aby wykonać utwór (później twierdziła, że ​​w dniu swoich urodzin), a następnie zdecydowała się przenieść tam na stałe.

Od 1990 do 1995 Abramović był profesorem wizytującym w Académie des Beaux-Arts w Paryżu oraz na Uniwersytecie Sztuk Pięknych w Berlinie . W latach 1992-1996 była profesorem wizytującym w Hochschule für bildende Künste Hamburg, aw latach 1997-2004 była profesorem sztuki performance w Hochschule für bildende Künste Braunschweig .

W 2016 roku Abramović stwierdziła, że ​​przez całe życie miała trzy aborcje, dodając, że posiadanie dzieci byłoby „katastrofą dla jej pracy”.

Kariera zawodowa

Rytm 10 , 1973

W swoim pierwszym występie w Edynburgu w 1973 roku Abramović eksplorowała elementy rytuału i gestu. Posługując się dwudziestoma nożami i dwoma magnetofonami, artysta rozegrał rosyjską grę , w której rytmiczne dźgnięcia noża wymierzone są między rozsunięte palce dłoni. Za każdym razem, gdy się skaleczyła, wyciągała nowy nóż z ustawionego przez siebie rzędu dwudziestu i zapisywała operację. Po przecięciu się dwadzieścia razy odtworzyła taśmę, wsłuchała się w dźwięki i próbowała powtórzyć te same ruchy, próbując powtórzyć błędy, łącząc przeszłość z teraźniejszością. Postanowiła zbadać fizyczne i psychiczne ograniczenia ciała – ból i odgłosy przeszywające; podwójne dźwięki z historii i replikacji. Tym utworem Abramović zaczął rozważać stan świadomości wykonawcy. „Kiedy wejdziesz w stan wydajności, możesz zmusić swoje ciało do robienia rzeczy, których absolutnie nigdy nie mógłbyś zrobić”.

Rytm 5 , 1974

W tym performansie Abramović starała się na nowo przywołać energię skrajnego bólu cielesnego za pomocą dużej, przesiąkniętej ropą gwiazdy, którą artystka podpaliła na początku spektaklu. Stojąc na zewnątrz gwiazdy, Abramović obcięła paznokcie, paznokcie u nóg i włosy. Kiedy skończyła z każdym, wrzuciła wycinki w płomienie, za każdym razem tworząc rozbłysk światła. Spalenie komunistycznej pięcioramiennej gwiazdy oznaczało fizyczne i psychiczne oczyszczenie, a jednocześnie odnosiło się do politycznych tradycji jej przeszłości. W ostatnim akcie oczyszczenia Abramović skoczył przez płomienie do środka dużej gwiazdy. Początkowo, z powodu światła i dymu wydzielanego przez ogień, obserwująca publiczność nie zdawała sobie sprawy, że artysta stracił przytomność z powodu braku tlenu we wnętrzu gwiazdy. Jednak, gdy płomienie zbliżyły się do jej ciała, a ona nadal pozostawała bezwładna, lekarz i inni interweniowali i wydobyli ją z gwiazdy.

Abramović później skomentował to doświadczenie: „Byłem bardzo zły, ponieważ zrozumiałem, że istnieje fizyczna granica. Kiedy tracisz przytomność, nie możesz być obecny, nie możesz występować”.

Rytm 2 , 1974

Zachęcona utratą przytomności podczas Rhythm 5 , Abramović opracowała dwuczęściowy Rhythm 2, aby włączyć stan nieświadomości do przedstawienia. Pracę wykonała w Galerii Sztuki Współczesnej w Zagrzebiu w 1974 roku. W części I, która trwała 50 minut, zażyła lek, który opisuje jako „podany pacjentom cierpiącym na katatonię , aby zmusić ich do zmiany pozycje ich ciał”. Lek spowodował gwałtowne skurcze mięśni i straciła całkowitą kontrolę nad swoim ciałem, pozostając jednocześnie świadomą tego, co się dzieje. Po dziesięciominutowej przerwie wzięła drugi lek „podawany pacjentom ze schizofrenią z agresywnymi zaburzeniami zachowania, aby ich uspokoić”. Przedstawienie zakończyło się po pięciu godzinach, gdy lek przestał działać.

Rytm 4 , 1974

Rytm 4 został wykonany w Galerii Diagramma w Mediolanie. W tym utworze Abramović klęczał samotnie i nago w pokoju z wentylatorem o dużej mocy. Powoli zbliżyła się do wentylatora, próbując wciągnąć jak najwięcej powietrza, aby przesunąć granice płuc. Wkrótce straciła przytomność.

Wcześniejsze doświadczenia Abramović w Rhythm 5 , kiedy publiczność ingerowała w przedstawienie, skłoniło ją do opracowania konkretnych planów, aby utrata przytomności nie przerwała spektaklu przed jego zakończeniem. Przed rozpoczęciem występu Abramović poprosiła kamerzystę, aby skupił się tylko na jej twarzy, nie zważając na wentylator. Chodziło o to, aby publiczność nie była świadoma jej stanu nieświadomości, a zatem mało prawdopodobne, by ingerowała. Jak na ironię, po kilku minutach nieprzytomności Abramović kamerzysta odmówił kontynuowania i wezwał pomoc.

Rytm 0 , 1974

Aby sprawdzić granice relacji między wykonawcą a publicznością, Abramović stworzyła jeden ze swoich najtrudniejszych (i najbardziej znanych) spektakli. Przypisała sobie pasywną rolę, a publiczność była siłą, która na nią działała. Abramović umieścił na stole 72 przedmioty, z których ludzie mogli korzystać w dowolny sposób; znak informował ich, że nie ponoszą odpowiedzialności za żadne ze swoich działań. Niektóre z przedmiotów mogły sprawiać przyjemność, podczas gdy inne mogły być używane do zadawania bólu lub krzywdzenia. Wśród nich była róża, piórko, miód, bicz, oliwa z oliwek, nożyczki, skalpel, pistolet i pojedyncza kula. Artystka przez sześć godzin pozwalała widzom bez konsekwencji manipulować swoim ciałem i działaniami. To przetestowało, jak bezbronni i agresywni mogą być ludzie, gdy działania nie mają konsekwencji społecznych. Początkowo publiczność nie robiła wiele i była wyjątkowo bierna. Jednak, gdy zaczęła się uświadamiać sobie, że nie ma ograniczeń dla ich działań, utwór stał się brutalny. Pod koniec spektaklu jej ciało zostało obnażone, zaatakowane i zdewaluowane, tworząc obraz, który Abramović opisał jako „Madonnę, matkę i dziwkę”. Dodatkowo na ciele artystki wypisano oznaki agresji. Na szyi miała nacięcia wykonane przez członków publiczności, a jej ubrania zostały odcięte od ciała. Z początkową determinacją, by dowiedzieć się, jak działa społeczeństwo bez konsekwencji związanych z ich działaniami, pod koniec zdała sobie sprawę, że społeczeństwo mogło ją zabić dla własnej przyjemności.

W swoich pracach Abramović afirmuje swoją tożsamość z perspektywy innych, jednak, co ważniejsze, poprzez zmianę ról każdego gracza, tożsamość i natura całej ludzkości zostaje rozwikłana i zaprezentowana. W ten sposób indywidualne doświadczenie przekształca się w zbiorowe i tworzy potężny przekaz. Sztuka Abramović to także uprzedmiotowienie kobiecego ciała, które pozostaje nieruchome i pozwala widzom robić ze swoim ciałem, co im się podoba; publiczność przesuwa granice tego, co można by uznać za dopuszczalne. Przedstawiając swoje ciało jako przedmiot, eksploruje elementy zagrożenia i fizycznego wyczerpania.

Początkowo publiczność reagowała ostrożnie i skromnie, ale z biegiem czasu (a artysta pozostawał bierny) ludzie zaczęli zachowywać się bardziej agresywnie. Jak opisał to później Abramović: „Nauczyłem się, że… jeśli zostawisz to widzom, mogą cię zabić…. jedna osoba wycelowała broń w moją głowę, a inna ją zabrała. Stworzyło to agresywną atmosferę. Dokładnie po 6 godzinach, zgodnie z planem, wstałem i zacząłem iść w kierunku publiczności. Wszyscy uciekli, aby uniknąć rzeczywistej konfrontacji”.

Współpracuje z Ulay (Uwe Laysiepen)

Marina Abramović i Uwe Laysiepen 1978

W 1976 roku, po przeprowadzce do Amsterdamu, Abramović poznał zachodnioniemieckiego artystę performera Uwe Laysiepena , który występował pod pseudonimem Ulay. Zaczęli mieszkać i występować razem w tym roku. Kiedy Abramović i Ulay rozpoczęli współpracę, głównymi koncepcjami, które badali, były ego i tożsamość artystyczna. Stworzyli "dzieła relacyjne" charakteryzujące się ciągłym ruchem, zmianą, procesem i "art vital". To był początek dekady wpływowej współpracy. Każdy wykonawca interesował się tradycjami swojego dziedzictwa kulturowego i indywidualnym pragnieniem rytuału. W konsekwencji postanowili stworzyć kolektywną istotę o nazwie „Inny” i mówili o sobie jako o częściach „dwugłowego ciała”. Ubierali się i zachowywali jak bliźnięta i tworzyli relację pełnego zaufania. Kiedy zdefiniowali tę fantomową tożsamość, ich indywidualne tożsamości stały się mniej dostępne. W analizie fantomowych tożsamości artystycznych Charles Green zauważył, że pozwoliło to na głębsze zrozumienie artysty jako wykonawcy, ponieważ ujawniło sposób „udostępnienia artystycznego ja do samokontroli”.

Prace Abramović i Ulay testowały fizyczne ograniczenia ciała i badały męskie i żeńskie zasady, energię psychiczną, transcendentalną medytację i komunikację niewerbalną . Podczas gdy niektórzy krytycy badali ideę hermafrodytycznego stanu bytu jako wypowiedzi feministycznej , sama Abramović zaprzecza, by traktować to jako świadomą koncepcję. Jej studia nad ciałem, jak twierdzi, zawsze zajmowały się przede wszystkim ciałem jako jednostką jednostki, tendencją, którą wywodzi z wojskowej przeszłości swoich rodziców. Zamiast zajmować się ideologiami gender , Abramović/Ulay badali skrajne stany świadomości i ich związek z przestrzenią architektoniczną. Opracowali serię prac, w których ich ciała tworzyły dodatkowe przestrzenie do interakcji z publicznością. Omawiając ten etap swojej historii performansu, powiedziała: „Głównym problemem w tej relacji było to, co zrobić z ego dwojga artystów. Musiałam dowiedzieć się, jak odłożyć swoje ego, tak jak on, aby coś stworzyć. jak hermafrodytyczny stan istnienia, który nazwaliśmy „ja śmierci”.

  • W Relation in Space (1976) wpadali na siebie wielokrotnie przez godzinę – mieszając energię męską i żeńską w trzeci składnik zwany „ja”.
  • Relacja w ruchu (1977) kazała parze prowadzić samochód w muzeum przez 365 okrążeń; z samochodu sączył się czarny płyn, tworząc rodzaj rzeźby, każde okrążenie reprezentuje rok. (Po 365 okrążeniach pomysł był taki, że weszli w nowe tysiąclecie).
  • W Relation in Time (1977) siedzieli plecami do siebie, związani kucykami przez szesnaście godzin. Następnie pozwolili publiczności wejść do pokoju, aby zobaczyć, czy mogą wykorzystać energię publiczności, aby jeszcze bardziej przekroczyć swoje granice.
  • Aby stworzyć Wdech/Wdech, dwaj artyści wymyślili utwór, w którym połączyli swoje usta i wdychali nawzajem swoje wydychane oddechy, dopóki nie zużyli całego dostępnego tlenu. Siedemnaście minut po rozpoczęciu występu oboje upadli na podłogę nieprzytomni, a ich płuca wypełniły się dwutlenkiem węgla. Ta osobista praca badała ideę zdolności jednostki do wchłaniania życia innej osoby, wymiany i niszczenia go.
  • W Imponderabilia (1977, odtworzone w 2010) dwie performerki przeciwnej płci, oboje zupełnie nadzy, stoją w wąskim przejściu. Społeczeństwo musi przecisnąć się między nimi, aby przejść, a przy tym wybrać, z którym z nich się zmierzyć.
  • W AAA-AAA (1978) obaj artyści stanęli naprzeciwko siebie i wydawali długie dźwięki z otwartymi ustami. Stopniowo zbliżali się coraz bliżej, aż w końcu zaczęli krzyczeć prosto w usta. Ten utwór pokazał ich zainteresowanie wytrzymałością i trwaniem.
  • W 1980 roku zagrali Rest Energy , w wystawie sztuki w Dublinie , gdzie zarówno zrównoważony siebie po przeciwnych stronach sporządzonego łuku, z strzałka wskazała na sercu Abramovic użytkownika. Niemal bez wysiłku Ulay mógł z łatwością zabić Abramović jednym palcem. Wydaje się to symbolizować dominację mężczyzn i to, jaką przewagę mają w społeczeństwie nad kobietami. Ponadto rękojeść łuku trzyma Abramović i jest wycelowana w siebie. Rękojeść łuku jest najważniejszą częścią łuku. To byłby zupełnie inny kawałek, gdyby był to Ulay celujący z łuku w Abramovića, ale trzymając ją za łuk, to prawie tak, jakby wspierała go, odbierając sobie życie.

W latach 1981-1987 para wykonała Nightsea Crossing w dwudziestu dwóch przedstawieniach . Siedziały w milczeniu naprzeciwko siebie na krzesłach przez siedem godzin dziennie.

W 1988 roku, po kilku latach napiętych relacji, Abramović i Ulay postanowili odbyć duchową podróż, która zakończy ich związek. Każdy z nich przeszedł Wielki Mur Chiński w kawałku zatytułowanym Kochankowie, zaczynając od dwóch przeciwległych krańców i spotykając się pośrodku. Jak opisał to Abramović: „Ten spacer stał się kompletnym osobistym dramatem. Ulay wystartował z pustyni Gobi, a ja z Morza Żółtego . Po przejściu każdego z nas 2500 km spotkaliśmy się na środku i pożegnaliśmy”. Powiedziała, że ​​wymyśliła ten spacer we śnie i zapewnił to, co uważała za odpowiednie, romantyczne zakończenie związku pełnego mistycyzmu , energii i przyciągania. Później opisała ten proces: „Potrzebowaliśmy pewnej formy zakończenia, po tym ogromnym przejściu do siebie. To bardzo ludzkie. To jest w pewnym sensie bardziej dramatyczne, bardziej jak zakończenie filmowe… Bo w końcu, jesteś naprawdę sam, cokolwiek robisz." Poinformowała, że ​​podczas spaceru reinterpretowała swoje połączenie ze światem fizycznym i naturą. Czuła, że ​​metale w ziemi wpływają na jej nastrój i stan bycia; zastanawiała się również nad chińskimi mitami, w których Wielki Mur został opisany jako „smok energii”. Parę ośmiu lat zajęło uzyskanie pozwolenia od chińskiego rządu na wykonanie tej pracy, do czasu, gdy ich związek całkowicie się rozpadł.

Na swojej retrospektywie MoMA w 2010 roku Abramović wykonała Artystę jest obecny , w której dzieliła okres ciszy z każdym nieznajomym, który siedział przed nią. Chociaż „spotkali się i rozmawiali rano w dniu otwarcia”, Abramović miał głęboko emocjonalną reakcję na Ulay, kiedy przybył na jej występ, sięgając do niego przez stół między nimi; wideo z wydarzenia stało się wirusowe.

W listopadzie 2015 r. Ulay pozwała Abramovića do sądu, twierdząc, że zapłaciła mu tantiemy niewystarczające zgodnie z warunkami umowy z 1999 r. obejmującej sprzedaż ich wspólnych prac, a rok później, we wrześniu 2016 r., Abramović otrzymał polecenie zapłaty Ulayowi 250 000 euro. W swoim orzeczeniu sąd w Amsterdamie uznał, że Ulay był uprawniony do tantiem w wysokości 20% netto ze sprzedaży ich dzieł, jak określono w pierwotnej umowie z 1999 r., i nakazał Abramovićowi wsteczną datowanie tantiem w wysokości ponad 250 000 euro, a także więcej ponad 23 000 € kosztów sądowych. Dodatkowo nakazano jej udzielenie pełnej akredytacji pracom wspólnym wymienionym jako „Ulay/Abramović” obejmującym lata 1976-1980 oraz „Abramović/Ulay” dla tych z lat 1981-1988.

Czyszczenie lustra , 1995

fotografia
W Muzeum Sztuki Nowoczesnej , Nowy Jork, 2010

Czyszczenie lustra składało się z pięciu monitorów odtwarzających materiał, na którym Abramović szoruje brudny ludzki szkielet na kolanach. Energicznie myje różne części szkieletu wodą z mydłem. Każdy monitor jest poświęcony jednej części szkieletu: głowie, miednicy, żebrom, dłoniom i stopom. Każdy film jest nagrany z własnym dźwiękiem, tworząc nakładanie się. Gdy szkielet staje się czystszy, Abramović zostaje pokryty szarawym brudem, który kiedyś pokrywał szkielet. Ten trzygodzinny spektakl wypełniony jest metaforami tybetańskich obrzędów śmierci, które przygotowują uczniów do stania się jednością z własną śmiertelnością. Utwór składa się z trzyczęściowej serii. Czyszczenie lustra #1 odbyło się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej i trwało trzy godziny. Czyszczenie lustra #2 składa się z 90 minut wykonywanych na Uniwersytecie Oksfordzkim. Czyszczenie lustra nr 3 odbywało się w Pitt Rivers Museum przez pięć godzin.

Gotowanie spirytusu , 1996

Abramović współpracował z Jacobem Samuelem, aby stworzyć książkę kucharską z „przepisami na afrodyzjaki” zatytułowaną Spirit Cooking w 1996 roku. Te „przepisy” miały być „sugestywnymi instrukcjami dotyczącymi działań lub myśli”. Na przykład jeden z przepisów mówi o „13 000 gramów zazdrości”, podczas gdy inny mówi o „mieszaniu świeżego mleka matki ze świeżym mlekiem ze spermy”. Praca została zainspirowana powszechnym przekonaniem, że duchy żywią się niematerialnymi rzeczami, takimi jak światło, dźwięk i emocje.

W 1997 roku Abramović stworzyła multimedialną instalację Spirit Cooking . Pierwotnie był on zainstalowany w Zerynthia Associazione per l'Arte Contemporanea w Rzymie we Włoszech i obejmował białe ściany galerii z „enigmatycznie brutalnymi instrukcjami dotyczącymi przepisów” namalowanymi krwią świni. Według Alexxy Gotthardt praca jest „komentarzem na temat polegania ludzkości na rytuale w celu zorganizowania i legitymizacji naszego życia oraz zawierania naszych ciał”.

Abramovic opublikował również książkę kucharską Spirit Cooking , zawierającą komicznie-mistyczne, samopomocowe instrukcje, które mają być po prostu poezją. Spirit Cooking później przekształcił się w formę rozrywki przy kolacji, którą Abramovic od czasu do czasu oferuje dla kolekcjonerów, darczyńców i przyjaciół.

Barok bałkański , 1997

W tym utworze Abramović energicznie szorował tysiące zakrwawionych krowich kości w ciągu czterech dni, nawiązując do czystek etnicznych, które miały miejsce na Bałkanach w latach 90. XX wieku. Ten performance przyniósł Abramović nagrodę Złotego Lwa na Biennale w Wenecji .

Abramović stworzył bałkański barok jako odpowiedź na wojnę w Bośni . Pamięta, jak inni artyści reagowali natychmiast, tworząc prace i protestując przeciwko skutkom i okropnościom wojny. Abramović nie mogła tak szybko zmusić się do stworzenia pracy w tej sprawie, ponieważ było dla niej zbyt blisko domu. W końcu Abramović wróciła do Belgradu, gdzie przeprowadziła wywiad z matką, ojcem i łapaczem szczurów . Następnie włączyła te wywiady do swojego artykułu, a także wycinki z rąk swojego ojca, ojca trzymającego pistolet i matki pokazującej puste ręce, a następnie skrzyżowane ręce. Abramović przebrany za lekarza opowiadającego historię szczurołapa. W tym czasie Abramović siedzi pośród dużej sterty kości i próbuje je umyć.

Przedstawienie miało miejsce w Wenecji w 1997 roku. Abramović wspomina robaki wyłaniające się z kości i okropny zapach, gdyż latem w Wenecji było bardzo gorąco. Abramović wyjaśnia, że ​​pomysł wyszorowania kości do czysta i usunięcia krwi jest niemożliwy. Abramović stara się pokazać, że krwi nie można zmyć z kości i rąk, tak jak wojny nie można oczyścić ze wstydu. Chciała, aby obrazy ze spektaklu przemawiały nie tylko za wojną w Bośni, ale za każdą wojną na całym świecie.

Siedem łatwych kawałków, 2005

fotografia
Abramović wykonywania Bruce Nauman „s Ciśnienie ciała , Guggenheim Museum , 2005

Począwszy od 9 listopada 2005, Abramović zaprezentował Siedem łatwych utworów w Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku . Przez siedem kolejnych nocy przez siedem godzin odtwarzała dzieła pięciu artystów, które po raz pierwszy wystąpiły w latach 60. i 70., a także ponownie wykonała własne usta Thomasa i przedstawiła nowy spektakl ostatniej nocy. Występy były żmudne, wymagające zarówno fizycznej, jak i umysłowej koncentracji artysty. Zawarte w przedstawieniach Abramovic były rekonstrukcje z Gina Pane „s kondycjonujące, które wymagały leżącego na ramie łóżka zawieszonym nad siatką zapalone świece, a także Vito Acconci ” s 1972 wydajność w którym artysta masturbował się pod podłogą z galerii jako gości szedł nad głową. Twierdzi się, że Abramović ponownie wykonał te utwory jako serię hołdów dla przeszłości, chociaż wiele przedstawień zostało zmienionych w stosunku do oryginałów.

Pełna lista wykonanych prac przedstawia się następująco:

Artysta jest obecny : marzec–maj 2010

Abramović w wykonaniu Artysta jest obecny , Muzeum Sztuki Nowoczesnej , marzec 2010

Od 14 marca do 31 maja 2010 r. w Muzeum Sztuki Nowoczesnej odbyła się duża retrospektywa i performans przedstawiający prace Abramović, największa wystawa sztuki performance w historii MoMA, której kuratorem był Klaus Biesenbach . Biesenbach umieszczono również tytuł spektaklu, który odniósł się do faktu, że w trakcie całego spektaklu „artysta byłby tam w galerii lub muzeum.”

Podczas trwania wystawy Abramović wykonała 736-godzinny i 30-minutowy statyczny, niemy utwór „Artystka jest obecna” , w którym siedziała nieruchomo w atrium muzeum, podczas gdy widzowie byli zapraszani na zmianę siedzącą naprzeciwko niej. Ulay pojawił się niespodziewanie na otwarciu programu.

Abramović siedział w prostokącie narysowanym taśmą na podłodze atrium na drugim piętrze MoMA; światła teatralne świeciły na nią siedzącą na krześle i krześle naprzeciwko niej. Goście oczekujący w kolejce zostali zaproszeni do indywidualnego siedzenia naprzeciwko artystki, podczas gdy ona utrzymywała z nimi kontakt wzrokowy. Odwiedzający zaczęli tłoczyć się w atrium w ciągu kilku dni od otwarcia wystawy, niektórzy zbierali się każdego ranka przed otwarciem wystawy, aby pospieszyć się z lepszym miejscem w kolejce, aby usiąść z Abramović. Większość odwiedzających siedziała z artystką przez pięć minut lub krócej, kilku siedziało z nią przez cały dzień. Kolejka nie przyciągnęła uwagi ochrony muzeum aż do ostatniego dnia wystawy, kiedy jeden zwiedzający zwymiotował w kolejce, a inny zaczął się rozbierać. Napięcia wśród odwiedzających w kolejce mogły wynikać ze zrozumienia, że ​​z każdą minutą, jaką każda osoba w kolejce spędzi z Abramović, będzie o wiele mniej minut dziennie dla tych, którzy pozostali w kolejce mogą spędzić z artystą. Ze względu na męczący charakter siedzenia godzinami, entuzjaści sztuki spekulowali, czy Abramović nosi pieluchę dla dorosłych, aby wyeliminować potrzebę poruszania się w celu oddania moczu. Inni zwracali uwagę na ruchy, które wykonywała między modelami, jako przedmiot analizy, ponieważ jedyne różnice w artystce między modelami dotyczyły tego, kiedy płakała, gdy modelka płakała, i jej momentu fizycznego kontaktu z Ulayem, jednym z pierwszych odwiedzających Wystawa. Abramović siedział naprzeciwko 1545 osób, w tym Klausa Biesenbacha , Jamesa Franco , Lou Reeda , Alana Rickmana , Jemimy Kirke , Jennifer Carpenter i Björk ; opiekunowie zostali poproszeni o nie dotykanie ani nie rozmawianie z artystą. Pod koniec wystawy setki zwiedzających ustawiło się w kolejce przed muzeum na noc, aby zapewnić sobie miejsce w kolejce następnego ranka. Abramović zakończyła występ, ześlizgując się z krzesła, na którym siedziała, i wstając do wiwatującego tłumu, głębokiego na ponad dziesięć osób.

Na Facebooku powstała grupa wsparcia dla „opiekunów”, „Siedząc z Mariną”, a także blog „Marina Abramović sprawiła, że ​​płakałem”. Włoski fotograf Marco Anelli wykonał portrety każdej osoby siedzącej naprzeciwko Abramović, które zostały opublikowane na Flickr, zebrane w książce i pokazane na wystawie w Galerii Danziger w Nowym Jorku.

Abramović powiedziała, że ​​serial zmienił jej życie „całkowicie – każdy możliwy element, każda fizyczna emocja”. Po tym, jak Lady Gaga zobaczyła pokaz i nagłośniła go, Abramović znalazł nową publiczność: „Więc dzieci w wieku od 12 i 14 lat do około 18, publiczność, która normalnie nie chodzą do muzeum, która ma w dupie sztukę performance lub nawet nie wiedząc, co to jest, zaczęli przychodzić z powodu Lady Gagi. I zobaczyli przedstawienie, a potem zaczęli wracać. I tak zdobywam zupełnie nową publiczność. We wrześniu 2011 roku Pippin Barr wydał wersję gry wideo występu Abramović. W 2013 roku Dale Eisinger z zespołu Complex umieścił Artystę jest obecny na dziewiątym miejscu (obok Rhythm 0 ) na swojej liście największych dzieł sztuki performance.

Inne

Marina Abramović na 72. dorocznym konkursie Peabody Awards, 2013

W 2009 roku Abramović pojawiła się w filmie dokumentalnym Chiary Clemente Our City Dreams oraz książce o tym samym tytule. Pięciu prezentowanych artystów – w tym Swoon , Ghada Amer , Kiki Smith i Nancy Spero – „każdy ma pasję do tworzenia pracy, która jest nierozerwalnie związana z ich oddaniem dla Nowego Jorku”, według wydawcy. Abramović jest także tematem niezależnego filmu dokumentalnego zatytułowanego Marina Abramović: Artystka jest obecna , który powstał na podstawie jej życia i występu na jej retrospektywie „Artystka jest obecna” w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 2010 roku. Film był wyemitowany w Stany Zjednoczone na HBO i zdobył nagrodę Peabody Award w 2012 roku. W styczniu 2011 roku Abramović był na okładce serbskiego ELLE , sfotografowanego przez Dušana Reljina. W powieści science fiction 2312 Kim Stanley Robinson wspomina się o stylu sztuki performance znanym jako „abramovics”.

Światowa premiera instalacji Abramović została zaprezentowana w Toronto w Trinity Bellwoods Park w ramach festiwalu Luminato w czerwcu 2013 roku. Abramović jest również współtwórcą, wraz z Robertem Wilsonem, spektaklu teatralnego Życie i śmierć Mariny Abramović , który miał swoją północ Amerykańska premiera na festiwalu iw grudniu w Park Avenue Armory .

Abramović próbował stworzyć Instytut Marina Abramović (MAI), fundację non-profit zajmującą się sztuką performance, na powierzchni 33 000 stóp kwadratowych w Hudson w stanie Nowy Jork . Założyła także instytut performance w San Francisco. Jest patronem londyńskiej Agencji Rozwoju Sztuki na Żywo .

W czerwcu 2014 roku zaprezentowała nowy projekt w londyńskiej Serpentine Gallery zatytułowany 512 Hours . W Generatorze , którego gospodarzem jest Sean Kelly Gallery , (6 grudnia 2014 r.) uczestnicy mają zawiązane oczy i noszą tłumiki dźwięku w eksploracji nicości.

Z okazji swoich 70. urodzin 30 listopada 2016 r. Abramović przejęła muzeum Guggenheima (jedenaście lat po swoim poprzednim wydarzeniu w tym miejscu) na przyjęcie urodzinowe zatytułowane „Marina 70”. Pierwsza część wieczoru, zatytułowana „Cisza”, trwała 70 minut, zakończyła się trzaskiem uderzonego przez artystę gongu. Potem przyszła bardziej konwencjonalna część druga: „Entertainment”, podczas której Abramović wyszedł na scenę, by wygłosić przemówienie, po czym obejrzał angielską piosenkarkę i artystę wizualną ANOHNI wykonującego piosenkę „ My Way ”, mając na sobie duży czarny kaptur.

W marcu 2015 roku Abramović zaprezentował wykład TED zatytułowany „Sztuka zbudowana z zaufania, wrażliwości i połączenia”.

W 2019 roku, IFC „s mockumentary pokaz Dokumenty teraz! parodiował twórczość Abramović i film dokumentalny Marina Abramović: Artysta jest obecny. W odcinku, zatytułowanym „Waiting for the Artist”, wystąpili Cate Blanchett jako Isabella Barta (Abramović) i Fred Armisen jako Dimo ​​(Ulay).

Jej pierwsza duża wystawa, która miała zostać otwarta 26 września 2020 r., w Wielkiej Brytanii w Royal Academy of Arts została przełożona na jesień 2021 r. z powodu pandemii COVID-19 . Według Akademii, wystawa „połączy prace z jej 50-letniej kariery, a także nowe prace stworzone specjalnie dla tych galerii. W miarę zbliżania się do połowy lat 70-tych Abramović jej nowa praca zastanawia się nad zmianami w ciele artystki i eksploruje jej postrzeganie przejścia między życiem a śmiercią”.

Odrzucone propozycje

Abramović zaproponowała kilka solowych występów w swojej karierze, które nigdy nie zostały wykonane. Jedna z takich propozycji nosiła tytuł „Chodź się ze mną umyć”. Ten performance miałby się odbyć w przestrzeni galerii, która miała zostać przekształcona w pralnię ze zlewami rozmieszczonymi wokół ścian galerii. Publiczność wchodziła do pomieszczenia i była proszona o zdjęcie wszystkich ubrań i przekazanie ich Abramovićowi. Osoby te czekały wtedy, gdy ona prała, suszyła i prasowała dla nich ubrania, a kiedy skończyła, oddawała im ubrania i mogli się ubrać i odejść. Zaproponowała to w 1969 roku dla Galerija Doma Omladine w Belgradzie. Propozycja została odrzucona. W 1970 roku zaproponowała tej samej galerii podobny pomysł, który również został odrzucony. Utwór nie miał tytułu. Abramović stała przed publicznością ubrana w swoje zwykłe ubranie. Z boku sceny prezentowany był wieszak na ubrania, ozdobiony ubraniami, które matka chciała, żeby nosiła. Brała ubrania jedno po drugim i przebierała się w nie, a potem przez chwilę stawała twarzą w twarz z publicznością. „Z prawej kieszeni spódnicy wyjmuję pistolet. Z lewej kieszeni spódnicy wyjmuję kulę. Wkładam kulę do komory i przekręcam. Przystawiam pistolet do skroni. Pociągam za spust”. Przedstawienie miało dwa możliwe rezultaty.

Lista ubrań mamy zawierała:

  1. Ciężka brązowa szpilka do włosów
  2. Biała bawełniana bluzka w czerwone kropki
  3. Jasnoróżowy biustonosz – o 2 rozmiary za duży
  4. Ciemnoróżowa ciężka flanelowa halka – o trzy rozmiary za duża
  5. Granatowa spódnica – do połowy łydki
  6. Pończochy syntetyczne w kolorze skóry
  7. Ciężkie buty ortopedyczne ze sznurowadłami

Filmy

Abramović wyreżyserowała segment Balkan Erotic Epic w Destricted , kompilacji filmów erotycznych z 2006 roku. W 2008 roku wyreżyserowała segment Dangerous Games w kolejnej filmowej kompilacji Opowiadania o prawach człowieka . Zagrała także w pięciominutowym filmie krótkometrażowym Antony and the Johnsons: Cut the World .

Instytut Mariny Abramović

Marina Abramović Institute (MAI) to spektakl sztuka organizacja z naciskiem na wydajność, długich prac durational i korzystania z „Metoda Abramovic”.

We wczesnych fazach była to proponowana wielofunkcyjna przestrzeń muzealna w Hudson w stanie Nowy Jork . Abramović kupił teren dla instytutu w 2007 roku. Zlokalizowany w Hudson w stanie Nowy Jork budynek został wybudowany w 1933 roku i służył jako teatr i społeczne centrum tenisowe. Budynek miał zostać wyremontowany według projektu Rema Koolhaasa i Shohei Shigematsu z OMA. Wczesna faza projektowania tego projektu została sfinansowana z kampanii Kickstarter . Kampanię sfinansowało ponad 4000 współpracowników, w tym Lady Gaga i Jay-Z. Projekt budowlany został anulowany w październiku 2017 r. ze względu na wysokie przewidywane koszty,

Instytut nadal działa jako organizacja objazdowa. Do tej pory MAI nawiązała współpracę z wieloma instytucjami i artystami na całym świecie, podróżując do Brazylii, Grecji i Turcji.

Współpraca

Abramović utrzymuje przyjaźń z aktorem Jamesem Franco , który przeprowadził z nią wywiad dla Wall Street Journal w 2009 roku. Franco odwiedziła Abramović podczas The Artist Is Present w 2010 roku. Oboje wzięli również udział w gali Metropolitan Costume Institute w 2012 roku.

W lipcu 2013 roku Abramović współpracował z piosenkarką pop Lady Gaga nad trzecim albumem piosenkarki Artpop . Prace Gagi z Abramović, a także z artystami Jeffem Koonsem i Robertem Wilsonem , zostały zaprezentowane 10 listopada podczas wydarzenia zatytułowanego „ ArtRave ”. Ponadto obaj współpracowali przy projektach wspierających Instytut Marina Abramović, w tym udział Gagi w „Metodzie Abramović”. wideo i nieustanne czytanie powieści science-fiction Stanisława Lema Solaris .

Również w lipcu 2013 roku Jay-Z zaprezentował dzieło inspirowane Abramović w Pace Gallery w Nowym Jorku. Grał swój inspirowany sztuką utwór „Picasso Baby” przez sześć godzin z rzędu. Podczas spektaklu Abramović i kilka postaci ze świata sztuki zostało zaproszonych do tańca z nim twarzą w twarz. Materiał filmowy został później przekształcony w teledysk. Pozwoliła Jay-Z na adaptację „Artysta jest obecny” pod warunkiem, że przekaże darowiznę Instytutowi Marina Abramović. Abramović stwierdził, że Jay-Z nie dotrzymał końca umowy, opisując występ jako „transakcję w jedną stronę”. Jednak dwa lata później, w 2015 roku, Abramović publicznie przeprosiła, stwierdzając, że nigdy nie została poinformowana o dużej darowiźnie Jay-Z.

Kontrowersje

Abramović wywołała kontrowersje w sierpniu 2016 roku, kiedy opublikowano fragmenty z wczesnego szkicu jej pamiętnika, w których – na podstawie notatek z jej pierwszego spotkania z Aborygenami w 1979 roku – porównała je do dinozaurów i zauważyła, że ​​„mają duże torsy (tylko jeden zły wynikiem ich spotkania z cywilizacją zachodnią jest dieta wysokocukrowa, która powoduje wzdęcia ciała) i lepkie nogi”. Odpowiedziała na kontrowersje na Facebooku, pisząc: „Mam największy szacunek dla Aborygenów, którym wszystko zawdzięczam”.

Wśród transzy e-maili, które wyciekły od Johna Podesty i zostały opublikowane przez WikiLeaks w okresie poprzedzającym wybory prezydenckie w USA w 2016 r., znalazła się wiadomość od Abramovića do brata Podesty omawiająca zaproszenie na gotowanie duchów, co zostało zinterpretowane przez teoretyka spiskowego Alexa Jonesa jako zaproszenie na satanistyczny rytuał i przedstawione przez Jonesa i innych jako dowód, że kandydatka demokratów Hillary Clinton miała powiązania z okultyzmem. W 2013 Reddit Q&A w odpowiedzi na pytanie o okultyzm w sztuce współczesnej powiedziała: „Wszystko zależy od kontekstu, w którym robisz to, co robisz. Jeśli robisz okultystyczną magię w kontekście sztuki lub w galerii, to jest sztuka. Jeśli robisz to w innym kontekście, w kręgach duchowych, w prywatnym domu lub w programach telewizyjnych, to nie jest sztuka. Intencja, kontekst tego, co jest robione i gdzie jest robione, określa, czym jest sztuka, a czym nie” . Rzeźbiarz Nikola Pešić mówi, że Abramović przez całe życie interesuje się ezoteryką i spirytualizmem , ale nie należy tego mylić z satanizmem , który jest innym systemem wierzeń okultystycznych.

10 kwietnia 2020 r. Microsoft udostępnił film promocyjny dla HoloLens 2 , w którym znalazł się Abramović. Jednak z powodu oskarżeń prawicowych teoretyków spiskowych o jej powiązania z satanizmem Microsoft ostatecznie wycofał reklamę. Abramović odpowiedziała na krytykę, apelując do ludzi, aby przestali ją nękać, argumentując, że jej występy to tylko sztuka, którą zajmuje się przez 50 lat swojego życia.

Nagrody

Bibliografia

Książki Abramović i współpracowników

  • Sprzątanie domu , artysta Abramović, autor Abramović (Wiley, 1995) ISBN  978-1-85490-399-0
  • Ciało artysty: Performances 1969–1998 , artysta, Abramović; autorzy Abramović, Toni Stooss, Thomas McEvilley, Bojana Pejic, Hans Ulrich Obrist, Chrissie Iles, Jan Avgikos, Thomas Wulffen, Velimir Abramović; Wyd. angielskie (Charta, 1998) ISBN  978-88-8158-175-7 .
  • Most / El Puente , artysta Abramović, autorzy Abramović, Pablo J. Rico, Thomas Wulffen (Charta, 1998) ISBN  978-84-482-1857-7 .
  • Performing Body , artysta Abramović, autorzy Abramović, Dobrila Denegri (Charta, 1998) ISBN  978-88-8158-160-3 .
  • Ciało publiczne: instalacje i obiekty 1965-2001 , artysta Abramović, autorzy Celant, Germano , Abramović (Charta, 2001) ISBN  978-88-8158-295-2 .
  • Marina Abramović , piętnastu artystów, Fondazione Ratti; współautorzy Abramović, Anna Daneri, Giacinto Di Pietrantonio, Lóránd Hegyi, Societas Raffaello Sanzio, Angela Vettese (Charta, 2002) ISBN  978-88-8158-365-2 .
  • Student Body , artysta Abramović, vari; autorzy Abramović, Miguel Fernandez-Cid, studenci; (Charta, 2002) ISBN  978-88-8158-449-9 .
  • Dom z widokiem na ocean , artysta Abramović; autorzy Abramović, Sean Kelly , Thomas McEvilley, Cindy Carr, Chrissie Iles, RosaLee Goldberg, Peggy Phelan (Charta, 2004) ISBN  978-88-8158-436-9 ; kawałek 2002 o tej samej nazwie, w której Abramović żył na trzech otwartych platform w galerii wyłącznie wodą przez 12 dni, został reenacted w Sex and the City w HBO szósty sezon serialu.
  • Marina Abramović: Biografia biografii , artysta Abramović; współautorzy Abramović, Michael Laub, Monique Veaute, Fabrizio Grifasi (Charta, 2004) ISBN  978-88-8158-495-6 .
  • Epopeja bałkańska , (Skira, 2006).
  • Siedem łatwych utworów , artysta, Abramović; autorzy Nancy Spector , Erika Fischer-Lichte, Sandra Umathum, Abramović; (Wykres, 2007). ISBN  978-88-8158-626-4 .
  • Marina Abramović , artysta Abramović; autorzy Kristine Stiles, Klaus Biesenbach, Chrissie Iles, Abramović; ( Phaidon , 2008). ISBN  978-0-7148-4802-0 .
  • Kiedy umiera Marina Abramović: biografia. Autor James Westcott. (MIT, 2010). ISBN  978-0-262-23262-3 .
  • Spacer po ścianach. Pamiętnik , autor Abramović (Archetyp korony, 2016). ISBN  978-1-101-90504-3 .
  • Muzeum Współczesnej Miłości , autorka Heather Rose (Allen & Unwin 2016). ISBN  161620852X .

Filmy Abramović i współpracowników

  • Barok bałkański , (Pierre Coulibeuf, 1999)
  • Balkan Erotic Epic , jako producent i reżyser, Destricted (Offhollywood Digital, 2006)

Zobacz też

Bibliografia

Zewnętrzne linki