Édouarda Maneta - Édouard Manet

Édouard Manet
Édouard Manet, en buste, de face - Nadar.jpg
Édouard Manet przed 1870 r
Urodzić się ( 1832-01-23 )23 stycznia 1832
Paryż , Francja
Zmarł 30 kwietnia 1883 (1883-04-30)(w wieku 51)
Paryż, Francja
Znany z Malarstwo, grafika
Wybitna praca
Śniadanie na trawie (Le déjeuner sur l'herbe) , 1863
Olympia , 1863
Bar w Folies-Bergère (Le Bar aux Folies-Bergère) , 1882
Młody flecista lub Fifer (Le Fifre) , 1866
Ruch Realizm , Impresjonizm
Małżonka(e)
( m.  1863 )

Édouard Manet ( UK : / ˈ m æ n / , US : / m æ ˈ n , m ə ˈ - / ; francuski:  [edwaʁ manɛ] ; 23 stycznia 1832 - 30 kwietnia 1883) był francuskim malarzem modernistycznym . Był jednym z pierwszych XIX-wiecznych artystów malujących współczesne życie i kluczową postacią w przejściu od realizmu do impresjonizmu .

Urodzony w rodzinie wyższej klasy z silnymi powiązaniami politycznymi, Manet odrzucił początkowo przewidzianą dla niego karierę na morzu i pochłonął świat malarstwa. Jego wczesne arcydzieła, Śniadanie na trawie (Le déjeuner sur l'herbe) i Olimpia , oba z 1863 roku, wywołały wielkie kontrowersje i posłużyły jako punkty zborne dla młodych malarzy, którzy tworzyli impresjonizm. Dziś są to obrazy przełomowe, które wyznaczają początek sztuki współczesnej . Przez ostatnie 20 lat życia Maneta nawiązał więzi z innymi wielkimi artystami tamtych czasów i rozwinął swój własny, prosty i bezpośredni styl, który zostałby ogłoszony jako innowacyjny i miał duży wpływ na przyszłych malarzy.

Wczesne życie

Portret Maneta namalowany przez Fantin-Latour

Édouard Manet urodził się w Paryżu 23 stycznia 1832 r. w rodowym hôtel particulier (rezydencji) przy rue des Petits Augustins (obecnie rue Bonaparte ) w zamożnej i koneksjowanej rodzinie. Jego matka, Eugénie-Desirée Fournier, była córką dyplomaty i córką chrzestną szwedzkiego następcy tronu Karola Bernadotte , od którego wywodzili się szwedzcy monarchowie. Jego ojciec, Auguste Manet, był francuskim sędzią, który spodziewał się, że Édouard będzie kontynuował karierę prawniczą. Jego wuj Edmond Fournier zachęcił go do kontynuowania malarstwa i zabrał młodego Maneta do Luwru . W 1841 zapisał się do gimnazjum Collège Rollin . W 1845 roku za radą wuja Manet zapisał się na specjalny kurs rysunku, na którym poznał Antonina Prousta , przyszłego ministra sztuk pięknych i późniejszego przyjaciela na całe życie.

Za namową ojca w 1848 popłynął na statku szkolnym do Rio de Janeiro . Po tym, jak dwukrotnie nie zdał egzaminu do marynarki wojennej , jego ojciec uległ chęci kontynuowania edukacji artystycznej. Od 1850 do 1856, Manet studiował u akademickiego malarza Thomasa Couture . W wolnym czasie Manet kopiował starych mistrzów w Luwrze.

W latach 1853-1856 Manet odwiedził Niemcy, Włochy i Holandię, w tym czasie był pod wpływem holenderskiego malarza Fransa Halsa oraz hiszpańskich artystów Diego Velázqueza i Francisco José de Goya .

Przechylać

W 1856 roku Manet otworzył studio. Jego styl w tym okresie charakteryzowały się luźnymi pociągnięciami pędzla, uproszczeniem detali i stłumieniem tonów przejściowych. Przyjmując obecny styl realizmu zapoczątkowany przez Gustave'a Courbeta , namalował Pijaka absyntu (1858–59) i inne współczesne tematy, takie jak żebracy, śpiewacy, Cyganie, ludzie w kawiarniach i walki byków. Po wczesnej karierze rzadko malował tematy religijne, mitologiczne czy historyczne; przykłady obejmują jego Christ Mocked , obecnie w Art Institute of Chicago , i Christ with Angels , w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Manet zaakceptował na Salonie w 1861 roku dwa płótna. Portret jego matki i ojca, sparaliżowanego wówczas i pozbawionego mowy udarem, został źle przyjęty przez krytykę. Drugi, The Spanish Singer , był podziwiany przez Théophile Gautier i umieszczony w bardziej widocznym miejscu ze względu na jego popularność wśród bywalców Salonu. Twórczość Maneta, która w porównaniu z misternym stylem wielu innych obrazów Salonu wydawała się „nieco niedbała”, zaintrygowała niektórych młodych artystów. Hiszpański piosenkarz , namalowany w „dziwny nowy sposób [-] spowodował, że wielu malarzy otworzyło oczy i opadły im szczęki”.

Muzyka w Tuileries

Muzyka w Tuileries jest wczesnym przykładem malarskiego stylu Maneta. Zainspirowany przez Halsa i Velázqueza, jest zwiastunem jego wieloletniego zainteresowania tematem wypoczynku.

Chociaż obraz był przez niektórych uważany za niedokończony, sugerowana atmosfera daje poczucie, jak wyglądały wówczas ogrody Tuileries; można sobie wyobrazić muzykę i rozmowę.

Tutaj Manet przedstawił swoich przyjaciół, artystów, autorów i muzyków, którzy biorą w nim udział, a wśród tematów umieścił autoportret.

Lunch na trawie ( Le déjeuner sur l'herbe )

Śniadanie na trawie ( Le déjeuner sur l'herbe ), 1863

Ważnym wczesnym dziełem jest Śniadanie na trawie (Le Déjeuner sur l'herbe) , pierwotnie Le Bain . Salon Paryski odrzucił go na wystawę w 1863 roku, ale Manet zgodził się wystawić go w Salon des Refusés (Salon Odrzuconych), który był wystawą równoległą do oficjalnego Salonu, jako alternatywną wystawę w Palais des Champs-Elysée. Salon des Refusés został zainicjowany przez cesarza Napoleona III jako rozwiązanie problematycznej sytuacji, która zaistniała, gdy komisja selekcyjna Salonu odrzuciła w tym samym roku 2783 obrazy z ok. 19 tys. 5000. Każdy malarz mógł zdecydować, czy skorzystać z możliwości wystawienia się w Salon des Refusés, chociaż zdecydowało się na to mniej niż 500 odrzuconych malarzy.

Manet zatrudnił modelkę Victorine Meurent , swoją żonę Suzanne, przyszłego szwagra Ferdinanda Leenhoffa i jednego z jego braci do pozowania. Meurent pozował także do kilku innych ważnych obrazów Maneta, w tym do Olimpii ; aw połowie lat 70. XIX wieku stała się znakomitą malarką.

Zestawienie na obrazie w pełni ubranych mężczyzn i nagiej kobiety było kontrowersyjne, podobnie jak jego skrócona, przypominająca szkic manipulacja, innowacja, która odróżniała Maneta od Courbeta. Jednocześnie kompozycja Maneta ujawnia jego studium dawnych mistrzów, gdyż rozmieszczenie głównych postaci wywodzi się z ryciny Marcantonio Raimondiego Sądu Parysa (ok. 1515) na podstawie rysunku Rafaela .

Dwa dodatkowe dzieła cytowane przez uczonych jako ważne precedensy dla Le déjeuner sur l'herbe to Koncert pastoralny (ok. 1510, Luwr ) i Burza ( Galerie dell'Accademia , Wenecja), z których oba są różnie przypisywane włoskim mistrzom renesansu Giorgione lub Tycjana . Burza to enigmatyczny obraz przedstawiający w pełni ubranego mężczyznę i nagą kobietę w wiejskim otoczeniu. Mężczyzna stoi po lewej stronie i patrzy w bok, najwyraźniej na kobietę siedzącą i karmiącą piersią; związek między tymi dwiema postaciami jest niejasny. W koncercie pastoralnym dwóch ubranych mężczyzn i naga kobieta siedzą na trawie i zajmują się tworzeniem muzyki, podczas gdy druga naga kobieta stoi obok nich.

Olimpia

Olimpia , 1863

Podobnie jak w "Śniadaniu na trawie" , Manet ponownie sparafrazował szanowaną pracę renesansowego artysty na obrazie Olimpia (1863), akt przedstawiony w stylu przypominającym wczesne fotografie studyjne, ale którego pozę wzorowano na Wenus z Tycjana . Urbino (1538). Obraz nawiązuje również do obrazu Maja nago (1800) Francisco Goi .

Manet wszedł na płótno po tym, jak został poproszony o przekazanie Salonowi nagiego obrazu do pokazania. Jego wyjątkowo szczere przedstawienie pewnej siebie prostytutki zostało zaakceptowane na Salonie Paryskim w 1865 roku, gdzie wywołał skandal. Według Antonina Prousta „tylko środki ostrożności podjęte przez administrację zapobiegły przekłuciu i rozerwaniu obrazu” przez obrażonych widzów. Obraz był kontrowersyjny częściowo dlatego, że naga ma na sobie drobne elementy garderoby, takie jak orchidea we włosach, bransoletka, wstążka na szyi i pantofle z mułem, które podkreślały jej nagość, seksualność i wygodny kurtyzany styl życia. Orchidea, zaczesane do góry włosy, czarny kot i bukiet kwiatów były wówczas rozpoznawalnymi symbolami seksualności. Ciało tej nowoczesnej Wenus jest cienkie, wbrew panującym standardom; brak idealizmu obrazu drażnił widzów. Płaskość obrazu, inspirowana japońską sztuką drewnianych klocków , sprawia, że ​​akt jest bardziej ludzki i mniej zmysłowy. Przedstawiono w pełni ubranego czarnego służącego, wykorzystując ówczesną teorię, że czarni byli hiperseksualni. To, że ma na sobie ubranie służącej kurtyzany, potęguje napięcie seksualne tego utworu.

Ciało Olimpii i jej spojrzenie są bezwstydnie konfrontacyjne. Wyzywająco patrzy, jak jej służąca oferuje kwiaty od jednego z jej męskich zalotników. Chociaż jej ręka spoczywa na nodze, zasłaniając okolice łonowe, nawiązanie do tradycyjnej cnoty kobiecej jest ironiczne; pojęcie skromności jest w tej pracy notorycznie nieobecne. Współczesny krytyk potępił „bezwstydnie wygiętą” lewą rękę Olimpii, która wydawała mu się kpiną z rozluźnionej, osłaniającej dłoni Wenus Tycjana. Podobnie czujny czarny kot w nogach łóżka uderza seksualnie buntowniczymi nutami, w przeciwieństwie do śpiącego psa w przedstawieniu bogini Tycjana w jego Wenus z Urbino .

Olimpia była przedmiotem karykatur w popularnej prasie, ale broniła jej francuska społeczność awangardowa, a znaczenie obrazu docenili tacy artyści jak Gustave Courbet , Paul Cézanne , Claude Monet , a później Paul Gauguin .

Podobnie jak w przypadku Luncheon on the Grass , obraz poruszał kwestię prostytucji we współczesnej Francji i roli kobiet w społeczeństwie.

Życie i czasy

Po śmierci ojca w 1862, Manet poślubił Suzanne Leenhoff w 1863. Leenhoff był urodzonym w Holandii nauczycielem gry na fortepianie starszym o dwa lata od Maneta, z którym był związany romantycznie przez około dziesięć lat. Leenhoff początkowo był zatrudniony przez ojca Maneta, Auguste'a, aby uczyć Maneta i jego młodszego brata gry na fortepianie. Mogła też być kochanką Auguste'a. W 1852 roku Leenhoff urodziła nieślubnego syna Leona Koellę Leenhoff.

Manet namalował m.in. swoją żonę w The Reading . Jej syn, Leon Leenhoff, którego ojciec mógł być jednym z Manetów, często pozował Manetowi. Najsłynniejszy jest on tematem Chłopiec niosący miecz z 1861 roku (Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). Pojawia się także jako chłopiec niosący tacę w tle Balkonu (1868–69).

Manet zaprzyjaźnił się z impresjonistami Edgarem Degasem , Claude Monetem , Pierre-Auguste Renoirem , Alfredem Sisleyem , Paulem Cézanne i Camille Pissarro przez innego malarza, Berthe Morisot , który był członkiem grupy i wciągnął go w swoje działania. Później stali się powszechnie znani jako grupa Batignolles (Le groupe des Batignolles).

Morisot, rzekoma wnuczka malarza Jean-Honoré Fragonarda , zaakceptowała swój pierwszy obraz w Salonie Paryskim w 1864 roku i nadal pokazywała w tym salonie przez następne dziesięć lat.

Manet zaprzyjaźniła się i współpracowała z Morisot w 1868 roku. Przypisuje się jej przekonanie Maneta do próby malowania w plenerze , którą praktykowała od czasu, gdy została mu przedstawiona przez innego jej przyjaciela, Camille Corot . Mieli wzajemną relację, a Manet włączył niektóre z jej technik do swoich obrazów. W 1874 roku została jego szwagierką, kiedy poślubiła jego brata Eugène'a .

W przeciwieństwie do głównej grupy impresjonistów, Manet utrzymywał, że współcześni artyści powinni raczej starać się wystawiać na paryskim Salonie , niż porzucać to na rzecz niezależnych wystaw. Mimo to, kiedy Manet został wykluczony z Międzynarodowej Wystawy w 1867 roku, założył własną wystawę. Jego matka martwiła się, że zmarnuje cały swój spadek na ten projekt, który był niezwykle kosztowny. Choć wystawa zebrała słabe recenzje od głównych krytyków, dała również pierwsze kontakty z kilkoma przyszłymi malarzami impresjonistycznymi, w tym z Degasem.

Chociaż jego własna praca wpłynęła na styl impresjonistyczny i wyprzedziła go, Manet oparł się zaangażowaniu w wystawy impresjonistów, częściowo dlatego, że nie chciał być postrzegany jako przedstawiciel tożsamości grupowej, a częściowo dlatego, że wolał wystawiać na Salonie. Eva Gonzalès , córka powieściopisarza Emmanuela Gonzalèsa , była jego jedyną formalną uczennicą.

Był pod wpływem impresjonistów, zwłaszcza Moneta i Morisota. Ich wpływ jest widoczny w użyciu przez Maneta jaśniejszych kolorów: od początku lat 70. XIX wieku rzadziej używał ciemnego tła, ale zachował charakterystyczne dla malarstwa impresjonistycznego użycie czerni. Malował wiele prac plenerowych (plenerowych), ale zawsze wracał do tego, co uważał za poważną pracę pracowni.

Manet miał bliską przyjaźń z kompozytorem Emmanuelem Chabrierem , malując dwa jego portrety; muzyk był właścicielem 14 obrazów Maneta i zadedykował swoje Impromptu żonie Maneta.

Jedną z częstych modelek Maneta na początku lat 80. XIX wieku był „semimondaine” Méry Laurent , który pozował do siedmiu portretów w pastelach. Salony Laurent gościły wielu francuskich (a nawet amerykańskich) pisarzy i malarzy jej czasów; Manet miał powiązania i wpływy dzięki takim wydarzeniom.

Przez całe życie, mimo że krytyki sztuki opierali się mu, Manet mógł zaliczać się do jego orędowników : Émile'a Zoli , który wspierał go publicznie w prasie, Stéphane'a Mallarmégo i Charlesa Baudelaire'a , który rzucił mu wyzwanie, by przedstawiał życie takim, jakie jest. Manet z kolei narysował lub namalował każdą z nich.

Sceny kawiarniane

The Café-Koncert , 1878. Scena rozgrywająca się w Cabaret de Reichshoffen na Boulevard Rochechouart, gdzie kobiety z marginesu społeczeństwa swobodnie mieszają się z dobrze sytuowanymi dżentelmenami. Muzeum Sztuki Waltersa.

Obrazy Maneta przedstawiające sceny kawiarniane są obserwacją życia towarzyskiego w XIX-wiecznym Paryżu. Przedstawia się ludzi pijących piwo, słuchających muzyki, flirtujących, czytających lub czekających. Wiele z tych obrazów powstało na podstawie szkiców wykonanych na miejscu. Manet często odwiedzał Brasserie Reichshoffen na bulwarze de Rochechourt, na której opierał się w 1878 roku At the Cafe. Kilka osób siedzi przy barze, a jedna kobieta konfrontuje się z widzem, podczas gdy inne czekają na obsłużenie. Takie wizerunki przedstawiają namalowany dziennik flâneura . Są one namalowane w luźnym stylu, nawiązującym do Halsa i Velázqueza , ale oddają nastrój i atmosferę nocnego życia Paryża. Są namalowanymi migawkami bohemy , miejskiej pracy , a także niektórych burżuazji .

W Corner of a Café-Concert mężczyzna pali, a za nim kelnerka podaje drinki. W The Beer Drinkers kobieta delektuje się swoim piwem w towarzystwie koleżanki. W The Café-Concert , pokazanym po prawej, wyrafinowany dżentelmen siedzi przy barze, podczas gdy kelnerka zdecydowanie stoi w tle, popijając drinka. W Kelnerce kelnerka zatrzymuje się na chwilę za siedzącym klientem palącym fajkę, podczas gdy tancerka baletowa z wyciągniętymi rękami, gdy ma się odwrócić, znajduje się w tle.

Manet siedział również w restauracji przy Avenue de Clichy , zwanej Pere Lathuille's, która oprócz jadalni miała ogród. Jednym z obrazów, które tu namalował, był Chez le père Lathuille (U Pere Lathuille's), na którym mężczyzna wykazuje nieodwzajemnione zainteresowanie kobietą jedzącą obok niego.

W Le Bon Bock (1873) duży, wesoły brodaty mężczyzna siedzi z fajką w jednej ręce i szklanką piwa w drugiej, patrząc prosto na widza.

Obrazy działań społecznych

Manet namalował klasę wyższą cieszącą się bardziej formalnymi zajęciami towarzyskimi. W Balu maskowym w Operze Manet pokazuje tętniący życiem tłum ludzi bawiących się na imprezie. Mężczyźni stoją w cylindrach i długich czarnych garniturach, rozmawiając z kobietami w maskach i kostiumach. Na tym zdjęciu umieścił portrety swoich przyjaciół.

Jego obraz „Śniadanie” z 1868 r. został upozowany w jadalni domu Maneta.

Manet przedstawił w swojej pracy inne popularne działania. W Wyścigach w Longchamp zastosowano niezwykłą perspektywę, aby podkreślić wściekłą energię koni wyścigowych, które pędzą w kierunku widza. W Łyżwiarstwie Manet pokazuje na pierwszym planie dobrze ubraną kobietę, podczas gdy inni jeżdżą za nią. Za tematem zawsze istnieje poczucie aktywnego miejskiego życia, które wychodzi poza ramy płótna.

Na wystawie międzynarodowej żołnierze odpoczywają, siedzą i stoją, rozmawiają zamożne pary. Jest ogrodnik, chłopiec z psem, kobieta na koniu – krótko mówiąc, próbka klas i wieku mieszkańców Paryża.

Wojna

Egzekucja cesarza Maksymiliana , 1867. Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie . Najmniej ukończone z trzech dużych płócien poświęconych egzekucji Maksymiliana I Meksykanina .

Odpowiedzią Maneta na współczesne życie były dzieła poświęcone wojnie, o tematyce, którą można uznać za zaktualizowane interpretacje gatunku „malarstwa historycznego”. Pierwszym takim dziełem była Bitwa pod Kearsarge i Alabama (1864), potyczka morska znana jako bitwa pod Cherbourgiem z amerykańskiej wojny domowej , która miała miejsce u wybrzeży Francji i mogła być obserwowana przez artystę.

Interesująca była następnie francuska interwencja w Meksyku; od 1867 do 1869 Manet namalował trzy wersje Egzekucji cesarza Maksymiliana , wydarzenia, które wzbudziło obawy dotyczące francuskiej polityki zagranicznej i wewnętrznej. Kilka wersji Egzekucji należy do największych obrazów Maneta, co sugeruje, że temat był tym, który malarz uważał za najważniejszy. Jego przedmiotem jest egzekucja przez meksykański pluton egzekucyjny cesarza Habsburgów, którego zainstalował Napoleon III . Ani malarstwa, ani litografii tego tematu nie zezwolono na wystawienie we Francji. Jako oskarżenie sformalizowanej rzezi obrazy spoglądają wstecz na Goyę i antycypują Guernicę Picassa .

W styczniu 1871 roku Manet udał się do Oloron-Sainte-Marie w Pirenejach . Pod jego nieobecność przyjaciele dołączyli jego nazwisko do „Fédération des artistes” (patrz: Courbet ) Komuny Paryskiej . Manet trzymał się z dala od Paryża, być może, aż po semaine sanglante : w liście do Berthe Morisot w Cherbourgu (10 czerwca 1871) pisze: „Wróciliśmy do Paryża kilka dni temu…” (semaine sanglante zakończyła się 28 maja).

W kolekcji grafik i rysunków Muzeum Sztuk Pięknych (Budapeszt) znajduje się akwarel / gwasz Maneta, Barykada , przedstawiający sumaryczną egzekucję komunardów przez wojska wersalskie na podstawie litografii egzekucji Maksymiliana . Podobny utwór, The Barricade (olej na sklejce), jest w posiadaniu prywatnego kolekcjonera.

18 marca 1871 r. napisał do swojego (konfederackiego) przyjaciela Félixa Bracquemonda w Paryżu o swojej wizycie w Bordeaux , tymczasowej siedzibie francuskiego Zgromadzenia Narodowego Trzeciej Republiki Francuskiej, gdzie Émile Zola przedstawił go stronom: „Nigdy nie wyobrażałem sobie, że Francję mogliby reprezentować tacy starzy głupcy, nie wyłączając tego małego głupka Thiersa …”. Jeśli można to interpretować jako poparcie dla Komuny, to kolejny list do Bracquemonda (21 marca 1871 r.) wyraźniej wyraził jego ideę: „Tylko partia hacki i ambitni, Henrykowie tego świata podążający za Millierami, groteskowi naśladowcy Komuny z 1793…” Wiedział, że komunard Lucien Henry był byłym modelem malarza, a Millière, agentem ubezpieczeniowym. „Jaką zachętą są te wszystkie krwiożercze kaprysy dla sztuki! Ale jest co najmniej jedna pociecha w naszych nieszczęściach: że nie jesteśmy politykami i nie chcemy być wybierani na posłów”.

Postacią publiczną, którą Manet podziwiał najbardziej, był republikanin Léon Gambetta . W ogniu zamachu stanu w 1877 roku Manet otworzył swoje atelier na republikańskie spotkanie wyborcze, któremu przewodniczył przyjaciel Gambetty, Eugène Spuller .

Paryż

Manet przedstawił w swoich pracach wiele scen z ulic Paryża. Rue Mosnier Decked with Flags przedstawia czerwone, białe i niebieskie proporce zakrywające budynki po obu stronach ulicy; inny obraz o tym samym tytule przedstawia jednonogiego mężczyznę chodzącego o kulach. Ponownie przedstawia tę samą ulicę, ale tym razem w innym kontekście, Rue Mosnier z Brukami , w której mężczyźni naprawiają jezdnię, podczas gdy ludzie i konie przechodzą obok.

Kolej , 1873

Kolej , powszechnie znana jako Gare Saint-Lazare , została namalowana w 1873 roku. Miejscem akcji jest miejski krajobraz Paryża pod koniec XIX wieku. Wykorzystując swoją ulubioną modelkę na ostatnim jej obrazie, koleżankę malarkę, Victorine Meurent , również modelkę Olimpii i Śniadanie na trawie , siedzi przed żelaznym płotem trzymając śpiącego szczeniaka i otwartą książkę na kolanach. Obok niej mała dziewczynka odwrócona plecami do malarza, obserwująca przejeżdżający pod nimi pociąg.

Zamiast wybrać tradycyjny naturalny widok jako tło dla sceny na świeżym powietrzu, Manet wybiera żelazną kratę, która „śmiało rozciąga się na płótnie”. Jedynym dowodem na to, że pociąg jest biały, jest chmura pary. W oddali widać nowoczesne apartamentowce. Ten układ kompresuje pierwszy plan do wąskiego ogniska. Tradycyjna konwencja przestrzeni kosmicznej jest ignorowana.

Historyk Isabelle Dervaux tak opisała przyjęcie tego obrazu, gdy po raz pierwszy został wystawiony na oficjalnym Salonie Paryskim w 1874 roku: „Odwiedzający i krytycy uznali jego temat za zaskakujący, niespójny skład i szkicowy wykonanie. Karykaturyści wyśmiewali obraz Maneta, w którym tylko niewielu rozpoznało symbol nowoczesności, którym stała się ona dzisiaj”. Obraz znajduje się obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie

Manet namalował kilka tematów związanych z łodziami w 1874 roku. Pływanie łódką , obecnie w Metropolitan Museum of Art, jest przykładem zwięzłej lekcji, jakiej Manet nauczył się z japońskich grafik, a nagłe przycięcie ramy łodzi i żagla dodaje natychmiastowości obrazu.

W 1875 roku francuskie wydanie książki Edgara Allana Poe The Raven zawierało litografie Maneta i tłumaczenie Mallarmé.

W 1881 roku, pod naciskiem jego przyjaciela Antonina Prousta , rząd francuski przyznał Manetowi Legię Honorową .

Późne prace

Bar w Folies-Bergère (Un Bar aux Folies-Bergère) , 1882, Courtauld Gallery , Londyn

Po czterdziestce pogorszył się stan zdrowia Maneta, pojawił się silny ból i częściowy paraliż nóg. W 1879 r. zaczął otrzymywać zabiegi hydroterapii w spa niedaleko Meudon , mające na celu poprawę tego, co uważał za problem z krążeniem , ale w rzeczywistości cierpiał na ataksję narządu ruchu , znany efekt uboczny kiły . W 1880 namalował tam portret śpiewaczki operowej Émilie Ambre jako Carmen . Ambre i jej kochanek Gaston de Beauplan mieli majątek w Meudon i zorganizowali pierwszą wystawę Egzekucji cesarza Maksymiliana Maneta w Nowym Jorku w grudniu 1879 roku.

W ostatnich latach życia Manet namalował wiele małych martwych natur z owoców i warzyw, takich jak Kiść szparagów i Cytryna (oba 1880). Swoje ostatnie duże dzieło, A Bar w Folies-Bergère (Un Bar aux Folies-Bergère) ukończył w 1882 roku i w tym samym roku zawisło w Salonie. Potem ograniczył się do małych formatów. Jego ostatnie obrazy przedstawiały kwiaty w szklanych wazonach.

Śmierć

W kwietniu 1883 r. amputowano mu lewą stopę z powodu gangreny z powodu powikłań po kile i reumatyzmie . Zmarł jedenaście dni później, 30 kwietnia w Paryżu. Został pochowany na Cmentarzu Passy w mieście.

Spuścizna

Kariera publiczna Maneta trwała od 1861 roku, kiedy po raz pierwszy uczestniczył w Salonie, aż do jego śmierci w 1883 roku. Jego znane zachowane prace, skatalogowane w 1975 roku przez Denisa Rouarta i Daniela Wildensteina, obejmują 430 obrazów olejnych, 89 pasteli i ponad 400 prac na papierze.

Grób Maneta w Passy

Choć ostro potępiony przez krytyków, którzy potępiali brak konwencjonalnego wykończenia, dzieło Maneta od początku miało wielbicieli. Jednym z nich był Émile Zola, który w 1867 r. pisał: „Nie jesteśmy przyzwyczajeni do tak prostych i bezpośrednich przekładów rzeczywistości. Potem, jak powiedziałem, pojawia się taka zaskakująco elegancka niezręczność… kontemplacja tego jest naprawdę czarującym przeżyciem świetlisty i poważny obraz, który z delikatną brutalnością interpretuje naturę."

Z grubsza malowany styl i oświetlenie fotograficzne w obrazach Maneta były postrzegane jako szczególnie nowoczesne i jako wyzwanie dla renesansowych dzieł, które kopiował lub wykorzystywał jako materiał źródłowy. Odrzucił technikę wyuczoną w pracowni Thomasa Couture'a , w której obraz konstruowano za pomocą kolejnych warstw farby na ciemnym podłożu, na rzecz bezpośredniej metody alla prima z użyciem kryjącej farby na jasnym podłożu. Nowatorska jak na owe czasy metoda umożliwiła wykonanie obrazu w jednym posiedzeniu. Została przyjęta przez impresjonistów i stała się powszechną metodą malowania olejami przez kolejne pokolenia. Prace Maneta uważane są za „wczesnonowoczesne”, częściowo ze względu na nieprzejrzystą płaskość jego powierzchni, częste szkicowe przejścia i czarne kontury postaci, które zwracają uwagę na płaszczyznę obrazu i jakość materiału farba.

Historyk sztuki Beatrice Farwell mówi, że Manet „był powszechnie uważany za ojca modernizmu. Z Courbetem był jednym z pierwszych, którzy podejmowali poważne ryzyko wobec publiczności, której łaski szukał, jako pierwszy uczynił z malowania alla prima standardową technikę malowania olejem i jeden z pierwszych, który pozwolił sobie na swobodę w renesansowej perspektywie i zaoferował „czyste malarstwo" jako źródło estetycznej przyjemności. Był pionierem, ponownie z Courbetem, w odrzuceniu humanistycznej i historycznej tematyki, i dzielił z Degasem ustanowienie współczesnego życia miejskiego jako dopuszczalnego materiału dla sztuki wysokiej”.

Rynek sztuki

Późny obraz Maneta, Le Printemps (1881), sprzedany Muzeum J. Paula Getty'ego za 65,1 miliona dolarów, ustanawiając nowy rekord aukcyjny dla Maneta, przekraczając szacowaną przedsprzedaż 25-35 milionów dolarów w Christie's w dniu 5 listopada 2014 r. poprzedni rekord aukcji ustanowił Self-Portrait With Palette , który został sprzedany za 33,2 miliona dolarów w Sotheby's 22 czerwca 2010 roku.

Galeria

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

Dalsze czytanie

  • Tedman, Gary (2012). Paryż 1844, Manet i Courbet: z Estetyki i alienacji . Zero książek. ISBN 978-1-78099-301-0.

Krótkie prace wprowadzające

  • Król Ross (2006). Wyrok Paryża: Rewolucyjna dekada, która dała światu impresjonizm . Nowy Jork: Waller & Company. ISBN 0-8027-1466-8.
  • Lew, Henry R. (2018). „Rozdział 10 Edouarda Maneta”. Obrazowanie świata . Wydawcy hybrydowi.
  • Neret, Gilles (2003). Maneta . Taschen. ISBN 3-8228-1949-2.
  • Richardson, John (1992). Maneta . Biblioteka kolorów Phaidon. ISBN 0-7148-2755-X.

Dłuższe prace

Zewnętrzne linki