Lucio Fontana - Lucio Fontana
Lucio Fontana | |
|---|---|
 Lucio Fontana na zdjęciu Lothara Wolleh
| |
| Urodzić się |
19 lutego 1899
Rosario, Santa Fe , Argentyna
|
| Zmarł | 7 września 1968 (w wieku 69 lat)
Comabbio (Varese) , Włochy
|
| Narodowość | argentyński |
| Edukacja | Akademia Brera , Mediolan |
| Znany z | Malarstwo , rzeźba |
| Ruch | przestrzenność |
Lucio Fontana ( włoski: [ˈluːtʃo fonˈtaːna] ; 19 lutego 1899 - 7 września 1968) był argentyńsko-włoski malarz, rzeźbiarz i teoretyk. Jest znany głównie jako twórca Spatialism .
Wczesne życie
Urodzony w Rosario , prowincji w Santa Fe , Argentyna do włoskich emigrantów, był synem rzeźbiarza Luigi Fontana (1865/46). Fontana spędził pierwsze lata swojego życia w Argentynie, a następnie został wysłany do Włoch w 1905, gdzie przebywał do 1922, pracując jako rzeźbiarz z ojcem, a następnie na własną rękę. Już w 1926 brał udział w pierwszej wystawie Nexusa, grupy młodych argentyńskich artystów pracujących w Rosario de Santa Fé.
Praca
W 1927 Fontana wrócił do Włoch i studiował u boku Fausto Melottiego pod kierunkiem rzeźbiarza Adolfo Wildta , w Accademia di Brera w latach 1928-1930. Tam zaprezentował swoją pierwszą wystawę w 1930, zorganizowaną przez mediolańską galerię sztuki Il Milione . W ciągu następnej dekady podróżował do Włoch i Francji , pracując z malarzami abstrakcyjnymi i ekspresjonistycznymi . W 1935 wstąpił do stowarzyszenia Abstraction-Création w Paryżu i od 1936 do 1949 wykonywał ekspresjonistyczne rzeźby z ceramiki i brązu. W 1939 dołączył do Corrente, mediolańskiej grupy ekspresjonistów.
W 1940 wrócił do Argentyny. W Buenos Aires (1946) wraz z kilkoma studentami założył akademię Altamira i upublicznił Biały Manifest , w którym stwierdza się, że „materia, kolor i dźwięk w ruchu to zjawiska, których równoczesny rozwój składa się na nową sztukę”. . W tekście, którego Fontana nie podpisał, ale do którego aktywnie się przyczynił, zaczął formułować teorie, które miał rozwinąć jako Spazialismo , czyli Spatialism, w pięciu manifestach z lat 1947-1952. Po powrocie z Argentyny w 1947 r. poparł wraz z pisarzami i filozofami pierwszy manifest przestrzenności (Spazialismo)**. Fontana znalazł swoją pracownię i dzieła całkowicie zniszczone podczas bombardowań alianckich w Mediolanie, ale wkrótce wznowił prace ceramiczne w Albisoli . W Mediolanie współpracował ze znanymi architektami mediolańskimi, aby udekorować kilka nowych budynków, które były częścią wysiłków na rzecz odbudowy miasta po wojnie.
Po powrocie do Włoch w 1948 Fontana wystawił swoją pierwszą Ambiente spaziale a luce nera ("Środowisko przestrzenne") (1949) w Galleria del Naviglio w Mediolanie, tymczasową instalację składającą się z gigantycznego kształtu przypominającego amebę zawieszonego w pustce w zaciemniony pokój i oświetlony neonowym światłem. Od 1949 r. rozpoczął tak zwaną koncepcję przestrzenną lub serię ukośników, polegającą na otworach lub nacięciach na powierzchni monochromatycznych obrazów, rysujących znak tego, co nazwał "sztuką na epokę kosmosu". Dla tych prac wymyślił rodzajowy tytuł Concetto spaziale („koncepcja przestrzenna”) i używał go niemal we wszystkich swoich późniejszych obrazach. Można je podzielić na szerokie kategorie: Buchi („dziury”), począwszy od 1949 roku, oraz Tagli („ukośniki”), które ustanowił w połowie lat pięćdziesiątych.
Fontana często wyścielał rewersy swoich płócien czarną gazą, aby ciemność migotała za otwartymi cięciami i tworzyła tajemnicze poczucie iluzji i głębi. Następnie stworzył wyszukany sufit neonowy o nazwie „Luce spaziale” w 1951 roku na Triennale w Mediolanie. W swojej ważnej serii Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963–64), Fontana posługuje się kształtem jajka. W rozpoczętej w 1952 roku serii Pietre (kamienie) Fontana połączył rzeźbę z malarstwem inkrustując powierzchnie swoich płócien ciężkimi impastami i kolorowym szkłem. W rozpoczętym w latach 1949-50 cyklu Buchi (dziury) przebijał powierzchnię swoich płócien, rozbijając błonę dwuwymiarowości, by uwydatnić przestrzeń za obrazem. Od 1958 oczyszczał swoje obrazy, tworząc matowe, monochromatyczne płaszczyzny, skupiając w ten sposób uwagę widza na rozdzierających skórę płótna płatach. W 1959 Fontana wystawił obrazy cięte z wieloma elementami, które można ze sobą łączyć (nazwał set quanta ), i rozpoczął Naturę , serię rzeźb wykonanych przez wycięcie rany w sferze gliny terakotowej, którą następnie odlał w brązie.
Fontana zaangażował się w wiele wspólnych projektów z najważniejszymi architektami tamtych czasów, w szczególności z Luciano Baldessari, który dzielił się i wspierał jego badania nad Światło Przestrzenne – Struktura w Neon (1951) na 9. Triennale i m.in. zlecił mu zaprojektował sufit kina w pawilonie Sidercomit na 21. targach w Mediolanie w 1953 roku.
Około 1960 roku Fontana zaczął na nowo wymyślać nacięcia i przebicia, które charakteryzowały jego bardzo osobisty styl do tego momentu, pokrywając płótna warstwami grubej farby olejnej nakładanej ręcznie i pędzlem oraz używając skalpela lub noża Stanleya, aby stworzyć na ich powierzchni wielkie szczeliny . W 1961 roku na zaproszenie do udziału wraz z artystami Jeanem Dubuffetem , Markiem Rothko , Samem Francisem i innymi w wystawie malarstwa współczesnego zatytułowanej „Sztuka i kontemplacja”, odbywającej się w Palazzo Grassi w Wenecji, stworzył cykl 22 prac poświęconych do miasta laguny. Manipulował farbą palcami i różnymi instrumentami, aby zrobić bruzdy, czasami zawierające porozrzucane fragmenty szkła Murano . Fontana został następnie zaproszony przez Michela Tapié do wystawienia prac w Martha Jackson Gallery w Nowym Jorku. W wyniku swojej pierwszej wizyty w Nowym Jorku w 1961 roku stworzył serię prac metalowych, wykonanych w latach 1961-1965. Prace składały się z dużych arkuszy błyszczącej i porysowanej miedzi, przebijanych i żłobionych, przecinanych dramatycznymi pionowymi gestami, które przypomnij sobie siłę nowojorskiej konstrukcji oraz metalowe i szklane budynki.
Do ostatnich prac Fontany należą cykl Teatrini („małe teatrzyki”), w którym powrócił do zasadniczo płaskiego idiomu za pomocą obramowań zamkniętych w skrzydłach przypominających ramę; nawiązanie do teatru podkreśla akt patrzenia, a na pierwszym planie ciąg nieregularnych sfer lub oscylujących, pofalowanych sylwetek tworzy żywą grę cieni. Inna praca z tego czasu, Trinità (Trinity) (1966), składa się z trzech dużych białych płócien, poprzecinanych rzędami otworów, ujętych w teatralnej oprawie wykonanej z ultramarynowych plastikowych arkuszy, przypominających nieco skrzydła.
W ostatnich latach swojej kariery Fontanę coraz bardziej interesowała inscenizacja jego prac na licznych wystawach, które go uhonorowały na całym świecie, a także ideą czystości osiągniętą w ostatnich białych płótnach. Obawy te były widoczne na Biennale w Wenecji w 1966 roku, dla którego zaprojektował środowisko dla swojej pracy. Na Documenta IV w Kassel w 1968 roku umieścił duży, gipsowy cięcie jako środek całkowicie białego labiryntu, obejmującego sufit i podłogę ( Ambiente spaziale bianco ).
Krótko przed śmiercią był obecny na pokazie „Destruction Art, Destroy to Create” w Finch College Museum w Nowym Jorku. Następnie opuścił swój dom w Mediolanie i udał się do Comabbio (w prowincji Varese we Włoszech), rodzinnego miasta, gdzie zmarł w 1968 roku.
Fontana tworzył obfitą ilość prac graficznych z abstrakcyjnymi motywami i postaciami, mało znanymi w świecie sztuki, równolegle z abstrakcyjnymi perforowanymi pracami. Był także rzeźbiarz popiersia Ovidio Lagos , założyciela La Capital gazety w Carrara marmuru .
Wystawy
Fontana miał swoje pierwsze indywidualne wystawy w Galleria del Milione w Mediolanie w 1931 roku. W 1961 Michel Tapié zorganizował swoją pierwszą wystawę w USA, wystawę serii Venice, w Martha Jackson Gallery w Nowym Jorku. Jego pierwsza indywidualna wystawa w amerykańskim muzeum odbyła się w Walker Art Center w Minneapolis w 1966 roku. Brał udział w Bienal de São Paulo oraz w licznych wystawach na całym świecie. Duże retrospektywy zostały zorganizowane między innymi przez Peggy Guggenheim Collection w Wenecji (2006), Hayward Gallery w Londynie (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) oraz Centre Georges Pompidou (1987; podróżowała do La Fundación 'la Caixa' Barcelona, Stedelijk Museum w Amsterdamie, Whitechapel Gallery w Londynie). Od 1930 prace Fontany były regularnie wystawiane na Biennale w Wenecji , wielokrotnie reprezentował Argentynę; otrzymał Grand Prize for Painting na Biennale w Wenecji w 1966 roku. W 2014 roku Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris dedykuje artyście retrospektywę. Sztuka Tornabuoni odbyła się równolegle w przestrzeni galerii Avenue Matignon Paris. Pierwsza duża amerykańska retrospektywa od śmierci artysty miała miejsce w 2019 roku w Met Breuer .
Kolekcje
Prace Fontany znajdują się w stałych zbiorach ponad stu muzeów na całym świecie. W szczególności przykłady z serii Pietre znajdują się w Stedelijk Museum w Amsterdamie, Centre Pompidou w Paryżu, Museum of Modern Art w Nowym Jorku, Galleria Nazionale d'Arte Moderna w Rzymie, Muzeum Sztuki Współczesnej Villa Croce w Genua i van Abbemuseum w Eindhoven. Biżuteria Fontany znajduje się w stałej kolekcji Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie .
Rynek sztuki
Włoski uczony Enrico Crispolti zredagował w 2006 roku dwutomowy katalog raisonné obrazów, rzeźb i środowisk Fontany. W 2013 roku Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini i Silvia Ardemagni opublikowali trzytomowy katalog raisonné dzieł Fontany na papierze 5500 prac w porządku chronologicznym.
Rzadkie, duże szkarłatne dzieło z jednym ukośnikiem, które Fontana zadedykował swojej żonie i które zawsze było znane jako Teresita , przyniosło w Christie's w 2008 roku 6,7 miliona funtów (11,6 miliona dolarów) w Christie's London, a następnie rekord aukcyjny artysty. Fontany Concetto Spaziale, attese (1965), z kolekcji Anna-Stina Malmborg Hoglund i Gunnar Hoglunda ustanowił nowy rekord za obraz slash na 8,4 mln funtów w Sotheby w Londynie w roku 2015. Jeszcze bardziej popularne są owalne płótna Fontany. Sotheby's sprzedał dzieło zatytułowane Concetto spaziale, la fine di dio (1963) za 10,32 miliona funtów w 2008 roku. Będący częścią weneckiego kręgu Fontany, Festival on the Grand Canal został sprzedany w Christie's w Nowym Jorku za 7 milionów dolarów w 2008 roku.
Rekord aukcji
W listopadzie 2015 r. Christie's ustanowiła rekord aukcji dzieła artysty Concetto spaziale, La fine di Dio , 1964, sprzedanego za 29 milionów dolarów.
Dalsza lektura
- Biały, Antoni. Lucio Fontana: Między utopią a kiczem , MIT Press. ISBN 9780262526159
- Mansoor, Jaleh (2016). Marshall Plan Modernism: włoska abstrakcja powojenna i początki autonomii. Wydawnictwo Uniwersytetu Książęcego
- Whitfield, S., Fontana , L. and Gallery, H., 1999. Fontana. Prasa Uniwersytetu Kalifornijskiego.
- Gottschaller, P., 2012. Lucio Fontana: materiały artysty. Publikacje Getty'ego.
- Orford, Emily-Jane Hills. (2008). Twórczy duch: historie artystów XX wieku . Ottawa: Wydawnictwo Baico. ISBN 978-1-897449-18-9 .
Zobacz też
Uwagi
Bibliografia
- Ten artykuł czerpie z odpowiedniego artykułu w hiszpańskiej Wikipedii .