Louise Bourgeois - Louise Bourgeois

Ten artykuł dotyczy artysty. Informacje na temat położnej zob. Louise Boursier .

Louise Bourgeois
Portret Louise Bourgeois
Urodzić się
Louise Josephine Bourgeois

( 1911-12-25 )25 grudnia 1911
Paryż , Francja
Zmarł 31 maja 2010 (2010-05-31)(w wieku 98 lat)
Nowy Jork , Stany Zjednoczone
Narodowość Francuski
Edukacja
Znany z
Wybitna praca
 Pająk , Komórki , Maman , Cumul I , Zniszczenie Ojca
Ruch
Nagrody Praemium Imperiale

Louise Joséphine Bourgeois ( francuski:  [lwiz buʁʒwa] ( słuchaj )O tym dźwięku ; 25 grudnia 1911 – 31 maja 2010) była francusko-amerykańską artystką. Chociaż jest najbardziej znana ze swoich wielkoformatowych rzeźb i instalacji , Bourgeois była również płodną malarką i grafiką . W trakcie swojej długiej kariery zajmowała się różnymi tematami, w tym domem i rodziną, seksualnością i ciałem, a także śmiercią i nieświadomością . Tematy te łączą się z wydarzeniami z jej dzieciństwa, które uważała za proces terapeutyczny. Chociaż Bourgeois wystawiała z abstrakcyjnymi ekspresjonistami, a jej prace mają wiele wspólnego z surrealizmem i sztuką feministyczną , nie była formalnie związana z żadnym określonym ruchem artystycznym.

Życie

Sculpture by Bourgeois in the Domestic Incidents wystawa zbiorowa w londyńskiej Tate Modern Turbine Hall, 2006

Wczesne życie

Bourgeois urodził się 25 grudnia 1911 w Paryżu we Francji. Była środkowym dzieckiem trojga rodziców Josephine Fauriaux i Louisa Bourgeois. Jej rodzice byli właścicielami galerii, która zajmowała się głównie zabytkowymi gobelinami . Kilka lat po jej narodzinach jej rodzina wyprowadziła się z Paryża i założyła warsztat renowacji gobelinów pod swoim mieszkaniem w Choisy-le-Roi , dla którego Bourgeois wypełnił projekty, w których były noszone. Dolna część gobelinów była zawsze uszkodzona, co zwykle wynikało z nóg bohaterów i łap zwierząt.

W 1930 roku Bourgeois wjechała na Sorbonę, aby studiować matematykę i geometrię, przedmioty, które ceniła za ich stabilność, mówiąc: „Mam spokój ducha, tylko dzięki studiowaniu zasad nikt nie może zmienić”.

Jej matka zmarła w 1932 roku, kiedy Bourgeois studiował matematykę. Śmierć matki zainspirowała ją do porzucenia matematyki i podjęcia studiów artystycznych. Kontynuowała naukę sztuki, dołączając do zajęć, na których potrzebni byli tłumacze dla studentów anglojęzycznych, zwłaszcza że tłumacze nie pobierali czesnego. W jednej z takich klas Fernand Léger zobaczył jej pracę i powiedział jej, że jest rzeźbiarzem, a nie malarką. Bourgeois podjął pracę jako docent , prowadząc wycieczki po Musée du Louvre .

Bourgeois ukończyła Sorbonę w 1935 roku. Rozpoczęła studia artystyczne w Paryżu, najpierw w École des Beaux-Arts i École du Louvre , a po 1932 w niezależnych akademiach Montparnasse i Montmartre, takich jak Académie Colarossi , Académie Ranson , Académie Julian , Académie de la Grande Chaumière oraz André Lhote , Fernand Léger , Paul Colin i Cassandre . Bourgeois miał ochotę na doświadczenie z pierwszej ręki i często odwiedzane pracownie w Paryżu, uczenie się technik od artystów i asystowanie przy wystawach.

W 1938 roku otworzyła własną galerię w przestrzeni obok galerii gobelinów swojego ojca, gdzie pokazywała prace takich artystów jak Eugène Delacroix , Henri Matisse i Suzanne Valadon , oraz gdzie jako klientka spotkała się z amerykańskim profesorem sztuki Robertem Goldwaterem. Pobrali się i przenieśli do Stanów Zjednoczonych (gdzie wykładał na Uniwersytecie Nowojorskim). Mieli trzech synów, jeden został adoptowany. Małżeństwo trwało do śmierci Goldwatera w 1973 roku.

Bourgeois osiadła z mężem w Nowym Jorku w 1938 roku. Kontynuowała naukę w Art Students League of New York , studiując malarstwo u Vaclava Vytlacila , a także tworząc rzeźby i grafiki. „Pierwszy obraz miał siatkę: siatka jest bardzo spokojna, ponieważ nic nie może się nie udać… wszystko jest kompletne. Nie ma miejsca na niepokój… wszystko ma swoje miejsce, wszystko jest mile widziane”.

Bourgeois uwzględniła te autobiograficzne odniesienia do swojej rzeźby Quarantania I , wystawionej w Cullen Sculpture Garden w Muzeum Sztuk Pięknych w Houston .

Średnie lata

Dla Bourgeois początek lat czterdziestych oznaczał trudności związane z przejściem do nowego kraju i walką o wejście do wystawienniczego świata Nowego Jorku. Jej prace w tym czasie składały się ze skrawków złomowiska i drewna, którego używała do rzeźbienia pionowych rzeźb z drewna. Nieczystości drewna zostały następnie zakamuflowane farbą, po czym za pomocą gwoździ wymyślono dziury i rysy w celu oddania emocji. Śpiąca Rysunek jest jednym z takich przykładów, które przedstawia rysunek wojny, która nie jest w stanie zmierzyć się z realnego świata z powodu usterki. Przez całe życie praca Bourgeois była tworzona z ponownego odwiedzania własnej niespokojnej przeszłości, gdy znalazła inspirację i tymczasowe katharsis z lat dzieciństwa i nadużyć, których doznała ze strony ojca. Powoli nabrała pewności siebie, chociaż jej średnie lata są bardziej nieprzejrzyste, co może wynikać z faktu, że świat sztuki poświęcił jej bardzo mało uwagi, mimo że miała swoją pierwszą indywidualną wystawę w 1945 roku. W 1951 zmarł jej ojciec, a ona została obywatel amerykański.

W 1954 Bourgeois dołączył do American Abstract Artists Group z kilkoma rówieśnikami, wśród nich Barnettem Newmanem i Ad Reinhardtem . W tym czasie zaprzyjaźniła się także z artystami Willemem de Kooningiem , Markiem Rothko i Jacksonem Pollockiem . Jako część American Abstract Artists Group, Bourgeois przeszła od drewnianych i pionowych konstrukcji do marmuru, gipsu i brązu, badając obawy, takie jak strach, wrażliwość i utrata kontroli. To przejście było punktem zwrotnym. Swoją sztukę nazywała serią lub sekwencją ściśle związaną z dniami i okolicznościami, opisując swoją wczesną pracę jako lęk przed upadkiem, który później przekształcił się w sztukę spadania, a ostateczną ewolucję jako sztukę wiszenia w tym miejscu. Jej konflikty w prawdziwym życiu umożliwiły jej uwierzytelnienie swoich doświadczeń i zmagań poprzez unikalną formę sztuki. W 1958 roku Bourgeois i jej mąż przeprowadzili się do domu szeregowego przy West 20th Street w Chelsea na Manhattanie , gdzie mieszkała i pracowała do końca życia.

Pomimo tego, że odrzuciła ideę, że jej sztuka jest feministyczna, tematem Bourgeois była kobiecość. Prace takie jak Femme Maison (1946-1947), Autoportret Torso (1963-1964), Łuk histerii (1993) przedstawiają kobiece ciało. Pod koniec lat sześćdziesiątych jej obrazy stały się bardziej wyraźnie seksualne, gdy badała relacje między mężczyznami i kobietami oraz emocjonalny wpływ jej niespokojnego dzieciństwa. Rzeźby o wyraźnym charakterze seksualnym, takie jak Janus Fleuri (1968), pokazują, że nie bała się używać kobiecej formy w nowy sposób. Cytowano ją, gdy powiedziała: „Moja praca dotyczy problemów przedpłciowych”, napisała. „Na przykład zazdrość nie jest mężczyzną ani kobietą”. Wraz z rozwojem feminizmu jej prace znalazły szersze grono odbiorców. Pomimo tego twierdzenia, w 1976 roku Femme Maison znalazła się na okładce książki Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women's Art i stała się ikoną feministycznego ruchu artystycznego.

Poźniejsze życie

W 1973 Bourgeois zaczął nauczać w Pratt Institute , Cooper Union , Brooklyn College i New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture . Od 1974 do 1977 Bourgeois pracowała w School of Visual Arts w Nowym Jorku, gdzie uczyła grafiki i rzeźby. Uczyła również przez wiele lat w szkołach publicznych w Great Neck na Long Island.

Na początku lat 70. Bourgeois organizowała w swoim domu w Chelsea spotkania pod nazwą „Niedziele, krwawe niedziele”. Salony te byłyby wypełnione młodymi artystami i studentami, których prace byłyby krytykowane przez burżuazję. Bezwzględność krytyki Bourgeois i jej suche poczucie humoru doprowadziły do ​​nazwania tych spotkań. Burżuazja zainspirowała wielu młodych studentów do tworzenia sztuki o charakterze feministycznym. Jednak długoletni przyjaciel i asystent Louise, Jerry Gorovoy, stwierdził, że Louise uważała swoją pracę za „przedpłciową”.

Bourgeois sprzymierzyła się z aktywistami i została członkiem Fight Censorship Group, feministycznego kolektywu antycenzuralnego założonego przez koleżankę artystkę Anitę Steckel . W latach 70. grupa broniła wykorzystywania obrazów seksualnych w dziełach sztuki. Steckel argumentował: „Jeśli penis we wzwodzie nie jest wystarczająco zdrowy, aby trafić do muzeów, nie powinien być uważany za wystarczająco zdrowy, aby trafił do kobiet”.

W 1978 roku Bourgeois otrzymała zlecenie od General Services Administration, aby stworzyć Facets of the Sun , jej pierwszą publiczną rzeźbę. Praca została zainstalowana na zewnątrz budynku federalnego w Manchesterze w stanie New Hampshire. Bourgeois otrzymała swoją pierwszą retrospektywę w 1982 roku przez Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Do tej pory była postacią peryferyjną w sztuce, której twórczość była bardziej podziwiana niż doceniana. W wywiadzie dla Artforum , który zbiegł się w czasie z otwarciem jej retrospektywy, ujawniła, że ​​obrazy w jej rzeźbach są całkowicie autobiograficzne. Dzieliła się ze światem, który obsesyjnie przeżywała poprzez swoją sztukę traumę odkrycia w dzieciństwie, że jej angielska guwernantka jest także kochanką jej ojca.

Bourgeois z „ Spadać na uszy głuchych” w 1991 r.

W 1989 roku Bourgeois wykonała suchą akwafortę, Mud Lane , przedstawiającą utrzymywany przez siebie dom w Stapleton na Staten Island, który traktowała raczej jako środowisko rzeźbiarskie niż przestrzeń życiową.

Bourgeois miał kolejną retrospektywę w 1989 roku w Documenta 9 w Kassel w Niemczech. W 1993 roku, kiedy Królewska Akademia Sztuk Pięknych zorganizowała obszerny przegląd sztuki amerykańskiej w XX wieku, organizatorzy nie uznali, że prace Bourgeois należy uwzględnić w badaniu. Jednak ankieta ta została skrytykowana za wiele pominięć, a jeden z krytyków napisał, że „wymazano całe sekcje najlepszej amerykańskiej sztuki” i wskazał, że włączono bardzo niewiele kobiet. W 2000 roku jej prace zostały wybrane do pokazu na otwarciu Tate Modern w Londynie. W 2001 roku pokazała w Ermitażu .

W 2010 roku, w ostatnim roku swojego życia, Bourgeois wykorzystała swoją sztukę, aby opowiedzieć się za równością lesbijek, gejów, biseksualistów i transseksualistów ( LGBT ). Stworzyła pracę I Do , przedstawiającą dwa kwiaty wyrastające z jednej łodygi, na rzecz organizacji non-profit Freedom to Marry . Bourgeois powiedział: „Każdy powinien mieć prawo do zawarcia małżeństwa. Zobowiązanie się do kochania kogoś na zawsze to piękna rzecz”. Bourgeois miał historię aktywizmu na rzecz równości LGBT, tworząc dzieła sztuki dla organizacji aktywistów AIDS ACT UP w 1993 roku.

Śmierć

Bourgeois zmarł z powodu niewydolności serca 31 maja 2010 r. w Beth Israel Medical Center na Manhattanie. Wendy Williams, dyrektor zarządzająca Louise Bourgeois Studio, ogłosiła jej śmierć. Kontynuowała tworzenie dzieł sztuki aż do śmierci, a jej ostatnie prace zostały ukończone tydzień wcześniej.

The New York Times powiedział, że jej praca „podziela się zestawem powtarzających się tematów, skoncentrowanych na ludzkim ciele i jego potrzebie wychowania i ochrony w przerażającym świecie”.

Jej mąż, Robert Goldwater , zmarł w 1973 roku. Przeżyła ją dwóch synów, Alain Bourgeois i Jean-Louis Bourgeois . Jej pierwszy syn, Michel, zmarł w 1990 roku.

Praca

Zobacz także: Lista dzieł Louise Bourgeois

Femme Maison

Główny artykuł: Femme Maison

Femme Maison (1946–47) to cykl obrazów, w których Bourgeois bada relację kobiety i domu. W pracach głowy kobiet zostały zastąpione domami, izolując ich ciała od świata zewnętrznego i utrzymując ich umysły w domu. Ten temat idzie w parze z dehumanizacją sztuki współczesnej.

Zniszczenie Ojca

Destruction of the Father (1974) to biograficzna i psychologiczna eksploracja dominacji władzy ojca i jego potomstwa. Praca jest cielistą instalacją w miękkim i przypominającym macicę pomieszczeniu. Wykonana z gipsu, lateksu, drewna, tkaniny i czerwonego światła, Zniszczenie Ojca było pierwszym dziełem, w którym na dużą skalę wykorzystała miękkie materiały. Po wejściu do instalacji widz staje w obliczu zbrodni. Umieszczone w stylizowanej jadalni (z podwójnym oddziaływaniem sypialni) abstrakcyjne, przypominające kropelki dzieci apodyktycznego ojca zbuntowały się, zamordowały i zjadły go.

... opowiadając zniewolonej publiczności, jaki jest wspaniały, o wszystkich cudownych rzeczach, które zrobił, wszystkich złych ludziach, których dziś porzucił. Ale to trwa dzień po dniu. W powietrzu unosi się tragedia. Zbyt często wypowiadał swoje słowa. Jest nieznośnie dominujący, choć prawdopodobnie sam nie zdaje sobie z tego sprawy. Rośnie rodzaj urazy i pewnego dnia mój brat i ja zdecydowaliśmy: „nadszedł czas!”. Złapaliśmy go, położyliśmy na stole i rozcięliśmy nożami. Rozebraliśmy go i poćwiartowaliśmy, odcięliśmy mu penisa. I stał się jedzeniem. Zjedliśmy go... on został zlikwidowany tak samo jak zlikwidował dzieci.

Egzorcyzmy w sztuce

W 1982 roku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zaprezentowano prace nieznanej artystki, Louise Bourgeois. Miała 70 lat i była artystką mieszaną, która pracowała na papierze, z metalem, marmurem i kośćmi zwierzęcymi. Rodzinne traumy z dzieciństwa „wyhodowały egzorcyzmy w sztuce”, a ona desperacko próbowała oczyścić swoje niepokoje swoją pracą. Czuła, że ​​może nawiązać kontakt z kwestiami kobiecej tożsamości, ciała, rozbitej rodziny na długo przed tym, zanim świat sztuki i społeczeństwo uznają je za wyrażane w sztuce. W ten sposób Bourgeous znalazła swoje centrum i ustabilizowała swój emocjonalny niepokój. The New York Times powiedział wówczas, że „jej praca jest obarczona czułością i przemocą, akceptacją i nieposłuszeństwem, ambiwalencją i przekonaniem”.

Komórki

W latach osiemdziesiątych Bourgeois wyprodukowała dwie serie zamkniętych prac instalacyjnych, które nazwała Komórkami . Wiele z nich to małe obudowy, do których widz jest proszony o zajrzenie do wewnątrz w układy symbolicznych obiektów; inne to małe pomieszczenia, do których widz jest zapraszany. W utworach komórkowych Bourgeois wykorzystuje wcześniejsze formy rzeźbiarskie, przedmioty znalezione, a także przedmioty osobiste, które niosły ze sobą silny osobisty ładunek emocjonalny artysty.

Komórki obejmują stany psychiczne i intelektualne, przede wszystkim uczucia strachu i bólu. Bourgeois stwierdził, że Komórki reprezentują „różne rodzaje bólu; fizyczny, emocjonalny i psychologiczny, umysłowy i intelektualny… Każda Komórka zajmuje się strachem. Strach jest bólem… Każda Komórka zajmuje się przyjemnością podglądacza, dreszczem patrzenia i bycia oglądanym."

Maman

Główny artykuł: Maman (rzeźba)
Rzeźba Maman Bourgeois w Muzeum Guggenheima w Bilbao

Pod koniec lat 90. Bourgeois zaczęła używać pająka jako centralnego obrazu w swojej sztuce. Maman , wysoki na ponad dziewięć metrów, to stalowo-marmurowa rzeźba, z której następnie odlano wydanie sześciu brązów. To pierwszy pojawił się jako część prowizji za burżuazyjny The Unilever Series w Tate Modern w Turbine Hall w 2000 roku, a ostatnio, rzeźba została zainstalowana w National Convention Center Qatar w Doha , Katar . Jej największa rzeźba pająka, zatytułowana Maman, ma ponad 9,1 m wysokości i została zainstalowana w wielu miejscach na całym świecie. Jest to największa rzeźba Pająka, jaką kiedykolwiek wykonał Bourgeois. Co więcej, Maman nawiązuje do siły swojej matki, używając metafor przędzenia, tkania, pielęgnowania i ochrony. Przewaga motywu pająka w jej pracach dała jej przydomek jako Spiderwoman .

Pająk to oda do mojej matki. Ona była moją najlepszą przyjaciółką. Jak pająk, moja matka była tkaczką. Moja rodzina zajmowała się renowacją gobelinów, a moja mama prowadziła warsztat. Jak pająki, moja matka była bardzo sprytna. Pająki to przyjazne istoty, które zjadają komary. Wiemy, że komary przenoszą choroby i dlatego są niechciane. Tak więc pająki są pomocne i opiekuńcze, tak jak moja matka.

—  Louise Bourgeois

Maisons kruche / Puste domy

Rzeźby Bourgeois's Maisons kruche / Empty Houses to równoległe, wysokie metalowe konstrukcje podtrzymujące prostą tacę. Trzeba je zobaczyć osobiście, żeby odczuć ich wpływ. Nie grożą ani nie chronią, ale wydobywają z ciebie głębię niepokoju. Ustalenia Bachelarda z testów psychologów pokazują, że niespokojne dziecko narysuje wysoki, wąski dom bez podstawy. Bourgeois miał skaliste/traumatyczne dzieciństwo i to może potwierdzać powód, dla którego te elementy zostały skonstruowane.

Grafika

Bourgeois jest grafika rozkwitła podczas wczesnych i późnych etapach kariery: w 1930 i 1940 roku, kiedy po raz pierwszy przyjechała do Nowego Jorku z Paryża, a następnie ponownie rozpoczynających się w 1980 roku, gdy jej praca zaczęła otrzymywać szerokie uznanie. Wcześnie wykonywała odbitki w domu na małej maszynie lub w renomowanej pracowni Atelier 17 . Po tym okresie nastąpiła długa przerwa, ponieważ Bourgeois całkowicie skupiła się na rzeźbie. Dopiero po siedemdziesiątce zaczęła ponownie drukować, zachęcona najpierw przez wydawców druków. Założyła swoją starą prasę i dodała drugą, jednocześnie ściśle współpracując z drukarzami, którzy przybyli do jej domu, aby współpracować. Nastąpiła bardzo aktywna faza grafiki, trwająca do śmierci artysty. W ciągu swojego życia Bourgeois stworzyła około 1500 drukowanych kompozycji.

W 1990 roku Bourgeois postanowiła przekazać całe archiwum swoich druków do Muzeum Sztuki Nowoczesnej . W 2013 roku Muzeum uruchomiło internetowy katalog raisonné , "Louise Bourgeois. The Complete Prints & Books" Strona skupia się na procesie twórczym artystki i umieszcza odbitki i ilustrowane książki Bourgeois w kontekście jej całościowej produkcji, włączając pokrewne prace w innych mediach, które zajmują się tymi samymi tematami i obrazami.

Motywy

Rzeźba Bourgeois Cell XIV (Portret) w galerii Tate , 2016

Jednym z tematów prac Bourgeois jest trauma z dzieciństwa i ukryte emocje. Po tym, jak matka Louise zachorowała na grypę, ojciec Louise zaczął mieć romanse z innymi kobietami, w szczególności z Sadie, korepetytorką Louise. Przywoził kochanki z powrotem do domu i zdradzał całą swoją rodzinę. Louise była niezwykle czujna i świadoma sytuacji. To był początek zaangażowania artystki w podwójne standardy związane z płcią i seksualnością, co znalazło wyraz w większości jej prac. Wspomina, jak jej ojciec powtarzał „Kocham cię” do jej matki, mimo niewierności. „On był wilkiem, a ona racjonalnym zającem, wybaczającym i akceptującym go takim, jakim był”. Jej praca z 1993 roku Cell: You Better Grow Up , część jej serii Cell , mówi bezpośrednio o traumie z dzieciństwa Louise i niepewności, która ją otaczała. Daj albo bierz z 2002 roku jest zdefiniowany przez ukryte emocje, reprezentujące intensywny dylemat, z którym ludzie borykają się przez całe życie, próbując zrównoważyć działania dawania i brania. Dylemat ten wyraża nie tylko kształt rzeźby, ale także ciężar materiału, z którego wykonana jest ta rzeźba.

Macierzyństwo to kolejny powracający temat w twórczości Bourgeois. To jej matka zachęcała Bourgeois do rysowania i angażowała ją w biznes gobelinów. Bourgeois uważała matkę za intelektualną i metodyczną; kontynuowany w jej pracach motyw pająka często przedstawia jej matkę. Pojęcie pająka, który kręci się i tka swoją sieć, jest bezpośrednim odniesieniem do gobelinowego biznesu jej rodziców i może być również postrzegane jako metafora dla jej matki, która naprawia rzeczy.

Bourgeois zgłębiła koncepcję kobiecości, kwestionując patriarchalne standardy i tworząc dzieła sztuki o macierzyństwie, zamiast pokazywać kobiety jako muzy lub ideały. Została określona jako „niechętna bohaterka sztuki feministycznej”. Louise Bourgeois miała feministyczne podejście do swoich prac, podobnie jak inne artystki, takie jak Agnes Martin i Eva Hesse , mniej kierujące się polityką, ale raczej wykonane prace, które czerpały z ich doświadczeń związanych z płcią i seksualnością, naturalnie angażując się w kwestie kobiet .

Architektura i pamięć są ważnymi składnikami twórczości Bourgeois. Prace Bourgeois są dla nich bardzo organiczne, biologiczne, reprodukcyjne; zwracają uwagę na samą pracę. Louise opisuje architekturę jako wizualną ekspresję pamięci lub pamięć jako rodzaj architektury. Wspomnienie, które pojawia się w większości jej prac, to pamięć wymyślona - o śmierci lub egzorcyzmach jej ojca. Wyobrażone wspomnienie przeplata się z jej prawdziwymi wspomnieniami, w tym życiem naprzeciwko rzeźni i romansem jej ojca. Dla Louise jej ojciec reprezentował krzywdę i wojnę, wywyższanie się i poniżanie innych, a przede wszystkim człowieka, który reprezentował zdradę. Jej praca z 1993 roku Cell (Trzy białe marmurowe kule) mówi o strachu i niewoli. Lustra w teraźniejszości to zmieniona i zniekształcona rzeczywistość.

Seksualność jest niewątpliwie jednym z najważniejszych tematów w twórczości Louise Bourgeois. Silny jest również związek między seksualnością a kruchością lub niepewnością. Argumentowano, że wynika to z jej wspomnień z dzieciństwa i spraw jej ojca. Spiral Woman z 1952 roku łączy w sobie skupienie Louise na kobiecej seksualności i torturach. Wygięte mięśnie nóg i ramion wskazują, że Spiralna Kobieta wciąż jest na górze, mimo że jest duszona i wieszana. In and Out z 1995 roku wykorzystuje zimne metalowe materiały, aby połączyć seksualność z gniewem, a może nawet z niewolą.

Spirala w jej twórczości ukazuje niebezpieczne poszukiwanie niepewnej równowagi, bezwypadkowej trwałej zmiany, nieładu, zawrotów głowy, trąby powietrznej. To, co jednocześnie pozytywne i negatywne, przyszłość i przeszłość, rozpad i powrót, nadzieja i próżność, plan i pamięć.

Twórczość Louise Bourgeois napędzana jest wyznaniami, autoportretami, wspomnieniami, fantazjami niespokojnej istoty, która poprzez jej rzeźbę szuka spokoju i porządku, których brakowało jej przez całe dzieciństwo.

Współpraca

Nie opuszczaj mnie

Ta współpraca trwała dwa lata z brytyjską artystką Tracey Emin . Praca została wystawiona w Londynie kilka miesięcy po śmierci Bourgeois w 2010 roku. Tematyka składa się z obrazów męskich i kobiecych. Chociaż wydają się seksualne, przedstawia maleńką kobiecą postać składającą hołd gigantycznej męskiej postaci, jak Bóg. Louise Bourgeois wykonała akwarele, a Tracey Emin wykonała rysunek na górze. Emin zajęła dwa lata, aby zdecydować, jak dowiedzieć się, jaki wkład wniesie do współpracy. Kiedy wiedziała, co robić, ukończyła wszystkie rysunki w jeden dzień i wierzy, że każdy z nich zadziałał idealnie. I Lost You dotyczy utraty dzieci, utraty życia. Burżua musiała pochować syna jako rodzica. Porzucenie to dla niej nie tylko utrata matki, ale także syna. Pomimo różnicy wiekowej między dwoma artystami i różnic w ich pracy, współpraca przebiegała łagodnie i łatwo.

Wybrane prace

Bibliografia

  • 1982  – Louise Bourgeois . Muzeum Sztuki Nowoczesnej. 1982. s. 123. ISBN 978-0-87070-257-0.
  • 1994  – Grafiki Louise Bourgeois . Muzeum Sztuki Nowoczesnej. 1994. s. 254. Numer ISBN 978-0-8109-6141-8.
  • 1994  – Louise Bourgeois: Locus of Memory Works 1982-1993 . Harry'ego N. Abramsa. 1994. s. 144. ISBN 978-0-8109-3127-5.
  • 1996  – Louise Bourgeois: Rysunki i obserwacje . Gil. 1995. s. 192. Numer ISBN 978-0-8212-2299-7.
  • 1998  – Louise Bourgeois Zniszczenie Ojca / Rekonstrukcja Ojca . MIT Press we współpracy z Violette Editions. 1998. s. 384 . Numer ISBN 978-0-262-52246-5.
  • 2000  – Louise Bourgeois: Pamięć i architektura . Aktor. 1999. s. 316. Numer ISBN 978-84-8003-188-2.
  • 2001  – Louise Bourgeois: Rysunki bezsenności . Wydawnictwo Scalo. P. 580. Numer ISBN 978-3-908247-39-5.
  • 2001  – Pająk Louise Bourgeois: Architektura pisania sztuki . Wydawnictwo Uniwersytetu Chicago. 29 czerwca 2001. s. 88. Numer ISBN 978-0-226-03575-8.
  • 2008  – Louise Bourgeois: Tajemnica komórek . Prestel USA. 2008. s. 168. Numer ISBN 978-3-7913-4007-4.
  • 2011  – Do kogo to może dotyczyć . Edycje Violetty. 2011. s. 76. Numer ISBN 978-1-900828-36-9.
  • 2011  – Siły Zbrojne . Wydanie Poligrafa. 2011. s. 48. Numer ISBN 978-8-434312-53-1.
  • 2012  – Powrót represjonowanych . Edycje Violetty. 2012. s. 500. ISBN 978-1-900828-37-6.
  • 2015  – Mamrocząca piękność Louise Bourgeois . Tamiza i Hudson. 2015. s. 112. Numer ISBN 978-0-500093-91-7.

film dokumentalny

Wystawy

Uznanie

Kolekcje

Do najważniejszych zbiorów jej prac należą National Gallery of Art w Waszyngtonie; Museum of Modern Art w Nowym Jorku i Nasher Sculpture Center; Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco ; Galeria Narodowa Kanady ; Tate w Londynie; Centrum Pompidou w Paryżu. Przez całą swoją karierę Bourgeois znała wielu swoich kolekcjonerów, takich jak Ginny Williams, Agnes Gund , Ydessę Hendeles i Ursulę Hauser . Inne prywatne kolekcje ze znaczącymi dziełami mieszczańskimi to kolekcja Goetz w Monachium.

Rynek sztuki

Bourgeois rozpoczęła współpracę z galerią Paule Anglim w San Francisco w 1987 roku, Karsten Greve w Paryżu w 1990 i Hauser & Wirth w 1997. Hauser & Wirth była główną galerią jej posiadłości. Inni, jak Galeria Kukje w Seulu i Xavier Hufkens w Brukseli, nadal zajmują się jej twórczością.

W 2011 roku jedna z prac Bourgeois, zatytułowana Pająk , została sprzedana za 10,7 miliona dolarów, co było dla artystki nową rekordową ceną na aukcji i najwyższą w tamtym czasie ceną, jaką zapłaciła za pracę kobieta. Pod koniec 2015 roku kawałek został sprzedany na kolejnej aukcji Christie's za 28,2 miliona dolarów .

Bibliografia

Dalsza lektura

  • Heartney, Eleonora; Posner, Helaine; Princenthal, Nancy; Scott, Sue (2007). Po rewolucji: kobiety, które zmieniły sztukę współczesną . Prestel Publishing Sp. 351. Numer ISBN 978-3-7913-4755-4.
  • Armstrong, Carol (2006). Artystki Tysiąclecia . Książki październikowe. P. 408 . Numer ISBN 978-0-262-01226-3.
  • Herskovic, Marika (2003). Amerykański ekspresjonizm abstrakcyjny lat pięćdziesiątych: An Illustrated Survey . Nowojorska prasa szkolna. P. 372. Numer ISBN 978-0-9677994-1-4.
  • Herskovic, Marika (2000). New York School: Abstrakcyjni ekspresjoniści . Nowojorska prasa szkolna. P. 393. Numer ISBN 978-0-9677994-0-7.
  • Deepwell, Katy (maj 1997). Deepwell, Katy (red.). „Feministyczne odczyty Louise Bourgeois lub dlaczego Louise Bourgeois jest feministyczną ikoną”. N.paradoksa . Londyn: KT Prasa (3): 28-38. ISSN  1461-0426 .
  • Wasilik, Jeanne M. (1987). Montaż . Kent Fine Art , Inc. 44. Numer ISBN 978-1-878607-15-7.

Zewnętrzne linki

Louise Bourgeois w Muzeum Sztuk Pięknych w Houston : https://www.mfah.org/blogs/inside-mfah/a-confessional-sculpture-by-louise-bourgeois