Emalia Limoges - Limoges enamel

Męczeństwo św. Tomasza Becketa , champlevé , 1180 (więcej)
Fragment malowanej grisaille płyty z gwałtem na Europie , Jean de Court , ok. 1900 . 1560; cały kawałek

Emalia Limoges jest produkowana w Limoges w południowo-zachodniej Francji od kilku stuleci do chwili obecnej. Są dwa okresy, kiedy miała znaczenie europejskie. Od XII wieku do 1370 istniał duży przemysł produkujący metalowe przedmioty zdobione emalią przy użyciu techniki champlevé , z których większość ocalałych (szacowana na około 7500 sztuk) i prawdopodobnie większość oryginalnej produkcji to przedmioty religijne, takie jak relikwiarze .

Po stuletniej przerwie przemysł odrodził się pod koniec XV wieku, teraz specjalizuje się w technice malowania emalii, a w ciągu kilkudziesięciu lat wytwarza raczej dzieła bardziej świeckie niż religijne. W okresie renesansu francuskiego był wiodącym ośrodkiem, z kilkoma warsztatami dynastycznymi, które często podpisywały lub stemplowały swoje prace. Luksusowe przedmioty, takie jak talerze, tablice i dzbany, były malowane z wyrafinowaną manierystyczną dekoracją malarskich scen postaci, które na naczyniach były otoczone wyszukanymi ramkami.

W obu okresach do największych dzieł należą sceny narracyjne. Są one przykładem stylów ich odpowiednich okresów. W średniowiecznym champlevé akcję w prosty i bezpośredni sposób ukazuje kilka postaci na wzorzystych tłach. W manierystycznych pracach malarskich liczne postacie i szczegółowe tła mają tendencję do przytłaczania aktywności głównych postaci.

Gołębica eucharystyczna w champlevé , początek XIII wieku

Po upadku od ok. 1630 r., a później konkurencji ze strony porcelany , w połowie XIX w. odrodziła się produkcja wysokiej jakości, która przyjęła secesję i inne współczesne style, przy stosunkowo niewielkiej produkcji.

Średniowieczna emalia Champlevé

Dalsze informacje: Chasse (trumna)
Limoges cyborium z emalia żłobkowa szkliwa i centrum obręczy w pseudo-Kufic scenariusza, około 1200.
Tablica z postaciami w emalii i złoconym tłem wermikulowanym , lata 70. XX wieku.

Limoges był już największym i najbardziej znanym, ale nie najbardziej wysokiej jakości, europejskim centrum emalia żłobkowa szklista emalia produkcji przez 12 wieku; jego prace były znane jako Opus de Limogia lub Labor Limogiae . Głównymi konkurentami miasta na świadomym cenowo rynku były warsztaty w północnej Hiszpanii, a prace w Limoges już od samego początku wykazują ślady wpływów hiszpańskich i islamskich; spekulowano, że między dwoma regionami miał miejsce przepływ pracowników. Późniejszy styl wermikulacyjny i pseudokufickie bordiury to dwa przykłady takiego wpływu. Niektóre z wczesnych kawałków emalii z Limoges wyświetlają pasek w pseudo-kufickim skrypcie, który „był powtarzającym się elementem ozdobnym w Limoges i był od dawna stosowany w Akwitanii”.

Tablice Champlevé i „ trumny chasse ” lub relikwiarze na miedzi były ostatecznie produkowane niemal masowo i przystępne cenowo przez kościoły parafialne i szlachtę. Jednak najwyższej jakości prace champlevé pochodziły z Doliny Mosan , w utworach takich jak Tryptyk Stavelot , a później emalierzy z Basse-taille z Paryża, Sieny i innych krajów prowadzili najwyższy koniec rynku emalii, często z bazami z metali szlachetnych; prawie wszystkie te kawałki zostały w pewnym momencie przetopione. Ale Limoges nadal otrzymywało zamówienia na ważne przedmioty dla katedr lub królewskich patronów, zwłaszcza w XII i XIII wieku, i istniało wiele cech dostępnych prac. Przemysł upadał już w 1370 r., kiedy to brutalne splądrowanie miasta po oblężeniu Limoges przez Anglików pod wodzą Edwarda Czarnego Księcia skutecznie je zakończyło. Do tego czasu złotnicy w większych ośrodkach korzystali głównie z innych technik, takich jak basse-taille.

Techniki

Emalia Limoges była zwykle nakładana na podłoże miedziane , ale także czasami na srebrze lub złocie. Konserwacja jest często doskonała ze względu na wytrzymałość zastosowanego materiału, a tańsze prace z Limoges na miedzi przetrwały znacznie szybciej niż prace dworskie nad metalami szlachetnymi, które w pewnym momencie prawie wszystkie zostały poddane recyklingowi. Części nie pokryte emalią były na ogół złocone ; istniały dwa podstawowe style. W pierwszym, bardziej powszechnym, ale wprowadzonym dopiero około 1200 roku, figury były złocone i często przynajmniej częściowo wypukłe , natomiast tła były głównie z kolorowych emalii. W drugim było to odwrócone, a postacie były emaliowane na złoconym tle.

Złocone obszary zaznaczono również żłobionymi liniami, przedstawiającymi twarze i ubrania postaci lub wzory w tle (ten ostatni znany jako styl wermikułowany ). Kawałki były często ozdobione klejnotami, zwykle imitacjami w emalii lub szkłem w ocalałych egzemplarzach, a wielobarwne kółeczka na wielu tłach można rozumieć jako imitacje klejnotów. Od około 1200 roku dominującym kolorem w palecie Limoges był niebieski ze złotem obszarów złoconych. W sztuce średniowiecznej błękit był notorycznie drogi w innych mediach, takich jak malarstwo, ale stosunkowo łatwy do osiągnięcia zarówno w emalii, jak i witrażach , których twórcy w pełni to wykorzystali.

Mniejsze elementy reliefowe zostały wykonane głównie poprzez wytłoczenie w matryce zawierające projekt detali, takich jak głowy postaci, które w przeciwnym razie są płaskie; gdzie całe figury są wypukłe, są zwykle wykonane z oddzielnego kawałka miedzi, który najpierw jest wypychany od tyłu, aby uzyskać szorstki kształt, a następnie wykańczany przez obróbkę z przodu. Zostały one przymocowane do głównego elementu za pomocą miedzianych nitów , których okrągłe główki są zwykle dobrze widoczne. W niektórych egzemplarzach, zwłaszcza takich jak główki pastorałów o trójwymiarowym kształcie, który z dwóch stron jest taki sam, całe ciało zostało wykute w metalowe matryce niosące wzór. Dwie strony były wtedy najprawdopodobniej lutowane razem.

Wzrost

Wydaje się, że rozwój przemysłu Limoges i jego reputacja w XII wieku wiele zawdzięczają Grandmontines , zakonowi, którego dom macierzysty Grandmont znajdował się poza miastem. Zakon szybko się rozrósł po śmierci swojego założyciela, św. Stefana z Muret w 1124, a patronował mu król Anglii Henryk II . Nie uważa się już, że w samym opactwie Grandmont istniał warsztat emalierski; zamiast tego patronowano świeckim warsztatom w Limoges. Zakon miał mało ziemi i był biedny, a także surowe rządy na pozór zniechęcające do wydawania pieniędzy na sztukę; nie używał rzeźby monumentalnej. Mimo to emalii posyłano do powstających nowych domów, głównie we Francji.

Papież Innocenty III (1198–1216), który dwukrotnie odwiedzał Grandmont, zlecił Rzymowi prace w Limoges: relikwiarz dla swojego kościoła tytularnego oraz prace dla sanktuarium św. Piotra w Bazylice św. Piotra , w rzeczywistości najbardziej prestiżowej lokalizacji w Kościele Zachodnim. 4-ci Sobór Laterański , zwołane przez Innocentego, określono, że Limoges szkliwo było korzystne dla jednego z dwóch pyxes każdy kościół wymagane było posiadanie (choć nie uznano za odpowiedni materiał do kielichów , które przepisy katolickie nadal ogólnie wymaga się przynajmniej galwanicznie z metalu szlachetnego).

Innymi czynnikami szerzenia reputacji dzieła z Limoges było to, że Limoges znajdowało się na głównym szlaku pielgrzymkowym do Santiago de Compostella i było również patronowane przez templariuszy . Kawałki zostały przekazane jako prezenty tak daleko, jak Królestwa Krzyżowców w Ziemi Świętej i Skandynawii i zostały zachowane w Nowogrodzie w Rosji.

Zastosowania

Relikwiarz Chasse z Trzema Królami , ok . 1200.

Poza szkatułkami, które stanowią tak dużą część produkcji w całym okresie, było wiele innych przedmiotów wykonanych z emalii Limoges. Te przeznaczone do użytku kościelnego miały większe szanse na przetrwanie i prawdopodobnie na początku tego okresu dominowały. Niektóre rodzaje przedmiotów, takie jak świeczniki, które zwykle są małe z cybanem, czy ozdobne medaliony na skrzynie, mają zazwyczaj dekorację świecką lub neutralną i prawdopodobnie zostały wykonane tak samo na oba rynki. W późniejszym okresie inne obiekty mogą mieć wyraźnie świecki dekoracji, takich jak rycerskich scen rycerzy w walce, lub rzadziej sceny dworskiej miłości . Religijne okładki ksiąg (lub oprawy skarbów ) wykonywano w ilościach przez cały okres, zwykle w parach tabliczek, które rzadko przetrwały razem; Bóg Ojciec i Ukrzyżowanie Chrystusa to wspólne tematy.

Inne tematy, które pojawiają się w Limoges szkliwa raczej częściej niż w innych sztuki religijnej tego okresu należą życia św Waleria z Limoges , lokalnego bohaterki, a także męczeństwo świętego Tomasza Becketa , którego kult był intensywnie promowany przez Kościół po jego śmierć, łącznie z rozprowadzeniem po Europie reliktów wtórnych (fragmentów jego ubrań przesiąkniętych rozwodnioną krwią). To, że istnieje ponad dwadzieścia podwozi Limoges przedstawiających historię Trzech Mędrców , nieco zdziwiło historyków sztuki. Ich relikwie zostały „przetłumaczone” z Mediolanu do Kolonii w 1164 roku i sugerowano, że fragmenty murów ze starego sanktuarium w Mediolanie były dostępne jako relikwie. W takich tematach, z wieloma zachowanymi przykładami, obrazy są często bardzo podobne lub dzielą się na grupy, sugerując wspólne projekty i być może różne warsztaty wykorzystujące te same wzory.

W XIII wieku panowała moda na szczyty elitarnych grobowców, które miały emaliowane i metalowe panele z podobizną zmarłego, często w formie płaskorzeźby . Dwoje dzieci św. Ludwika IX (1214–1270), które zmarły młodo, miało takie groby w opactwie Royaumont pod Paryżem (obecnie w bazylice Saint-Denis ), a liczba grobów biskupów i wielkich arystokratów jest odnotowana; niewielu przeżyło rewolucję francuską . Była to część trendu, w którym późne prace Limoges stały się coraz bardziej rzeźbiarskie, często z niewielkimi akcentami w emalii. Liczba dzieł świeckich lub tych, które przetrwały, wzrosła w późniejszym okresie, m.in. świeczniki, plakietki medalionowe do ozdabiania skrzyń i innych przedmiotów oraz klejnoty , miski do ceremonialnego mycia rąk, które przychodziły parami, służący przelewający ręce z jeden w drugi.

  • Okładka książki z postaciami emaliowanymi aplikacjami, XIII wiek

  • Typowa średniowieczna szkatułka z Limoges , w tym przypadku raczej chryzmatorium niż relikwiarz , XIII wiek.

  • Fragment pastorału , ok. 1900 . 1230s

  • Klejnot z rycerzem klęczącym przed damą i heraldyką, II poł. XIII w. Wszelkie złocenia znikły.

Renesansowa emalia malowana

Mistrz tryptyku orleańskiego, tryptyk z Baltimore; Zwiastowanie z prorokami Dawidem i Izajaszem około 1500
Malowana tablica, ok. 1530, z Wenus, Juno i Eneaszem , Mistrz Eneid, 1530s

Technika malowania emalią pojawiła się w połowie XV wieku, być może najpierw w Holandii, a wkrótce potem w Limoges za panowania Ludwika XI (1461-1483). Pierwszy znaczący mistrz, który nazywa się Monvaerni lub Pseudo-Monvaerni, jak wiadomo, opiera się na błędnym odczytaniu inskrypcji, pracował w ostatnich dziesięcioleciach stulecia. W ślad za nim pojawili się nieznani artyści zwani "Mistrz Tryptyku Ludwika XII", po pracy w Muzeum Wiktorii i Alberta , oraz "Mistrz Tryptyku Orleańskiego", który przed ok. 1515 r. stworzył szereg dzieł religijnych w stylu nadal oparty na malarstwie z poprzedniego stulecia. Były one za małe na kościoły i najwyraźniej wykorzystywane do prywatnych nabożeństw, być może zwłaszcza dla osób często podróżujących.

Technika ta rozkwitła w różnych warsztatach w Limoges w XVI wieku, ciesząc się przywilejami króla, które dały jej prawie monopol we Francji. Ponadto od czasów Ludwika XI możliwość uzyskania tytułu mistrza w cechu emalierskim została ograniczona edyktami królewskimi do kilku rodzin. Emalie były produkowane w warsztatach, które często pozostawały w tej samej rodzinie przez kilka pokoleń i często są sygnowane na emalii lub można je zidentyfikować, przynajmniej w odniesieniu do rodziny lub warsztatu, na podstawie stempli na odwrocie paneli, a także przez styl.

Przynajmniej początkowo były to obiekty o bardzo wysokim statusie dla wyrafinowanego gustu dworu i innych bogatych kolekcjonerów, a bogaci mieszczanie powiększali bazę klientów od lat 30. XVI wieku, w miarę rozwoju przemysłu. W przeciwieństwie do średniowiecznego Limoges Champlevé, emalie te zostały wykonane na rynek ograniczony głównie do Francji, chociaż niektóre elementy zostały zamówione w Niemczech. Podczas gdy średniowieczne Champlevé w Limoges konkurowało z wieloma innymi ośrodkami w Europie, w XVI wieku tak naprawdę żadne inne miasto nie produkowało dużej ilości dużych malarskich emalii w stylu manierystycznym . Niektóre kawałki szkła Murano zostały częściowo pomalowane w ogólnie równoważnym stylu.

Do 1580 roku styl wydaje się odchodzić od mody, a Bernard Palissy , twórca stylu uzupełniającego w ceramice, napisał, że „ich sztuka stała się tak tania, że ​​ledwo mogą się utrzymać”. Produkcja trwała do XVII wieku, ale po pierwszych dekadach jakość spadała. W XVIII wieku rolę luksusowych przedmiotów emaliowanych w dużej mierze wyparła europejska porcelana , ale po pewnych udoskonaleniach technicznych malowanie emalią stało się szeroko stosowane w małych miniaturach portretowych , wcześniej była to angielska ekscentryczność. Były one malowane w wielu dużych miastach, w których byli klienci, a Limoges odgrywał tylko niewielką rolę. Limoges było również aktywnym ośrodkiem malowanego fajansu, a później porcelany z Limoges .

Styl i technika

Nowa technika pozwoliła uzyskać obrazy malowane z bardzo szczegółowymi scenami figuratywnymi lub schematami dekoracyjnymi. Podobnie jak w przypadku włoskiej majoliki , do której pod pewnymi względami malowany emalią Limoges był spóźnioną francuską ripostą, obrazy czerpią zwykle z klasycznej mitologii lub alegorii, choć zawierają sceny religijne, często ze Starego Testamentu . Wielu mistrzów stawało się hugenotami (francuskimi kalwinami ) w ciągu stulecia, a nowo drukowane moralisées Biblii , z ilustracjami Bernarda Salomona i innych, udostępniały dużą liczbę scen narracyjnych, które wcześniej nie były powszechnie znane.

Fragment naczynia emaliowanego, Limoges, połowa XVI wieku, przypisywany Jean de Court (oznaczony pośrodku „IC”), Waddesdon Bequest , British Museum

Kompozycje zostały w większości zaczerpnięte z druków niemieckich, francuskich lub włoskich , zwłaszcza dla większych scen z wieloma postaciami. Obramowania większych elementów są bardzo dopracowane i wykorzystują pełną gamę ornamentów manierystycznych, rozproszonych poprzez ornamenty i inne wzory. Dużo jest plecionek, a fantastyczne groteski są często traktowane komicznie . Wesołe groteski zilustrowane po prawej stronie znajdują się na odwrocie dużego talerza, którego główna ściana przedstawia jaskrawe, kolorowe przedstawienie zniszczenia armii faraona na Morzu Czerwonym . Oba projekty są ściśle powiązane, bez dokładnego kopiowania, w dziełach z innych kolekcji, zwłaszcza w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Projekty również oparte są na nadrukach, ale adaptowane przez emalierów do swoich prac.

Wprowadzenie, około 1530 roku, stylu grisaille , z większością kompozycji w czerni i bieli, może wydawać się zaskakujące w medium, które generalnie opierało się na jego efekcie na szerokiej gamie jasnych kolorów, które mogły być dopasowane tylko przez ceramikę w innych media, takie jak metaloplastyka, w których wykonano podobne przedmioty. Często włączano stonowane inne kolory, zwłaszcza złoty i różowy zamiast ciała. Być może wpływ czerni i bieli na nadruki, z których powstały projekty, był prawdopodobnie znacznie łatwiejszy do wystrzelenia. Obszary Grisaille były zwykle tworzone przez wypalanie warstwy „czarnej” emalii, w rzeczywistości zwykle bardzo ciemnego koloru morwy , czasami bardzo ciemnoniebieskiego, a następnie dodawanie warstwy bieli i częściowe zdrapywanie jej przed ponownym wypalaniem. Można wtedy dodać pasemka w kolorze białym, złotym lub innym. W okresie między 1530 a 1560 rokiem produkcja grisaille zdominowała produkcję, a następnie wykonywano je obok polichromii. Twierdzono, że te kawałki były „ciemne i ponure, odzwierciedlając pesymizm panujący podczas reformacji”.

Emalie były nadal nakładane na podkłady z blach miedzianych; w konstrukcji skomplikowanych trójwymiarowych kształtów, często obecnie stosowanych, nie można było użyć lutu , który nie wytrzymywałby temperatury wypalania. Tylna strona arkuszy również musiała być emaliowana, nawet tam, gdzie byłyby niewidoczne, aby zmniejszyć wyboczenie podczas wypalania; ta niewidoczna emalia nazywana jest „przeciwemalią” i wykorzystuje odpady z pomalowanych boków. Technika ta wymagała (jeśli nie w grisaille ) wielokrotnych wypalań w ściśle kontrolowanych temperaturach w celu wypalenia różnych kolorów, chociaż liczba faktycznie wymaganych wypaleń stała się przedmiotem pewnych kontrowersji w ostatnich dziesięcioleciach. Wcześniej pisarze twierdzili, że do dwudziestu, ale teraz maksymalnie osiem lub dziewięć wydaje się bardziej prawdopodobne. Złocenie rtęciowe zostało użyte na obszarach złota, bardzo często na granicach; ten i kilka innych kolorów wypalono tylko na krótko, jako ostatni etap.

Podpis „Suzanne Court” na ładowarce

Artyści

Warsztaty emalierskie, biorąc pod uwagę przywileje królewskie, pozostawały raczej w rodzinie, a także są dość słabo udokumentowane w porównaniu z malarzami; różne podpisy i monogramy na dziełach dały historykom sztuki wiele do dyskusji. W podawaniu dat pomocne mogą być cechy probiercze na metalowych ramach lub oprawie. Léonard Limousin był najsłynniejszym z siedmiu artystów emalii z rodu Limousin, którego sygnowane i datowane prace sięgają lat 1532-1574. Rodzina Court/de Court prawdopodobnie obejmowała większość Jean Court (aktywny 1550s), Jean de Court (aktywny 1560s i 1570, również odnoszący sukcesy malarz portretów w olejach), Suzanne de Court , być może aktywna od 1570 do 1620, oraz Pierre Courteys (lub Courtois), podpisujący prace od 1550 do 1568. Rodziny Pénicault, Laudin i Reymond lub Raymond ( Pierre Reymond ) były także wybitni emaliści, Laudini szczególnie prominentni w XVII wieku, jako „ostatnia iskra” tradycji Limoges.

Tazza autorstwa Pierre'a Reymonda

Niektóre z tych podpisów (w rzeczywistości są to zazwyczaj tylko inicjały) mogą raczej reprezentować „z firmy/warsztatu” niż „namalowane przez”. Niektórzy poszczególni malarze emalii są również znani z poszczególnych dzieł, inni przypisuje im się ze względu na ich styl; ilustracja tutaj pochodzi z serii o Eneidzie autorstwa „Mistrza Eneidy”, który około lat 30. XVI wieku wykonał duży zestaw tablic, z których 74 są obecnie szeroko rozproszone w różnych kolekcjach. Kopiują one kompozycje ilustracji drzeworytowych, które po raz pierwszy wykorzystano w edycji dzieł Wergiliusza wydanej w Strasburgu w 1502 r., a następnie wykorzystano ponownie w wydaniach lyońskich w 1517 i 1529 r.; były w nich 143 ilustracje do Eneidy , a żadna z trzech ostatnich książek nie ma zachowanych wersji emaliowanych. Być może ozdobili mały gabinet, osadzony w boazerii, jak w gabinecie des emaux należącym do królowej Katarzyny Medycejskiej po jej śmierci w 1589 roku, z małymi emaliowanymi portretami.

W Eneidy seria odzwierciedla zasadniczo stylu gotyckim drzeworytów kopiowane, ale prawdopodobnie zostały wykonane podczas Léonard Limousin był już w służbie króla. Jego kontakt z włoskim stylem Pierwszej Szkoły z Fontainebleau był prawdopodobnie kluczem do szybkiego przyjęcia wyrafinowanego stylu manierystycznego przez artystów z Limoges, gdzie panował przez resztę stulecia.

Zastosowania

Emalie wykonywano jako przedmioty, takie jak świeczniki, naczynia, naczynia i plecy luster, a także jako płaskie tabliczki do umieszczania w innych przedmiotach, takich jak szkatułki. Chociaż bardzo często wytwarzano je w kształtach do serwowania jedzenia i picia, dowody sugerują, że nie były one powszechnie używane do tego, ale trzymano je wśród innych przedmiotów sztuki w salach recepcyjnych. Podobnie jak w przypadku średniowiecznych emalii, podczas gdy niektóre elementy były ewidentnie wykonywane na zamówienie, inne prawdopodobnie były przeznaczone na zapasy do sprzedaży lub dystrybucji na rynku. Odznaki na kapelusze stały się popularne wraz z rozwojem branży i klientów; wielki wolał dla nich tradycyjną biżuterię.

Największym trójwymiarowym dziełem, jakie przetrwało, jest grisaille „fontanna stołowa” o wysokości 490 mm w Waddesdon Manor w Anglii, datowana na 1552 r., rzekomo wykonana dla Diany de Poitiers , kochanki Henryka II z Francji . Może to być jednak utwór „złożony” złożony w XVIII i XIX wieku z szeregu XVI-wiecznych dzieł, z dodanymi połączonymi inicjałami Henriego i Diany.

Szkatułka Sybilli w Waddesdon Bequest w British Museum (jedna z lepszych kolekcji i zawsze na wystawie) to wyszukana mała zamykana trumna z ramą ze srebra pozłacanego i klejnotów, ozdobiona panelami grisaille z akcentami złota i ciała. odcienie. Reprezentuje wyrafinowany dworski gust z około 1535 roku i prawdopodobnie był przeznaczony na biżuterię damską. Większość takich zestawów emaliowanych wstawek straciła ustawienia, do których były przeznaczone, ale wiele z nich znajduje się obecnie w zastępczych ramkach dodanych przez paryskich dilerów w drugiej połowie XIX wieku.

Zbieranie historii

Po długim okresie, kiedy były bardzo mało gromadzone, zainteresowanie malowanymi Limoges odrodziło się w pierwszej połowie XIX wieku, w ramach ogólnego renesansu. Smak rósł do późnego wieku, a Paryż był głównym rynkiem zbierania przykładów z zamków, jeśli to konieczne, podrabiania ich ze zwykłą XIX-wieczną śmiałością i sprzedawania ich coraz bardziej międzynarodowej grupie bardzo bogatych kolekcjonerów. Umiejętności nabyte ponownie przy naprawach doprowadziły do ​​kilku wręcz fałszerstw. Historycy sztuki zaczęli rekonstruować nazwiska i biografie kryjące się za splątanymi dowodami z sygnatur i stylów, a także imitacji w ceramice z Francji i Anglii.

Od połowy stulecia duże grupy włączano do odpowiednich wystaw w Paryżu i Londynie, a później kolekcje prywatne w większości trafiały do ​​muzeów; „ważne kolekcje emalii z Limoges znajdują się dziś w kilkunastu muzeach”:

  • Tryptyk z końca XV wieku , przypisywany warsztatowi Monvaerni

  • Tablica z Podwyższenia Łazarza , Jean Penicault I, początku 16 wieku

  • Portret tablica przez Léonard Limousin od Henryka II z Nawarry

  • Talerz Grisaille z Psyche Przeniesiony przez Zefira do Pałacu Kupidyna, Pierre Courteys , ok. 1930 r. 1560

  • Ewer, około 1600

  • XVII-wieczna malowana tablica grisaille , z dużej serii dla kościoła w Reims , Jules Laudin, c. 1663.

  • XVII-wieczna malowana tablica autorstwa Jacques I Laudin (1627-1695)

  • Talerz, przypisywany Jacquesowi Laudinowi, XVII w.

Przykłady

Krzyż Limoges

Ten kawałek to centralna tablica z krzyżem”, z pierwszej trzeciej połowy XIII wieku. Obecnie znajduje się w Legii Honorowej San Francisco . Nieoszlifowany obszar jest złocony, aby pomóc w oprawie emaliowanych części. Ten krzyż był prawdopodobnie używany w Opactwo Św. Wojennego prawdopodobnie jako krzyż procesyjny .

Krzyż Spitzera

Spitzer Krzyż jest krucyfiks , wykonany c.1190 w Limoges we Francji, przez rzemieślnika znanym jako „Master Royal Plantagenet Workshop”. Praca wykonana z miedzi, rytowana i złocona, inkrustowana emalią Champlevé Limoges w odcieniach błękitu, zieleni, żółci, czerwieni i bieli, przedstawia Chrystusa na krzyżu . Być może został wykonany jako krzyż procesyjny dla opactwa Grandmont : podobne krzyże znajdują się w innych kolekcjach, w tym w Metropolitan Museum of Art .

Relikwiarz z Limoges

Ta relikwiarzowa trumna przedstawia sceny ze śmierci Thomasa Becketa . Św. Tomasz Becket, arcybiskup Canterbury , został zamordowany w katedrze w Canterbury w 1170, podobno na życzenie króla Anglii Henryka II . Beckett został kanonizowany na świętego w ciągu trzech lat od jego zabójstwa, a sceny z życia i śmierci Thomasa Becketa bardzo szybko stały się popularnym źródłem inspiracji dla artystów z Limoges, które znajdują się na ponad 45 zachowanych do dziś trumnach. Obecnie znajduje się w Legii Honorowej San Francisco w galeriach sztuki średniowiecznej.

Becket Kasetka Londyn (przedstawiony na górze) jest kolejnym przykładem Limoges; jest to największa zachowana trumna Becketa i prawdopodobnie najstarsza. Być może powstało to zaledwie dziesięć lat po morderstwie Becketa.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

  • Campbell, Marian. Wprowadzenie do średniowiecznych emalii , 1983, HMSO dla V&A Museum , ISBN  0112903851
  • Caroselli, Susan, The Painted Enamels of Limoges: katalog z kolekcji Los Angeles County Museum , 1993, LACMA/Thames & Hudson, ISBN  0500974063
  • „Grove”: GH Byrom i Bet McLeod. „Limoges”, Grove Art Online , Oxford Art Online. Oxford University Press. Sieć. 24 stycznia 2017 r. wymagana subskrypcja
  • Lasko, Peter , Ars Sacra, 800-1200 , Penguin History of Art (obecnie Yale), 1972 (nb, 1 wyd .) ISBN  9780140560367
  • "NGA", Distelberger, Rudolf (red), Zachodnie Sztuki Dekoracyjne: Średniowieczne, Renesansowe i historyzujące style, w tym metaloplastyka, emalie i ceramika, Zbiory Narodowej Galerii Sztuki , 1993, Narodowa Galeria Sztuki (USA), Tom 1 z National Gallery of Art Systematic Catalogs Series, ISBN  9780521470681 , google books
  • O'Neill, John Philip (red), Emalia Limoges: 1100-1350 , Musée du Louvre, Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork, NY), 1996, ISBN  9780870997587 , pełny widok online
  • Osborne, Harold (red), "Enamel" w The Oxford Companion to the Decorative Arts , 1975, OUP, ISBN  0-19-866113-4
  • Reitlingera, Geralda ; Ekonomia smaku, tom II: The Rise and Fall of Objets d'art Ceny od 1750 , 1963, Barrie and Rockliffe, Londyn
  • Schwartz, Selma, The Waddesdon Companion Guide , 2005, Waddesdon Manor
  • Tait, Hugh, The Waddesdon Bequest , 1981, British Museum Publications, ISBN  978-0-7141-1357-9
  • Thornton, Dora, Rothschild Renaissance: The Waddesdon Bequest , 2015, British Museum Press, ISBN  978-0-7141-2345-5
  • Vincent, Clare, w The Robert Lehman Collection: Sztuka dekoracyjna. XV (tom 15 z The Robert Lehman Collection, Metropolitan Museum of Art; kilku autorów), 2012, Metropolitan Museum of Art, ISBN  978-1-58839-450-7 , google books

Dalsza lektura