Rzeźba starożytnej Grecji - Ancient Greek sculpture

Jeźdźcy z fryzu Partenonu , około 440 p.n.e.

Rzeźba od starożytnej Grecji to główny typ życiu drobnego starożytnej sztuki greckiej jak, z wyjątkiem malowane starożytnej greckiej ceramiki , prawie nie ma starożytnych greckich malarskich przeżyje. Współczesne stypendium identyfikuje trzy główne etapy monumentalnej rzeźby z brązu i kamienia: archaiczny (od około 650 do 480 pne), klasyczny (480-323) i hellenistyczny. We wszystkich okresach było wiele greckich figurek z terakoty i małych rzeźb z metalu i innych materiałów.

Dżokej Artemizji . Późnohellenistyczna statua z brązu konnego dżokeja, Narodowe Muzeum Archeologiczne, Ateny .

Grecy bardzo wcześnie zdecydowali, że najważniejszy temat artystycznych działań jest ludzka postać. Widząc, że ich bogowie mają ludzką postać, w sztuce niewiele było rozróżnienia między sacrum a świeckim – ludzkie ciało było zarówno świeckie, jak i święte. A mężczyzn nago z Apollo lub Herakles miał tylko niewielkie różnice w traktowaniu do jednego z tego roku olimpijskim mistrzem boksu. Posąg, pierwotnie pojedynczy, ale w okresie hellenistycznym często w grupach był formą dominującą, choć ważne były również płaskorzeźby , często tak „wysokie”, że prawie wolnostojące.

Materiały

Naturalny marmur

W okresie klasycznym , mniej więcej w V i IV wieku, rzeźba monumentalna składała się prawie wyłącznie z marmuru lub brązu ; z odlewanego brązu, który stał się ulubionym nośnikiem głównych dzieł na początku V wieku; wiele rzeźb znanych tylko z marmurowych kopii wykonanych na rynek rzymski było pierwotnie wykonanych z brązu. Mniejsze prace były wykonane z wielkiej różnorodności materiałów, wiele z nich cennych, z bardzo dużą produkcją figurek z terakoty . Tereny starożytnej Grecji, z wyjątkiem Sycylii i południowych Włoch, zawarte obfite dostawy drobnego marmuru, z Pentelic i Parian marmur najbardziej cenione. Rudy brązu były również stosunkowo łatwe do zdobycia.

Atena w warsztacie rzeźbiarza pracującego na marmurowym koniu, Attic czerwonofigurowy kylix , 480 pne, Staatliche Antikensammlungen (Inv. 2650)

Zarówno marmur, jak i brąz są łatwe do formowania i bardzo trwałe; podobnie jak w większości starożytnych kultur, bez wątpienia istniały również tradycje rzeźby w drewnie, o których niewiele wiemy, poza rzeźbami akrolitycznymi , zwykle dużymi, z głową i odsłoniętymi częściami ciała z marmuru, a częściami ubioru z drewna. Ponieważ brąz zawsze miał znaczną wartość złomu, zachowało się bardzo niewiele oryginalnych brązów, chociaż w ostatnich latach archeologia morska lub trałowanie dodały kilka spektakularnych znalezisk, takich jak brąz Artemision i brąz z Riace , które znacznie poszerzyły współczesne rozumienie. Wiele kopii z okresu rzymskiego to marmurowe wersje dzieł pierwotnie wykonanych z brązu. Zwykły wapień był używany w okresie archaicznym, ale później, z wyjątkiem obszarów nowoczesnych Włoch bez lokalnego marmuru, tylko do rzeźby i dekoracji architektonicznej . Czasami używano gipsu lub stiuku tylko do włosów.

Rzeźby chryselefantynowe , wykorzystywane do wizerunków kultu świątynnego i dzieł luksusowych, wykorzystywały złoto , najczęściej w formie liścia i kości słoniowej do całości lub części (twarzy i dłoni) postaci oraz prawdopodobnie klejnotów i innych materiałów, ale były znacznie mniej powszechne i tylko zachowały się fragmenty. Wiele posągów otrzymało biżuterię, co widać po otworach do jej mocowania, i trzymało broń lub inne przedmioty z różnych materiałów.

Victorious młodzieży (ok. 310 pne), niezwykle pogoda zachowany pomnik z brązu greckiego atlety w kontrapoście pozy

Malowanie rzeźby

Pomimo tego, że dziś wyglądają na białe, greckie rzeźby były pierwotnie malowane. To przywrócenie koloru pokazuje, jak pierwotnie wyglądałby posąg trojańskiego łucznika ze świątyni Aphaia , Egina .

Starożytne greckie rzeźby były pierwotnie pomalowane na jasne kolory; dziś wydają się białe, ponieważ oryginalne pigmenty uległy pogorszeniu. Odniesienia do malowanych rzeźb można znaleźć w całej literaturze klasycznej, m.in. w Helenie Eurypidesa , w której tytułowy bohater lamentuje: „Gdybym tylko mógł zrzucić moje piękno i przybrać brzydszy wygląd / Tak, jak wytarłbyś kolor z posągu”. Niektóre dobrze zachowane posągi wciąż noszą ślady ich pierwotnego ubarwienia, a archeolodzy mogą zrekonstruować, jak pierwotnie wyglądały.

Rozwój rzeźb greckich

Geometryczny

Powszechnie uważa się, że najwcześniejsze wcielenie greckiej rzeźby miało formę drewnianych posągów kultowych , po raz pierwszy opisanych przez Pauzaniasza jako xoana . Żadne takie posągi nie przetrwały, a ich opisy są niejasne, mimo że prawdopodobnie przez setki lat były przedmiotem kultu . Pierwszym elementem greckiego posągu, który został ponownie złożony od tego czasu, jest prawdopodobnie Lefkandi Centaur, rzeźba z terakoty znaleziona na wyspie Eubea, datowana na ok. 1930 r .  920 pne . Posąg został zbudowany w częściach, zanim został rozczłonkowany i pochowany w dwóch oddzielnych grobach. Centaur ma celowy znak na kolanie, co skłoniło badaczy do postulowania, że ​​posąg może przedstawiać Cheiron , prawdopodobnie klęczącego rannego strzałą Heraklesa . Jeśli tak, byłby to najwcześniejszy znany obraz mitu w historii rzeźby greckiej.

Formy z okresu geometrycznego ( ok.  900-700 pne ) to głównie figurki z terakoty , brązu i kości słoniowej . Brązy to głównie kociołki trójnożne oraz wolnostojące figury lub grupy. Takie brązy zostały wykonane przy użyciu techniki traconego wosku prawdopodobnie wprowadzonej z Syrii i są prawie całkowicie wotum pozostawione w hellenistycznej cywilizacji Panhelleńskie sanktuaria w Olimpii , Delos i Delfach , chociaż prawdopodobnie zostały wyprodukowane gdzie indziej, ponieważ wiele lokalnych stylów może być zidentyfikowane przez znaleziska z Aten , Argos i Sparty . Typowe dzieła epoki to wojownik Karditsa (Ateny Br. 12831) i wiele przykładów statuetki jeździeckiej (na przykład NY Met. 21.88.24 online ). Repertuar tego dzieła z brązu nie ogranicza się jednak do stojących ludzi i koni, ponieważ obrazy wazonowe z tamtych czasów przedstawiają również obrazy jeleni, ptaków, chrząszczy, zające, gryfy i lwy. Nie ma żadnych napisów na rzeźbie geometrycznej od wczesnego do średniego, aż do pojawienia się w Tebach Mantyklosa „Apollo” (Boston 03.997) z początku VII wieku p.n.e. Jest to postać stojącego mężczyzny o pseudodedalicznej formie, pod którą widnieje heksametrowy napis: „Mantyklos ofiarował mnie jako dziesięcinę Apollowi ze srebrnego łuku; ”. Poza nowatorstwem zapisu własnego celu, rzeźba ta adaptuje formuły orientalnych brązów, co widać w krótszej, bardziej trójkątnej twarzy i lekko wysuniętej lewej nodze. Jest to czasami postrzegane jako antycypacja większej swobody ekspresji w VII wieku pne i jako taka postać Mantiklos jest określana w niektórych kręgach jako proto-daedalic.

Archaiczny

Kleobis i Biton , kouroi okresu archaicznego, ok. 1930 r. 580 pne. Muzeum Archeologiczne w Delfach .
Sabouroff głowa ważnym przykładem późnego archaiczny grecki marmurową rzeźbą, a prekursorem prawdziwego portretu , ca. 550-525 p.n.e.

Zainspirowani monumentalną kamienną rzeźbą starożytnego Egiptu i Mezopotamii Grecy ponownie zaczęli rzeźbić w kamieniu. Postacie wolnostojące mają tę samą solidność i frontalną postawę charakterystyczną dla modeli wschodnich, ale ich formy są bardziej dynamiczne niż w rzeźbach egipskich, jak np. Dama z Auxerre i tułów Hery (okres wczesno archaiczny, ok.  660–580 p.n.e. , oba w Luwrze w Paryżu). Po około 575 rpne takie postacie, zarówno męskie, jak i żeńskie, zaczęły nosić tak zwany archaiczny uśmiech . Wyrażenie to, które nie ma szczególnej adekwatności do przedstawionej osoby lub sytuacji, mogło być sposobem nadania postaciom charakterystycznej ludzkiej cechy.

Dominowały trzy typy postaci – stojąca naga młodzież męska ( kouros , liczba mnoga kouroi), stojąca udrapowana dziewczyna ( kore , liczba mnoga korai) i siedząca kobieta. Wszystkie podkreślają i uogólniają istotne cechy postaci ludzkiej oraz wykazują coraz dokładniejsze zrozumienie anatomii człowieka. Młodzi ludzie byli posągami nagrobnymi lub wotywnymi. Przykładami są Apollo (Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork), wczesne dzieło; Strangford Apollo od Anafi (British Museum), znacznie późniejszej pracy; oraz Anavyssos Kouros ( Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach ). W tym posągu widać więcej muskulatury i struktury szkieletowej niż we wcześniejszych pracach. Stojące, udrapowane dziewczyny mają szeroki zakres ekspresji, jak na rzeźbach w Muzeum Akropolu w Atenach . Ich draperie są rzeźbione i malowane z delikatnością i skrupulatnością charakterystyczną dla detali rzeźbiarskich tego okresu.

Grecy bardzo wcześnie więc zdecydowali, że najważniejszy temat artystycznych działań jest ludzka postać. Widząc, że ich bogowie mają ludzką postać, w sztuce nie było rozróżnienia między sacrum a świeckim – ludzkie ciało było zarówno świeckie, jak i święte. Akt męski bez żadnych dodatków, takich jak łuk czy maczuga, równie dobrze mógłby być Apollem lub Heraklesem, jak tegoroczny mistrz olimpijski w boksie. W okresie archaicznym najważniejszą formą rzeźbiarską był kouros (patrz np. Biton i Kleobis ). Kore był również powszechny; Sztuka grecka nie przedstawiała kobiecej nagości (chyba że jej intencją była pornografia) aż do IV wieku p.n.e., choć oczywiście ważny jest rozwój technik przedstawiania draperii.

Podobnie jak w przypadku ceramiki, Grecy nie produkowali rzeźby wyłącznie do celów artystycznych. Posągi były zamawiane przez osoby arystokratyczne lub przez państwo i wykorzystywane do publicznych pomników, jako ofiary dla świątyń, wyroczni i sanktuariów (co często pokazują inskrypcje na posągach) lub jako znaki na grobach. Nie wszystkie posągi w okresie archaicznym miały przedstawiać konkretne osoby. Były obrazami ideału — piękna, pobożności, honoru lub poświęcenia. Były to zawsze wizerunki młodych mężczyzn, w różnym wieku, od dorastania do wczesnej dojrzałości, nawet gdy umieszczano je na grobach (przypuszczalnie) starszych obywateli. Wszystkie Kouroi były podobne stylistycznie. Stopniowanie pozycji społecznej zamawiającego pomnik wskazywane było raczej wielkością niż innowacjami artystycznymi.

Klasyczny

Brązy Riace , przykłady protoklasycznej rzeźby z brązu, Museo Nazionale della Magna Grecia , Reggio Calabria
Artemision Bronze , uważany za Posejdona lub Zeusa , c . 460 pne, Narodowe Muzeum Archeologiczne , Ateny . Znaleziona przez rybaków u wybrzeży Przylądka Artemisium w 1928 roku. Figura ma ponad 2 m wysokości.

W okresie klasycznym nastąpiła rewolucja rzeźby greckiej, czasami kojarzona przez historyków z kulturą popularną towarzyszącą wprowadzeniu demokracji i końcem kultury arystokratycznej związanej z kouroi . W okresie klasycznym nastąpiły zmiany w stylu i funkcji rzeźby, a także dramatyczny wzrost umiejętności technicznych greckich rzeźbiarzy w przedstawianiu realistycznych form ludzkich. Pozy stały się również bardziej naturalistyczne, zwłaszcza na początku okresu. Jest to urzeczywistnione w dziełach takich jak Chłopiec Kritios (480 pne), wyrzeźbiony przy użyciu najwcześniejszego znanego użycia contrappost ('kontrapozy') oraz Woźnica z Delf (474 pne), który demonstruje przejście do bardziej naturalistycznej rzeźby. Od około 500 pne greckie posągi zaczęły coraz częściej przedstawiać prawdziwych ludzi, w przeciwieństwie do niejasnych interpretacji mitów lub całkowicie fikcyjnych posągów wotywnych , chociaż styl, w jakim były przedstawiane, nie rozwinął się jeszcze w realistyczną formę portretu. Posągi Harmodiusa i Arystogeitona , ustawione w Atenach, oznaczają obalenie arystokratycznej tyranii i są uważane za pierwsze publiczne pomniki przedstawiające rzeczywiste osoby.

Okres klasyczny przyniósł również wzrost wykorzystania posągów i rzeźb jako dekoracji budynków. Charakterystyczne świątynie epoki klasycznej, takie jak Partenon w Atenach i Świątynia Zeusa w Olimpii, wykorzystywały rzeźbę reliefową do dekoracyjnych fryzów , a rzeźbę okrągłą wypełniającą trójkątne pola frontonów . Trudne wyzwanie estetyczne i techniczne stymulowało w dużej mierze innowację rzeźbiarską. Większość z tych dzieł przetrwała tylko we fragmentach, na przykład Marmury Partenonu , z których mniej więcej połowa znajduje się w British Museum .

Posągi pogrzebowe ewoluowały w tym okresie od sztywnych i bezosobowych kouros okresu archaicznego do wysoce osobistych grup rodzinnych okresu klasycznego. Pomniki te są powszechnie spotykane na przedmieściach Aten, które w starożytności były cmentarzami na obrzeżach miasta. Chociaż niektóre z nich przedstawiają „idealne” typy – żałobną matkę, posłuszny syn – coraz częściej przedstawiały prawdziwych ludzi, zazwyczaj ukazując zmarłego, który godnie opuścił rodzinę. Jest to zauważalny wzrost poziomu emocji w stosunku do epoki archaicznej i geometrycznej.

Inną godną uwagi zmianą jest rozkwit uznania artystycznego w rzeźbie. Całość informacji znanych o rzeźbie w epoce archaicznej i geometrycznej koncentruje się na samych pracach, a rzadko, jeśli w ogóle, na rzeźbiarzach. Przykładami są Fidias , znany z nadzorowania projektu i budowy Partenonu , oraz Praksyteles , którego nagie kobiece rzeźby jako pierwsze zostały uznane za godne artystycznego szacunku. Afrodyta z Knidos Praksytelesa , która przetrwała w kopiach, była często wspominana i chwalona przez Pliniusza Starszego .

Mówi się, że Lysistratus jako pierwszy użył gipsowych form pobranych od żywych ludzi do tworzenia portretów z zagubionego wosku , a także opracował technikę odlewania z istniejących posągów. Pochodził z rodziny rzeźbiarzy i jego brat, Lizyp z Sicyon , produkowane sto piętnaście statuetki w jego karierze.

Posąg Zeusa w Olimpii , a posąg Ateny Partenos (zarówno chryselephantine i wykonany przez Fidiasza lub pod jego kierunkiem, a uważany za największego z klasycznych rzeźb), są stracone, choć mniejszych egzemplarzy (w innych materiałów) i dobre opisy z obu nadal istnieją. Ich wielkość i świetność skłoniły rywali do zajęcia ich w okresie bizantyjskim i obaj zostali wywiezieni do Konstantynopola , gdzie później zostali zniszczeni.

hellenistyczny

Hellenistyczny Ołtarz Pergamoński : od l do r Nereus , Doris , Olbrzym , Oceanus

Przejście od okresu klasycznego do hellenistycznego nastąpiło w IV wieku p.n.e. Sztuka grecka stawała się coraz bardziej zróżnicowana pod wpływem kultur ludów wciągniętych w orbitę grecką, podbojami Aleksandra Wielkiego (336-323 p.n.e.). Zdaniem niektórych historyków sztuki określa się to jako spadek jakości i oryginalności; jednak osoby z tamtych czasów mogły nie podzielać tego poglądu. Wiele rzeźb, które wcześniej uważano za arcydzieła klasyczne, jest obecnie znanych z epoki hellenistycznej. Techniczne umiejętności rzeźbiarzy hellenistycznych są wyraźnie widoczne w tak ważnych dziełach, jak Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki i Ołtarz Pergamoński . Nowe ośrodki kultury greckiej, zwłaszcza rzeźbiarskiej, rozwinęły się w Aleksandrii , Antiochii , Pergamonie i innych miastach. Do II wieku p.n.e. rosnąca potęga Rzymu wchłonęła również znaczną część tradycji greckiej – a także coraz większą część jej produktów.

W tym okresie rzeźba ponownie doświadczyła zwrotu w kierunku rosnącego naturalizmu. Zwykli ludzie, kobiety, dzieci, zwierzęta i sceny domowe stały się akceptowalnymi tematami rzeźby, którą zamożne rodziny zamawiały do ​​dekoracji domów i ogrodów. Powstały realistyczne postacie mężczyzn i kobiet w każdym wieku, a rzeźbiarze nie czuli się już zobowiązani do przedstawiania ludzi jako ideałów piękna lub fizycznej doskonałości. W tym samym czasie nowe hellenistyczne miasta powstające w Egipcie , Syrii i Anatolii wymagały w świątyniach i miejscach publicznych posągów przedstawiających bogów i bohaterów Grecji. To sprawiło, że rzeźba, podobnie jak garncarstwo, stała się przemysłem, w konsekwencji standaryzacji i (nieco) obniżeniu jakości. Z tych powodów do dziś przetrwało znacznie więcej hellenistycznych posągów niż te z okresu klasycznego.

Wraz z naturalnym przejściem w stronę naturalizmu nastąpiła również zmiana ekspresji rzeźb. W tym okresie rzeźby zaczęły wyrażać więcej mocy i energii. Prostym sposobem zauważenia zmiany wyrażeń w okresie hellenistycznym byłoby porównanie go z rzeźbami z okresu klasycznego. W okresie klasycznym rzeźby, takie jak Woźnica z Delf, wyrażały pokorę. Rzeźby okresu hellenistycznego widziały jednak większe przejawy siły i energii, co zademonstrowano w Jockey of Artemision .

Niektóre z najbardziej znanych rzeźb hellenistycznych to Skrzydlata Zwycięstwo z Samotraki (II lub I wiek p.n.e.), posąg Afrodyty z wyspy Melos znanej jako Wenus z Milo (połowa II wieku p.n.e.), Umierająca Galia (około 230 pne) oraz monumentalną grupę Laokoona i jego synów (koniec I wieku p.n.e.). Wszystkie te posągi przedstawiają motywy klasyczne, ale ich traktowanie jest o wiele bardziej zmysłowe i emocjonalne, niż pozwalał na to surowy smak okresu klasycznego lub pozwalały na to jego umiejętności techniczne. Rzeźba hellenistyczna również charakteryzowała się wzrostem skali, którego kulminacją był Kolos z Rodos (koniec III wieku), uważany za mniej więcej tej samej wielkości co Statua Wolności . Połączony efekt trzęsień ziemi i grabieży zniszczył to, jak również wszelkie inne bardzo duże dzieła z tego okresu, które mogły istnieć.

Po podbojach Aleksandra Wielkiego, kultura grecka rozprzestrzeniła się aż do Indii, o czym świadczą wykopaliska Ai-Khanoum we wschodnim Afganistanie oraz cywilizacja Greko-Baktryjczyków i Indo-Greków . Sztuka grecko-buddyjska reprezentowała synkretyzm między sztuką grecką a wizualną ekspresją buddyzmu. Odkrycia dokonane od końca 19 wieku okolic (obecnie zanurzony) starożytne egipskie miasto Heracleum obejmują 4-ty wiek pne ilustrację Izydy . Przedstawienie jest niezwykle zmysłowe jak na przedstawienia egipskiej bogini, a także jest nietypowo szczegółowe i kobiece, oznaczając połączenie form egipskich i hellenistycznych z czasów podboju Egiptu przez Aleksandra Wielkiego.

W Goa w Indiach znaleziono posągi Buddy w stylu greckim. Przypisuje się je greckim nawróconym na buddyzm, z których wielu osiedliło się w Goa w czasach hellenistycznych.

Kultowe obrazy

Reprodukcja posągu Ateny Parthenos w oryginalnym rozmiarze w Partenonie w Nashville w stanie Tennessee.

Wszystkie starożytne świątynie greckie i rzymskie zazwyczaj zawierały kultowy obraz w celli . Dostęp do celli był różny, ale poza kapłanami, przynajmniej niektórzy wierni generalni mieli dostęp do celli przez pewien czas, chociaż ofiary składane bóstwu były zwykle składane na ołtarzach na zewnątrz w obrębie świątyni ( temenos po grecku). Niektóre kultowe obrazy były łatwe do zobaczenia i były czymś, co nazwalibyśmy głównymi atrakcjami turystycznymi. Obraz zwykle przybierał formę posągu bóstwa, pierwotnie mniejszego niż naturalnej wielkości, następnie zazwyczaj z grubsza naturalnej wielkości, ale w niektórych przypadkach wielokrotnie naturalnej wielkości, z marmuru lub brązu, lub w szczególnie prestiżowej formie Posąg Chryselephantine z tabliczkami z kości słoniowej dla widocznych części ciała i złota dla ubrań, wokół drewnianej ramy. Najwięcej słynne greckie obrazy kultowe były tego rodzaju, w tym Posąg Zeusa w Olimpii , a Phidias „s Athena Parthenos w Partenonu w Atenach, w obu posągów kolosalne teraz całkowicie utracone. Wydobyto fragmenty dwóch posągów chryselefantynowych z Delf . Kultowe wizerunki na ogół posiadały lub nosiły atrybuty identyfikujące, co jest jednym ze sposobów odróżnienia ich od wielu innych posągów bóstw w świątyniach i innych miejscach.

Akrolit była inna forma kompozytu, tym razem jeden oszczędne drewnianą ciała. Xoanon był prymitywny i symboliczne drewniane obrazu, może porównywalne hinduistycznego lingam ; wiele z nich zostało zachowanych i szanowanych ze względu na ich starożytność. Wiele greckich posągów dobrze znanych z rzymskich kopii marmurowych było pierwotnie wizerunkami kultu świątynnego, które w niektórych przypadkach, jak na przykład Apollo Barberini , można wiarygodnie zidentyfikować. Zachowało się bardzo niewiele oryginalnych oryginałów, na przykład spiżowa Atena z Piraeus (wysokość 2,35 m wraz z hełmem).

W mitologii greckiej i rzymskiejpallad ” był obrazem wielkiej starożytności, od której miało zależeć bezpieczeństwo miasta, zwłaszcza drewnianego, które Odyseusz i Diomedes ukradli z cytadeli w Troi, a które później zostało przewiezione do Rzymu przez Eneasz . (Roman historia związana była w Virgil „s Eneidy i inne prace).

Draperia

Płeć żeńska

Męski

Zobacz też

  • Meniskos , urządzenie do ochrony posągów umieszczonych na zewnątrz

Uwagi

Bibliografia

Bibliografia

  • Boardman, John. Rzeźba grecka: okres archaiczny: podręcznik . Nowy Jork: Oxford University Press, 1978.
  • --. Rzeźba grecka: okres klasyczny: podręcznik . Londyn: Thames i Hudson, 1985.
  • --. Rzeźba grecka: późny okres klasyczny i rzeźba w koloniach i za granicą . Nowy Jork: Thames and Hudson, 1995.
  • Dafas, KA, 2019. Grecki posąg z brązu na dużą skalę: późne okresy archaiczne i klasyczne , Institute of Classical Studies, School of Advanced Study, University of London, Biuletyn Institute of Classical Studies, monografia, dodatek BICS 138 (Londyn) .
  • Dillon, Sheila. Starożytna grecka rzeźba portretowa: konteksty, tematy i style . Cambridge: Cambridge University Press, 2006.
  • Furtwängler, Adolf. Arcydzieła rzeźby greckiej: seria esejów o historii sztuki . Londyn: W. Heinemann, 1895.
  • Jenkins, Ian. Architektura grecka i jej rzeźba . Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Harvarda, 2006.
  • Kusser, Rachel Meredith. Życie pozagrobowe rzeźby greckiej: interakcja, transformacja i zniszczenie . Nowy Jork: Cambridge University Press, 2017.
  • Marcin, Mirando. Język muz: dialog rzeźby rzymskiej i greckiej . Los Angeles: Muzeum J. Paula Getty'ego, 2008.
  • Mattusch, Carol C. Klasyczne brązy: sztuka i rzemiosło rzeźby greckiej i rzymskiej . Itaka: Cornell University Press, 1996.
  • Muskett, GM Grecka rzeźba . Londyn: Bristol Classical Press, 2012.
  • Neer, Richardzie. Pojawienie się stylu klasycznego w rzeźbie greckiej . Chicago: University of Chicago Press, 2010.
  • Neils, Jenifer. Fryz Partenonu . Cambridge: Cambridge University Press, 2001.
  • Palagia, Olga. Rzeźba grecka: funkcja, materiały i techniki w epoce archaicznej i klasycznej . Nowy Jork: Cambridge University Press, 2006.
  • Palagia, Olga i JJ Pollitt. Style osobiste w rzeźbie greckiej . Cambridge: Cambridge University Press, 1996.
  • Pollitt, JJ Starożytny widok sztuki greckiej: krytyka, historia i terminologia . New Haven: Yale University Press, 1974.
  • --. Sztuka w epoce hellenistycznej . Cambridge: Cambridge University Press, 1986.
  • Ridgway, Brunilde Sismondo. Styl archaiczny w rzeźbie greckiej . 2. wyd. Chicago: Ares, 1993.
  • --. Style z IV wieku w rzeźbie greckiej . Madison: University of Wisconsin Press, 1997.
  • Smith, RRR Hellenistyczne portrety królewskie . Oxford: Clarendon Press, 1988.
  • --. Rzeźba hellenistyczna: podręcznik . Nowy Jork: Thames i Hudson, 1991.
  • Spivey, Nigel Jonathan. Zrozumienie rzeźby greckiej: starożytne znaczenia, współczesne odczyty . Nowy Jork: Thames and Hudson, 1996.
  • --. Rzeźba grecka . Cambridge: Cambridge University Press, 2013.
  • Stanwicka, Paula Edmunda. Portrety Ptolemeuszy: Królowie greccy jako faraonowie egipscy . Austin: University of Texas Press, 2002.
  • Stewart, Andrew F. Grecka rzeźba: eksploracja . New Haven: Yale University Press, 1990.
  • --. Oblicza władzy: wizerunek Aleksandra i polityka hellenistyczna . Berkeley: University of California Press, 1993.
  • von Macha, Edmunda. Rzeźba grecka: jej duch i zasady . Nowy Jork: Parkstone Press International, 2006.
  • --. Rzeźba grecka . Nowy Jork: Parkstone International, 2012.
  • Winckelmann, Johann Joachim i Alex Potts. Historia sztuki antyku . Los Angeles: Instytut Badawczy Getty, 2006.

Zewnętrzne linki