Historia rzeźbienia w drewnie - History of wood carving

Rzeźba w drewnie jest jedną z najstarszych sztuk ludzkości. Drewniane włócznie ze środkowego paleolitu , takie jak włócznia Clacton , pokazują, w jaki sposób ludzie od tysiącleci zajmują się użytkową obróbką drewna . Rzeczywiście, początki rzemiosła sięgają tak daleko wstecz, że przynajmniej tam, gdzie występuje drewno , wykorzystanie drewna jest uniwersalną cechą ludzkiej kultury, zarówno jako środek do tworzenia lub ulepszania technologii, jak i jako środek artystyczny. North American Indian rzeźbi swój drewniany fish-hook lub jego rura macierzystych tak jak polinezyjski działa wzory na jego wiosła. Pochodzący z Gujany tarki do manioku ozdabia przemyślany schemat nacinanych zwojów, a mieszkaniec Zatoki Loango wykrzywia swoją łyżkę wzorem wystających z ulgą postaci z hamakiem. Rzeźba w drewnie obecna jest również w architekturze.

Praca figur wydaje się być uniwersalna. Wyrzeźbienie figury/projektu w drewnie może być nie tylko trudniejsze, ale i mniej satysfakcjonujące niż rzeźbienie w marmurze, ze względu na skłonność drewna do pękania, niszczenia przez owady czy zmiany atmosfery. Również faktura materiału często stanowi wyzwanie dla wyrażenia rysów, zwłaszcza w klasycznym typie młodzieńczej twarzy. Z drugiej strony istnieją wspaniałe przykłady bardziej chropowatych cech wieku: chrząszczy brwi, bruzd i linii neutralizujących wady słojów drewna. W starożytnych pracach powierzchnia mogła nie mieć takiego znaczenia, ponieważ figury z reguły malowano dla ochrony, a zwłaszcza koloru.

Współcześnie nie zawsze zdajemy sobie sprawę, w jakim stopniu nawet od najdawniejszych czasów używano koloru dla wzmocnienia efektu snycerki i rzeźby. Współczesne uprzedzenia kolorystyczne wobec złota i innych odcieni są prawdopodobnie spowodowane wulgaryzacją malarstwa. Ułożenie odpowiedniej i harmonijnej kolorystyki nie jest dziełem malarza pokojowego , ale specjalnie wyszkolonego artysty.

Na początku XX wieku, Encyclopædia Britannica Eleventh Edition , na którym opiera się większość tego wpisu, skomentowała: „W ostatnich latach rzeźbienie wyszło z mody. Praca jest z konieczności powolna i wymaga znacznych umiejętności, przez co prace są drogie. i tańsze metody zdobienia wyparły rzeźbienie z dawnego miejsca. Praca maszynowa ma wiele do zarzucenia, a dążenie do popularyzacji rzemiosła za pomocą klasy wiejskiej nie zawsze osiągało swój cel. Stopniowe zanikanie indywidualnego artysty, odepchnięty, jak został przez wykonawcę, jest fatalny dla kontynuacji sztuki, która nigdy nie może się rozwijać, gdy jest wykonywana na tak dużym podwórku. To stwierdzenie okazało się nieprawdziwe, ponieważ o przetrwaniu sztuki i rzemiosła rzeźbiarskiego świadczy duża liczba rzeźbiarzy, którzy kontynuowali lub rozwijali tradycję w różnych częściach świata.

Starożytny Egipt

Ekstremalna suchość klimatu Egiptu odpowiada za istnienie wielu rzeźb w drewnie z tego odległego okresu. Niektóre drewniane panele z grobowca Hosula w Egipcie w Sakkarah pochodzą z III. dynastia . Rzeźba składa się z egipskich hieroglifów i płaskorzeźb, a styl jest niezwykle delikatny i delikatny. Taboret pokazany na jednym z paneli ma nogi w kształcie przednich i tylnych kończyn zwierzęcia, co jest formą powszechną w Egipcie od tysięcy lat.

W muzeum w Kairze można zobaczyć posąg człowieka z okresu Wielkiej Piramidy w Gizie , prawdopodobnie 4000 lat pne Wyrazu twarzy i realizmu karety nigdy nie dorównał żaden egipski rzeźbiarz tego ani żadnego innego okresu . Figura jest wyrzeźbiona z solidnego bloku jaworu, a zgodnie z egipskim zwyczajem ramiona są połączone. Oczy są inkrustowane kawałkami białego, nieprzezroczystego kwarcu, z linią brązu imitującą powiekę; mały krążek przezroczystego kryształu górskiego tworzy tęczówkę, podczas gdy odrobina polerowanego hebanu umocowana za kryształem nadaje mu realistyczny blask. IV., To V i VI. Dynastie obejmują najwspanialszy okres egipskiej rzeźby. Posągi znalezione w grobowcach pokazują swobodę leczenia, która nigdy nie została osiągnięta w późniejszych czasach. Są to wszystkie portrety, które artysta starał się oddać dokładnie tak, jak jego model. Nie są to bowiem, jak zwykłe posągi współczesne, po prostu dzieła sztuki, lecz miały przede wszystkim znaczenie religijne (Maspero) . Ponieważ mogły zamieszkać duchy zmarłych, te posągi Ka , ich cechy i proporcje były ściśle kopiowane.

W głównych muzeach Europy można znaleźć wiele przykładów egipskich: skrzynie mumii ludzi z wyrzeźbioną samą twarzą, skrzynie mumii zwierzęcych, czasem pudła, z figurą jaszczurki, być może, wyrzeźbioną w całości płaskorzeźbą mumii stojącą na pokrywa. Czasami zwierzę było wyrzeźbione w kole, a jego wydrążone ciało służyło jako sam futerał.

Z mebli, składanych siedzeń jak nowoczesny taboret i krzeseł z nogami zakończonymi głowami zwierząt lub łapami zwierząt, Meble wciąż istnieją. Łóżka wsparte na lwich łapach XI. i XII. dynastie z Gebelein , obecnie w Muzeum Kairskim ), zagłówki o wysokości 6 lub 8 cali , w kształcie kuli na stopie, bardzo podobne do tych, których używa dziś tubylcy z Nowej Gwinei , są wyrzeźbione ze scenami itp. zarys. W British Museum można zobaczyć maleńką kasetkę o wymiarach 4 cale na 21/2 cala, z bardzo delikatnymi postaciami wyrzeźbionymi w płaskorzeźbie. To małe pudełeczko stoi na kabrioletowych nogach długości 3/4 cala ze stopkami w kształcie pazurów, całkiem w charakterze Louisa Quinze . Są tam kadzidełka, rączka przedstawiająca bukiet kwiatów lotosu, miska uformowana jak liść rośliny wodnej o ząbkowanych krawędziach z Gurnah w XVIII wieku. dynastia ; uchwyty lustrzane, przedstawiające mały słupek lub łodygę lotosu, czasami zwieńczoną głową Hathor , egipskiej Wenus lub Bes , boga toalety; poduszki na szpilki w kształcie małego okrągłego żółwia z otworami z tyłu na szpilki toaletowe, które również były z drewna zakończone psimi łbami (XI. dynastia, Muzeum Kairskie); i pudełka na perfumy, takie jak ryba, dwie połówki tworzące spód i górę perfum lub pomatum były usuwane małymi drewnianymi łyżeczkami, jedna w kształcie kartusza wyłaniającego się z pełnego lotosu, druga w kształcie szyjki gęś, trzecia składa się z psa biegnącego z rybą w zamkniętym pysku, ryba tworząca miskę. Lista może być dłuższa, ale powiedziano wystarczająco dużo, aby pokazać, do jakiego stopnia wyrafinowania sztuka rzeźbienia w drewnie osiągnęła tysiące lat przed narodzeniem Chrystusa .

O dziełach Asyrii , Grecji i Rzymu niewiele wiadomo poza historią lub wnioskami. Można śmiało założyć, że asyryjskie rzemiosło dotrzymywało kroku różnym gustom i wyrafinowaniu Grecji i wszystkich starszych cywilizacji. Ważne fragmenty drewnianej rzeźby rzymskiej, które kiedyś istniały w Grecji i innych starożytnych krajach, są nam znane tylko z opisów Pauzaniasza i innych klasycznych pisarzy. Wiele przykładów drewnianych wizerunków bogów zachowało się do późnych czasów historycznych. Palladium , lub święte figura Pallas , który był strzeżony przez Vestal Virgins w Rzymie i został legendarny zostały wniesione przez Eneasza z płonącej Troi , był jednym z tych drewnianych figur.

Świat zachodni / Europa

Wielkie dzieła sztuki powstały w drewnie podczas całego średniowiecza , na przykład w katedrach , klasztory i inne Kościół połączony witryn. Prace te demonstrowały zarówno kunszt, jak i artyzm.

Pierwsze jedenaście wieków n.e.

Przykłady rzeźbienia w drewnie z pierwszych jedenastu wieków naszej ery są rzadkie ze względu na fakt, że drewno łatwo psuje się w ciągu 1000 lat. Rzeźbione panele głównych drzwi św. Sabiny na Awentynie w Rzymie są bardzo interesującymi okazami wczesnochrześcijańskiej rzeźby reliefowej w drewnie, datowanej, jak pokazują suknie, z V wieku. Drzwi składają się z dużej liczby małych kwadratowych paneli, z których każdy jest drobiazgowo wyrzeźbiony ze sceną ze Starego lub Nowego Testamentu. Bardzo piękny fragment sztuki bizantyjskiej (XI lub XII wiek) jest zachowany w klasztorze na górze Athos w Macedonii. Składa się z dwóch paneli (jeden nad drugim) rzeźby reliefowej, zwieńczonej półkolistym łukiem o konwencjonalnych listowiach wyrastających z kolumn ozdobionych zwierzętami w spiralnej formie. Kapitele i podstawy są kwadratowe, a każda twarz jest wyrzeźbiona z postacią. To cudownie piękne dzieło, stworzone w najlepszym zdobniczym duchu.

W krajach skandynawskich znajdujemy bardzo wczesne prace o znakomitym designie, zarówno o charakterze chrześcijańskim, jak i niechrześcijańskim, gdyż „chrzest” w tej części świata odbyło się dość późno w pierwszym tysiącleciu n.e. W Muzeum Christiania znajduje się kilka pięknych krzeseł. W Muzeum Kopenhaskim znajdują się panele z Islandii w tym samym stylu. Słynne drewniane drzwi Aal (1200 ne), Sauland, Flaa, Solder i inne norweskie kościoły (Christiania Museum) mają smoki i misterne zwoje, styl, który nadal widzimy w odrzwiach z XV wieku w Muzeum Nordiska , Sztokholm , a w islandzkim dziele z czasów całkiem współczesnych. W tych wczesnych dniach projekt liścia nie był zbyt rozwinięty. Rzeźbiarz opierał się prawie całkowicie na łodydze, stylu pracy, który ma swój odpowiednik w birmańskim dziele z XVII wieku.

Okres gotycki (XII–XV wiek)

Pod koniec tej epoki rzeźbienie w drewnie osiągnęło swój punkt kulminacyjny. W stalle , Rood ekrany , dachy, retables , z Anglii , Francji i krzyżackich krajach Europy, w wykonaniu, równowagi i proporcji, nigdy w każdej chwili zwrócono się. W małych projektach, w szczegółach, w szczegółach, w mechanicznej dokładności rzeźbiarz tego czasu miał swoich rywali, ale dla wielkości koncepcji architektonicznej, dla sprawiedliwego uznania obróbki dekoracyjnej, projektant XV wieku stoi sam.

Należy zawsze pamiętać, że motywem przewodnim tego schematu był kolor. Obyczaj był praktycznie uniwersalny i pozostało wystarczająco dużo śladów, aby pokazać, jak wspaniale działały te stare gotyckie kościoły i katedry. Kapłani w swoich wspaniałych szatach , światła, krucyfiks , sztandary i kadzidła , ściany pokryte freskami lub pieluchami oraz ukoronowanie chwały sztuki gotyckiej , witraże , były w harmonii z tymi pięknymi schematami kolorowych rzeźbionych prac. Z reguły stosowano odcienie czerwieni, błękitu, zieleni, bieli i złocenia. Nie tylko ekrany były pomalowane na kolory, ale pomalowane na biało części często były dodatkowo ozdobione delikatnymi liniami i gałązkami liści w konwencjonalny wzór. Gładkie powierzchnie płycin zdobiły również postacie świętych, często na tle delikatnej pieluszki zaprawowej , barwionej lub złoconej (Southwold). Nic nie mogło przewyższyć piękna tryptyków lub retabulów Niemiec , Flandrii czy Francji; wyrzeźbiony ze scenami z Nowego Testamentu w płaskorzeźbie ułożonych pod delikatną koronką z baldachimów i zbitych sterczyn lśniących złotem i jaskrawymi kolorami. W Niemczech efekt został dodatkowo wzmocniony poprzez podkreślenie części złoceń za pomocą transparentnego lakieru zabarwionego na czerwono lub zielono, nadając tym samym szczególny ton metalicznemu połyskowi .

Styl projektowania stosowany w tym wspaniałym okresie wiele uwagi zawdzięcza przestarzałemu już zwyczajowi bezpośredniego zatrudniania rzemieślnika i jego ludzi, zamiast dzisiejszego zwyczaju powierzania pracy wykonawcy. Łatwo prześledzić, jak te grupy rzeźbiarzy wędrowały od kościoła do kościoła. W jednej dzielnicy projektant zastosował określoną formę i układ liścia winorośli, w innej sąsiedniej wielokrotnie pojawia się zupełnie inny styl. Ogólny schemat był oczywiście zaplanowany przez jednego mistrza, ale wykonanie każdej sekcji, każdej części, każdego szczegółu pozostawiono indywidualnemu rzemieślnikowi. Stąd ta różnorodność zabiegów, ta nieskończona różnorodność, która nadaje uroku i zainteresowania sztuce gotyckiej, nieznaną w bardziej symetrycznych epokach. Gotycki rzemieślnik docenił kardynalny fakt, że w projektowaniu piękny detal niekoniecznie zapewnia piękną kompozycję i podporządkował poszczególne części efektowi ogólnemu. Często rzeźbił również in situ , praktyka rzadko stosowana w dzisiejszych czasach. Tu i ówdzie natrafiamy na dzieło sprzed lat, które było jeszcze niedokończone. Na wpół ukończony koniec ławki, fragment ekranu pozostawiony bez śladu, wyraźnie pokazują, że czasami przynajmniej kościół był warsztatem.

Gotyk i renesans: porównanie

Wzornictwo gotyckie z grubsza dzieli się na dwie klasy:

1. geometryczne, tj. wzory maswerkowe i pieluszkowe oraz
2. projekty listowia, w których z reguły nie ma mechanicznego zwoju renesansu.

Linie traktowania listowia, tak powszechne w pasmach XV-wiecznych ekranów lekarskich i w pracach panelowych, zwłaszcza niemieckich, służą do zilustrowania bardzo różnych motywów rzemieślników tych dwóch wielkich epok. I znowu, podczas gdy renesansowy projektant z reguły upodabniał obie strony panelu, gotycki rzeźbiarz rzadko powtarzał pojedynczy szczegół. Chociaż jego główne linie i grupy były zgodne, jego szczegóły różniły się. Z niezliczonych przykładów można wymienić XV-wieczną skrzynię (tabl. III. ryc. 6) w Kunstgewerbemuseum Berlin . Układy listowia itp. na górze, z tyłu iz przodu są typowe dla gotyku w najlepszym wydaniu.

Koniec XII wieku

Ponieważ ta sekcja traktuje ogólnie o rzeźbieniu w drewnie w Europie, a nie tylko o jednym kraju, podane daty muszą być z konieczności jedynie przybliżone. Wiek XIII odznaczał się nie tylko wielkimi umiejętnościami zarówno w projektowaniu, jak i obróbce, ale także dużym oddaniem. Wydaje się, że rzemieślnik nie tylko rzeźbił, ale rzeźbił na chwałę Boga. Nigdy nie było dzieł delikatniej pomyślanych ani piękniej skrojonych. Ten wczesnogotycki styl z pewnością nadawał się do doskonałego wykończenia i pod tym względem bardziej pasował do obróbki kamienia niż drewna. Ale troska o każdy szczegół zdaje się wskazywać na pobożność religijną, która czasami jest nieobecna w późniejszej pracy. Bardzo dobre przykłady stolic (teraz niestety podzielonych w dół centrum) można zobaczyć w katedrze w Peterborough . Zwoje i liście wyrastają z grup po cztery kolumny. Niektóre włoskie kolumny z tej samej daty ( Muzeum Wiktorii i Alberta ) należy porównać, na korzyść tych pierwszych. Katedra w Exeter może pochwalić się mizerykordią niezrównaną pod względem umiejętnego wykonania; Tworzą je syreny, smoki, słonie, maski, rycerze i inne przedmioty wprowadzone w liście. Salisbury katedra słynie łokciach prysznicowa, a tło ołtarza w południowym transepcie z Adisham , Kent , jest kolejnym przykładem dobrze świadczy o wielkiej zręczności rzeźbiarzy 13th wieku. Bardzo ciekawy zespół straganów, których wczesna historia jest nieznana, został umieszczony w kościele Barming w Kent około roku 1868. Końce resztek księgi są wyrzeźbione z dwoma zwojami i stojącym pomiędzy nimi zwierzęciem, a końce straganów rzeźba figurowa:

1300–1380

W tym okresie formy ulistnienia, choć nadal konwencjonalne, ściślej podążały za naturą. Baldachim chóru z Winchester zawiera wspaniałe rzeźby z dębu i innych liści. Stalle chóru Ely i Chichester oraz grób Edwarda III. w Opactwie Westminsterskim są doskonałymi przykładami tego okresu. Exeter może pochwalić się tronem biskupa Stapledona (1308–1326) o wysokości 17 m, który nie ma sobie równych pod względem perfekcji proporcji i delikatności szczegółów. We Francji stragany St Benoit-sur-Loire, Lisieux i Évreux są dobrymi przykładami z XIV wieku. Ale w kościołach tego kraju widać teraz niewiele gotyckich dzieł. To właśnie do muzeów musimy szukać śladów dawnych gotyckich rzeźbiarzy. Dwa retaby w Muzeum Dijon, dzieło Jacquesa de Baerze (1301), rzeźbiarza Flandrii, który rzeźbił dla Filipa le Hardiego , księcia Burgundii , są arcydziełami projektowania i wykonania. Najpiękniejsze maswerki, głównie złocone na tle pieluszkowej zaprawy.

1380–1520

Pod koniec XIV wieku rzeźbiarze w dużym stopniu zrezygnowali z naturalnego traktowania listowia i przyjęli bardziej konwencjonalne formy. Dąb i klon nie inspirowały już projektanta, ale winorośl była stale wykorzystywana. Pozostała nam bardzo duża ilość XV-wiecznych dzieł, ale najkrótsze odniesienie można zrobić tylko do niektórych piękniejszych przykładów, które pomagają uczynić ten okres tak wspaniałym.

Lektorium , że wspaniały cechą średniowiecznego kościoła, był teraz powszechne. Składał się z wysokiego ekranu o wysokości zwykle około trzydziestu stóp, na szczycie którego znajdował się strych, czyli platforma dachowa o wysokości około 6 stóp (1,8 m). w szerokości strzeżone z obu stron galerią, a na górze lub przed nią, zwróconej w stronę nawy, umieszczono tęcz, czyli duży krucyfiks z figurami św. Marii i św. Jana po obu stronach. Ten lektorium czasami obejmował kościół w jednej ciągłej długości ( Leeds, Kent ), ale często wypełniał łuki nawy i prezbiterium w trzech oddzielnych oddziałach (Church Handborough, Oxon.). Do poddasza z reguły prowadziły kręte schody wbudowane w grubość ściany nawy. Dolna część samego ekranu była solidnie wyłożona panelami do wysokości około 3 stóp 6 cali (1,07 m), a górna część tej paneli była wypełniona maswerkami (Carbrook, Norfolk), podczas gdy pozostałe płaskie powierzchnie paneli były często przedstawiany ze świętymi na tle delikatnej zaprawy pieluszkowej ( Southwold, Suffolk ). Pod koniec tego okresu stosowanie figurek stało się mniej powszechne jako środek dekoracji, a panele były czasami wypełnione - całkowicie rzeźbionymi liśćmi (Swimbridge, Devon). Górna część lektorium składała się z otwartych łuków z głowami wypełnionymi przebitymi maswerkami, często wzbogaconymi żabkami (Seaming, Norfolk), ryflowanymi pawężą ( Hedingham Castle , Essex ) lub floretowanymi guzkami ( Eye, Suffolk ). Szprosy były stale rzeźbione w liście (Cheddar, Somerset), sterczyny (Causton, Norfolk), anioły ( Pilton, Devon ) lub zdobione baldachimem w zaprawie (Southwold). Ale cechą tych pięknych ekranów był strych z galerią i sklepieniem. Podłoga poddasza spoczywała na szczycie lektorium i była zwykle równoważona i utrzymywana na miejscu za pomocą sklepienia krzyżowego (Harberton, Devon) lub zatoczki (Eddington, Somerset). Najwspanialsze przykłady sklepień można zobaczyć w Devon. Szefowie na skrzyżowaniach żeber i rzeźbione maswerki ekranu w Honiton stoją bezkonkurencyjni. Wiele ekranów nadal posiada belkę, która tworzyła krawędź podłogi loftu i na której spoczywała galeria. To właśnie tutaj średniowieczny rzeźbiarz w kryjówce oddał najwięcej zabawy swojej wyobraźni i wyrzeźbił najwspanialsze wzory w liściach, jakie można było zobaczyć w całym okresie gotyku. Chociaż te zmasowane formy, grzebienie i wstęgi wyglądają jak wyrzeźbione z jednej kłody, w praktyce niezmiennie były one składane z części, dużej części listowia itp., przebijane i umieszczane w wydrążonych formach w celu zwiększenia cienia . Z reguły układ składał się z grzebienia biegnącego wzdłuż szczytu, przy czym mniejszy od dolnej krawędzi i trzech pasów liści i winorośli między nimi (Feniton, Devon). Projekty liści winorośli w Kenton, Bow i Dartmouth, wszystkie w Devon, ilustrują trzy bardzo piękne zabiegi tej rośliny. W Swimbridge w Devon istnieje bardzo skomplikowana kombinacja; zwykłe gładkie koraliki, które oddzielają pasma, są również wyrzeźbione ze skręconymi liśćmi. W Abbots Kerswell i innych miejscach w okręgu Totnes rzeźbiarze wprowadzili ptaki w liście z najlepszym efektem. Różnorodność stosowanych czubków jest bardzo duża. To w Winchcomb w Gloucester składa się ze smoków połączonych z liśćmi winorośli i listowiem. Pokazuje, jak gotyckie rzeźbiarze czasami powtarzali swoje wzory w sposób równie mechaniczny, jak najgorsi robotnicy naszych czasów. Niewiele można powiedzieć o galeriach, więc niewiele nam pozostało. Niemal wszystkie zostały zburzone , gdy w 1548 r. wydano nakaz zniszczenia drzew. Ozdabiano je rzeźbionymi świętymi pod niszami ( kościół św. Anno, Llananno , Walia) lub malowanymi postaciami (Strencham, Worcester) przykłady, które przetrwały reformację. W Atheringtonie. Devon, front galerii zdobi herb królewski , inne urządzenia heraldyczne oraz modlitwy. Ekran bretoński w St Fiacre-le-Faouet jest wspaniałym przykładem francuskiej twórczości tego czasu, ale nie ma porównania z najlepszymi przykładami angielskimi. Jego ekstrawaganckie linie i małe maswerki nigdy nie znalazły żadnego oparcia w Anglii, chociaż czasami można znaleźć wyrzeźbione w ten sposób ekrany (Colebrook, Devon).

Dwór miał czasami takie rozmiary, że oprócz galerii, na której spoczywał, wymagał podparcia. Wykorzystano rzeźbioną belkę, z której łańcuch łączył sam drążek. W Cullompton w Devon taka belka nadal istnieje i jest wyrzeźbiona z liści; otwarte ozdoby w kształcie czubków na spodniej stronie i dwa anioły podtrzymują końce. Ten szczególny las stał na podstawie skał, czaszek i kości, wyrzeźbionych z dwóch litych kłód o średniej szerokości 18 cali i wysokości 21 cali, a razem mierzących 15 stóp i 6 cali (4,72 m) długości; na górze znajdują się okrągłe otwory, które prawdopodobnie były używane do oświetlenia.

Żaden kraj w Europie nie posiada dachów dorównujących dachom Anglii powstałym w XV wieku. Wielki dach Westminster Hall do dziś pozostaje wyjątkowy. Dachy Norfolk i Suffolk obfitują w dachy z belek młotkowych ; że w Woolpit, Suffolk, osiąga pierwszą rangę jakości. Każdy wspornik jest wyrzeźbiony z silnie ukształtowanym listowiem, koniec każdej belki zakończony jest aniołem niosącym tarczę, a płatwie są zwieńczone, a każdy wiązar jest podtrzymywany przez baldachim bogata (zawierający figurę) spoczywający na anielskim wsporniku. Również tutaj, podobnie jak w Ipswich i wielu innych kościołach, pod płytą ścienną znajduje się rząd aniołów z rozpostartymi skrzydłami. Ten pomysł z aniołami na dachu jest bardzo piękny, a efekt jest znacznie wzmocniony przez kolorystykę. Dach w St Nicholas, King's Lynn , jest wspaniałym przykładem konstrukcji belkowej. Kratownice są wypełnione maswerkami po bokach, a środki mniej lub bardziej otwarte, a belki, zwieńczone i ozdobione, zawierają rząd aniołów po obu stronach. W Devon Cullompton posiada bardzo subtelny półokrągły sufit podtrzymywany w odstępach przez żebra przebite rzeźbami. Każda komora podzielona jest na małe kwadratowe panele, przecięte ukośnymi żebrami zwieńczenia, a każde połączenie jest ozdobione zwornikiem wyrzeźbionym w dekoracyjny sposób charakterystyczny dla gotyckiego rzemieślnika. Dach nawy katedry w Manchesterze jest prawie płaski, a także podzielony na małe przedziały i zwieńczony; belki wsparte są na rzeźbionych wspornikach spoczywających na wspornikach z aniołami u każdej podstawy.

W XV wieku stalle chórowe z baldachimami nadal rosły w świetności. Katedra w Manchesterze (połowa XV wieku) i kaplica Henryka VII w Opactwie Westminsterskim (początek XVI wieku) są dobrymi przykładami mody wznoszenia ~7~7 pinakli i baldachimów; zwyczaj, który trudno porównać z prostszym pięknem XIV-wiecznego dzieła katedry w Ely . Na początku XVI wieku stalle katedry w Amiens były prawdopodobnie najwspanialszymi na świecie. Stosowany grzebień, choć powszechny na kontynencie, jest mało znany w Anglii, składający się z łuków wystających z łuków i ozdobiony żabkami i zwieńczeniami. Tabernakulum pracuje nad końcowymi siedzeniami, ze swoimi sterczynami i latającymi przyporami , ciągnie się w kierunku dachu zwężającymi się liniami najwyższej delikatności. Stragany chóru (dzieło Jörga Syrlina Starszego ) w Ulm Minster należą do najdoskonalszych wykonanych przez niemieckiego rzeźbiarza. Przednie panele są rzeźbione z listowia o wspaniałej dekoracyjnej śmiałości, sile i charakterze; końce straganu były wyrzeźbione z liści i rzeźby wzdłuż górnej krawędzi, jak to czasami miało miejsce w Bawarii i Francji, a także w Niemczech.

W dawnych czasach tylko chór posiadał miejsca siedzące, nawa pozostawała pusta. Stopniowo wprowadzano ławki, które w XV wieku stały się uniwersalne. Poppyhead forma B ornament teraz osiągnął doskonałość i stale wykorzystywane Enc dla siedzeń innych niż chóru. Nazwa odnosi się do pl. do rzeźbionego zwieńczenia, które jest tak często używane jako uzupełnienie górnej części ławy i ma specyficznie angielski charakter. W Devon i Kornwalii jest rzadko spotykany ( Ilsington , Devon ). W Somerset jest bardziej powszechna, podczas gdy w hrabstwach wschodnich zachowały się tysiące przykładów. Dość prosta forma maku w kształcie fleur-de-lys , odpowiednia dla wioski, jest doskonale widoczna w Trunch w Norfolk, a bardzo wymyślna forma maku wyrasta z wykrzywionego koła wypełnionego rzeźbami w St Nicholas, King's Lynn . Często listowie zawierały twarz ( St Margaret's, Cley , Norfolk), lub mak składał się tylko z postaci lub ptaków ( Thurston, Suffolk ) lub postaci stojącej na smoku (Great Brincton, Northampton); czasami odchodziła od tradycyjnej formy, a zwieńczenie wyrzeźbiono jak zarys cytryny (Bury St Edmuncis) lub diament (Tirley, Glos.). W Danii ozdoba w formie dużego koła czasami zastępuje mak angielski. W Muzeum Kopenhaskim znajduje się zespół ławek z XV wieku z taką dekoracją wyrzeźbioną w herby, przeplatające się rzemienie itp. Ale stara, XV-wieczna ławka nie była całkowicie zależna od maku dla jego ozdoba. Strona była stale wzbogacana misternymi maswerkami (Dennington, Norfolk) lub maswerkami i scenami domowymi (North Cadbury, Somerset) lub składała się z bryły rzeźby w perspektywie, z baldachimem, przyporami i rzeźbionymi niszami, podczas gdy koniec ławki byłby zwieńczony figurami wyrzeźbionymi w okrąg, z najlepszym rzemiosłem. Taka praca w katedrze w Amiens to cud koncepcji, projektu i wykonania. W Kunstgewerbemuseum Berlin można zobaczyć piękne zakończenia straganów. Z paszczy smoka wyrasta konwencjonalne drzewo ułożone i wyważone w doskonałych proporcjach. Na drugim końcu straganu wyrzeźbione jest drzewo wyrastające z ust głupca. Ten zwyczaj wyrastania liści z ust lub oczu jest trudny do obrony i nie był w żaden sposób ograniczony do żadnego kraju ani czasu. Mamy wiele renesansowych przykładów tego samego leczenia.

Przed XV wiekiem głoszenie kazań nie stało się w Anglii regularną instytucją, a ambony nie były tak powszechne. Jednak wartość kazania zaczęto doceniać dzięki wykorzystaniu tej metody nauczania doktryny przez lollardów i inne sekty, a ambony stały się koniecznością. Bardzo piękny istnieje w Kenton, Devon . Jest, jak zwykle, ośmiokątny i stoi na stopie. Każdy kąt jest wyrzeźbiony z pionową kolumną liści między szczytami, a panele, które są pomalowane świętymi, są wzbogacone rzeźbionymi baldachimami i liśćmi; jest jednak znacznie odrestaurowany. Ambona w Trull, Somerset, słynie z pięknych rzeźbionych postaci. Duża postać stojąca pod kanonem wypełnia każdą z boazerii. podczas gdy wiele innych mniejszych figur pomaga wzbogacić ogólny efekt. Przykłady gotyckich płyt rezonansowych są bardzo rzadkie; że wraz z amboną w chórze Winchester pochodzi z czasów przeora Silkstede (1520) i jest wyrzeźbiony z jego rebus, motek skręconego jedwabiu.

Typową formą okładki czcionki w ciągu stu lat przed reformacją była piramida, żebra o wyraźnych kątach były proste i zakrzywione (Frindsbury, Kent) lub zakrzywione i zakrzywione (St Mildred, Canterbury). W Colebrook w Devon jest bardzo urocza postać tej formy. Jest dość prosty, ale na szczycie klęczy aniołek ze złożonymi w modlitwie rękoma. Ale najpiękniejszą formą jest zmasowana kolekcja pinakli i baldachimów, których tak wspaniałym przykładem jest Sudbury w Suffolk . Nierzadko zdarzało się wyrzeźbić gołębicę na najwyższym szczycie (Castleacre, Norfolk), nawiązując do zstąpienia Ducha Świętego. Najlepszą czcionką w Anglii jest niewątpliwie Ijiford, Suffolk. Wznosi się na około 20 stóp (6,1 m). Wysokość, sucha, gdy panele były malowane ze świętymi, a wykwintne kolorowe i złocone dzieła tabernakulum musiały być arcydziełem gotyckiego rzemiosła. Do zdejmowania przykrycia z okazji chrztu używano sznurka łączącego wierzchołki tych pokryć z dachem lub z wyrzeźbioną belką wystającą ze ściany, czymś w rodzaju dźwigu (Salle, Norfolk).

Wiele mównic z okresu gotyku nie istnieje do dziś. Zazwyczaj mieli podwójne, pochyłe biurko, które obracało się wokół centralnego, uformowanego słupka. Mównica w Swanscombe w hrabstwie Kent ma epokę, krąg dobrych liści zdobiących każdą stronę książki i maswerk dźwiękowy na obu końcach. Forma pudełka jest bardziej powszechna we Francji niż w Anglii, cokół takiej mównicy jest otoczony obudową z trzech lub więcej boków. Dobrym przykładem z sześcioma bokami jest kościół w Vance (Francja) i trójkątną formą w Muzie z Bourges, podczas gdy czworoboczna mównica skrzynkowa jest nadal używana w kościele Lenham w hrabstwie Kent. Gotycki modlitewnik, używany do prywatnych celów nabożeństw, jest mało znany w Anglii, ale nie jest rzadkością na kontynencie. W Muse jest piękny okaz, Bourges; przód i boki części klęczącej są wyrzeźbione z tym małym maswerkiem o płynnym charakterze, tak powszechnym we Francji i Belgii w drugiej połowie XV wieku, a tył, który wznosi się na wysokość 6 stóp (1,8 m). , zawiera mały krucyfiks z dekoracją maswerkową powyżej i poniżej.

Należy powiedzieć słowo o cyboriach , tak często spotykanych na kontynencie Oboria w Europie. W zwężającej się aranżacji dzieła tabernakulum rywalizują z okładkami angielskich czcionek w delikatności konturu (Muse, Rouen).

Z liczbą drzwi można się spotkać nie tylko w kościołach, ale także w prywatnych domach. Lavenham , Suffolk , jest bogaty w pracach tej ostatniej klasy. W Anglii ogólny zwyczaj było wyrzeźbić głowę drzwiami tylko z maswerkiem (East Brent, Somerset), ale w okresie Tudor drzwi były kilka razy pokryte w całości z linenfold boazerii ( St Albans Abbey ). Ta forma dekoracji była niezwykle powszechna na kontynencie, a także w Anglii. We Francji drzwi w drugiej połowie XV wieku były często kwadratowe, a może miały zaokrąglone rogi. Drzwi te były zwykle podzielone na około sześciu lub ośmiu podłużnych paneli o mniej więcej równej wielkości. W ten sposób traktowane są jedne z drzwi katedry w Bourges, a płyciny wypełniają bardzo dobre maswerki wzbogacone żakiecikami i herbami. Ale stale stosuje się bardziej powściągliwą formę leczenia, jak w kościele St Godard w Rouen, gdzie tylko górne panele są wyrzeźbione z maswerkami i herbami, a dolne ozdobione prostym płóciennym wzorem.

Do Hiszpanii i krajów krzyżackich Europy poszukujemy najważniejszego obiektu dekoracji kościelnej, retabulum; Reformacja tłumaczyła nieobecność w Anglii jakiegokolwiek dzieła tego rodzaju. Wspaniały ołtarz w katedrze w Szlezwiku został wyrzeźbiony przez Hansa Bruggermana i składa się, jak wiele innych, z szeregu paneli wypełnionych figurami o głębokości około czterech lub pięciu. Postacie w pierwszych rzędach są wyrzeźbione całkowicie oddzielnie i wyróżniają się same, podczas gdy tło składa się z prac figur i architektury itp. w pomniejszonej perspektywie. Panele zgrupowane są pod baldachimem tworząc jedną harmonijną całość. Geniusz tego wielkiego rzeźbiarza objawia się w wielkiej różnorodności wyrazu twarzy tych wspaniałych postaci, które instynktownie żyją i poruszają się. We Francji niewiele jest retabulów poza muzeami. W małym kościele w Marissel, niedaleko Beauvais , znajduje się retabulum składające się z jedenastu paneli, którego głównym tematem jest oczywiście ukrzyżowanie. I jest piękny przykład z Antwerpii w Muse Cluny w Paryżu; przebite maswerki zdobiące górną część są dobrym przykładem stylu złożonego z przeplatających się segmentów okręgów, tak powszechnych na kontynencie w czasach późnego gotyku, a rzadko praktykowanych w Anglii. W Hiszpanii katedra w Valladolid słynęła ze swojego retabulum, a Alonso Cano i inni rzeźbiarze często wykorzystywali drewno do wykonania dużych posągów, które były malowane w bardzo realistyczny sposób, z zadziwiająco realistycznym efektem. Dania posiadała także szkołę zdolnych snycerzy, którzy naśladowali wielkie rzeźby niemieckie. Bardzo duży i dobrze wyrzeźbiony przykład nadal istnieje w katedrze w Roskilde. Ale oprócz tych wspaniałych ołtarzy wyrzeźbiono maleńkie modele w skali, której drobiazgowość zdumiewa patrzącego. Tryptyki, kapliczki itp., mierzące zaledwie kilka cali, wypełnione były maswerkami i postaciami, które wzbudzają największe zdziwienie. W British Museum znajduje się taki tryptyk (flamandzki, I 511); środkowy panel, mierzący cal lub dwa kwadraty, jest zapełniony postaciami w pełnym reliefie i w pomniejszonej perspektywie, zgodnie ze zwyczajem tego okresu. Ten spoczywa na półokrągłej podstawie, która jest wyrzeźbiona w Wieczerzę Pańską i dodatkowo ozdobiona figurami i zwierzętami. Całość zawiera około 9 cali wysokości, a przy otwartych skrzydłach tryptyku 5 cali szerokości. Niezwykła delikatność i drobiazgowość tego mikroskopijnego dzieła zaskakuje opis. Jest jeszcze jeden taki kawałek, również flamandzki, w kolekcji Wallace, który rywalizuje z tym, który właśnie odniósł się do talentu stosowanego. Bo choć cudowne są te dzieła sztuki, nie spełniają. Przyprawiają o ból oczu, martwią się, w jaki sposób można było kiedykolwiek uzyskać rezultat, a po pierwszym zdziwieniu trzeba kiedykolwiek odnieść wrażenie, że to samo dzieło sztuki w skali wystarczająco dużej dla katedry mogło zostać wyrzeźbione z połową Praca.

Ogólnie rzecz biorąc, w odniesieniu do boazerii, w ciągu ostatnich pięćdziesięciu lat badanego okresu istniały trzy style wzornictwa stosowane przez większość europejskich rzeźbiarzy, z których każdy osiągnął wielki rozgłos. Po pierwsze, rozwinięta forma małej boazerii. maswerk, który był bardzo powszechny we Francji i Holandii. Kwadratowa tablica byłaby wypełniona drobnymi szczegółami o ekstrawaganckim charakterze, przy czym linia prostopadła lub słupek zawsze byłyby podporządkowane, jak w niemieckim chasse (Muse Cluny), a w niektórych przypadkach nieobecne, jak pokazuje nam ekranizacja katedry w Évreux . Po drugie, projekt pościeli . Ogromna większość przykładów ma bardzo konwencjonalną formę, ale w Bere Regis w Dorsetshire projekty z frędzlami, a w St Sauvur w Caen, te z frędzlami, z łatwością uzasadniają uniwersalny tytuł nadawany tej bardzo dekoracyjnej obróbce dużych powierzchni. . Na początku XVI wieku modą stał się kolejny wzór. Główne linie projektu składały się z płaskich, pustych gzymsów, czasem w formie przeplatających się okręgów (Gatton, Surrey), innym razem przeważnie prostych (katedra Rochester), a przestrzenie między nimi wypełniały guzki lub gałązki liści. Jest to ostatnia walka tej wielkiej szkoły projektowania o przetrwanie nadchodzącej fali nowej sztuki, wielkiego renesansu. Od tego czasu dzieła gotyckie, mimo różnych prób, już nigdy nie zajęły miejsca w dekoracji domowej. Linie stylu maswerkowego, szczytu i szydełka niezrównane, jak zawsze w wyrazie oddania, są powszechnie uważane za nieodpowiednie do dekoracji w zwykłym domu.

Niewiele jednak można odnieść się do krajowej strony okresu, który zakończył się wraz z początkiem XVI wieku, ponieważ zachowało się tak niewiele szczątków. W Bayeux , Bourges , Reims, a przede wszystkim Rouen , widzimy po postaciach świętych, biskupów lub dziewic, jak bardzo religijne uczucia średniowiecza wkroczyły w życie domowe. W Anglii rzeźbiony słupek narożny (który zazwyczaj posiadał u góry wspornik podtrzymujący nadwieszoną kondygnację) wymaga komentarza. W Ipswich takich postów jest kilka. Na jednym z domów nad rzeką, ten słynny temat, lis przemawiający do gęsi, jest wyrzeźbiony w graficznej aluzji do rozpowszechniania fałszywej doktryny.

Dobrym przykładem kominków jest Muzeum w Rouen . Zwisające rogi są podtrzymywane przez smoki, a gładkie gzymsy mają małe kępki liści wyrzeźbione na obu końcach, zwyczaj tak powszechny we Francji w XV wieku, jak w Anglii sto lat wcześniej; ekran. na przykład belka w kościele parafialnym w Eastbourne.

Z reguły szafy z XV wieku były na planie prostokąta. W Niemczech i Austrii dolna część była często zamykana, podobnie jak górna; górne, środkowe i dolne poręcze są rzeźbione geometrycznym wzorem lub pasami roślinności (Muzeum, Wiedeń). Ale było też zwyczajem robienie tych szafek z odciętymi rogami, dając w ten sposób pięć boków mebla. Bardzo ładny przykład, który jest znacznie wzmocniony metalową obróbką płyt zamka i zawiasów, znajduje się w Muse Cluny, a inne dobre okazy z otwartą dolną częścią znajdują się w Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie .

Piersiowej był bardzo ważny mebel, a często muszą być spełnione przy pokryte najbardziej wyszukane rzeźbienia (Orleans Museum). W Muzeum Cluny znajduje się wspaniała skrzynia (XIV w.) ; przód jest wyrzeźbiony z dwunastu rycerzy w zbroi stojących pod tyloma łukami, a spandrele są wypełnione twarzami, smokami i tak dalej. Ale dopiero w XV wieku szukamy najlepszego dzieła tej klasy; nie ma lepszego przykładu niż w Kunstgewerbemuseum Berlin . Przód przedstawia bardzo ożywioną scenę polowania, najbardziej ozdobnie ułożoną w schemat liści, a na górze dwa herby z hełmami, herbami i płaszczami. Ale ogólniejszym zwyczajem w dekoracji klatki piersiowej było stosowanie maswerków z lub bez figur; Muzeum Awinionu zawiera kilka typowych przykładów tej drugiej klasy.

Dużym zainteresowaniem cieszy się pewna liczba siedzeń wykorzystywanych do celów domowych. Dobrym przykładem długiej ławki umieszczonej pod ścianą, z wysokim oparciem wyłożonym boazerią i baldachimem, jest Musée Cluny w Paryżu. W muzeum w Rouen znajduje się długa, ruchoma siedziba z niskim tyłem wyłożonym boazerią z przeszytych maswerków, a w muzeum w Dijon jest dobry przykład typowego krzesła z epoki, z podłokietnikami i wysokimi boazerią i maswerkami na oparciu. Istniał styl projektowania wspaniale pasujący do dekoracji mebli wykonanych z miękkiego drewna, takiego jak sosna. Przypominało to poniekąd wspomniane już znakomite skandynawskie traktowanie z X–XII wieku. Wzór gotyckiego listowia, często o pięknym zarysie, zostałby po prostu wyrzeźbiony na płytkiej głębokości. Cienie, krzywe i skręty są podkreślone tylko kilkoma dobrze rozmieszczonymi nacięciami za pomocą narzędzia V ; i oczywiście cały efekt znacznie poprawiony kolorem. Szwajcarskie drzwi z XV wieku w Muzeum Berlińskim oraz niektóre dzieła niemieckie, szwajcarskie i tyrolskie w Muzeum Wiktorii i Alberta oferują wzory, które mogą być naśladowane dzisiaj przez tych, którzy wymagają prostej dekoracji, unikając oklepanych form elżbietańskich.

Trudno porównywać figuralne dzieło Anglii z tym na kontynencie ze względu na katastrofalne skutki reformacji . Ale kiedy przyjrzymy się dachom wschodnich hrabstw, ławkom w Somerset lub mizerykordiom w wielu częściach kraju, możemy docenić, jak w dużej mierze rzeźby z drewna były wykorzystywane do celów dekoracyjnych. Jeśli z reguły praca z figurami nie należała do mnie na wysokim poziomie, mamy rzucające się w oczy wyjątki w łokciach straganu w Sherborne i ambonie w Trull w Somerset. Być może najstarszym przykładem jest często okaleczony i często odrestaurowany wizerunek Roberta, księcia Normandii , w katedrze Gloucester (XII w.) i wyrzeźbiony, jak zwykle w Anglii, w dębie. W Clifton Reynes w Buckingham znajdują się dwie postacie z XIII wieku. Oba są wydrążone z tyłu, aby ułatwić sezonowanie drewna i zapobiec pękaniu. W XIII, XIV i XV wieku w wielu naszych kościołach i katedrach można znaleźć niezliczone przykłady rzeźbienia figur o najbardziej graficznym opisie, jaki można znaleźć w mizerykordach. Ale z postaci wyrzeźbionych w kole poza ich otoczeniem nie pozostał prawie żaden egzemplarz. W małej kaplicy Cartmel Fell, w dziczy Westmorland, znajduje się figura Naszego Pana z krucyfiksu o długości około 2 stóp i 6 cali (0,76 m). Krzyż zniknął, ramiona są połamane, a stopy spalone. Druga figura Naszego Pana (pierwotnie w kościele Keynes Inferior) znajduje się w muzeum w Caerleon, a trzecia, z kościoła w Lincolnshire, znajduje się obecnie w prywatnej kolekcji. Na kontynencie jedne z najwspanialszych prac figuralnych można znaleźć w retabulach, z których część znajduje się w Muzeum Wiktorii i Alberta. Tyrolski panel z XV wieku wyrzeźbiony w płaskorzeźbie, przedstawiający św. Jana siedzącego plecami do widza, jest arcydziełem perspektywy i skrótu perspektywicznego, a fałdy draperii są idealne. To samo można powiedzieć o małej figurce Dziewicy, wyrzeźbionej w wapnie ręką szwajcarską, a niektóre prace wielkiego Tilmana Riemenschneidera z Würzburga (1460–1531) pokazują, że średniowieczni rzeźbiarze kamienni nie wstydzili się drewna.

Okres renesansu (XVI–XVII w.)

Z początkiem XVI wieku wielki renesans zaczął się przepychać, wykluczając gotyckie wzornictwo. Ale proces nie był nagły, a wiele prac związanych z transformacją ma wielką wartość. Lektury w Hurst w Berkshire , stragany Cartmel Priory w Westmorland i ławki na końcach wielu kościołów w Somerset są dobrymi ilustracjami. Ale nowy styl nie dorównywał staremu pod względem pobożności, z wyjątkiem klasycznych budynków, takich jak Katedra św. Pawła , gdzie stragany Grinling Gibbons lepiej pasują do ich otoczenia. Pozostała część tego artykułu będzie zatem poświęcona głównie pracom domowym, a dokładną lokalizację przykładów można podać tylko wtedy, gdy nie są one własnością prywatnych właścicieli lub gdy dostęp publiczny.

W XVI wieku bez wątpienia najlepsze dzieło można znaleźć na kontynencie. Francja , Niemcy i Holandia produkują niezliczone przykłady nie tylko dekoracji domów, ale także mebli. Bogactwo nowo odkrytego kontynentu amerykańskiego było tylko jednym czynnikiem, który wspomagał cywilizacyjny wpływ tamtych czasów, a wraz z rozwojem handlu szło pragnienie udoskonalania. Wszędzie tam, gdzie drewna było pod dostatkiem, kontynuowano zwyczaj budowania domów głównie z drewna. Pilastry zajęły miejsce pinakli, a wazony lub delfiny pomagały liściowi akantu wypierać starsze formy wzornictwa. Drewniane fronty domów dawały rzeźbiarzowi szerokie pole do popisu. Ten autorstwa sir Paula Pindera (1600), dawniej w Bishopsgate , ale obecnie zachowany w Muzeum Wiktorii i Alberta, jest dobrym przykładem obróbki dekoracyjnej bez przeciążania. Wsporniki wyrzeźbione w kształcie potworów podtrzymujące wysuniętą górną kondygnację są typowe dla setek mieszkań, jak np. Szpital św. Piotra w Bristolu . Również panele domu sir Paula Pindersa są dobrymi przykładami tej jakobijskiej formy medalionu otoczonej zwojami, która jest jednocześnie równie dekoracyjna, co prosta.

W Anglii ten znany styl znany jako elżbietański i jakobijski dominował w XVI i XVII wieku. W dzisiejszych czasach prawie żaden dom na ziemi nie ma swojej starej dębowej skrzyni wyrzeźbionej w znajome półkola lub zawijane obramowanie wzdłuż górnej szyny lub łukowy wzór na panelach. Do szafki sądowe , z ich stałego lub pod otwartym i górnej części gzymsu wspieranego przez toczonych tralek z ekstrawaganckim grubości, mają być widoczne wszędzie tam, gdzie idzie. Krzesła, zarówno prawdziwe, jak i fałszywe, z solidnymi oparciami wyrzeźbionymi w zwykły płaski relief, są kupowane z nieodłączną od mody chciwością. Czterosłupkowe łóżka są trudniejsze do zdobycia. Tył jest zwykle dzielony na małe panele i rzeźbiony, najlepszy efekt widać w tych przykładach, w których ozdobiona jest tylko boazeria lub rama. Stoły w jadalni często miały sześć nóg z wielkiej masy, które były nieco obrócone w kształt przykrytego kubka i były wyrzeźbione w liście przypominające akantu. Pomieszczenia były na ogół wyłożone dębową boazerią, czasami podzielone w odstępach płaskimi pilastrami, a górny fryz wyrzeźbiony zwojami lub delfinami. Cechą wyróżniającą ten okres był jednak płaszcz przeciwpożarowy . Zawsze musi to być główny przedmiot w pokoju, co elżbietański rzeźbiarz w pełni docenił ten fakt. Rzeźbiąc ścianę kominkową z reguły do ​​sufitu i pokrywając otaczające ściany mniej lub bardziej gładką boazerią, projektant, skupiając w ten sposób uwagę na jednym punkcie, często osiągał wyniki wysokiego rzędu. Figury kariatydy , pilastry i fryzy należały do ​​zwyczajowych detali stosowanych do uzyskania dobrych efektów. Nie ma lepszego przykładu niż ten, który niedawno przeniesiono ze starego pałacu w Bromley-by-Bow do Muzeum Wiktorii i Alberta. Półka kominka ma 6 stóp (1,8 m). z ziemi i składa się z głębokiej ćwiartki formy ozdobionej płaską, dobrze zaprojektowaną, zwojem. Pilastry podtrzymujące po obu stronach są ukształtowane i uformowane w zwyczajowy sposób jakobijski i wieńczą je popiersia z jońskimi kapitelami na głowach. Nad półką duży środkowy panel jest głęboko wyrzeźbiony z królewskim herbem z podporami i płaszczami, a po obu stronach półkolista nisza łukowa zawiera postać w klasycznym stroju. Elżbietański Carver często produkowane wspaniałe klatki schodowe, czasami rzeźba słupy Newel z figury heraldyczne łożysko herby itp newels schodów w Highgate obsługują różne typy żołnierzy Cromwella, rzeźbione z wielką żywością i życia. Ale mimo znakomitych prac, jak na przykład piękna galeria w Hatfield, rzeźby z tego okresu nie mogły się równać w Anglii z innymi epokami, ani z dziełami współczesnymi w innych częściach Europy. Wiele prac jest źle narysowanych i źle wykonanych. Prawdą jest, że dobre efekty dekoracyjne uzyskiwano zawsze minimalnym kosztem, ale trudno znaleźć wiele zasług w pracy, która naprawdę najlepiej wygląda źle skrojona.

We Francji do pewnego stopnia stosowano ten płaski i prosty zabieg. W ten sposób najwłaściwiej ozdobiono drzwi, a często spotykana jest dzielona tralka, tak charakterystyczna dla prac jakobijskich. W muzeum w Lyngby w Danii jest kilka bardzo dobrych gablotek, ilustrujących te dwie metody leczenia w połączeniu. Ale Szwajcarzy i Austriacy opracowali ten styl, znacznie poprawiając efekt przez dodanie koloru. Jednak najlepsze projekty Continental przyjęły typowe włoskie liście akantu, zachowując jednocześnie pewną dozę gotyku w sile linii i cięciu detali. Panele często długie i wąskie były powszechnie używane do wszelkiego rodzaju celów domowych, cechą charakterystyczną jest medalion pośrodku z prostym układem wazonów, delfinów, smoków lub ptaków i liści wypełniających przestrzenie powyżej i poniżej.

Szafy z Holandii i Belgii to doskonałe modele wzornictwa. Meble te były zwykle rozmieszczone w dwóch kondygnacjach z drobnym gzymsem profilowanym i rzeźbionym, podziałem środkowym i cokołem. Pilastry po bokach i niewielkie wypukłe płyciny wyrzeźbione tylko w części wystającej tworzyłyby bardzo harmonijną całość. Część szafek francuskich jest ozdobiona kariatydami nie wyrzeźbionymi w najlepszym guście i, jak inne francuskie stolarki tego okresu, bywają przeładowane rzeźbą. Drzwi St Maclou w Rouen, choć piękne, trudno dziś uważać za wzór do naśladowania. Godne uwagi są drzwi należące do ratusza w Oudenaarde . Centralne drzwi zawierają dwanaście, a po obu stronach osiem paneli, z których każdy jest wyrzeźbiony z renesansowych liści otaczających dyskretną postać. W Pałacu Sprawiedliwości widzimy ten wspaniały schemat dekoracji, który zajmuje całe zakończenie sali z kominkiem. Pięć dużych postaci wyrzeźbionych w okrąg jest otoczonych małymi oraz z listowiem i herbami.

We Włoszech, kolebce renesansu, znajduje się wiele wspaniałych dzieł XVI wieku. Bardzo ważną szkołę projektowania promował Rafał , którego wzory były wykorzystywane lub adaptowane przez dużą liczbę rzemieślników. Okiennice Rafaela Stanze w Watykanie i stalle chóru w kościele św. Pietro de Cassinesi w Perugii to jedne z najpiękniejszych przykładów tego stylu rzeźbienia. Dzieło jest lekko reliefowe i wyrzeźbione w orzechu z tymi wdzięcznymi wzorami, które Rafael opracował z nowo odkrytych pozostałości starożytnego rzymskiego malarstwa ściennego z pałacu Nerona i innych miejsc. W Muzeum Wiktorii i Alberta znajduje się wiele przykładów dzieł włoskich: drzwi z klasztoru w pobliżu Parmy z trzema wybitnymi maskami i ciężkimi formami gadronów; ramka na zdjęcia z uroczą obwódką z akantu oraz jajeczkami i pleśniami z języka po obu stronach; i różne skrzynie weselne z orzecha włoskiego pokryte bardzo skomplikowanymi schematami rzeźbienia. Czasem trudno jest odróżnić hiszpańskie, a nawet prace na południu Francji, od włoskiego, tak bardzo podobny jest charakter. Hiszpanie nie poddają się nikomu w dobrym wykonaniu. Niektóre hiszpańskie panele o typowym włoskim designie znajdują się w Muzeum Wiktorii i Alberta, a także w szafkach z najczystszego renesansowego porządku. W tej sekcji znajduje się wspaniała portugalska kaseta (XVII wiek). Wierzch jest głęboko wyrzeźbiony w małych przegródkach ze scenami z życia naszego Pana.

XVII–XVIII wiek

W Anglii powstała wielka szkoła Grinling Gibbons . Choć wyrzeźbił wiele pięknych sztukaterii o konwencjonalnej formie ( pałac Hampton Court , Chatsworth itp.), jego nazwisko kojarzy się zwykle z bardzo ciężką formą dekoracji, która została skopiowana wprost z natury. Wielkie draperie i liście z owocami, martwymi ptakami itp. były wyrzeźbione w limonce o grubości stopy. Dla umiejętności technicznych te przykłady są niezrównane; każde winogrono byłoby podcięte, drobniejsze szypułki i ptasie odnóża odstawały zupełnie od siebie iw konsekwencji szybko ulegały energii miotły pokojówki. Dobrą pracę tej klasy można znaleźć w Petworth; Trinity College w Oksfordzie ; Trinity College, Cambridge ; Katedra św. Pawła; św. Jakuba, Piccadilly; i wiele innych kościołów londyńskich.

Za panowania Ludwika XIV. i XV. podstawowa zaleta rzeźbionego projektu, czyli jego stosowność i przydatność, stopniowo zanikała. Meble były często rzeźbione w sposób mało uzasadniony. Nogi, szyny stołów i krzeseł, stelaże szafek, lusterek, zamiast po raz pierwszy wykonanej konstrukcji i wytrzymałości. a następnie zdobione, były najpierw przeznaczone do noszenia głów cherubinów i rokoko (tj. ozdoby skalne i muszlowe), zupełnie niezależnie od użyteczności czy wygody. Bogactwo takich błędnych projektów zastosowano także w powozach państwowych, nie mówiąc już o stelażach i innych meblach. Jednak boazerie dworów bogatych, a czasem boazerie mebli, zostały ozdobione rokokowym wzornictwem w najmniej nieuprawnionej formie. Główna część powierzchni drewna byłaby gładka, podczas gdy środek byłby wyrzeźbiony z medalionem otoczonym liśćmi, wazonami lub trofeami z pochodniami i instrumentami muzycznymi itp., a może górna część panelu zostałaby tak potraktowana. Francja przewodziła modzie, która była mniej lub bardziej śledzona w całej Europie. W Anglii złocone krzesła w stylu Ludwika XV. zostały wykonane w pewnych ilościach. Ale Thomas Chippendale , Ince and Mayhew, Sheraton, Johnson, Heppelwhite i inni stolarze z reguły nie stosowali zbyt wiele rzeźbienia w swoich projektach. Zwoje, muszle, wstążki, kłosy itp., z bardzo drobnym reliefem, były jednak używane do zdobienia krzeseł itp., a szponiaste i kuliste stopki były używane jako zakończenie kabrioletów szafek i inne meble.

XVIII-wieczne kominki były z reguły rzeźbione w sosnie i malowane na biało. Zazwyczaj półki były wąskie i wsparte pilastrami, często o płaskim eliptycznym planie, czasami przez kariatydy , a fryz składał się z podniesionej płyty środkowej z wyrzeźbioną klasyczną sceną lub samą maską, a po obu stronach kwiaty, owoce i liście.

Drzwi wewnętrzne były często ozdobione złamanym frontonem, mniej lub bardziej ozdobnym, a gałązka listowia zwykle opierała się z obu stron na tle zwojów. Zewnętrzne ganki, tak często widywane w domach królowej Anny, miały charakter charakterystyczny dla XVIII wieku. Niewielką platformę lub zakrzywiony dach podtrzymywały dwa duże i ciężkie wsporniki wyrzeźbione zwojami akantu. Klatki schodowe były z reguły wyjątkowo dobre. Rzeźbione i przebite wsporniki zostały przymocowane do otwartych sznurków (czyli boków stopni), dając bardzo ładny efekt wdzięcznej balustradzie toczonych i skręconych kolumn.

Praca z postaciami renesansowymi wymaga niewielkiego komentarza. W XVI wieku powstało wiele dobrych przykładów tych kapłańskich posągów, na przykład w muzeum Sens. Ale figury używane do dekoracji szafek itp. rzadko wznosiły się ponad zwykły poziom. W XVIII w. modne były głowy cherubinów, a statuetki czasami rzeźbiono w bukszpanu jako ozdobę, ale rzeźba w drewnie przestała być elementem zdobienia domów. Jednak Szwajcarzy do dziś zachowali swoją reputację rzeźbiarstwa zwierzęcego i nadal produkują sprytnie rzeźbione kozice i niedźwiedzie itp.; z reguły im bardziej pobieżnie wyciąć, tym lepsza zasługa. Ich bardziej ambitne prace, ich stada krów itp. osiągają czasem wysoki poziom doskonałości.

Między XVII a XVIII wiekiem w dolinie Gardena , która obecnie znajduje się we włoskiej prowincji Południowy Tyrol, rozpoczął się kwiecisty przemysł rzeźbiarski . Sieć ludzi z tej doliny podróżowała pieszo do wszystkich europejskich miast, aż do Lizbony i Sankt Petersburga, by sprzedawać wyroby setek rzeźbiarzy. Wreszcie w XIX wieku w Gardenie, w milionach sztuk wyrzeźbiono głównie drewniane zabawki i lalki, znane również jako lalki holenderskie lub laleczki groszowe. Muzeum Gherdëina w Ortisei wyświetla duży zbiór przykładów woodcarvings z tego regionu.

W Portugalii i Hiszpanii nadal produkowano pozłacane rzeźby w drewnie , a styl eksportowano do ich kolonii w Nowym Świecie oraz na Filipiny , Makao i Goa .

XIX wiek do dnia dzisiejszego

O dziełach od XIX wieku niewiele można powiedzieć na pochwałę. Poza współczesną modą na kolekcjonowanie starego dębu wydaje się, że nie ma zapotrzebowania na rzeźbione dekoracje. W pracach kościelnych pewna liczba rzeźbiarzy znajduje zajęcie, także przy naprawach lub wyrobie imitacji. Ale rzeźba, którą zwykle widuje się w hotelach lub na pokładzie nowoczesnego pałacu oceanicznego, jest głównie dziełem maszyny, często z pracami wykończeniowymi wykonywanymi przez ludzi.

Niemniej jednak, w XIX wieku nauczanie rzeźby w drewnie zostało sformalizowane w kilku krajach europejskich. Na przykład austriacki rzeźbiarz Josef Moriggl (1841–1908) miał długą karierę nauczyciela, której kulminacją było mianowanie go w 1893 roku na stanowisko profesora w Staats-Gewerbeschule (Szkoła Rzemieślnicza) w Innsbrucku , gdzie pracował aż do emerytury w 1907 roku.

W Gröden instytucja szkoły artystycznej w 1820 roku znacznie poprawiła umiejętności rzeźbiarzy. Rozwinęła się nowa gałąź przemysłowa z setkami artystów i rzemieślników zajmujących się rzeźbą oraz produkcją rzeźb i ołtarzy z drewna eksportowanych na cały świat. Niestety przemysł rzeźbiarski, zapoczątkowany w latach 50. i II Soboru Watykańskiego , spowodował, że setki rzeźbiarzy w Val Gardena porzuciło swoje rzemiosło. Nastąpił światowy handel rzeźbionymi maszynowo figurkami i posągami.

koptyjski

We wczesnym średniowieczu ekrany i inne elementy wyposażenia koptyjskich kościołów w Egipcie produkowali rodzimi chrześcijańscy robotnicy. W British Museum znajduje się zestaw dziesięciu małych paneli cedrowych z drzwi kościoła Sitt Miriam w Kairze (XIII wiek). Sześć rzeźbionych paneli z postaciami jest wyrzeźbionych w bardzo niskiej płaskorzeźbie, a cztery panele z liśćmi mają dość orientalny charakter, misterny i delikatny, zarówno pod względem szczegółów, jak i umeblowania. W Muzeum Kairskim jest wiele dzieł potraktowanych na wzór znanego arabskiego stylu, podczas gdy inne projekty mają charakter dość bizantyjski . Praca figurowa nie jest bardzo wysokiej klasy.

praca islamska

Muzułmańscy rzeźbiarze z Persji, Syrii, Egiptu i Hiszpanii są znani ze swoich umiejętności, projektowali i wykonywali najbogatsze boazerie i inne ozdoby okładzin ściennych, sufitów, ambony oraz wszelkiego rodzaju okuć i mebli. Meczety i prywatne domy w Kairze, Damaszku i innych miastach orientalnych są pełne najbardziej wyszukanych i drobiazgowo delikatnej stolarki. Ulubionym stylem ornamentu było pokrywanie powierzchni bardzo skomplikowanymi wzorami przeplatania, utworzonymi przez drobno uformowane żebra; różne geometryczne przestrzenie między żebrami zostały następnie wypełnione małymi kawałkami drewna wyrzeźbionymi w lekkim reliefie z listowiem. Zastosowanie różnych gatunków drewna, takich jak heban czy skrzynka, inkrustowanych dla podkreślenia wzoru, w połączeniu z pomysłowym bogactwem wzorów, nadaje tej klasie stolarki niemal niezrównany efekt. Rzeźbiona kość słoniowa jest również często używana do wypełniania przestrzeni. Arabowie są dawnymi mistrzami w sztuce rzeźbienia w ten sposób płaskich powierzchni. Brama w meczecie sułtana Bargouga (Kair, XIV wiek) dobrze ilustruje to docenienie linii i powierzchni. Ambona lub mimbar (XV wiek) z meczetu w Kairze, obecnie w Muzeum Wiktorii i Alberta, jest również dobrym przykładem w tym samym stylu, w tym przypadku małe przestrzenie wypełnione są płaskorzeźbą z kości słoniowej.

Ekrany złożone z labiryntów skomplikowanej stolarki, składającej się z mnóstwa maleńkich tralek łączących sześciokąty, kwadraty lub inne formy, o płaskich powierzchniach stale wzbogacanych drobnymi rzeźbieniami, są znajome każdemu. W Kairze mamy również przykłady w meczecie w Qous (XII w.) tego misternie ułożonego geometrycznego przeplotu krzywych z zakończeniami listowia, które wyróżnia saraceńskiego projektanta. Sześć paneli w Muzeum Wiktorii i Alberta (XIII w.) oraz prace nad grobowcem sułtana Li Ghoury (XVI w.) pokazują, jak głęboko ta forma dekoracji była zakorzeniona w arabskiej przyrodzie. Figury i zwierzęta były czasami wprowadzane w średniowieczny sposób, jak na sześciu wspomnianych panelach, a także w hôpital du Moristan (XIII wiek) i meczecie El Nesfy Qeycoun (XIV wiek). Na drzwiach Beyt-el-Emyr znajduje się wspaniały panel. Ten wykwintny wzór składa się z liści winorośli i winogron poddanych konwencjonalnej obróbce w płaskorzeźbie. Arabski projektant lubił rozbijać boazerię w sposób przypominający podobny obyczaj jakobijski. Główny panel zostałby podzielony na szereg sześciokątnych, trójkątnych lub innych kształtów, a każdą małą przestrzeń wypełniono konwencjonalną pracą przewijania. Duża część tej prostej płaskiej konstrukcji przypomina jedną z bizantyjskiej metody, z której czerpali inspirację rzeźbiarze elżbietańscy.

Persia

Perscy rzeźbiarze ściśle podążali za arabskim wzornictwem. Typowa jest para drzwi z XIV wieku z Samarkandy (Muzeum Wiktorii i Alberta). Pudełka, łyżki i inne drobne artykuły były często nękane przeplatanymi liniami o charakterze saraceńskim, delikatnością i drobiazgowością pracy wymagającej największej cierpliwości i umiejętności. Wiele wzorów przypomina dzieło Madrasu z drzewa sandałowego, z tą różnicą, że Persów zadowalał znacznie mniejszy relief. Czasami bardzo piękny wynik uzyskiwano dzięki oszczędnemu rozmieszczeniu frędzlowego wzoru kratowego wśród liści. Piękny panel z XIV wieku w Muzeum Wiktorii i Alberta pokazuje, jak aktywne były wpływy arabskie nawet w Bokharze.

Indie i Birma

Na całym Wielkim Półwyspie Indyjskim najbardziej luksusowe rzeźby w drewnie są wytwarzane nieprzerwanie od wielu stuleci. Starożytne świątynie hinduistyczne były ozdobione drzwiami, sufitami i różnymi elementami wyrzeźbionymi w drewnie tekowym i innym drewnie z wzorami o niespotykanym bogactwie i drobiazgowym dopracowaniu. Drzwi świątyni Somnatha na północno-zachodnim wybrzeżu słynęły ze swej wspaniałości i były wysoko cenione jako święte relikwie. W 1024 zostali zabrani do Ghazni przez muzułmańskiego zdobywcę, sułtana Mahmuda, i teraz leżą w forcie w Agrze. Bramy, które obecnie istnieją, są bardzo dobrymi okazami starożytnych rzeźb w drewnie, ale prawdopodobnie są kopiami oryginalnych, prawdopodobnie starożytnych drzwi. Wiele drzwi, kolumn, galerii, a nawet całych frontów domów jest pokrytych najbardziej zawiłym wzorem, oszałamiającym, który można zobaczyć (Bhera, Shahpur). Ale nie zawsze tak jest, a orientalny bywa bardziej powściągliwy w swoich metodach. Widać detal architektoniczny ze wzbogaceniami wyrzeźbionymi wokół obramowania. Hinduskie traktowanie kręgu jest często niezmiernie dobre i być może rzadziej inspiruje zachodnie wzornictwo. Liście, owoce i kwiaty są stale dostosowywane do schematu zdobienia progów drzwi lub okien, a także ram krzeseł i krawędzi stołów. Rzeźbiarze z południowych Indii znani są z tego, że często pracują z drewnem sandałowym, zawsze pokrytym wzorem, gdzie sceny lub postacie z mitologii hinduskiej zajmują przestrzeń. Wiele stoisk z gongami w Birmie wykazuje najwyższe umiejętności; znajomy jest układ dwóch postaci niosących drąg, z którego zwisa gong.

Indochiny i Daleki Wschód

W tych krajach rzeźbiarz nie ma sobie równych pod względem zręczności ręki. Powstają groteskowe i imitacyjne prace o najwyższej perfekcji, a wiele rzeźb w tych krajach, w szczególności w Japonii, jest pięknymi dziełami sztuki, zwłaszcza gdy rzeźbiarz kopiuje lotos, lilię lub inną roślinę wodną. Ulubioną formą dekoracji jest rozbicie powierzchni architektonicznych, takich jak sufity, fryzy i kolumny, na obramowane kwadraty i wypełnienie każdego panelu okręgiem lub diamentem o konwencjonalnej obróbce z spandrelami w każdym rogu. Bardzo chińską cechą jest zwieńczenie postu z nowością, więc stale pozostawione mniej więcej prosto z profilu i głęboko wyrzeźbione z potworami i zwojami. Mocno wzbogacona sztukateria, mocno przypominająca wzór gadroona, jest powszechnie używana do podkreślenia krawędzi, a smok ułożony w krzywe imitujące naturę jest często stosowany na ściśle zaprojektowanym i podporządkowanym tle.

Ogólna zasada, że ​​w każdym kraju projektanci używają tych samych środków, dzięki którym uzyskuje się wzór, obowiązuje w Chinach. Są tu formy dekoracji zespołu, które bardzo przypominają gotycką Europę, a krzesło z Turkiestanu (III wiek) może być prawie elżbietańskie, podobnie jak detale. Ekrany w formie grilla, często spotykane w historycznie islamskich krajach, są powszechne, a głęboko zakorzenione, ściśle ułożone wzory Bombaju mają również swoje odpowiedniki. Cesarskie podium w sali Chien-Ching w Pekinie to arcydzieło misternego projektu. Tył składa się z jednego centralnego panelu o znacznej wysokości, z dwoma mniejszymi stopniami po obu stronach, luksusowo rzeźbionych. Całość wieńczy bardzo ciężki grzebień smoków i dzieło zwojów; tron jest również wspaniałym przykładem rzeźbionego traktowania, a drzwi szafy w tym samym budynku pokazują, jak bogaty efekt listowia można uzyskać bez użycia łodygi lub zwoju. Można powiedzieć, że marnuje swój talent na tak niewdzięczny materiał jak drewno. W tym materiale wachlarze i inne drobiazgi są wyrzeźbione z delikatnością, która skłania do katastrofy.

W Japonii widać wiele chińskiego typu. Tubylczy rzeźbiarz lubi gromadzić liście bez prowadzącej go łodygi. Wydaje się, że najpierw wkłada swoje liście, owoce i kwiaty, a potem wskazuje łodygę tu i tam, odwracając w ten sposób kolejność zachodniej metody. Taki zabieg, zwłaszcza przy wprowadzaniu ptaków i zwierząt, ma największy efekt dekoracyjny. Ale, jak to jest zrobione tak bliskie traktowanie, sukces zależy w pewnym stopniu od schematu kolorów. Długa tablica w Muzeum Wiktorii i Alberta, przedstawiająca kupców z ich jucznym koniem, mocno przypomina w swym zgrupowaniu i potraktowaniu dzieła gotyckie z XV wieku, jak na przykład tablica św. Huberta w muzeum w Châlons. Siła i charakter japońskiej pracy figuratywnej dorównuje najlepszej rzeźbie gotyckiej XV wieku.

Rodowity

Istnieje ogólne podobieństwo w rzeźbionym projekcie większości ras prymitywnej kultury , przy czym forma chipowego ornamentu jest prawie powszechnie stosowana. Zdobione powierzchnie, które prawie całkowicie zależą od naciętej linii, są również dostępne na całym świecie i bez wątpienia można je tłumaczyć szerokim wykorzystaniem narzędzi do cięcia kamienia. Rzeźbiarz wykazuje tę samą tendencję do nadmiernego wywyższania swojej sztuki przez przesadne projektowanie, co bardziej cywilizowany rzemieślnik z innych krajów, podczas gdy od czasu do czasu wykazuje również dużą dozę powściągliwości dzięki harmonijnej równowadze dekoracji i zwykłej przestrzeni. Jeśli chodzi o jego projekty chipów i te wzory mniej lub bardziej zależne od linii, jego praca z reguły jest dobra i odpowiednia, ale gdy zaczyna pracować nad figurami, jego próby zwykle nie kończą się sukcesem. Rzeźba prymitywna, ogólnie rzecz biorąc, pokazuje, że bardzo podobne etapy rozwoju artystycznego przechodzą przez mężczyzn w każdym wieku i każdej rasy.

Bardzo ulubionym stylem wzoru chipa jest ten utworzony przez małe trójkąty i kwadraty całkowicie pokrywające powierzchnię na Wyspach Cooka , gdzie monotonia jest czasami urozmaicona pasmem o różnym ułożeniu w środku artykułu lub na górze lub na dole. Jeśli chodzi o kultywowanie cierpliwości i dokładności, nie ma sobie równych. Fidżi Islanders , chip zatrudniać projektuje rywalizować tych z Europy w różnorodności. Czasami rdzenny rzeźbiarz markizowy docenia sposób, w jaki gładkie powierzchnie kontrastują i podkreślają zdobione części, i rozsądnie ogranicza swoje umiejętności do pasków dekoracji lub specjalnych punktów. Ijos dolnego Nigru zaprojektować swoje wiosła w mistrzowski sposób i wykazują znakomitą poczucie proporcji między płaskimi i dekorowanej powierzchni. Ich projekty, choć nieco wypukłe, mają charakter chipowy. Sposób ozdabiania przedmiotu grupami naciętych linii, prostych lub zakrzywionych, choć często bardzo efektowny i pod każdym względem odpowiedni, nie jest bardzo zaawansowaną formą sztuki i ma zdecydowane granice. Rdzenni mieszkańcy Konga, obecnie dwa narody, pokryte lądem Republiki Konga i Demokratycznej Republiki Konga, wykonują dobrą robotę tego rodzaju.

Rzeźba w reliefie jest dość powszechna, bożki powstają w wielu formach. RPA rzeźbi rękojeść swojego łyżką być może w formie żyrafy , a w rundzie, z każdym cięciu nogę oddzielnie i cztery kopyta spotkanie przy misce, mało wygodnej formie uchwyt do trzymania. North American Indian pokazuje szerszy wynalazek niż niektóre narody, skręt w różnych kształtach jest ulubionym leczenie powiedzmy z rury łodyg . Papuan ma dość własnego stylu; używa zwoju w formie znanej z szali indyjskich, a w niektórych przypadkach zwój splata się w sposób, który lekko przypomina gilosz . Pochodzący z Nowej Gwinei zatrudnia także zwój z motywem, którego płaski leczenie przypomina o podobnym sposobie użytkowania w skandynawskich krajach. Dzieło Nowozelandczyka znacznie wyprzedza przeciętny typ prymitywny ; używa bardzo dobrego schematu prac zwojowych do celów dekoracyjnych, przy czym linie zwojów często są wzbogacone drobnym wzorem w sposób przypominający znane zabiegi normańskie, jak na przykład dzioby jego czółen. Maori drewno rzeźbiarz rzeźbi czasami nie tylko deski barka jego domu ale także szczyty, gadów i groteskowe figury jest wprowadzony przepis; uwagę zwracają również główne słupy i krokwie od wewnątrz. W przeciwieństwie do Hindusa ma dobre wyobrażenie o dekoracyjnych proporcjach i nie planuje swojego projektu w zbyt małej skali.

Bibliografia