Edvard Munch - Edvard Munch

Edvard Munch
Portrett av Edvarda Muncha (przycięte).jpg
Munch na niedatowanym zdjęciu
Urodzić się ( 1863-12-12 )12 grudnia 1863
Zmarł 23 stycznia 1944 (1944-01-23)(w wieku 80 lat)
Narodowość norweski
Znany z Malarz i grafik
Wybitna praca
Ruch Ekspresjonizm , Symbolizm

Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK , norweski:  [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ( słuchaj )O tym dźwięku ; 12 grudnia 1863 - 23 stycznia 1944) był malarzem norweskim . Jego najbardziej znane dzieło, Krzyk , stało się jednym z ikonicznych obrazów światowej sztuki.

Jego dzieciństwo przyćmiła choroba, żałoba i lęk przed odziedziczeniem choroby psychicznej, która tkwiła w rodzinie. Studiując w Królewskiej Szkole Sztuki i Projektowania w Kristianii (dzisiejsze Oslo), Munch zaczął wieść życie bohemy pod wpływem nihilisty Hansa Jægera , który namawiał go do malowania własnego stanu emocjonalnego i psychicznego („malowanie duszy”). Z tego wyłonił się jego charakterystyczny styl.

Podróże przyniosły nowe wpływy i rynki zbytu. W Paryżu wiele się nauczył od Paula Gauguina , Vincenta van Gogha i Henri de Toulouse-Lautreca , a zwłaszcza posługiwania się kolorem. W Berlinie poznał szwedzkiego dramaturga Augusta Strindberga , którego namalował, rozpoczynając swój główny kanon Fryz życia , przedstawiający szereg głęboko odczuwanych tematów, takich jak miłość, niepokój, zazdrość i zdrada, przesiąkniętych atmosferą.

Krzyk powstał w Kristianii. Według Muncha spacerował o zachodzie słońca, kiedy „usłyszał ogromny, nieskończony krzyk natury”. Zbolała twarz obrazu jest powszechnie utożsamiana z niepokojem współczesnego człowieka. W latach 1893-1910 wykonał dwie wersje malarskie i dwie pastelowe, a także szereg odbitek. Jeden z pasteli osiągnął w końcu czwartą najwyższą cenę nominalną płaconą za obraz na aukcji.

Gdy jego sława i bogactwo rosły, jego stan emocjonalny pozostawał niepewny. Krótko rozważał małżeństwo, ale nie mógł się zaangażować. Załamanie w 1908 roku zmusiło go do zaprzestania intensywnego picia i cieszył się rosnącą akceptacją mieszkańców Kristianii oraz ekspozycją w muzeach miasta. Jego późniejsze lata spędził pracując w spokoju i prywatności. Chociaż jego prace zostały zakazane w nazistowskich Niemczech, większość z nich przetrwała II wojnę światową, zapewniając mu spuściznę.

Życie

Dzieciństwo

Edvard Munch urodził się w gospodarstwie w miejscowości Ådalsbruk w Løten , Norwegii , Laura Katarzyna Bjølstad i Christiana Muncha, syna kapłana. Christian był lekarzem i lekarzem, który poślubił Laurę, kobietę o połowę młodszą, w 1861 roku. Edvard miał starszą siostrę, Johanne Sophie i troje młodszego rodzeństwa: Petera Andreasa, Laurę Catherine i Inger Marie. Laura była utalentowana artystycznie i mogła zachęcić Edvarda i Sophie. Edvard był spokrewniony z malarzem Jacobem Munchem i historykiem Peterem Andreasem Munchem .

Rodzina przeniosła się do Christianii (przemianowanej na Kristiania w 1877 r., a obecnie Oslo ) w 1864 r., kiedy Christian Munch został mianowany oficerem medycznym w twierdzy Akershus . Matka Edvarda zmarła na gruźlicę w 1868 roku, podobnie jak ulubiona siostra Muncha, Johanne Sophie w 1877 roku. Po śmierci matki rodzeństwo Munchów było wychowywane przez ojca i ciotkę Karen. Często chory przez większość zim i trzymany poza szkołą, Edvard rysował, żeby zająć się czymś. Był szkolony przez kolegów ze szkoły i ciotkę. Christian Munch uczył syna historii i literatury oraz zabawiał dzieci żywymi opowieściami o duchach i opowieściami amerykańskiego pisarza Edgara Allana Poe .

Jak pamiętał Edvard, pozytywne zachowanie Christiana wobec dzieci zostało przyćmione przez jego chorobliwy pietyzm . Munch napisał: „Mój ojciec był nerwowy i obsesyjnie religijny – aż do psychonerwicy. Po nim odziedziczyłem nasiona szaleństwa. Aniołowie strachu, smutku i śmierci stali u mojego boku od dnia, w którym się urodziłem”. Christian skarcił swoje dzieci, mówiąc im, że ich matka spogląda z nieba i rozpacza z powodu ich złego zachowania. Opresyjne środowisko religijne, słabe zdrowie Edvarda i żywe historie o duchach pomogły zainspirować jego makabryczne wizje i koszmary; chłopiec czuł, że śmierć nieustannie go zbliża. U jednej z młodszych sióstr Muncha, Laury, zdiagnozowano chorobę psychiczną w młodym wieku. Z pięciorga rodzeństwa tylko Andreas ożenił się, ale zmarł kilka miesięcy po ślubie. Munch napisał później: „Odziedziczyłem dwóch najbardziej przerażających wrogów ludzkości – dziedzictwo konsumpcji i szaleństwa”.

Płaca wojskowa Christiana Muncha była bardzo niska, a jego próby rozwinięcia prywatnej praktyki po stronie nie powiodły się, utrzymując jego rodzinę w eleganckim, ale wiecznym ubóstwie. Często przenosili się z jednego taniego mieszkania do drugiego. Wczesne rysunki i akwarele Muncha przedstawiały te wnętrza i poszczególne przedmioty, takie jak butelki z lekarstwami i przybory do rysowania, a także niektóre krajobrazy. Gdy był nastolatkiem, sztuka zdominowała zainteresowania Muncha. W wieku trzynastu lat Munch po raz pierwszy spotkał się z innymi artystami w nowo utworzonym Stowarzyszeniu Artystycznym, gdzie podziwiał prace norweskiej szkoły krajobrazowej. Wrócił do kopiowania obrazów i wkrótce zaczął malować olejami.

Studia i wpływy

Autoportret z ramieniem szkieletu , 1895

W 1879 Munch naukę w technikum inżynierii studyjnej, gdzie celował w fizyki, chemii i matematyki. Uczył się rysowania w skali i perspektywicznego, ale częste choroby przerywały mu naukę. W następnym roku, ku rozczarowaniu ojca, Munch opuścił szkołę zdeterminowany, by zostać malarzem. Jego ojciec uważał sztukę za „bezbożny handel”, a sąsiedzi zareagowali gorzko i wysyłali mu anonimowe listy. W przeciwieństwie do zaciekłego pietyzmu ojca, Munch przyjął niedogmatyczną postawę wobec sztuki. Swój cel zapisał w swoim dzienniku: „W swojej sztuce staram się wyjaśnić sobie życie i jego sens”.

W 1881 roku Munch zapisał się do Królewskiej Szkoły Sztuki i Projektowania w Kristianii, której jednym z założycieli był jego daleki krewny Jacob Munch. Jego nauczycielami byli rzeźbiarz Julius Middelthun i naturalistyczny malarz Christian Krohg . W tym samym roku Munch zademonstrował swoje szybkie wchłanianie treningu figury w Akademii na swoich pierwszych portretach, w tym jednym z jego ojca i pierwszym autoportrecie. W 1883 roku Munch wziął udział w swojej pierwszej publicznej wystawie i dzielił studio z innymi studentami. Jego pełnometrażowy portret Karla Jensena-Hjella, znanej bohemy o mieście, spotkał się z lekceważącą odpowiedzią krytyków: „To impresjonizm doprowadzony do skrajności. To parodia sztuki”. Akty Muncha z tego okresu zachowały się jedynie w szkicach, z wyjątkiem Aktu stojącego (1887). Być może zostały skonfiskowane przez jego ojca.

Od najmłodszych lat Munch był pod wpływem impresjonistów, takich jak Édouard Manet, a później artystów postimpresjonistycznych, w tym Vincenta van Gogha i Paula Gauguina . W tych wczesnych latach eksperymentował z wieloma stylami, w tym z naturalizmem i impresjonizmem . Niektóre wczesne prace przypominają Maneta. Wiele z tych prób przyniosło mu nieprzychylną krytykę ze strony prasy i przyniosło mu ciągłe nagany ze strony ojca, który mimo to zapewniał mu niewielkie sumy na utrzymanie. Jednak w pewnym momencie ojciec Muncha, być może zachwycony negatywną opinią kuzyna Muncha, Edvarda Diriksa (uznanego, tradycyjnego malarza), zniszczył co najmniej jeden obraz (prawdopodobnie akt) i odmówił wypłaty dalszych pieniędzy na materiały artystyczne.

Munch otrzymał również gniew ojca za jego związek z Hansem Jægerem , lokalnym nihilistą, który żył zgodnie z kodem „pasja niszczenia jest także pasją twórczą” i który opowiadał się za samobójstwem jako ostateczną drogą do wolności. Munch znalazł się pod jego wrogim, antyestablishmentowym zaklęciem. „Moje idee powstały pod wpływem bohemy, a raczej Hansa Jægera. Wiele osób błędnie twierdziło, że moje idee powstały pod wpływem Strindberga i Niemców… ale to jest błędne. W tym czasie, w przeciwieństwie do wielu innych bohemy, Munch nadal szanował kobiety, był powściągliwy i dobrze wychowany, ale zaczął ulegać upijaniu się i awanturom swojego kręgu. Był zaniepokojony ówczesną rewolucją seksualną i otaczającymi go niezależnymi kobietami. Później stał się cyniczny w sprawach seksualnych, co wyrażało się nie tylko w swoim zachowaniu i sztuce, ale także w pismach, czego przykładem jest długi wiersz zatytułowany Miasto wolnej miłości . Wciąż zależny od rodziny w przypadku wielu posiłków, relacje Muncha z ojcem pozostały napięte z powodu obaw o jego artystyczne życie.

Po licznych eksperymentach Munch doszedł do wniosku, że idiom impresjonistów nie pozwalał na wystarczającą ekspresję. Uważał, że jest to powierzchowne i zbyt podobne do eksperymentów naukowych. Czuł potrzebę zgłębienia się i zbadania sytuacji przepełnionych treścią emocjonalną i ekspresyjną energią. Zgodnie z nakazem Jægera, że ​​Munch powinien „pisać swoje życie”, co oznacza, że ​​Munch powinien zgłębiać swój stan emocjonalny i psychiczny, młody artysta rozpoczął okres refleksji i samoanalizy, zapisując swoje myśli w „dzienniku duszy”. Ta głębsza perspektywa pomogła mu przenieść go do nowego spojrzenia na jego sztukę. Pisał, że jego obraz Chore dziecko (1886), oparty na śmierci siostry, był jego pierwszym "malowaniem duszy", jego pierwszym zerwaniem z impresjonizmem. Obraz spotkał się z negatywną reakcją krytyków i rodziny oraz wywołał kolejny „gwałtowny wybuch moralnego oburzenia” społeczności.

Bronił go tylko jego przyjaciel Christian Krohg:

Maluje, a raczej traktuje rzeczy w sposób odmienny od innych artystów. Widzi tylko to, co istotne, i to jest oczywiście wszystko, co maluje. Z tego powodu obrazy Muncha są z reguły „niekompletne”, co ludzie tak chętnie odkrywają sami. O tak, są kompletne. Jego kompletne dzieło. Sztuka jest kompletna, gdy artysta naprawdę powiedział wszystko, co miał na myśli, i to jest właśnie przewaga Muncha nad malarzami innego pokolenia, że ​​naprawdę wie, jak pokazać nam to, co czuł i co go chwyciło, i temu podporządkowuje wszystko inne.

Munch nadal stosował różne techniki pociągania pędzla i palety kolorów w latach 80. i 90. XIX wieku, starając się zdefiniować swój styl. Jego idiom nadal oscylował między naturalistycznym , jak widać w Portrecie Hansa Jægera , a impresjonistycznym , jak w Rue Lafayette . Jego Inger On the Beach (1889), który wywołał kolejną burzę zamieszania i kontrowersji, wskazuje na uproszczone formy, ciężkie kontury, ostre kontrasty i emocjonalną treść jego dojrzałego stylu. Zaczął starannie kalkulować swoje kompozycje, aby wytworzyć napięcie i emocje. Choć stylistycznie pod wpływem postimpresjonistów , ewoluował temat, który był symboliczny w treści, przedstawiający raczej stan umysłu niż zewnętrzną rzeczywistość. W 1889 roku Munch zaprezentował swój pierwszy solowy pokaz prawie wszystkich swoich dotychczasowych prac. Otrzymane uznanie zaowocowało dwuletnim państwowym stypendium na studia w Paryżu u francuskiego malarza Léona Bonnata .

Munch wydaje się być wczesnym krytykiem fotografii jako formy sztuki i zauważył, że "nigdy nie będzie konkurować z pędzlem i paletą, dopóki zdjęcia nie będą mogły być robione w niebie lub piekle!"

Młodsza siostra Muncha, Laura, była tematem jego wewnętrznej Melancholii z 1899 roku : Laura . Amanda O'Neill mówi o pracy: „W tej gorącej, klaustrofobicznej scenie Munch nie tylko przedstawia tragedię Laury, ale także własny strach przed szaleństwem, które mógł odziedziczyć”.

Paryż

Munch przybył do Paryża podczas obchodów Exposition Universelle (1889) i zamieszkał z dwoma innymi norweskimi artystami. Jego obraz Poranek (1884) został wystawiony w norweskim pawilonie. Poranki spędzał w ruchliwej pracowni Bonnat (w której znajdowały się modelki), a popołudnia na wystawach, galeriach i muzeach (gdzie studenci mieli robić kopie jako sposób na naukę techniki i obserwacji). Munch odnotował niewielki entuzjazm dla lekcji rysunku Bonnata — „To mnie męczy i nudzi — to otępiające” — ale podobał mu się komentarz mistrza podczas wycieczek do muzeów.

Munch był zachwycony ogromnym pokazem współczesnej sztuki europejskiej, w tym pracami trzech artystów, którzy okażą się wpływowi: Paula Gauguina , Vincenta van Gogha i Henri de Toulouse-Lautreca – wszyscy znani z tego, jak używali koloru do przekazywania emocji. Munch był szczególnie zainspirowany „reakcją na realizm” Gauguina i jego credo, że „sztuka jest dziełem człowieka, a nie imitacją Natury”, przekonanie to zostało wcześniej stwierdzone przez Whistlera . Jak jeden z jego berlińskich przyjaciół powiedział później o Munchu, „nie musi jechać na Tahiti, aby zobaczyć i doświadczyć prymitywnej natury ludzkiej. Nosi w sobie własną Tahiti”. Pod wpływem Gauguina, a także akwafort niemieckiego artysty Maxa Klingera , Munch eksperymentował z grafiką jako medium, aby tworzyć graficzne wersje swoich prac. W 1896 roku stworzył swoje pierwsze drzeworyty – medium, które idealnie sprawdziło się w symbolicznych obrazach Muncha. Wraz ze swoim współczesnym Nikołajem Astrupem Munch uważany jest za innowatora drzeworytu w Norwegii.

W grudniu 1889 zmarł jego ojciec, pozostawiając rodzinę Muncha bez środków do życia. Wrócił do domu i zaaranżował dużą pożyczkę od bogatego norweskiego kolekcjonera, gdy zamożni krewni nie pomogli, i od tego czasu przejął odpowiedzialność finansową za swoją rodzinę. Śmierć Christiana przygnębiła go i nękały go myśli samobójcze: „Żyję ze zmarłymi – moja matka, moja siostra, mój dziadek, mój ojciec… Zabij się i to koniec. Po co żyć?” Obrazy Muncha z następnego roku zawierały szkicowe sceny z tawern i serię jasnych pejzaży miejskich, w których eksperymentował z puentylistycznym stylem Georgesa Seurata .

Berlin

Melancholia , 1891, olej, ołówek i kredka na płótnie, 73 × 101 cm, Munch Museum , Oslo
Munch w 1902 r. w ogrodzie swego patrona dr Maxa Linde w Lubece ; w tle odlew rzeźby Auguste'a Rodina " Era żelaza" .

W 1892 Munch sformułował swoją charakterystyczną i oryginalną estetykę syntetystyczną , jak widać w Melancholii (1891), w której kolor jest elementem obciążonym symbolami. Uważany przez artystę i dziennikarza Christiana Krohga za pierwszy symbolistyczny obraz norweskiego artysty, Melancholia został wystawiony w 1891 roku na Jesiennej Wystawie w Oslo. W 1892 roku Adelsteen Normann w imieniu Związku Artystów Berlińskich zaprosił Muncha na swoją listopadową wystawę, pierwszą indywidualną wystawę stowarzyszenia. Jednak jego obrazy wzbudziły gorzkie kontrowersje (nazywane „Aferą Muncha”) i po tygodniu wystawa została zamknięta. Munch był zadowolony z „wielkiego zamieszania” i napisał w liście: „Nigdy nie miałem tak zabawnego czasu – to niewiarygodne, że coś tak niewinnego jak malarstwo mogło wywołać takie poruszenie”.

W Berlinie Munch zaangażował się w międzynarodowy krąg pisarzy, artystów i krytyków, w tym szwedzkiego dramaturga i czołowego intelektualistę Augusta Strindberga , którego namalował w 1892 roku. Poznał także duńskiego pisarza i malarza Holgera Drachmanna , którego namalował w 1898 roku. Drachmann był 17 lat starszy od Muncha i był towarzyszem picia w Zum schwarzen Ferkel w latach 1893-94. W 1894 Drachmann pisał o Munchu: „On ciężko walczy. Powodzenia w twoich zmaganiach, samotny Norweg”.

Podczas czterech lat spędzonych w Berlinie Munch naszkicował większość pomysłów, które składają się na jego główne dzieło, Fryz życia , początkowo przeznaczone do ilustracji książkowych, ale później wyrażone w obrazach. Niewiele sprzedawał, ale zarabiał na pobieraniu opłat za wstęp na jego kontrowersyjne obrazy. Już Munch wykazywał niechęć do rozstania się ze swoimi obrazami, które nazywał „dziećmi”.

Inne jego obrazy, w tym sceny kasynowe, pokazują uproszczenie formy i detalu, które zaznaczyły jego wczesny dojrzały styl. Munch zaczął również preferować płytką przestrzeń malarską i minimalne tło dla swoich frontalnych postaci. Ponieważ pozy zostały wybrane tak, aby tworzyć najbardziej przekonujące obrazy stanów umysłu i warunków psychicznych, jak w Popiele , postacie nadają monumentalny, statyczny charakter. Postacie Muncha zdają się odgrywać role na scenie teatralnej ( Śmierć w izbie chorych ), których pantomima stałych postaw wyraża różne emocje; ponieważ każda postać ucieleśnia jeden wymiar psychologiczny, tak jak w Krzyku , mężczyźni i kobiety Muncha zaczęli wyglądać bardziej symbolicznie niż realistycznie. Pisał: „Nie powinno się już malować wnętrz, ludzi czytających i dziewiarskich: byliby ludzie żyjący, oddychający i czujący, cierpiący i kochający”.

Krzyk

Krzyk (1893)

Krzyk występuje w czterech wersjach: dwóch pastelach (1893 i 1895) oraz dwóch obrazów (1893 i 1910). Istnieje również kilka litografii Krzyku (1895 i później).

Pastel 1895 został sprzedany na aukcji w dniu 2 maja 2012 roku za 119 922 500 USD z prowizją. Jest to najbardziej kolorowa z wersji i wyróżnia się skierowaną ku dołowi postawą jednej z postaci tła. Jest to również jedyna wersja, której nie posiada norweskie muzeum.

Wersja z 1893 roku została skradziona z Galerii Narodowej w Oslo w 1994 roku i odzyskana. Obraz z 1910 roku został skradziony w 2004 roku z Muzeum Muncha w Oslo, ale odzyskany w 2006 roku z niewielkimi uszkodzeniami.

Krzyk jest najsłynniejszym dziełem Muncha i jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w całej sztuce. Jest szeroko interpretowany jako reprezentujący powszechny niepokój współczesnego człowieka. Pomalowany szerokimi pasami jaskrawego koloru i bardzo uproszczonych form, wykorzystujący wysoki punkt widzenia, redukuje udręczoną postać do odzianej czaszki w ferworze emocjonalnego kryzysu.

Tym obrazem Munch zrealizował swój wyznaczony cel „badania duszy, to znaczy studiowania własnego ja”. Munch pisał o tym, jak powstał obraz: „Szedłem drogą z dwoma przyjaciółmi o zachodzie słońca; nagle niebo stało się czerwone jak krew. Zatrzymałem się i oparłem o płot, czując się niewypowiedzianie zmęczony. Języki ognia i krew rozlała się po niebieskawo-czarnym fiordzie. Moi przyjaciele szli dalej, a ja pozostawałem w tyle, drżąc ze strachu. Wtedy usłyszałem ogromny, nieskończony krzyk natury. Później opisał osobistą udrękę stojącą za obrazem: „przez kilka lat byłem prawie wściekły… Znasz moje zdjęcie „Krzyk?” Byłem rozciągnięty do granic możliwości – natura krzyczała w mojej krwi… Potem straciłem nadzieję, że kiedykolwiek będę mógł znów kochać”.

Podsumowując działanie obrazu, autorka Martha Tedeschi stwierdziła:

Matka Whistlera , Wood American Gothic , Leonardo da Vinci Mona Lisa i Edvarda Muncha Krzyk wszyscy osiągnąć coś, co większość obrazy-niezależnie od ich sztuki historycznej, urody, czy monetarnej nie wartości-have: oni komunikować określone znaczenie niemal natychmiast do prawie każdy widz. Te nieliczne prace z powodzeniem przeniosły się z elitarnego królestwa zwiedzającego muzeum do ogromnego miejsca kultury popularnej.

Fryz życia — wiersz o życiu, miłości i śmierci

Chociaż jest to bardzo niezwykłe przedstawienie, obraz ten może przedstawiać Matkę Boską . Kwestią sporną jest, czy obraz jest konkretnie pomyślany jako przedstawienie Maryi. Munch używał więcej niż jednego tytułu, w tym Kochającej Kobiety i Madonny . Munch nie słynie z dzieł sztuki religijnej i nie był znany jako chrześcijanin. Powinowactwo do Maryi może być jednak pomyślane jako podkreślenie piękna i doskonałości jego przyjaciółki Dagny Juel-Przybyszewskiej , modelki dla tego dzieła, oraz wyraz jego uwielbienia dla niej jako ideału kobiecości. (1894, olej na płótnie, 90 cm × 68 cm ( 35+12  cale ×  26+34 cale  ), Muzeum Muncha , Oslo)

W grudniu 1893 roku na Unter den Linden w Berlinie odbyła się wystawa prac Muncha, na której pokazano m.in. sześć obrazów zatytułowanych Study for a Series: Love. To zapoczątkowało cykl, który później nazwał Fryzem Życia – Poemat o Życiu, Miłości i Śmierci . Motywy Fryz Życia , takie jak Burza i Światło księżyca , są przesiąknięte atmosferą. Inne motywy oświetlają nocną stronę miłości, takie jak Róża i Amelia i Wampir . W Death in the Sickroom tematem jest śmierć jego siostry Sophie, którą przerobił w wielu przyszłych wariacjach. Dramatyczne skupienie obrazu, przedstawiającego całą jego rodzinę, jest rozproszone w oddzielnych i oderwanych od siebie figurach smutku. W 1894 roku poszerzył spektrum motywów o Niepokój , Popioły , Madonnę i Kobiety w trzech etapach (od niewinności do starości).

Na początku XX wieku Munch pracował nad ukończeniem „Fryzu”. Namalował szereg obrazów, kilka z nich w większym formacie, w pewnym stopniu nacechowanych ówczesną estetyką secesji . Do dużego obrazu Metabolizm (1898), początkowo zwanego Adamem i Ewą, wykonał drewnianą ramę z rzeźbionymi płaskorzeźbami . Ta praca ujawnia zainteresowanie Muncha „upadkiem człowieka” i jego pesymistyczną filozofię miłości. Motywy takie jak Pusty krzyż i Golgota (oba ok.  1900 ) odzwierciedlają orientację metafizyczną, a także odzwierciedlają pietystyczne wychowanie Muncha. Cały Fryz po raz pierwszy pokazano na wystawie secesyjnej w Berlinie w 1902 roku.

Tematy „Fryzu życia” powracają w całej twórczości Muncha, ale szczególnie skupił się na nich w połowie lat 90. XIX wieku. W szkicach, obrazach, pastelach i rycinach dotknął głębię swoich uczuć, aby zbadać swoje główne motywy: etapy życia, femme fatale, beznadziejność miłości, niepokój, niewierność, zazdrość, upokorzenie seksualne, rozłąkę w życiu i śmierć. Tematy te są wyrażone w obrazach takich jak Chore dziecko (1885), Miłość i ból (przetytułowany Wampir ; 1893-94), Popioły (1894) i Most . Ten ostatni przedstawia bezwładne postacie o pozbawionych rysów lub ukrytych twarzach, nad którymi majaczą groźne kształty ciężkich drzew i domków. Munch przedstawiany albo jako kobiety kruchej budowy niewinne osoby cierpiące (patrz pokwitania i Miłość i ból ) lub jako przyczynę wielkiej tęsknoty, zazdrości i rozpaczy (patrz separacji , Zazdrość i Ashes ).

Munch często używa cieni i kolorowych pierścieni wokół swoich postaci, aby podkreślić aurę strachu, zagrożenia, niepokoju lub intensywności seksualnej. Obrazy te zostały zinterpretowane jako odzwierciedlenie niepokojów seksualnych artysty, choć można by argumentować, że reprezentują jego burzliwy związek z samą miłością i jego ogólny pesymizm dotyczący ludzkiej egzystencji. Wiele z tych szkiców i obrazów zostało wykonanych w kilku wersjach, takich jak Madonna , Hands and Pokwitanie , a także transkrybowanych jako druki klockowe i litografie. Munch nienawidził rozstawać się ze swoimi obrazami, ponieważ uważał swoją pracę za jednolitą formę ekspresji. Aby więc wykorzystać swoją produkcję i zarobić trochę dochodu, zwrócił się do grafiki, aby odtworzyć wiele swoich obrazów, w tym te z tej serii. Munch przyznał się do osobistych celów swojej pracy, ale zaproponował swoją sztukę także szerszemu celowi: „Moja sztuka jest tak naprawdę dobrowolnym wyznaniem i próbą wytłumaczenia sobie mojego związku z życiem – jest więc właściwie rodzajem egoizmu , ale stale mam nadzieję, że dzięki temu pomogę innym osiągnąć jasność”.

Przyciągając silnie negatywne reakcje, w latach 90. XIX wieku Munch zaczął uzyskiwać pewne zrozumienie swoich artystycznych celów, jak napisał jeden z krytyków: „Z bezwzględną pogardą dla formy, przejrzystości, elegancji, całości i realizmu maluje z intuicyjną siłą talentu najbardziej. subtelne wizje duszy”. Jednym z jego wielkich zwolenników w Berlinie był Walther Rathenau , późniejszy minister spraw zagranicznych Niemiec , który mocno przyczynił się do jego sukcesu.

Paryż, Berlin i Kristiania

W 1896 Munch przeniósł się do Paryża, gdzie skupił się na graficznych przedstawieniach swoich motywów Fryz Życia . Dalej rozwijał swój drzeworyt i technikę litograficzną. Autoportret Muncha z ramieniem szkieletu (1895) jest wykonany metodą wytrawiania igłą i atramentem, również stosowaną przez Paula Klee . Munch wyprodukował także wielokolorowe wersje The Sick Child , dotyczące gruźlicy , które dobrze się sprzedawały, a także kilka aktów i wiele wersji Kiss (1892). Wielu paryskich krytyków nadal uważało prace Muncha za „gwałtowne i brutalne”, ale jego wystawy cieszyły się poważną uwagą i dobrą frekwencją. Jego sytuacja finansowa znacznie się poprawiła iw 1897 roku Munch kupił sobie letni domek z widokiem na fiordy Kristianii, małą chatkę rybacką zbudowaną pod koniec XVIII wieku w małym miasteczku Åsgårdstrand w Norwegii. Nazwał ten dom "Szczęśliwym Domem" i wracał tu prawie każdego lata przez następne 20 lat. To było to miejsce, za którym tęsknił, gdy był za granicą, kiedy czuł się przygnębiony i wyczerpany. „Chodzenie po Åsgårdstrand to jak chodzenie wśród moich obrazów – jestem tak inspirowana do malowania, kiedy tu jestem”.

Harald Nørregaard (namalowany przez Muncha w 1899, Galeria Narodowa ) był jednym z najbliższych przyjaciół Muncha od młodości, doradcą i prawnikiem

W 1897 Munch wrócił do Kristianii, gdzie również otrzymał niechętną akceptację – jeden z krytyków napisał: „Spora liczba tych obrazów była już wcześniej wystawiana. Moim zdaniem poprawiają one znajomość”. W 1899 Munch nawiązał intymny związek z Tullą Larsen, „wyzwoloną” kobietą z wyższej klasy. Razem wyjechali do Włoch, a po powrocie Munch rozpoczął kolejny płodny okres w swojej sztuce, który obejmował pejzaże i jego ostatni obraz z serii „Fryz życia”, Taniec życia (1899). Larsen był chętny do małżeństwa, a Munch błagał. Picie i zły stan zdrowia wzmacniały jego obawy, jak napisał w trzeciej osobie: „Od dziecka nienawidził małżeństwa. Chory i nerwowy dom dawał mu poczucie, że nie ma prawa się żenić”. Munch prawie poddał się Tulli, ale uciekł od niej w 1900 roku, odwracając się także od jej znacznej fortuny i przeniósł się do Berlina. Jego Dziewczyny na molo , stworzone w osiemnastu różnych wersjach, bez negatywnych skojarzeń ukazywały temat kobiecej młodości. W 1902 r. wystawił swoje prace tematycznie w sali berlińskiej secesji, wywołując „efekt symfoniczny – wywołał wielkie poruszenie – wiele antagonizmu – i wiele aprobaty”. Berlińscy krytycy zaczęli doceniać twórczość Muncha, mimo że publiczność wciąż uważała jego twórczość za obcą i dziwną.

Dobre relacje prasowe przyciągnęły Muncha uwagę wpływowych mecenasów Alberta Kollmana i Maxa Linde . Opisał obrót wydarzeń w swoim dzienniku: „Po dwudziestu latach walki i nędzy siły dobra w końcu przychodzą mi z pomocą w Niemczech – i otwierają się przede mną jasne drzwi”. Jednak pomimo tej pozytywnej zmiany, autodestrukcyjne i nieobliczalne zachowanie Muncha pociągnęło go najpierw za gwałtowną kłótnię z innym artystą, a następnie z przypadkowym strzelaniem w obecności Tulli Larsen, która wróciła na krótkie pojednanie, co zraniło dwóch z jego palce. Munch później zobaczył autoportret przedstawiający jego i Larsena w połowie w wyniku strzelaniny i późniejszych wydarzeń. W końcu go opuściła i poślubiła młodszego kolegę Muncha. Munch wziął to za zdradę i przez jakiś czas zastanawiał się nad upokorzeniem, kierując część goryczy na nowe obrazy. Jego obrazy Martwa natura (Morderczyni) i Śmierć Marata I , wykonane w latach 1906–07, wyraźnie nawiązują do incydentu strzelania i emocjonalnego następstwa.

W latach 1903-04 Munch wystawiał w Paryżu, gdzie przyszli Fowiści , słynący z odważnych fałszywych kolorów, prawdopodobnie zobaczyli jego prace i mogli znaleźć w nich inspirację. Kiedy Fauves zorganizowali swoją własną wystawę w 1906, Munch został zaproszony i zaprezentował swoje prace razem ze swoimi. Po przestudiowaniu rzeźby Rodina Munch mógł eksperymentować z plasteliną jako pomocą w projektowaniu, ale stworzył niewiele rzeźb. W tym czasie Munch otrzymał wiele zleceń na portrety i odbitki, które poprawiły jego zazwyczaj niepewną sytuację finansową. W 1906 namalował ekran do sztuki Ibsena w małym teatrze Kammerspiele mieszczącym się w berlińskim Deutsches Theater , w którym zawieszono Fryz Życia . Dyrektor teatru Max Reinhardt sprzedał go później; obecnie znajduje się w berlińskiej Galerii Narodowej . Po wcześniejszym okresie pejzaży, w 1907 ponownie zwrócił uwagę na postacie i sytuacje ludzkie.

Awaria i regeneracja

Munch w 1933

Jesienią 1908 r. niepokój Muncha, spotęgowany nadmiernym piciem i awanturami, stał się ostry. Jak później pisał: „Mój stan był bliski szaleństwa – to był kontakt i odejście”. Poddany halucynacji i poczuciu prześladowania, wszedł do kliniki Daniela Jacobsona. Terapii Munch otrzymanych następnych osiem miesięcy zawarte elektryzacji diety i „leczenie” (A następnie modne choroby ośrodkowego układu nerwowego, nie należy mylić z terapii elektrowstrząsowej ). Pobyt Muncha w szpitalu ustabilizował jego osobowość, a po powrocie do Norwegii w 1909 roku jego prace stały się bardziej kolorowe i mniej pesymistyczne. Jeszcze bardziej polepszając jego nastrój, publiczność Kristianii w końcu rozgrzała się do jego pracy, a muzea zaczęły kupować jego obrazy. Został kawalerem Królewskiego Orderu św. Olafa „za zasługi w sztuce”. Jego pierwsza amerykańska wystawa odbyła się w 1912 roku w Nowym Jorku.

W ramach powrotu do zdrowia dr Jacobson poradził Munchowi, aby spotykał się tylko z dobrymi przyjaciółmi i unikał picia w miejscach publicznych . Munch zastosował się do tej rady i przy okazji stworzył kilka pełnometrażowych portretów wysokiej jakości przyjaciół i patronów – uczciwych portretów pozbawionych pochlebstw. Tworzył także pejzaże i sceny ludzi podczas pracy i zabawy, używając nowego optymistycznego stylu – szerokich, luźnych pociągnięć pędzla o żywych kolorach, z częstym wykorzystaniem białej przestrzeni i rzadkim wykorzystaniem czerni – z rzadkimi odniesieniami do jego makabrycznych motywów. Mając większe dochody, Munch był w stanie kupić kilka nieruchomości, co dało mu nowe widoki na jego sztukę i wreszcie był w stanie utrzymać rodzinę.

Wybuch I wojny światowej zastał Muncha z podzieloną lojalnością, jak stwierdził: „Wszyscy moi przyjaciele są Niemcami, ale kocham Francję”. W latach trzydziestych jego niemieccy patroni, wielu Żydów, stracili fortuny, a część życia podczas narodzin ruchu nazistowskiego. Munch znalazł norweskich drukarzy, aby zastąpić Niemców, którzy drukowali jego prace graficzne. Biorąc pod uwagę jego słabą historię zdrowia, w 1918 Munch czuł się szczęśliwy, że przeżył atak hiszpańskiej grypy , ogólnoświatowej pandemii tego roku.

Późniejsze lata

Grób Muncha na Cmentarzu Zbawiciela w Oslo

Munch spędził większość ostatnich dwóch dekad w samotności w swojej prawie samowystarczalnej posiadłości w Ekely, w Skøyen w Oslo. Wiele z jego późnych obrazów przedstawia życie na farmie, w tym kilka, na których jako modelu wykorzystał swojego konia roboczego „Rousseau”. Bez żadnego wysiłku Munch przyciągał stały strumień modelek, które malował jako tematy licznych nagich obrazów. Z niektórymi z nich prawdopodobnie miał stosunki seksualne. Munch od czasu do czasu opuszczał swój dom, aby malować malowidła ścienne na zamówienie, w tym te wykonane dla fabryki czekolady Freia .

Do końca życia Munch kontynuował malowanie bezlitosnych autoportretów, dodając do swojego własnego cyklu życiowego poszukiwania i niezachwianej serii ujęć jego stanów emocjonalnych i fizycznych. W latach 30. i 40. naziści nazwali dzieło Muncha „ sztuką zdegenerowaną ” (wraz z dziełami Picassa , Klee , Matisse'a , Gauguina i wielu innych współczesnych artystów) i usunęli jego 82 prace z niemieckich muzeów. Adolf Hitler ogłosił w 1937 roku: „O ile nas to obchodzi, ci barbarzyńcy i jąkający się z prehistorycznej kultury epoki kamienia mogą powrócić do jaskiń swoich przodków i tam zastosować swoje prymitywne, międzynarodowe drapanie”.

W 1940 roku Niemcy najechali Norwegię, a rząd przejęła partia nazistowska. Munch miał 76 lat. Mając prawie całą kolekcję swojej sztuki na drugim piętrze swojego domu, Munch żył w strachu przed nazistowską konfiskatą. Siedemdziesiąt jeden obrazów zabranych wcześniej przez nazistów zostało zwróconych do Norwegii w drodze zakupu przez kolekcjonerów (pozostałych jedenaście nigdy nie odzyskano), w tym Krzyk i Chore dziecko , i one również zostały ukryte przed nazistami.

Munch zmarł w swoim domu w Ekely koło Oslo 23 stycznia 1944 roku, około miesiąc po swoich 80. urodzinach. Jego zorganizowany przez nazistów pogrzeb sugerował Norwegom, że był sympatykiem nazistów, rodzaj przywłaszczenia niezależnego artysty. Miasto Oslo kupiło posiadłość Ekely od spadkobierców Muncha w 1946 roku; jego dom został zburzony w maju 1960 roku.

Spuścizna

Muzeum Muncha, Oslo

Z mojego gnijącego ciała
wyrosną kwiaty,
w nich jestem
i to jest wieczność.

Edvard Munch

Po śmierci Muncha jego pozostałe prace zostały przekazane miastu Oslo, które zbudowało Muzeum Muncha w Tøyen (otwarte w 1963 r.). Muzeum posiada kolekcję około 1100 obrazów, 4500 rysunków i 18 000 grafik, największą kolekcję jego prac na świecie. Muzeum Muncha służy jako oficjalna posiadłość Muncha; to była aktywna w zakresie reagowania w przypadku naruszenia praw autorskich, a także rozliczeń praw autorskich do dzieła, takie jak wygląd Muncha Krzyk w 2006 M & M kampanii reklamowej. Amerykańskim przedstawicielem ds. praw autorskich w Muzeum Muncha i posiadłości Edvarda Muncha jest Stowarzyszenie Praw Artystów .

Sztuka Muncha była bardzo spersonalizowana i niewiele nauczał. Jego „prywatna” symbolika była znacznie bardziej osobista niż w przypadku innych malarzy-symbolistów, takich jak Gustave Moreau i James Ensor . Munch nadal był bardzo wpływowy, szczególnie wśród niemieckich ekspresjonistów , którzy podążali za jego filozofią: „Nie wierzę w sztukę, która nie jest kompulsywnym wynikiem pragnienia człowieka, by otworzyć swoje serce”. Wiele z jego obrazów, w tym Krzyk , oprócz bardzo osobistego znaczenia, ma uniwersalny urok.

Prace Muncha są obecnie reprezentowane w wielu ważnych muzeach i galeriach w Norwegii i za granicą. Jego chata „Szczęśliwy Dom” została przekazana gminie Åsgårdstrand w 1944 roku; służy jako małe Muzeum Muncha. Inwentarz został utrzymany dokładnie w takim stanie, w jakim go zostawił.

Jedna wersja Krzyku została skradziona z Galerii Narodowej w 1994 roku. W 2004 roku inna wersja Krzyku , wraz z Madonną , została skradziona z Muzeum Muncha podczas brawurowego napadu w świetle dziennym. Wszystkie one zostały ostatecznie odzyskane, ale obrazy skradzione podczas napadu w 2004 roku zostały poważnie uszkodzone. Zostały pieczołowicie odrestaurowane i znów są na wystawie. Trzy prace Muncha zostały skradzione z Hotelu Refsnes Gods w 2005 roku; zostały one wkrótce odzyskane, chociaż jedna z prac została uszkodzona podczas napadu.

W październiku 2006 r. drzeworyt kolorowy Dwie osoby. Samotny ( To mennesker. De ensomme ) ustanowił nowy rekord dla swoich odbitek, kiedy sprzedano je na aukcji w Oslo za 8,1 mln koron (1,27 mln USD, co odpowiada 1 600 000 USD w 2020 r.). Ustanowił również rekord najwyższej ceny zapłaconej na aukcji w Norwegii. 3 listopada 2008 r. obraz Wampir ustanowił nowy rekord w swoich obrazach, kiedy został sprzedany za 38 162 000 USD (równowartość 45 900 000 USD w 2020 r.) w Sotheby's New York.

Wizerunek Muncha pojawia się na norweskim banknocie o nominale 1000 koron wraz z obrazami inspirowanymi jego dziełami sztuki.

W lutym 2012 roku duża wystawa Muncha, Edvard Munch. The Modern Eye , otwarte w Schirn Kunsthalle we Frankfurcie ; wystawę otworzyła Mette-Marit, księżna koronna Norwegii .

W maju 2012 r. The Scream sprzedano za 119,9 mln USD (równowartość 135 200 000 USD w 2020 r.) i jest drugim najdroższym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek sprzedano na otwartej aukcji. (Prześcignęły go w listopadzie 2013 roku Three Studies of Lucian Freud , które sprzedano za 142,4 mln USD).

W 2013 roku cztery obrazy Muncha zostały przedstawione w serii znaczków przez norweską pocztę dla uczczenia w 2014 roku 150. rocznicy jego urodzin.

W dniu 14 listopada 2016 roku wersja Muncha The Girls on the Bridge sprzedała się za 54,5 miliona dolarów (równowartość 58 800 000 dolarów w 2020 roku) w Sotheby's w stanie Nowy Jork, co czyni ją drugą najwyższą ceną za jeden z jego obrazów.

W kwietniu 2019 r. British Museum gościło wystawę Edvard Munch: Love and Angst , na którą złożyły się 83 dzieła sztuki i rzadki oryginalny wydruk Krzyku .

Aula Uniwersytecka

Aula z Historią (po lewej), Słońce (z przodu), Alma Mater (po prawej), mniejsze obrazy na rogach

W 1911 r. odbył się finałowy konkurs na dekorację dużych ścian Auli Uniwersytetu w Oslo (aula) pomiędzy Munchem a Emanuelem Vigelandem . Odcinek znany jest jako „kontrowersja o Auli”. W 1914 roku Munchowi ostatecznie zlecono dekorację Auli, a prace zakończono w 1916 roku. To ważne dzieło norweskiego malarstwa monumentalnego obejmuje 11 obrazów o powierzchni 223 m 2 (2400 stóp kwadratowych). Słońce , Historia i Alma Mater to kluczowe dzieła w tej sekwencji. Munch zadeklarował: „Chciałem, aby dekoracje tworzyły kompletny i niezależny świat idei i chciałem, aby ich wizualna ekspresja była zarówno wyraźnie norweska, jak i uniwersalnie ludzka”. W 2014 roku zasugerowano, że obrazy Auli mają wartość co najmniej 500 milionów koron.

Główne dzieła

Life by Munch, w Rådhuset (Ratusz) w Oslo. Pokój nazywa się pokojem Muncha

Wybrane prace

Akty

Autoportrety

Krajobrazy

Zdjęcia

Zobacz też

Bibliografia

Uwagi

Cytaty

Źródła

Dalsza lektura

  • Czarny, Piotrze; Bruteig, Magne, wyd. (2009). Edvard Munch: Druki . Londyn: Philip Wilson. Numer ISBN 978-0-85667-677-2. Katalog wystawy w Hunterian Museum and Art Gallery, University of Glasgow i National Gallery of Ireland, Dublin
  • Clarke, Jay (2014). „Chrupiący na papierze”. Drukuj kwartalnie . 31 : 237-243.
  • Dolnick, Edward (2005). Artysta ratunkowy: prawdziwa historia sztuki, złodziei i polowanie na zaginione arcydzieło . Nowy Jork, NY: HarperCollins Publishers. Numer ISBN 0-06-053118-5.Opowiada o kradzieży Krzyku z 1994 roku z norweskiej Galerii Narodowej w Oslo i jego ewentualnym odzyskaniu
  • Heller, Reinhold, wyd. (1984). Munch: Jego życie i praca . Londyn: Murray. Numer ISBN 0-7195-4116-6.
  • Morehead, Allison (2014). „Błąd litograficzny i biologiczny u kobiet Edvarda Muncha w szpitalu ”. Drukuj kwartalnie . 31 : 308–315.
  • Schiefler, Gustaw (1907). Verzeichnis des Graphischen Werks Edvard Munchs bis 1906 (w języku niemieckim). Berlin: B. Cassirer. OCLC  39789318 .
  • Schiefler, Gustaw (1927). Das Graphische Werk von Edvard Munch: 1906–1926 (w języku niemieckim). Berlin: Verlag Euphorion. OCLC  638113186 .
  • Woll, Gerd (2009). Edvard Munch: Kompletne obrazy: Katalog Raisonné . 4 . Londyn: Tamiza i Hudson. Numer ISBN 978-0-500-09345-0.

Zewnętrzne linki