Doris Salcedo - Doris Salcedo

Doris Salcedo
GUGG Doris Salcedo.jpg
Salcedo w 2015 roku
Urodzony 1958
Bogota, Kolumbia
Narodowość Kolumbijska
Edukacja Jorge Tadeo Lozano University ( licencjat )
New York University ( magister )
Ruch Sztuka jako aktywizm
Nagrody Stypendium Guggenheima (1995)
Nagroda Ordway przyznana przez Penny McCall Foundation (2005)
Komisja Tate Modern, Londyn (2007)
Nagroda za sztukę wizualną Velázqueza (2010)
Hiroshima Art Prize (2014)
Shibboleth w Tate Modern

Doris Salcedo (ur. 1958) to urodzona w Kolumbii artystka wizualna i rzeźbiarka . Na jej prace mają wpływ jej doświadczenia z życia w Kolumbii i zazwyczaj składają się z pospolitych przedmiotów, takich jak drewniane meble, ubrania, beton, trawa i płatki róż. Twórczość Salcedo nadaje formę bólu, traumie i stracie, jednocześnie tworząc przestrzeń dla indywidualnej i zbiorowej żałoby. Tematy te wywodzą się z jej osobistej historii. Członkowie jej własnej rodziny byli jednymi z wielu osób, które zaginęły w niespokojnej politycznie Kolumbii. Wiele jej prac dotyczy tego, że o ile śmierć bliskiej osoby może być opłakiwana, o tyle jej zniknięcie pozostawia nieznośną pustkę. Salcedo mieszka i pracuje w Bogocie , Kolumbia .

Wczesne życie i edukacja

Doris Salcedo urodził się w 1958 roku w Bogocie , Kolumbia . Salcedo ukończyła Bachelor of Fine Arts na Uniwersytecie Jorge Tadeo Lozano w 1980 roku, zanim wyjechała do Nowego Jorku , gdzie uzyskała tytuł magistra sztuk pięknych na New York University w 1984 roku. Następnie wróciła do Bogoty, aby uczyć na Universidad Nacional de Kolumbia .

Sztuka jako naprawa

Doris Salcedo w swoich instalacjach podejmuje kwestię zapominania i pamięci. W utworach takich jak Unland: The Orphan's Tunic z 1997 roku i serii La Casa Viuda z początku lat 90. Salcedo zabiera zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego, takie jak krzesło i stół, i przekształca je w pomniki ofiar wojny domowej w Kolumbii.

W swojej książce Present Pasts: Present Pasts: Urban Palimpsests and the Politics of Memory , Andreas Huyssen poświęca rozdział Doris Salcedo i Unland: The Orphan's Tunic , przedstawiając jej pracę jako „Rzeźba pamięci”. Huyssen oferuje szczegółowy opis dzieła, pozornie przyziemnego stołu, który, gdy się go uważnie przyjrzy, „ujmuje wyobraźnię widza w swojej nieoczekiwanej, nawiedzającej wizualnej i materialnej obecności”. Z pozoru codzienny mebel składa się w rzeczywistości z dwóch zniszczonych stołów połączonych ze sobą i przykrytych białawym welonem z materiału, przypuszczalnie oryginalnej tuniki sieroty. Po bliższym przyjrzeniu się, setki małych ludzkich włosów wydają się być nitką, która mocuje tunikę do stołu. Huyssen przyrównuje strukturę stołów do ciała. „Jeśli tunika jest jak skóra… wtedy stół zyskuje metaforyczną obecność jako ciało, teraz nie indywidualnej sieroty, ale osieroconej społeczności”. Salcedo's Unland to rzeźba pamięciowa, przedstawiająca międzynarodowej publiczności artystycznej przeszłość jej własnego kraju – Kolumbii.

W rozmowie z Carlosem Basualdo Salcedo opowiada o swoim podejściu do tworzenia sztuki:

„Sposób, w jaki grafika łączy materiały, jest niesamowicie potężny. Rzeźba jest jej materialnością. Pracuję z materiałami, które są już naładowane znaczeniem, znaczeniem, którego wymagały w praktyce życia codziennego… potem pracuję do tego stopnia, że ​​staje się to czymś innym, gdzie dochodzi do metamorfozy.”

Ponownie, w wywiadzie z Charlesem Merewetherem w 1998 roku, Salcedo wyjaśnia pojęcie metamorfozy, opisując doświadczenie widza z jej własną artystyczną naprawą lub restauracją przeszłości.

„Cicha kontemplacja każdego widza pozwala na ponowne pojawienie się życia widzianego w dziele. Zmiana ma miejsce, jakby doświadczenie ofiary sięgało… Rzeźba przedstawia doświadczenie jako coś obecnego – rzeczywistość, która rozbrzmiewa w ciszy każdego człowieka, który na nią patrzy”.

Salcedo posługuje się przedmiotami z przeszłości, przedmiotami nasyconymi ważnym poczuciem historii i poprzez te współczesne rzeźby pamięci ilustruje upływ czasu. Łączy przeszłość i teraźniejszość, naprawia to, co uważa za niekompletne i w oczach Huyssena przedstawia „pamięć na skraju przepaści… pamięć w sensie dosłownym… i pamięć jako proces”.

Instalacje

Praca Salcedo w coraz większym stopniu opiera się na instalacji. Wykorzystuje przestrzenie galeryjne lub niezwykłe lokalizacje do tworzenia sztuki i środowisk, które są naładowane politycznie i historycznie. Noviembre 6 y 7 (2002) to dzieło upamiętniające siedemnastą rocznicę brutalnego zajęcia Sądu Najwyższego w Bogocie w dniach 6 i 7 listopada 1985 roku. Salcedo umieścił ten utwór w nowym Pałacu Sprawiedliwości. W ciągu 53 godzin (czas pierwotnego oblężenia) zajęło jej umieszczenie drewnianych krzeseł przy fasadzie budynku opuszczanego z różnych punktów na dachu. Salcedo zrobił to jako stworzenie „aktu pamięci”. Jej celem było ponowne zamieszkanie w zapomnianej przestrzeni.

W 2003 roku, w pracy, którą nazwała Instalacja na 8. Biennale w Stambule , wykonała instalację na zwykłej ulicy, składającą się z 1500 drewnianych krzeseł ułożonych niepewnie w przestrzeni między dwoma budynkami.

W 2005 roku w Castello di Rivoli Salcedo przerobił jedną z głównych sal instytucji, rozbudowując istniejący sklepiony ceglany sufit galerii. Subtelnie przekształcając istniejącą przestrzeń, Abyss został zaprojektowany tak, aby przywoływać myśli o uwięzieniu i pochowaniu.

W 2007 Salcedo stała się ósmym artystą, któremu zlecono wykonanie prac dla hali turbin Unilever galerii Tate Modern w Londynie, dla której stworzyła Shibboleth , 167-metrową szczelinę biegnącą wzdłuż podłogi hali (na zdjęciu powyżej ). Salcedo mówi, że „reprezentuje granice, doświadczenie imigrantów, doświadczenie segregacji, doświadczenie nienawiści rasowej. Jest to doświadczenie osoby z Trzeciego Świata przybywającej do serca Europy”. W ten sposób jej instalacja reprezentowała wykluczenie, separację i inność.

Wystawy

Salcedo wystawiał na wystawach zbiorowych na arenie międzynarodowej, w tym Carnegie International (1995), XXIV Biennale w Sao Paulo (1998), Trace , The Liverpool Biennial of Contemporary Art (1999), Documenta XI, Kassel (2002), 8. Biennale w Stambule (2003), ' NeoHooDoo”, PS1 Contemporary Art Centre, Nowy Jork, The Menil Collection, Houston (2008), „The New Decor”, Hayward Gallery, Londyn (2010) oraz Allen Memorial Art Museum w Oberlin College (2014-15). Wystawy indywidualne obejmują The New Museum of Contemporary Art w Nowym Jorku (1998), San Francisco Museum of Modern Art (1999 i 2005), Tate Britain w Londynie (1999), Camden Arts Centre w Londynie (2001), White Cube w Londynie ( 2004), Tate Modern , Londyn (2007), Lata 80.: Topologia (2007) oraz Inhotim, Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, (2008). Od kwietnia 2010 do lutego 2013 roku instalacja artysty „plegaria Muda” podróżowała do muzeów w Europie i Ameryce Południowej, m.in. MUAC w Meksyku; Moderna Museet, Malmö i CAM Gulbenkian, Lizbona (2011); MAXXI Rome and Pinacoteca São Paulo (2012), Museum of Contemporary Art w Chicago (2015) oraz Solomon R. Guggenheim Museum. (2015); i Harvard Art Museums (2016).

Uznanie

  • 1995 – Stypendium Guggenheima
  • 2005 – Nagroda Ordway, od Fundacji Penny McCall
  • 2010 – Nagroda Sztuk Wizualnych Velázqueza
  • 2014 – Nagroda Artystyczna Hiroszimy
  • 2016 – Inauguracyjna Nagroda Nashera za Rzeźbę, Centrum Rzeźby Nashera
  • 2017 – Nagrody Rolfa Schocka w dziedzinie sztuk wizualnych
  • 2019 – Nagroda Artystyczna Nomura

Analiza poszczególnych dzieł sztuki

Stambuł to instalacja złożona z 1550 krzeseł ustawionych między dwoma wysokimi budynkami miejskimi. Pomysł Salcedo przy tym utworze polegał na stworzeniu tego, co nazwała „topografią wojny”. Wyjaśnia to, mówiąc, że ma to „reprezentować wojnę w ogóle, a nie konkretne wydarzenie historyczne”. Salcedo powiedział, że „widząc te 1550 drewnianych krzeseł ułożonych wysoko między dwoma budynkami w centrum Stambułu, przypominają mi się masowe groby. Anonimowe ofiary. Myślę zarówno o chaosie, jak i nieobecności, dwóch skutkach wojennej przemocy”. Salcedo wyjaśnia: „Próbuję wydobyć z tych kawałków ten element, który jest wspólny dla nas wszystkich”. „A w sytuacji wojny wszyscy doświadczamy tego w podobny sposób, jako ofiara lub sprawca. Więc nie opowiadam konkretnej historii. Mówię tylko o doświadczeniach”. W 2007 roku, cztery lata po instalacji Salcedo w Stambule, inny artysta, chiński dysydent Ai Weiwei , wykorzystał krzesła do stworzenia efektu pamięci w swojej pracy Fairytale . Zainstalował zestaw 1001 krzeseł z dynastii Ming i Qing w Documenta 12 w Kassel w Niemczech , po jednym krześle na każdego z 1001 wysiedlonych chińskich podróżników. Jego artykuł skupiał się na chińskim przesiedleniu, podobnym temacie do Salcedo.

Atrabiliarios to instalacja składająca się ze sklejki, butów, włókien zwierzęcych, nici i owczej skóry w sześciu różnych niszach. W jej pracy stare buty, w parach i pojedyńczych, są ukryte za płachtami półprzezroczystej zwierzęcej skóry we wnękach lub niszach w ścianie galerii. Skóra jest prymitywnie przyszyta do ściany szwami medycznymi. Na podłodze pod spodem kilka małych pudełek zrobionych z tej samej skóry zwierzęcej. Wszystkie znoszone buty należały do ​​kobiet, które „zaginęły”, zostały przekazane Salcedo przez rodziny ofiar. Użycie tych butów w Atrabiliarios ma przypominać o tych, których los i miejsce pobytu są nieznane. Salcedo opisuje to jako istotę „trwale zawieszoną między teraźniejszością a przeszłością”. Dlatego Atrabiliarios jest „nie tylko portretem zniknięcia, ale portretem stanu psychicznego niepewności, tęsknoty i żałoby ocalałych”. Salcedo stara się nie tylko wyrazić grozę przemocy, ale także zbadać sposób, w jaki ludzie zwyciężają w czasach tortur, naprawiając ich rany fizyczne i psychiczne, a także stawiać opór i pamiętać o tych, którzy zaginęli.

Shibboleth była jej instalacją w Turbine Hall w Tate Modern w Londynie. Salcedo był pierwszym artystą, który zmienił fizyczny budynek. Salcedo użył tego utworu, aby oddać głos ofiarom wszystkich niesprawiedliwości, które rozdzieliły ludzi i uzbroiły ich przeciwko sobie. Zamiast wypełnić halę turbin instalacją, otworzyła podziemną ranę w podłodze, która rozciągała się na całą długość dawnej elektrowni. Betonowe ściany szczeliny zostały rozerwane ogrodzeniem z siatki stalowej, tworząc napięcie między elementami, które stawiały sobie opór i jednocześnie były od siebie zależne. Instalacja zaczęła się jako cienka, prawie niewidoczna linia przy głównym wejściu i stopniowo rozszerzała się w przepaść na drugim końcu. Projekt ten miał na celu przywołanie złamania i odrębności kultur postkolonialnych, zwłaszcza w jej ojczyźnie Kolumbii. Shibboleth zadał pytania o interakcję ideologicznych fundamentów, na których zbudowane są zachodnie pojęcia nowoczesności, oraz pytania o rasizm i kolonializm, które leżą u podstaw współczesnego świata. „Historia rasizmu”, powiedział Salcedo, „biegnie równolegle do historii nowoczesności i jest jej niewypowiedzianą ciemną stroną”. Wraz z Shibboleth Salcedo skupiło uwagę na istnieniu dużej, wykluczonej społecznie podklasy obecnej we wszystkich społeczeństwach. Salcedo powiedział, że rozbicie podłogi w Turbine Hall symbolizuje pęknięcie w samej nowoczesności. To skłoniło widzów do konfrontacji niewygodnych prawd o historii i ludziach. Pęknięcie reprezentowało również przepaść między bogatymi a biednymi, która może zacząć się stosunkowo niewiele, ale ostatecznie przerodzić się w wielką przepaść, zdolną do demontażu kultur. Na zakończenie pokazu szczelina została uzupełniona, jednak w podłodze jest drzazg, który zawsze będzie obecny.

Flor de Piel to instalacja wielkości pokoju po raz pierwszy wystawiona publicznie nawystawie indywidualnej Doris Salcedo: The Materiality of Mourning w Harvard Art Museums w Salcedo w latach 2016-2017. Flor de Piel o wymiarach 340 cm x 500 cm to gobelin z tysiącami zachowanych, ręcznie szytych płatków czerwonej róży, które delikatnie falują na podłodze. Zawieszone w stanie transformacji płatki pozostają między życiem a śmiercią i są tak wrażliwe, że rozrywają się po dotknięciu. Artysta chciał, aby praca była całunem dla pielęgniarki zamęczonej na śmierć podczas wojny kolumbijskiej. Salcedo stworzyła utwór w 2013 roku, pracując z płatkami róż i nićmi jako materiałami; Flor de Piel została przejęta przez Harvard Art Museums w 2014 roku.

Plegaria Muda to seria rzeźb, z których każda składa się z dwóch ręcznie wykonanych stołów, które mają mniej więcej taki sam kształt i wielkość trumny. Jeden stół leży do góry nogami na drugim, a między dwoma blatami rośnie podobna do ziemi warstwa trawy. „Plegaria Muda” z grubsza oznacza „cichą modlitwę” i jest komentarzem do relacji między sprawcami przemocy gangów a ich ofiarami, a także hołdem złożonym masowym grobom w Kolumbii, gdzie często chowane są ofiary przemocy gangów.

Aktualne badania i tematy

Od 1988 Salcedo przeprowadza wywiady z ludźmi, których krewni „zaginęli” prawdopodobnie na rozkaz wojska związanego z wojną domową w Kolumbii i nielegalnym handlem narkotykami. Regularnie odwiedza opuszczone wioski, miejsca mordów i masowe groby. Salcedo informuje, że od wielu lat prowadzi wiele tych samych badań z niewielkimi zmianami. Przez wiele lat prowadziła akta obozów koncentracyjnych, zarówno historycznych, jak i bardziej współczesnych. Najbardziej interesuje ją to, jak różnią się od siebie, ponieważ zawsze są po prostu przedstawione w różnych formach.

„Byłem zdumiony, gdy otwarto Guantanamo na Kubie , ponieważ Kuba była pierwszym miejscem, w którym znajdował się obóz koncentracyjny. Właściwie był to hiszpański wynalazek. Hiszpański generał Martinez Campos wymyślił go w 1896 roku. Kuba. Niesamowite jest to, jak zatoczyło to koło. Teraz znowu masz Guantanamo na Kubie. Ale oczywiście Brytyjczycy mieli je pod koniec XIX wieku w Afryce Południowej . Potem Niemcy mieli to w Afryce Zachodniej . Potem ty mają pola śmierci, obozy pracy przymusowej, gułagi – lista jest nieskończona. Doszedłem do wniosku, że system więzień przemysłowych w Stanach Zjednoczonych ma wiele z tych elementów, gdzie ludzie, tak naprawdę bez powodu, za posiadanie marihuany lub rzeczy tak jak to trafia do więzienia, gdzie niektóre drobne przestępstwa stały się przestępstwami. Jestem naprawdę zszokowany liczbą ludzi wtrąconych do więzień. A także myślę, że to niesamowite, jak ten system, przebywanie w więzieniu, a następnie wychodzenie z niego, tak wiele efektów ubocznych, t dość dużej części populacji nie pozwala się żyć. Pomysł, aby duża część populacji była wyłączona z praw obywatelskich, z wielu, wielu możliwości, sugeruje, że masz ludzi, których można prawie uznać za zmarłych społecznie. Co to znaczy być martwym społecznie? Co to znaczy być żywym i nie móc uczestniczyć? To jak życie martwe. Właśnie to badam teraz i z tej perspektywy patrzę na wydarzenia od dłuższego czasu”.

Zobacz też

Bibliografia

  1. ^ a b c d „Doris Salcedo” , Art 21, Źródło 15 listopada 2018.
  2. ^ Biografia na stronie Tate Collection . URL dostępny w dniu 8 kwietnia 2007 r.
  3. ^ „Doris Salcedo” . Galeria Sztuki NSW .
  4. ^ a b c d Bal, Mieke. O tym, czego nie można mówić: sztuka polityczna Doris Salcedo , University of Chicago Press, 2011
  5. ^ a b Andreas Huyssen, Present Pasts : Urban Palimpsest i polityka pamięci (Stanford, CA: Stanford, 2003), 113
  6. ^ a b Wywiad z Carlosem Basualdo w Doris Salcedo , pod redakcją Nancy Princenthal, Carlosa Basualdo i Andreasa Huyssena (Londyn: Phaidon, 2000), 21
  7. ^ Wywiad z Charlesem Merewetherem w Doris Salcedo , 137
  8. ^ Moreno, L (2010). „Kłopotliwa materialność: Instalacje Doris Salcedo”. Mozaika . 43 (2): 95-111. JSTOR  44030626 .
  9. ^ „Gwarlingo - Artysta Doris Salcedo: Zacząłem wyobrażać sobie prace oparte na niczym” . www.gwarlingo.com . 19 stycznia 2012 . Pobrano 16.03.2017 .
  10. ^ Chicago, Muzeum Sztuki Współczesnej. „Doris Salcedo | Otchłań” . www3.mcachicago.org . Pobrano 16.03.2017 .
  11. ^ „Rzeźbiarz wypełnia Tate dziurą” . Wiadomości BBC. 2007-10-08 . Źródło 2019-10-31 .
  12. ^ Sztuka kolumbijska
  13. ^ a b "Artysta Doris Salcedo" . Biały sześcian.
  14. ^ "latynoamerykańskiart" . oberlin.edu . Pobrano 16.03.2017 .
  15. ^ Harvard. „Wystawy, Doris Salcedo: Materialność żałoby | Harvard Art Museums” . www.harvardartmuseums.org . Pobrano 16.03.2017 .
  16. ^ „John Simon Guggenheim Memorial Foundation - Doris Salcedo” , Fundacja Johna Simona Guggenheima, źródło 15 listopada 2018 r.
  17. ^ „Odbiorcy nagrody Rolfa Schocka 2017” , The Royal Swedish Academy of Sciences, Źródło 15 listopada 2018 r.
  18. ^ Gareth Harris (31 października 2019), Doris Salcedo wygrywa największą na świecie nagrodę sztuki współczesnej w wysokości 1 miliona dolarów The Art Newspaper .
  19. ^ a b c d Aldredge, Michelle (19 stycznia 2012). "artysta doris salcedo: zacząłem myśleć o pracach opartych na niczym" . Gwarlingo .
  20. ^ Chicago, Muzeum Sztuki Współczesnej. "Doris Salcedo | Atrabiliarios" . www3.mcachicago.org . Pobrano 16.03.2017 .
  21. ^ „Doris Salcedo” . Cyfrowe zasoby sztuki dla edukacji . Instytut Międzynarodowych Sztuk Wizualnych. Zarchiwizowane od oryginału w dniu 2014-11-27 . Pobrano 15.11.2014 .
  22. ^ Alzate, G. „Brak i ból w pracach Doris Salcedo i Rosemberg Sandoval”. Przegląd South Central . 30 (3).
  23. ^ Tansini, Laura. „Życie może zwyciężyć: Plegaria Muda Doris Salcedo” . Międzynarodowe Centrum Rzeźby .
  24. ^ Lazzari, Margaret (styczeń 2015). Odkrywanie sztuki: globalne podejście tematyczne, wydanie piąte . Stany Zjednoczone Ameryki: Cengage Learning. str. 307. Numer ISBN 978-1-285-85816-6.
  25. ^ B Harvard. „Wystawy, Doris Salcedo: Materialność żałoby | Harvard Art Museums” . www.harvardartmuseums.org . Pobrano 12.03.2017 .
  26. ^ Chicago, Muzeum Sztuki Współczesnej. "Doris Salcedo | Plegaria Muda" . www3.mcachicago.org . Pobrano 16.03.2017 .
  27. ^ „Doris Salcedo” . Instytut Sztuki w Chicago .
  28. ^ „Doris Salcedo: Wariacje na temat brutalności” . Art . 21 .

Dalsza lektura

  • Bal, Mieke. O tym, czego nie można mówić: sztuka polityczna Doris Salcedo , University of Chicago Press, 2011, 264 strony
  • Princenthal, Nancy, Carlos Basualdo i Andrea Huyssen, Doris Salcedo , Phaidon, Londyn, 2000, 160 stron
  • Saggio, Antonino, "Doris Salcedo o del fare", L'Architetto Italiano , n.24 s. 86-87
  • Widholm, Julie Rodrigues i Madeleine Grynsztejn, wyd. Doris Salcedo , University of Chicago Press, 2015, 240 stron

Linki zewnętrzne