Komedia dell'arte -Commedia dell'arte

Stern dell'arte ( UK : / k ɒ m eɪ d I ə d ɛ l ɑː t eɪ / , USA : / k ə m eɪ d I ə d ɛ l ɑːr t i , - m ɛ d I ə / ; włoski:  [komˈmɛːdja delˈlarte] ; dosł.  „komedia zawodu”) był wczesną formą profesjonalnego teatru, wywodzącą się z Włoch , która była popularna w Europie od XVI do XVIII wieku. Commedia dell'arte była wcześniej nazywana włoską komedią w języku angielskim i jest również znana jako commedia alla maschera , commedia improvviso i commedia dell'arte all'improvviso . Kommedia to forma teatru charakteryzująca się zamaskowanymi „typami”, która rozpoczęła się we Włoszech w XVI wieku i była odpowiedzialna za pojawienie się aktorek (np. Isabella Andreini ) oraz improwizowane spektakle oparte na szkicach lub scenariuszach . Commedia , takich jak ząb Ściągacz jest zarówno skrypty i improwizowanej . Wejścia i wyjścia postaci są oskryptowane. Szczególną cechą komedii dell'arte są lazzi . Lazzo to żart albo „coś głupi lub dowcipny”, zwykle dobrze znane wykonawcom i do pewnego stopnia skryptów rutyny. Kolejną cechą charakterystyczną komedii dell'arte jest pantomima , którą posługuje się głównie postać Arlecchino (Arlekin).

Bohaterowie komedii zazwyczaj reprezentują stałe typy społeczne i zwykłe postacie , takie jak głupi starcy, przebiegli słudzy lub oficerowie wojskowi pełni fałszywej brawury . Postacie są przesadnymi „prawdziwymi postaciami”, takimi jak wszechwiedzący lekarz Il Dottore , chciwy staruszek o imieniu Pantalone , czy doskonały związek jak Innamorati .

Powstało wiele trup do wykonywania komedii dell'arte , w tym I Gelosi (z aktorami takimi jak Isabella Andreini i jej mąż Francesco Andreini ), Trupa Confidenti, Trupa Desioi i Trupa Fedeli. Komedię dell'arte często wystawiano na zewnątrz, na platformach lub w popularnych miejscach, takich jak piazza . Forma teatralna powstała we Włoszech, ale podróżowała po Europie, a nawet w Moskwie.

Commedia geneza może być związane z karnawału w Wenecji, gdzie, przez 1570, autor / aktor Andrea Calmo stworzył postać Il Magnifico, prekursorem Vecchio (Stary człowiek) Pantalone. Na przykład w scenariuszu Flaminio Scala Il Magnifico utrzymuje się i jest wymienny z Pantalone, aż do XVII wieku. Chociaż postacie Calmo (w tym hiszpański Capitano i typ dottore ) nie były zamaskowane, nie jest pewne, w którym momencie postacie założyły maskę. Jednak nawiązanie do karnawału (okresu między Objawieniem Pańskim a Środą Popielcową ) sugerowałoby, że maskowanie było konwencją karnawału i w pewnym momencie zostało zastosowane. Tradycja w północnych Włoszech skupia się w Mantui, Florencji i Wenecji, gdzie pod egidą różnych książąt przeszły główne przedsiębiorstwa. Równocześnie na południu pojawiła się tradycja neapolitańska, w której pojawiła się wybitna postać sceniczna Pulcinella . Pulcinella była od dawna związana z Neapolem i wywodziła się z różnych typów gdzie indziej - najbardziej znany jako postać lalek Punch (z tytułowych programów Punch and Judy ) w Anglii.

Historia

Chociaż Commedia dell'arte rozkwitła we Włoszech w okresie manierystycznym , istnieje długa tradycja prób ustanowienia historycznych przodków w starożytności. O ile możliwe jest wykrycie formalnych podobieństw między commedia dell'arte a wcześniejszymi tradycjami teatralnymi, o tyle nie ma możliwości ustalenia pewności pochodzenia. Niektóre datują początki na okres Republiki Rzymskiej ( typy Plautine ) lub Imperium ( Farces Atellan ). Atellan farsy Cesarstwa Rzymskiego wyróżniona surowy „typy” maskach z rażąco przesadzone cechy i improwizowanej fabuły. Niektórzy historycy twierdzą, że postacie Atellan, Pappus, Maccus+Buccus i Manducus, są prymitywnymi wersjami postaci komedii Pantalone , Pulcinella i il Capitano . Nowsze relacje nawiązują do średniowiecznych minstreli i prototypów średniowiecznych moralności, takich jak Hellequin (jako źródło na przykład arlekina).

Pierwsze zarejestrowane przedstawienia commedia dell'arte pochodziły z Rzymu już w 1551 roku. Commedia dell'arte była wystawiana na zewnątrz w tymczasowych miejscach przez profesjonalnych aktorów w kostiumach i maskach, w przeciwieństwie do commedia erudita , które były pisane komediami, prezentowanymi w pomieszczeniach przez nieprzeszkolonych i zdemaskowani aktorzy. Ten widok może być nieco idealizowane ponieważ zapisy opisać Gelosi wykonywania Tasso „s Aminta , na przykład, a wiele zostało zrobione na dworze, a nie na ulicy. W połowie XVI wieku zaczęły się łączyć określone grupy wykonawców komedii , a do 1568 roku Gelosi stali się odrębną firmą. Zgodnie z tradycją akademii włoskich, I Gelosi przyjęli jako ich odcisk (lub herb) dwulicowego rzymskiego boga Janusa . Janus symbolizował zarówno przyjścia, jak i odejścia tej wędrownej trupy oraz dwoistą naturę aktora, który wciela się w „innego”. Gelosi występowali w północnych Włoszech i Francji, gdzie otrzymali ochronę i patronat od króla Francji. Pomimo wahań Gelosi utrzymywali stabilność w występach z „zwykłą dziesiątką”: „dwóch vecchi (starzy), czterech innamorati (dwóch kochanków płci męskiej i dwóch kochanków), dwóch zanni , kapitana i servetta (służąca pokojówka)”. Komedie często występowały w teatrach dworskich lub salach, a także jako niektóre teatry stałe, takie jak Teatro Baldrucca we Florencji. Flaminio Scala, który był pomniejszym wykonawcą w Gelosi, opublikował scenariusze komedii dell'arte na początku XVII wieku, naprawdę starając się legitymizować formę – i zapewnić jej spuściznę. Scenariusze te są wysoce ustrukturyzowane i zbudowane wokół symetrii różnych typów w duecie: dwa zanni , vecchi , inamorate i inamorati , itp.

W commedia dell'arte kobiece role odgrywały kobiety, udokumentowane już w latach 60. XVI wieku, co czyni je pierwszymi znanymi profesjonalnymi aktorkami w Europie od czasów starożytnych. Lucrezia Di Siena , której nazwisko widnieje na kontrakcie aktorów z 10 października 1564 roku, została określona jako pierwsza znana z imienia włoska aktorka, a Vincenza Armani i Barbara Flaminia jako pierwsze primadonny i pierwsze dobrze udokumentowane aktorki we Włoszech ( i Europy). W latach siedemdziesiątych XVI wieku angielscy krytycy teatralni na ogół oczerniali zespoły z ich aktorkami (kilkadziesiąt lat później Ben Jonson określił jedną z wykonawców komedii jako „kołaczącą się dziwkę”). Pod koniec lat siedemdziesiątych XVI wieku włoscy prałaci próbowali zakazać żeńskich wykonawców; jednak pod koniec XVI wieku aktorki były standardem na włoskiej scenie. Włoski uczony Ferdinando Taviani zebrał szereg dokumentów kościelnych sprzeciwiających się pojawieniu się aktorki jako swoistej kurtyzany, której skąpy strój i rozwiązły styl życia skaziły młodych mężczyzn, a przynajmniej napawały ich cielesnymi pragnieniami. Termin negativa poetica Tavianiego opisuje tę i inne praktyki obraźliwe dla Kościoła, jednocześnie dając nam wyobrażenie o fenomenie performansu commedia dell'arte .

Na początku XVII wieku komedie zanni przechodziły od czysto improwizowanych występów ulicznych do określonych i wyraźnie określonych aktów i postaci. Trzy książki napisane w ciągu 17 wiek- Cecchiniego na  [ to ] Fruti della Commedia moderne (1628), Niccolò Barbieri „s La supplica (1634) i Perrucci za dell'arte rapresentativa (1699- "podjęła stanowcze zalecenia dotyczące wykonywania praktyki." Katritzky twierdzi że w efekcie komedia została zredukowana do formułowanego i stylizowanego aktorstwa, jak najdalej od czystości genezy improwizacyjnej sprzed stu lat.We Francji, za Ludwika XIV , Comédie-Italianne stworzyła repertuar i wyznaczyła nowe i postaci, usuwając niektórych włoskich prekursorów, takich jak Pantalone. Francuscy dramaturdzy, zwłaszcza Molière , czerpali z fabuł i masek, tworząc rdzenną scenę. Rzeczywiście, Molière dzielił scenę z Comédie-Italianne w Petit-Bourbon i niektóre jego formy, np. tyrada , są pochodnymi komedii ( tirata ).

Commedia dell'arte przeniosła się poza granice miasta do théâtre de la foire , czyli teatrów jarmarcznych, na początku XVII wieku, gdy ewoluowała w kierunku bardziej pantomimicznego stylu. Wraz z wysłaniem włoskich komików z Francji w 1697, forma ta uległa transmogryfikacji w XVIII wieku, gdy gatunki takie jak komedia larmoyante zyskały na popularności we Francji, szczególnie poprzez sztuki Marivaux . Marivaux znacznie złagodził komedię , wprowadzając na scenę prawdziwe emocje. Arlekin osiągnął w tym okresie większe znaczenie.

Możliwe, że ten rodzaj improwizowanego aktorstwa był przekazywany z pokolenia na pokolenie włoskim aż do XVII wieku, kiedy odrodził się jako profesjonalna technika teatralna. Jednak w obecnym kształcie commedia dell'arte została ukuta w połowie XVIII wieku.

Co ciekawe, commedia dell'arte była równie popularna, jeśli nie bardziej, we Francji, gdzie utrzymywała swoją popularność przez cały XVII wiek (do 1697 r.) i to właśnie we Francji commedia rozwinęła swój ugruntowany repertuar. Kommedia ewoluowała w różne konfiguracje w całej Europie, a każdy kraj zaadaptował formę do swoich upodobań. Na przykład pantomima , która rozkwitła w XVIII wieku, swoją genezę zawdzięcza typom komedii , zwłaszcza Arlekinowi . The Punch and Judy teatrzyki kukiełkowe, popularne do dziś w Anglii, zawdzięczają swoją podstawę do Pulcinella maski, które pojawiły się w neapolitańskich wersji formularza. We Włoszech maski komedii i fabuły znalazły drogę do opery buffa oraz fabuły Rossiniego , Verdiego i Pucciniego .

Podczas napoleońskiej okupacji Włoch inicjatorzy reform i krytycy francuskich rządów imperialnych (tacy jak Giacomo Casanova ) używali masek karnawałowych do ukrywania swojej tożsamości, jednocześnie napędzając programy polityczne, kwestionując rządy społeczne i obrzucając reżim rażącymi obelgami i krytyką. W 1797 roku, aby zniszczyć improwizowany styl karnawału jako platformy partyzanckiej, Napoleon zakazał komedii dell'arte. Z tego powodu odrodził się w Wenecji dopiero w 1979 roku.

Firmy

Compagnie , czyli firmy, były zespołami aktorów, z których każdy miał określoną funkcję lub rolę. Aktorzy byli zaznajomieni z mnóstwem umiejętności, a wielu z nich dołączyło do zespołów bez wykształcenia teatralnego. Niektórzy byli lekarzami, inni księżmi, inni żołnierzami, zwabieni ekscytacją i powszechnością teatru we włoskim społeczeństwie. Aktorzy byli znani z tego, że przestawiali się z trupy do trupy „na wypożyczenie”, a firmy często współpracowały, jeśli były zjednoczone przez jednego patrona lub występowały w tej samej lokalizacji. Członkowie rozszczepiali się również, tworząc własne trupy, tak było w przypadku Ganassa i Gelosi. Te kompanie podróżowały po Europie od wczesnego okresu, zaczynając od Soldati , następnie Ganassa , którzy podróżowali do Hiszpanii i słynęli z gry na gitarze i śpiewu - nigdy więcej o nich nie słyszano - i słynnych trup Złotego Wieku (1580-1605): Gelosi , Confidenti , Accessi . Te nazwy, które oznaczały odwagę i przedsiębiorczość, zostały zaczerpnięte z nazw akademii – w pewnym sensie, aby nadać legitymacji. Jednak każda trupa miała swoje odciski (jak herb), które symbolizowały jej naturę. Na przykład Gelosi używali dwugłowej twarzy rzymskiego boga Janusa , aby oznaczyć jego przyjścia i wyjścia oraz związek z sezonem karnawałowym , który miał miejsce w styczniu. Janus oznaczał także dwoistość aktora, który gra postać lub maskę, pozostając jednocześnie sobą.

Sędziowie i duchowieństwo nie zawsze byli otwarci na objazdowej Compagnie (firm), szczególnie w okresach zarazy, a ze względu na ich charakter wędrowny. Aktorzy, zarówno mężczyźni, jak i kobiety, byli znani z tego, że rozbierali się prawie do naga, a historie zwykle sprowadzały się do brutalnych sytuacji z jawną seksualnością, uważaną za nauczanie tylko „sprośności i cudzołóstwa… obu płci” przez francuski parlament. Termin włóczęga był używany w odniesieniu do komiksów i do dziś pozostaje obraźliwym określeniem ( wagabonda ). Odnosiło się to do nomadycznego charakteru zespołów, często inspirowanych prześladowaniami ze strony Kościoła, władz cywilnych i konkurencyjnych organizacji teatralnych, które zmuszały zespoły do ​​przenoszenia się z miejsca na miejsce.

Zespół często składał się z dziesięciu wykonawców znanych zamaskowanych i niemaskowanych typów, w tym kobiety. Firmy zatrudniały stolarzy, rekwizytorów, służących, pielęgniarki i suflerów, z których wszyscy podróżowaliby z firmą. Podróżowali dużymi wózkami z zapasami niezbędnymi do ich koczowniczego stylu działania, umożliwiając im przemieszczanie się z miejsca na miejsce bez martwienia się o trudności związane z relokacją. Ten koczowniczy charakter, choć pod wpływem prześladowań, był również w dużej mierze spowodowany przez trupy wymagające nowej (i płatnej) publiczności. Korzystali z publicznych jarmarków i uroczystości, najczęściej w bogatszych miejscowościach, w których większy był sukces finansowy. Firmy byłyby również wzywane przez wysokich rangą urzędników, którzy oferowaliby patronat w zamian za działanie na ich terenie przez określony czas. Firmy tak naprawdę wolały nie przebywać zbyt długo w jednym miejscu, głównie ze strachu, że ustawa stanie się „zestarzała”. Przenieśliby się do następnej lokalizacji, gdy ich popularność była jeszcze aktywna, upewniając się, że miasta i ludzie byli smutni widząc, jak odchodzą, i byliby bardziej skłonni albo zaprosić ich z powrotem, albo zapłacić za oglądanie występów ponownie, gdyby trupa kiedykolwiek wróciła. Ceny zależały od decyzji trupy, która mogła się różnić w zależności od bogactwa lokalizacji, długości pobytu i przepisów rządowych dotyczących dramatycznych przedstawień.

Lista znanych zespołów komediowych

• Compagnia dei Fedeli: aktywny 1601-152, z Giambattista Andreini
• Compagnia degli Accesi: aktywny 1590–1628
• Compagnia degli Uniti  [ it ] : aktywny 1578–1640
• Compagnia dei Confidenti: czynny 1574–99; zreformowany pod Flaminio Scala , działał ponownie 1611-39
• I Dedosi: aktywny 1581–99
• I Gelosi : aktywny 1568-1604
• Signora Violante i jej trupa tancerzy: aktywny 1729–32
• Zan Ganassa : aktywny 1568–1610

Postacie

Generalnie grający aktorzy różnili się pochodzeniem pod względem klasowym i wyznaniowym i występowali wszędzie, gdzie tylko mogli. Castagno zakłada, że estetyka przesady, przeinaczenia, antyhumanizmu (jak w typach zamaskowanych) i nadmiernego zapożyczenia w przeciwieństwie do oryginalności była typowa dla wszystkich sztuk późnego włoskiego renesansu . Teatr historyk Martin Zielona wskazuje na rozrzutność emocji podczas okresu Commedia ' s pojawienie jako powód reprezentacyjnych nastroje, lub znaków, które definiują sztukę. W komedii każda postać uosabia nastrój: kpiny, smutek, wesołość, zamieszanie i tak dalej.

Według XVIII-wiecznego londyńskiego krytyka teatralnego, Barettiego , commedia dell'arte zawiera w sobie określone role i postacie, które „pierwotnie miały być rodzajem charakterystycznego przedstawiciela jakiejś konkretnej włoskiej dzielnicy lub miasta”. (archetypy) Postać postaci zawierała specyficzny dialekt reprezentowanego regionu lub miasta. Oznacza to, że na scenie każda postać była grana we własnym dialekcie. Postacie często były przekazywane z pokolenia na pokolenie, a postacie, które brały ślub na scenie, często były małżeństwem również w prawdziwym życiu, najsłynniej widziane z Francesco i Isabellą Andreini. Uważano, że czyni to występy bardziej naturalnymi, a także wzmacnia więzi wewnątrz trupy, która podkreśla całkowitą jedność między każdym członkiem. Dodatkowo każda postać ma indywidualny kostium i maskę, które są reprezentatywne dla roli postaci.

Commedia dell'arte ma cztery podstawowe grupy postaci:

1. Zanni : służący, klauni ; postacie takie jak Arlecchino (znany również jako Arlekin ), Brighella , Scapino , Pulcinella i Pedrolino
2. Vecchi : bogaci starcy, mistrzowie; postacie takie jak Pantalone i il Dottore
3. Innamorati : młodzi kochankowie z wyższej klasy; kto miałby imiona takie jak Flavio i Isabella
4. Il Capitano : samozwańczy kapitanowie, przechwałki; może być również La Signora, jeśli kobieta?

Zamaskowane postacie są często nazywane „maskami” (po włosku: maschere ), których według Johna Rudlina nie da się oddzielić od postaci. Innymi słowy, cechy postaci i cechy maski są takie same. Z czasem jednak słowo maschere zaczęło odnosić się do wszystkich postaci z komedii dell'arte, zamaskowanych lub nie. Postacie kobiece (w tym służące) najczęściej nie są zamaskowane ( zakochane kobiety nigdy nie są zamaskowane). Kobieca postać w grupie mistrzów nazywa się Prima Donna i może być jedną z kochanków. Istnieje również postać kobieca znana jako The Courtisane, która również może mieć służącego. Służące nosiły czepki. Ich postać została zagrana ze złośliwym dowcipem lub plotkarską wesołością. W amorosi są często dzieci płci męskiej znaku w grupie Masters, ale nie każdej kobiecej postaci w grupie Masters, który może reprezentować młodsze kobiety, które mają np żonaty starca lub kurtyzany wysokiej klasy. Postacie żeńskie w grupie mistrzów, chociaż młodsze od ich męskich odpowiedników, są jednak starsze niż amorosi . Niektóre z bardziej znanych komedii dell'arte znaków są Pierrot i Pierrette, Pantalone , Dottore , Brighella , Il Capitano , Colombina , że innamorati , Pedrolino , Sandrone , Scaramuccia (znany również jako Scaramouche), La Signora i Tartaglia .

Krótka lista postaci

Postacie)	Maski	Status	Kostium
Arlecchino	tak	Sługa (czasami do dwóch panów)	Kolorowa obcisła kurtka i spodnie
Pulcinella	tak	Sługa lub mistrz	Workowaty, biały strój
Il Dottore	tak	Głowa domu	Czarna szata naukowa
Il Capitano /La Signora	tak	Ubogi samotnik	Mundur wojskowy
Innamorati	Nie	Beznadziejni kochankowie wysokiej klasy	Ładnie ubrany na miarę czasu?
Pantalone	tak	Starszy bogaty człowiek	Ciemne peleryny i czerwone spodnie
Tartaglia	tak	Jąkający się mąż stanu	Duży filcowy kapelusz i ogromny płaszcz
Kolumbina	tak	Dziwaczna pokojówka/sługa	Może być kolorowy na równi z Arlecchino lub czarno-biały
Pierrot	tak	Sługa (smutny klaun)	Biały, zwiewny kostium z dużymi guzikami

W XVII wieku, kiedy komedie stały się popularne we Francji, postacie Pierrota, Columbine i Arlequin zostały udoskonalone i stały się, według Greena, zasadniczo paryskie.

Kostiumy

Każda postać w commedia dell'arte ma odrębny kostium, który pomaga widzom zrozumieć, kim jest postać.

Arlecchino pierwotnie nosił obcisłą, długą kurtkę z dopasowanymi spodniami, które miały liczne łaty o dziwnych kształtach, zwykle zielone, żółte, czerwone i brązowe. Zwykle do jego pasa wisiał kij i portfel. Jego kapelusz, który był miękką czapką, był wzorowany na Karolu IX lub Henryku II i prawie zawsze miał ogon królika, zająca lub lisa z okazjonalnymi kępkami piór. W XVII wieku łaty zamieniły się w niebieskie, czerwone i zielone trójkąty ułożone w symetryczny wzór. XVIII wiek to czas, w którym ukształtował się kultowy wygląd Arlecchino z rombami w kształcie rombu. Kurtka stała się krótsza, a jego czapka zmieniła się z miękkiej czapki na dwuostrzową.

Kostium Il Dottore był grą na stroju akademickim uczonych bolońskich. Il Dottore jest prawie zawsze ubrany w całości na czarno. Miał na sobie długą czarną suknię lub kurtkę sięgającą poniżej kolan. Na suknię miałby długą, czarną szatę, która sięgała mu do pięt, i miał na sobie czarne buty, pończochy i bryczesy. W 1653 roku jego kostium zmienił Augustin Lolli, który był bardzo popularnym aktorem Il Dottore. Dodał ogromny czarny kapelusz, szatę zamienił na marynarkę skrojoną podobnie do Ludwika XIV, a pod szyją dodał płaską kryzę.

Kostium Il Capitano jest podobny do kostiumu Il Dottore pod tym względem, że jest to również satyra na wojskowe stroje tamtych czasów. Ten kostium zmieniałby się zatem w zależności od tego, skąd pochodzi postać Capitano i okresu, z którego pochodzi Capitano.

Pantalone ma jeden z najbardziej kultowych kostiumów Commedia dell'arte. Zazwyczaj nosił obcisłą kurtkę z dopasowaną parą spodni. Zwykle łączy te dwa z dużym czarnym płaszczem zwanym zimarra.

Kobiety, które zwykle grały służące lub kochanki, nosiły mniej stylizowane kostiumy niż mężczyźni w komedii. Kochankowie Innamorati nosili to, co uważano za modę tamtych czasów. Nosili tylko zwykłe półmaski bez rozróżnienia charakteru lub makijażu ulicznego.

Tematy

Konwencjonalne wątki fabularne pisano na temat seksu , zazdrości , miłości i starości . Wiele podstawowych elementów fabuły wywodzi się z rzymskich komedii Plauta i Terence'a , z których niektóre same w sobie były tłumaczeniami zaginionych greckich komedii z IV wieku p.n.e. Bardziej prawdopodobne jest jednak to, że komiksy wykorzystywały współczesne nowele lub też tradycyjne źródła, a także czerpały z bieżących wydarzeń i lokalnych wiadomości. Nie wszystkie scenariusze były komiczne, były formy mieszane, a nawet tragedie. Szekspira Burza pochodzi z popularnej scenariusza w kolekcji Scala, jego Poloniusz ( Hamlet ) jest pobierana z Pantalone, a jego klaunów ponieść hołd zanni .

Comici wykonywał na dworze pisane komedie. Pieśń i taniec były szeroko stosowane, a wielu innamorati było utalentowanymi madrygałami , formą pieśni wykorzystującą chromatykę i ścisłą harmonię . Publiczność przyjechała zobaczyć wykonawców, a wątki fabularne stały się drugorzędne w stosunku do spektaklu. Wśród wielkich bezdomnych , chyba najbardziej znana była Isabella Andreini , a medalion jej poświęcony głosi „wieczną sławę”. Tristano Martinelli osiągnął międzynarodową sławę jako pierwszy z wielkich Arlecchinos i został uhonorowany przez Medyceuszy i królową Francji. Wykonawcy wykorzystywali dobrze wyćwiczone dowcipy i gagi fizyczne, znane jako lazzi i concetti , a także improwizowane i interpolowane na miejscu epizody i rutyny, zwane burle (pojedyncza burla , po włosku żart), zwykle zawierające praktyczny żart .

Ponieważ produkcje były improwizowane, dialogi i akcję można było łatwo zmienić tak, aby satyrować lokalne skandale, bieżące wydarzenia lub regionalne gusta, jednocześnie wykorzystując stare dowcipy i puenty. Postacie identyfikowano za pomocą kostiumów, masek i rekwizytów , takich jak rodzaj pałki zwanej slapstickiem . Wśród tych postaci byli przodkowie współczesnego klauna , a mianowicie Arlekin ( arlecchino ) i zanni . W szczególności Arlekinowi pozwolono komentować bieżące wydarzenia w swojej rozrywce.

Klasyczna, tradycyjna fabuła głosi, że innamorati są zakochani i chcą się pobrać, ale jeden starszy ( vecchio ) lub kilku starszych ( vecchi ) zapobiega temu, co prowadzi kochanków do proszenia jednego lub więcej zanni (ekscentrycznych służących) o Wsparcie. Zazwyczaj historia kończy się szczęśliwie, małżeństwem innamorati i przebaczeniem wszelkich wykroczeń. Istnieje niezliczona ilość wariacji na temat tej historii, a także wiele całkowicie odbiegających od struktury, na przykład dobrze znana opowieść o tajemniczej ciąży Arlecchino lub scenariusz Punch and Judy .

Choć generalnie nie były to osobiście scenariusze, spektakle często opierały się na scenariuszach, które dawały pozory fabuły w dużej mierze improwizowanej formie. Scenariusze Flaminio Scali , opublikowane na początku XVII wieku, są najbardziej znaną kolekcją i reprezentują jej najbardziej poważaną kompanię, I Gelosi .

Wpływ na sztukę wizualną

Ikonografia komedii dell'arte reprezentuje cały obszar badań, który został zbadany przez badaczy komedii, takich jak Erenstein, Castagno, Katritzky, Molinari i innych. We wczesnym okresie reprezentatywne dzieła malarzy z Fontainebleau wyróżniały się erotycznymi przedstawieniami cienko zawoalowanej innamorata , czyli kurtyzany/aktorki z obnażonym biustem.

Wpływ flamandzki jest szeroko udokumentowany, gdy postacie komediowe wkroczyły w świat gatunku vanitas , przedstawiając niebezpieczeństwa związane z pożądaniem, piciem i hedonistycznym stylem życia. Castagno opisuje flamandzkich pittore vago (wędrujących malarzy), którzy asymilowali się we włoskich warsztatach, a nawet przybierali włoskie nazwiska: jeden z najbardziej wpływowych malarzy, Lodewyk Toeput, na przykład został Ludovico Pozzoserrato i był znanym malarzem w regionie Veneto we Włoszech. Pittore vago można przypisać z założeniem commedia dell'arte jako gatunku malarstwa, które utrzymują się przez wieki.

Chociaż ikonografia świadczy o stylu wykonania (patrz kolekcja Fossarda), ważne jest, aby pamiętać, że wiele obrazów i rycin nie było przedstawieniami z prawdziwego życia, ale zostało wymyślonych w studio. W Callot akwaforty z Balli di Sfessania (1611) są najbardziej powszechnie uważany Capricci zamiast rzeczywistych przedstawień z commedia formy tańca, lub typowych masek. Chociaż są one często powielane w dużych formatach, ważne jest, aby pamiętać, że rzeczywiste wydruki mierzą około 2 × 3 cale. W XVIII wieku obrazy Watteau przedstawiające postacie komediowe przeplatające się z arystokracją często umieszczane były we wspaniałych ogrodach lub pasterskich wnętrzach i były reprezentatywne dla tego gatunku.

Obraz Pabla Picassa z 1921 r. Trzej muzycy to barwne przedstawienie postaci inspirowanych komedią. Picasso zaprojektowany również oryginalne kostiumy do Strawińskiego „s Pulcinella (1920), balet przedstawiający Commedia postacie i sytuacje. Ikonografia komedii jest widoczna w porcelanowych figurkach, które wiele z nich sprzedaje na aukcjach za tysiące dolarów.

Wpływ na sztukę performance

Ekspresyjny teatr wpłynął na komedię Moliera , a następnie na ballet d'action , nadając w ten sposób nową gamę środków wyrazu i choreograficznych. Przykładem postaci komedii dell'arte w literaturze jest Pied Piper z Hameln, który jest przebrany za Arlekina .

Muzyka i taniec miały kluczowe znaczenie dla występów komedii dell'arte , a większość przedstawień zawierała zarówno muzykę instrumentalną, jak i wokalną. Brighella była często przedstawiana z gitarą, a wiele obrazów komedii przedstawia śpiewające innamorati lub tańczące postacie. W rzeczywistości uważano za część funkcji innamorati, aby móc śpiewać i mieć za sobą popularny repertuar. Relacje o wczesnej komedii , już w Calmo w latach 70. XVI wieku i buffoni z Wenecji, odnotowują zdolność comici do precyzyjnego i pięknego śpiewania madrygali . Danzatrice prawdopodobnie towarzyszył trupy i może być oprócz ogólnego oddanych znaków. Przykłady dziwnych instrumentów różnych formacji groteskowych można znaleźć w artykułach Toma Hecka, który udokumentował ten obszar.

W pracach wielu dramaturgów pojawiały się postacie zainspirowane komedią dell'arte, a czasem bezpośrednio z niej zaczerpnięte. Wybitni przykłady obejmują The Tempest przez Williama Szekspira , Szelmostwa Skapena przez Moliera , Sługa dwóch panów (1743) przez Carlo Goldoni The Figaro gra od Pierre'a Beaumarchais , a zwłaszcza Miłość do trzech pomarańczy , Turandot i innych fiabe przez Carlo Gozzi . Wpływy pojawiają się w lokatorów w Steven Berkoff „adaptacji s od Franz Kafka ” s metamorfozy .

Dzięki swoim powiązaniom z teatrem mówionym i dramatopisarzami, postacie komediowe dostarczyły operze wielu jej typowych postaci. Mozart „s Don Giovanni ustawia historia kukiełkowe i komiczne słudzy jak Leporellem i Figara mieć Commedia precedensów. Postacie Soubrette, takie jak Susanna w Weselu Figara , Zerlina w Don Giovannim i Despina w Così fan tutte, przypominają Columbinę i postacie pokrewne. Opery komiczne Gaetano Donizettiego , takie jak Elisir d'amore , chętnie czerpią z typów komedii . Leoncavallo jest tragiczny melodramat Pagliacci przedstawia commedia dell'arte spółka, w której wykonawcy znaleźć ich sytuacje życiowe odzwierciedlające zdarzenia one przedstawiają na scenie. Bohaterowie komedii pojawiają się również w operze Ariadne auf Naxos Richarda Straussa .

Kawałek fortepianowy Carnaval przez Roberta Schumanna został pomyślany jako swego rodzaju balu maskowym, które połączone postacie z Commedia dell'arte z prawdziwymi postaciami świata, takich jak Chopin , Paganini i Clara Schumann , a także postacie z wewnętrznym świecie kompozytora. Ruchy utworu odzwierciedlają imiona wielu bohaterów Komedii , m.in. Pierrota , Arlekina , Pantalona i Columbine .

W balecie pojawiają się również postacie i sytuacje standardowe. Igor Strawiński „s Pietruszka i Pulcinella nawiązują bezpośrednio do tradycji.

Commedia dell'arte jest wystawiana sezonowo w Danii na Pawiej Scenie w Ogrodach Tivoli w Kopenhadze oraz na północ od Kopenhagi w Dyrehavsbakken lub „Bakken”. Tivoli ma regularne występy. Bakken ma codzienne występy dla dzieci Pierrota i lalkową wersję Pulcinelli przypominającą Puncha i Judy .

Uwagi

Bibliografia

Źródła

• Castagno, Paul C. (1994). Wczesna komedia dell'arte (1550-1621): kontekst manierystyczny . Berno, Nowy Jork: Peter Lang Publishing.
• Cohena, Roberta; Sherman, Donovan (2020). Teatr: wydanie skrócone (wyd. dwunaste). Nowy Jork, Nowy Jork. Numer ISBN 978-1-260-05738-6. OCLC  1073038874 .
• Zielony, Marcin; Łabędź, Jan (1993). Triumf Pierrota: Komedia dell'arte i nowoczesna wyobraźnia . Uniwersytet Stanowy w Pensylwanii. Numer ISBN 978-0-271-00928-5.
• mgr Katritzky (2006). Sztuka komedii: studium w Commedia dell'arte 1560–1620 ze szczególnym odniesieniem do zapisów wizualnych . Nowy Jork: Wydania Rodopi. Numer ISBN 978-90-420-1798-6.
• Palleschi, Marino (2005). „Komedia dell'arte: jej początki, rozwój i wpływ na balet” . Auguste Vestris .)
• Rudlina, Jana. Commedia dell'arte: Podręcznik aktora . Ebook Corporation.
• Rudlina, Jana; Crick, Oliver (2001). Commedia dell'arte: Podręcznik dla zespołów . Londyn: Routledge. Numer ISBN 041-520-408-9.
• Smith, Winifred (1964). Komedia dell'arte . Benjamina Blooma.

Dalsza lektura

• Aguirre, Mariano 'Qué es la Commedia dell'arte' (hiszpański) [1]
• Chaffee, Judyta; Crick, Oliver, wyd. (2014). Towarzysz Routledge do Commedia Dell'Arte . Routledge. Numer ISBN 978-1-317-61337-4.
• Callery, Dymfna. Przez ciało: praktyczny przewodnik po teatrze fizycznym . Londyn: Nickalis Hernt Books (2001). ISBN  1-85459-630-6
• Cecchini, Pier Maria  [ it ] (1628) Frutti delle moderne comedie et avvisi a chi le recita , Padwa: Guareschi
• Perrucci, Andrea (1699) Dell'arte rappresentativa premeditata, ed all'improviso
• Scala, Flaminio (1611) Il Teatro Delle Favole Rappresentative ( plik pdf dostępny na stronie internetowej Bawarskiej Biblioteki Państwowej ). Przetłumaczone na angielski przez Henry'ego F. Salerno w 1967 jako Scenariusze Commedia dell'arte . Nowa edycja włoska wyleczona przez F.Mariottiego (1976). Nowe częściowe tłumaczenie (30 scenariuszy z 50) Richarda Andrewsa (2008) Komedia dell'arte Flaminio Scali, A Translation and Analysis of Scenarios Wydane przez: Scarecrow Press.
• Dariusz, Adam . Commedia dell'arte (1996) Kolesnik Production OY, Helsinki. ISBN  952-90-7188-4
• DelPiano, Roberto La Commedia dell'arte 2007. Źródło 09.07.2009.
• Grantham, Barry Playing Commedia , Nick Hern Books , Londyn, 2000. ISBN  978-1-85459-466-2
• Grantham, Barry Commedia Plays: Scenariusze - Skrypty - Lazzi , Nick Hern Books , Londyn, 2006. ISBN  978-1-85459-871-4
• Jordania, Piotr (2013). Weneckie początki komedii Dell'Arte . Routledge. Numer ISBN 978-1-136-48824-5.
• mgr Katritzky (2019). „Stefanelo Botara i Zan Ganassa: zapisy tekstowe i wizualne muzycznej komedii dell'arte Duo, w i poza Early Modern Iberia”. Muzyka w sztuce: International Journal for Music Iconography . 44 (1–2): 97–118. ISSN  1522-7464 .
• Puppa, Paolo Historia włoskiego teatru . Wyd. Josepha Farrella. Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. 2006. ISBN  0-521-80265-2
• Piasek, Maurycy (1860). Masques et bouffouns:(comédie italienne) (w języku francuskim). Ilustrowane przez Maurice Sand. Paryż: Michel Levy Freres . Źródło 22 października 2013 .
• Smith, Winifred (1912). Commedia dell'Arte: studium popularnej włoskiej komedii . Nowy Jork: Wydawnictwo Uniwersytetu Columbia . Źródło 10 lipca 2009 . John Rudlin commedia dell'arte.
• Taviani, Ferdinando i Marotti, Ferruccio i Romei, Giovanna. La Commedia dell'arte e la societa barocca M. Bulzoni, Roma : 1969
• Taviani, Ferdinando i M. Schino (1982) Il segreto della commedia dell'arte .
• Tessari, R. (1969) La commedia dell'arte nel seicento
• Tessari, R. (1981) Commedia dell'arte: la maschera e l'ombra
• Tony, Kishawi Nauczanie komedii dell'arte (2010) Podręcznik krok po kroku dla zespołu teatralnego i nauczyciela dramy . [2] ISBN  978-0-646-53217-2
• Simply Masquerade – rodzaje stosowanych masek

Zewnętrzne linki

• commedia-dell-arte.com — witryna Commedia Judith Chaffee z zasobami, bibliografią z adnotacjami i łączami
• Meagher, Jennifer (2007) Commedia dell'arte , Metropolitan Museum of Art , lipiec 2007
• Bellinger, Martha Fletcher (2002) "Komedia dell'arte" , Krótka historia dramatu (1927)
• Wilson, Matthew R. (2010) Historia komedii dell'Arte