Sztuka - Art

Ruchu wskazówek zegara od lewego górnego rogu: AN 1887 autoportretu przez Vincenta van Gogha ; postać żeńskiego przodka autorstwa artysty Chokwe ; fragment z Narodzin Wenus (ok. 1484–1486) Sandro Botticellego ; i lew z Okinawy Shisa

Sztuka to szeroki zakres ludzkich działań (lub ich wytworów), które angażują twórczą wyobraźnię i mają na celu wyrażenie biegłości technicznej, piękna, siły emocjonalnej lub idei konceptualnych .

Nie ma ogólnie przyjętej definicji tego, co stanowi sztukę, a idee zmieniały się z biegiem czasu. Trzy klasyczne gałęzie sztuki wizualnej to malarstwo , rzeźba i architektura . Teatr , taniec i inne sztuki sceniczne , a także literatura , muzyka , film i inne media , takie jak media interaktywne , są objęte szerszą definicją sztuki . Do XVII wieku sztuka odnosiła się do wszelkich umiejętności czy mistrzostwa i nie różniła się od rzemiosła czy nauki . We współczesnym użyciu po XVII wieku, gdzie względy estetyczne mają pierwszorzędne znaczenie, sztuki piękne są oddzielane i odróżniane od nabytych umiejętności w ogóle, takich jak sztuka dekoracyjna czy stosowana .

Natura sztuki i związane z nią koncepcje, takie jak kreatywność i interpretacja , są badane w gałęzi filozofii znanej jako estetyka . Powstałe dzieła sztuki są badane w profesjonalnych dziedzinach krytyki artystycznej i historii sztuki .

Przegląd

Panorama fragmentu Tysiąca Li gór i rzek , XII-wiecznego obrazu artysty z dynastii Song, Wanga Ximenga .

W perspektywie historii sztuki, dzieła artystyczne istniały niemal tak długo jak ludzkość: od wczesnych prehistorycznych sztuki dla sztuki współczesnej ; jednak niektórzy teoretycy uważają, że typowa koncepcja „dzieł artystycznych” mniej pasuje poza współczesnymi społeczeństwami zachodnimi. Jedno wczesne znaczenie definicji sztuki jest ściśle związane ze starszym łacińskim znaczeniem, które z grubsza przekłada się na „umiejętność” lub „rzemiosło”, w związku ze słowami takimi jak „rzemieślnik”. Angielskie słowa wywodzące się z tego znaczenia obejmują artefakt , sztuczność , sztuczność , sztukę medyczną i sztukę wojskową . Istnieje jednak wiele innych potocznych zastosowań tego słowa, wszystkie związane z jego etymologią .

Butelka XX wieku, Ludy Twa , Rwanda, Dzieła artystyczne, oprócz walorów dekoracyjnych, mogą pełnić funkcje praktyczne.

Z biegiem czasu filozofowie tacy jak m.in. Platon , Arystoteles , Sokrates i Kant kwestionowali znaczenie sztuki. Kilka dialogów u Platona podejmuje pytania o sztukę: Sokrates mówi, że poezja jest inspirowana muzami i nie jest racjonalna. Mówi z aprobatą o tym i innych formach boskiego szaleństwa (pijaństwo, erotyka i śnienie) w Fajdrosie (265a-c), a jednak w Republice chce zakazać wielkiej sztuki poetyckiej Homera, a także śmiechu. W Ionie Sokrates nie wspomina o dezaprobacie Homera, którą wyraża w Republice . Dialog Ion sugeruje, że Homer „s Iliada funkcjonował w starożytnego greckiego świata Biblia dzisiaj we współczesnym świecie chrześcijańskim: jak natchnione sztuką literacką, która może dostarczyć wskazówek moralnych, jeśli tylko może być prawidłowo interpretowane.

Jeśli chodzi o sztukę literacką i sztukę muzyczną, Arystoteles uważał poezję epicką , tragedię, komedię, poezję dytyrambiczną i muzykę za sztukę mimetyczną lub naśladowczą, z których każda różni się naśladowaniem przez medium, przedmiot i sposób. Na przykład muzyka naśladuje za pomocą rytmu i harmonii, taniec naśladuje samym rytmem, a poezja językiem. Formy różnią się także przedmiotem naśladownictwa. Komedia, na przykład, jest dramatyczną imitacją mężczyzn gorszą niż przeciętna; podczas gdy tragedia nieco lepiej niż przeciętna naśladuje mężczyzn. Wreszcie formy różnią się sposobem naśladowania – poprzez narrację lub charakter, przez zmianę lub brak zmiany, przez dramat lub brak dramatu. Arystoteles uważał, że naśladownictwo jest naturalne dla ludzkości i stanowi jedną z przewag ludzkości nad zwierzętami.

Nowsze i bardziej specyficzne znaczenie słowa sztuka jako skrótu od sztuki twórczej lub sztuk pięknych pojawiło się na początku XVII wieku. Sztuka piękna odnosi się do umiejętności używanej do wyrażania kreatywności artysty lub angażowania wrażliwości estetycznej publiczności lub przyciągania publiczności do rozważenia bardziej wyrafinowanego lub subtelniejszego dzieła sztuki.

W tym drugim znaczeniu słowo sztuka może odnosić się do kilku rzeczy: (i) badania umiejętności twórczej, (ii) procesu wykorzystania umiejętności twórczej, (iii) produktu umiejętności twórczej lub (iv) doświadczenie odbiorców z umiejętnościami twórczymi. Sztuki twórcze ( sztuka jako dyscyplina) to zbiór dyscyplin, które wytwarzają dzieła sztuki ( sztuka jako przedmioty), które są wymuszone osobistym popędem (sztuka jako działanie) i przekazują przesłanie, nastrój lub symbolikę do interpretacji przez postrzegającego (sztuka jako doświadczenie). Sztuka to coś, co stymuluje myśli, emocje, przekonania lub idee jednostki poprzez zmysły. Dzieła sztuki mogą być wyraźnie wykonane w tym celu lub interpretowane na podstawie obrazów lub przedmiotów. Dla niektórych uczonych, takich jak Kant , nauki ścisłe i sztukę można odróżnić, uznając naukę za dziedzinę wiedzy, a sztukę za dziedzinę wolności wypowiedzi artystycznej.

Często, jeśli umiejętność jest używana w powszechny lub praktyczny sposób, ludzie uznają ją za rzemiosło, a nie sztukę. Podobnie, jeśli umiejętność jest wykorzystywana w sposób komercyjny lub przemysłowy, można ją uznać za sztukę komercyjną, a nie sztukę piękną. Z drugiej strony rzemiosło i projektowanie są czasami uważane za sztukę użytkową . Niektórzy zwolennicy sztuki argumentowali, że różnica między sztuką piękną a sztuką użytkową ma więcej wspólnego z ocenami wartości sztuki niż z jakąkolwiek wyraźną różnicą definicyjną. Jednak nawet sztuka ma często cele wykraczające poza czystą kreatywność i wyrażanie siebie. Celem dzieł sztuki może być przekazywanie idei, na przykład w sztuce motywowanej politycznie, duchowo lub filozoficznie; stworzyć poczucie piękna (patrz estetyka ); zbadać naturę percepcji; dla przyjemności; lub generować silne emocje . Cel może być również pozornie nieistniejący.

Filozof Richard Wollheim określił naturę sztuki jako „jeden z najbardziej nieuchwytnych tradycyjnych problemów ludzkiej kultury”. Sztuka została zdefiniowana jako wehikuł wyrażania lub komunikowania emocji i idei, środek do odkrywania i doceniania elementów formalnych dla nich samych oraz jako mimesis lub reprezentacja . Sztuka jako mimesis ma głębokie korzenie w filozofii Arystotelesa . Lew Tołstoj zidentyfikował sztukę jako wykorzystanie pośrednich środków komunikacji między osobami. Benedetto Croce i RG Collingwood wysunęli idealistyczny pogląd, że sztuka wyraża emocje, a zatem dzieło sztuki zasadniczo istnieje w umyśle twórcy. Teoria sztuki jako formy ma swoje korzenie w filozofii Kanta i została rozwinięta na początku XX wieku przez Rogera Fry'a i Clive'a Bella . Ostatnio myśliciele pod wpływem Martina Heideggera zinterpretowali sztukę jako środek, za pomocą którego społeczność rozwija dla siebie medium autoekspresji i interpretacji. George Dickie zaproponował instytucjonalną teorię sztuki, która definiuje dzieło sztuki jako każdy artefakt, któremu wykwalifikowana osoba lub osoby działające w imieniu instytucji społecznej powszechnie nazywanej „ światem sztuki ” nadały „status kandydata do uznania ”. Larry Shiner opisał sztukę piękną jako „nie esencję ani przeznaczenie, ale coś, co stworzyliśmy. Sztuka, jak powszechnie rozumiemy, jest wynalazkiem europejskim, który ma zaledwie dwieście lat”.

Sztukę można scharakteryzować w kategoriach mimesis (jej reprezentacji rzeczywistości), narracji (opowiadania historii), ekspresji, komunikacji emocji lub innych jakości. W okresie romantyzmu sztuka zaczęła być postrzegana jako „specjalna władza ludzkiego umysłu, którą można podzielić na religię i naukę”.

Historia

Wenus z Willendorfu , około 24 000–22 000  BP
Tył renesansowej owalnej miski lub naczynia w Metropolitan Museum of Art

Muszla wyryta przez Homo erectus miała od 430 000 do 540 000 lat. Zestaw ośmiu szponów bielika sprzed 130 000 lat nosi ślady nacięć i przetarcia, które wskazują na manipulacje ze strony neandertalczyków, prawdopodobnie w celu wykorzystania ich jako biżuterii. W południowoafrykańskiej jaskini odkryto serię maleńkich, przewierconych muszli ślimaków, mających około 75 000 lat. Już 100 000 lat znaleziono pojemniki, które mogły być używane do przechowywania farb.

Odkryto rzeźby, malowidła jaskiniowe, malowidła naskalne i petroglify z górnego paleolitu sprzed około 40 000 lat, ale dokładne znaczenie takiej sztuki jest często kwestionowane, ponieważ tak niewiele wiadomo o kulturach, które je wytworzyły.

Malowidło jaskiniowe przedstawiające konia z jaskiń Lascaux , około 16 000 BP

Wiele wielkich tradycji w sztuce ma podstawy w sztuce jednej z wielkich starożytnych cywilizacji: starożytnego Egiptu , Mezopotamii , Persji , Indii, Chin, starożytnej Grecji, Rzymu, a także Inków , Majów i Olmeków . Każdy z tych ośrodków wczesnej cywilizacji wypracował w swojej sztuce niepowtarzalny i charakterystyczny styl. Ze względu na rozmiar i czas trwania tych cywilizacji, więcej ich dzieł sztuki przetrwało, a ich wpływ został przeniesiony do innych kultur i późniejszych czasów. Niektórzy dostarczyli również pierwsze zapisy pracy artystów. Na przykład, ten okres sztuki greckiej był świadkiem kultu ludzkiej formy fizycznej i rozwoju równoważnych umiejętności pokazywania muskulatury, równowagi, piękna i anatomicznie poprawnych proporcji.

W sztuce bizantyjskiej i średniowiecznej zachodniego średniowiecza znaczna część sztuki skupiała się na wyrażaniu tematów dotyczących kultury biblijnej i religijnej oraz używała stylów, które ukazywały wyższą chwałę niebiańskiego świata, takich jak użycie złota w tle obrazów, czy szkła w mozaikach czy oknach, które również przedstawiały postacie w wyidealizowanych, wzorzystych (płaskich) formach. Mimo to w małych bizantyjskich dziełach przetrwała tradycja klasycznego realizmu, a realizm w sztuce katolickiej Europy stale rósł .

Sztuka renesansowa kładła znacznie większy nacisk na realistyczne ujęcie świata materialnego i miejsca w nim człowieka, odzwierciedlone w cielesności ludzkiego ciała, oraz wypracowanie systematycznej metody perspektywy graficznej, aby przedstawić recesję w trzech wymiarach przestrzeń obrazu.

W stylizowany podpis sułtana Mahmuda II z Imperium Osmańskiego została napisana w kaligrafia arabska . Brzmi on: „Mahmud Khan, syn Abdulhamida, zwycięża na zawsze”.
Wielki Meczet w Kairouan w Tunezji, zwany również Meczet Ukba, jest jednym z najlepszych, najważniejszych i najlepiej zachowanych artystycznych i architektonicznych przykładów wcześnie wielkich meczetów. Datowany w obecnym stanie z IX wieku, jest przodkiem i wzorem wszystkich meczetów na zachodnich ziemiach islamskich.

Na wschodzie odrzucenie ikonografii przez sztukę islamską doprowadziło do położenia nacisku na wzory geometryczne , kaligrafię i architekturę . Dalej na wschód religia dominowała także w stylach i formach artystycznych. Indie i Tybet kładły nacisk na malowane rzeźby i taniec, podczas gdy malarstwo religijne zapożyczało wiele konwencji z rzeźby i miało tendencję do jaskrawych kontrastujących kolorów z naciskiem na kontury. Chiny były świadkiem rozkwitu wielu form sztuki: rzeźbienia z jadeitu, brązu, ceramiki (w tym oszałamiającej armii terakotowej cesarza Qin), poezji, kaligrafii, muzyki, malarstwa, dramatu, beletrystyki itp. Chińskie style różnią się znacznie w zależności od epoki i każdej z nich. jeden jest tradycyjnie nazwany na cześć panującej dynastii. Na przykład obrazy z dynastii Tang są monochromatyczne i rzadkie, podkreślając wyidealizowane krajobrazy, ale obrazy z dynastii Ming są pracowite i kolorowe i skupiają się na opowiadaniu historii poprzez ustawienie i kompozycję. Japonia również nazywa swoje style po dynastiach cesarskich, a także widziała wiele interakcji między stylami kaligrafii i malarstwa. Druk drzeworytów stał się ważny w Japonii po XVII wieku.

Obraz Ma Lin, artysty z dynastii Song , ok. 1250 r. 24,8 × 25,2 cm

Zachodnia epoka oświecenia w XVIII wieku obfitowała w artystyczne przedstawienia fizycznych i racjonalnych pewników mechanicznego wszechświata, a także politycznie rewolucyjne wizje postmonarchistycznego świata, takie jak przedstawienie przez Blake'a Newtona jako boskiego geometra czy Davida. propagandowe obrazy. Doprowadziło to do romantycznego odrzucenia tego na rzecz obrazów emocjonalnej strony i indywidualności człowieka, czego przykładem są powieści Goethego . Pod koniec XIX wieku pojawiło się wiele ruchów artystycznych, takich jak sztuka akademicka , symbolizm , impresjonizm i fowizm .

Historia sztuki XX wieku to opowieść o nieskończonych możliwościach i poszukiwaniu nowych standardów, z których każdy jest po kolei burzony przez następny. W ten sposób parametry impresjonizmu , ekspresjonizmu , fowizmu , kubizmu , dadaizmu , surrealizmu itp. nie mogą być utrzymane zbyt daleko poza czasem ich wynalezienia. Rosnąca globalna interakcja w tym czasie dostrzegła równoważny wpływ innych kultur na sztukę zachodnią. Tak więc japońskie drzeworyty (same pod wpływem zachodniego renesansu) miały ogromny wpływ na impresjonizm i późniejszy rozwój. Później rzeźby afrykańskie przejął Picasso i częściowo Matisse . Podobnie w XIX i XX wieku Zachód wywarł ogromny wpływ na sztukę Wschodu, a pierwotnie zachodnie idee, takie jak komunizm i postmodernizm, wywierały potężny wpływ.

Modernizm , idealistyczne poszukiwanie prawdy, ustąpił w drugiej połowie XX wieku uświadomieniu sobie jej nieosiągalności. Theodor W. Adorno powiedział w 1970 r.: „Obecnie uważa się za oczywiste, że nic, co dotyczy sztuki, nie może być już brane za pewnik: ani sama sztuka, ani sztuka w odniesieniu do całości, ani nawet prawo sztuki do istnienia”. Relatywizm został przyjęty jako nieunikniona prawda, co doprowadziło do okresu sztuki współczesnej i ponowoczesnej krytyki , gdzie kultury świata i historii postrzegane są jako zmieniające się formy, które można docenić i wyciągnąć jedynie ze sceptycyzmem i ironią. Co więcej, podział kultur jest coraz bardziej zamazany i niektórzy twierdzą, że obecnie bardziej właściwe jest myślenie w kategoriach kultury globalnej niż regionalnej.

W Pochodzeniu dzieła sztuki Martin Heidegger, niemiecki filozof i wybitny myśliciel, opisuje istotę sztuki w kategoriach pojęć bytu i prawdy. Przekonuje, że sztuka jest nie tylko sposobem wyrażania elementu prawdy w kulturze, ale sposobem jej tworzenia i stanowi odskocznię, z której można ujawnić „to, co jest”. Dzieła sztuki nie są jedynie reprezentacją tego, czym są rzeczy, ale w rzeczywistości tworzą wspólne zrozumienie społeczności. Za każdym razem, gdy do jakiejkolwiek kultury dodaje się nowe dzieło sztuki, znaczenie tego, czym jest istnienie, jest nieodłącznie zmieniane.

Historycznie rzecz biorąc, umiejętności i idee artystyczne i artystyczne były często rozpowszechniane poprzez handel. Przykładem tego jest Jedwabny Szlak , na którym mieszały się wpływy hellenistyczne, irańskie, indyjskie i chińskie. Sztuka buddyjska Greco jest jednym z najbardziej żywych przykładów tej interakcji. Spotkanie różnych kultur i światopoglądów wpłynęło również na twórczość artystyczną. Przykładem jest wielokulturowa metropolia portowa Triest na początku XX wieku, w której James Joyce poznał pisarzy z Europy Środkowej oraz rozwój artystyczny Nowego Jorku jako tygla kulturowego.

Formy, gatunki, media i style

Napoleon I na tronie cesarskim , Ingres (francuski, 1806), olej na płótnie

Sztuki twórcze są często podzielone na bardziej szczegółowe kategorie, zwykle według percepcyjnie rozróżnialnych kategorii, takich jak media , gatunek, style i forma. Forma sztuki odnosi się do elementów sztuki, które są niezależne od jej interpretacji lub znaczenia. Obejmuje metody przyjęte przez artystę i fizyczną kompozycję dzieła sztuki, przede wszystkim niesemantyczne aspekty dzieła (tj. figury ), takie jak kolor , kontur , wymiar , medium , melodia , przestrzeń , faktura i wartość . Forma może również obejmować zasady projektowania wizualnego , takie jak układ, równowaga , kontrast , akcent , harmonia , proporcje , bliskość i rytm.

Ogólnie rzecz biorąc, istnieją trzy szkoły filozofii dotyczące sztuki, skupiające się odpowiednio na formie, treści i kontekście. Skrajny formalizm to pogląd, że wszystkie estetyczne właściwości sztuki są formalne (to znaczy stanowią część formy sztuki). Filozofowie niemal powszechnie odrzucają ten pogląd i utrzymują, że właściwości i estetyka sztuki wykraczają poza materiały, techniki i formę. Niestety, nie ma zgody co do terminologii tych nieformalnych własności. Niektórzy autorzy odwołują się do tematyki i treści – tj. denotacji i konotacji – podczas gdy inni preferują terminy takie jak znaczenie i znaczenie.

Skrajny intencjonalizm utrzymuje, że intencja autorska odgrywa decydującą rolę w znaczeniu dzieła sztuki, przekazując treść lub zasadniczą ideę przewodnią, podczas gdy wszelkie inne interpretacje można odrzucić. Definiuje podmiot jako reprezentowane osoby lub ideę, a treść jako doświadczanie tego podmiotu przez artystę. Na przykład kompozycja Napoleona I na jego cesarskim tronie jest częściowo zapożyczona z posągu Zeusa w Olimpii . Jak wskazuje tytuł, tematem jest Napoleon , a treścią jest przedstawienie Napoleona przez Ingresa jako „cesarza-boga poza czasem i przestrzenią”. Filozofowie, podobnie jak skrajny formalizm, zazwyczaj odrzucają skrajny intencjonalizm, ponieważ sztuka może mieć wiele niejednoznacznych znaczeń, a intencja autorska może być niepoznawalna, a przez to nieistotna. Jego restrykcyjna interpretacja jest „społecznie niezdrowa, filozoficznie nierealna i politycznie niemądra”.

Wreszcie rozwijająca się teoria poststrukturalizmu bada znaczenie sztuki w kontekście kulturowym, takim jak idee, emocje i reakcje wywołane przez dzieło. Kontekst kulturowy często sprowadza się do technik i intencji artysty, w którym to przypadku analiza przebiega po liniach zbliżonych do formalizmu i intencjonalizmu. Jednak w innych przypadkach mogą dominować uwarunkowania historyczne i materialne, takie jak przekonania religijne i filozoficzne, struktury społeczno-polityczne i ekonomiczne, a nawet klimat i geografia. Krytyka sztuki rozwija się i rozwija wraz ze sztuką.

Umiejętności i rzemiosło

Sztuka może kojarzyć się z poczuciem wyćwiczonych umiejętności lub opanowania medium . Sztuka może również po prostu odnosić się do rozwiniętego i efektywnego użycia języka, aby przekazać znaczenie z bezpośredniością lub głębią. Sztukę można zdefiniować jako akt wyrażania uczuć, myśli i obserwacji.

W wyniku posługiwania się materiałem osiąga się zrozumienie, które ułatwia procesy myślowe. Powszechnie uważa się, że epitet „sztuka”, zwłaszcza w jego wzniosłym znaczeniu, wymaga od artysty pewnego poziomu twórczej wiedzy, czy to demonstracji umiejętności technicznych, oryginalności w podejściu stylistycznym, czy też połączenia tych dwóch. Tradycyjnie umiejętność wykonania była postrzegana jako cecha nieodłączna od sztuki, a tym samym niezbędna dla jej sukcesu; dla Leonarda da Vinci sztuka, ani mniej, ani więcej niż inne jego przedsięwzięcia, była przejawem umiejętności. Dzieło Rembrandta , obecnie chwalone za ulotne walory, było najbardziej podziwiane przez współczesnych mu za wirtuozerię. Na przełomie 20 wieku, występy Adroit z John Singer Sargent były na przemian podziwiany i oglądany ze sceptycyzmem do ich ręcznego płynnie, ale w niemal tym samym czasie artysta, który stałby się era najbardziej uznane i wędrowny iconoclast, Pablo Picasso , był ukończenie tradycyjnego szkolenia akademickiego, w którym celował.

Szczegółowo Leonardo da Vinci „s Mona Lisa , c. 1503–1506, przedstawiający technikę malarską sfumato

Powszechna współczesna krytyka niektórych sztuk nowoczesnych pojawia się na linii sprzeciwu wobec widocznego braku umiejętności lub zdolności wymaganych w produkcji obiektu artystycznego. W sztuce konceptualnej „ FontannaMarcela Duchampa jest jednym z pierwszych przykładów prac, w których artysta wykorzystywał znalezione przedmioty („ready-made”) i nie wykorzystywał tradycyjnie uznawanych umiejętności. Tracey Emin „s My Bed , czy Damien Hirst ” s Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle istoty żyjącej za tym przykładem i również manipulować media masowe. Emin spała (i zajmowała się innymi czynnościami) w swoim łóżku, zanim umieściła wynik w galerii jako dzieło sztuki. Hirst wymyślił projekt koncepcyjny grafiki, ale większość ostatecznego stworzenia wielu dzieł pozostawił zatrudnionym rzemieślnikom. Sława Hirsta opiera się całkowicie na jego zdolności do tworzenia szokujących koncepcji. Faktyczna produkcja w wielu konceptualnych i współczesnych dziełach sztuki jest kwestią montażu znalezionych przedmiotów. Jest jednak wielu artystów modernistycznych i współczesnych, którzy nadal przodują w umiejętnościach rysowania i malowania oraz w tworzeniu praktycznych dzieł sztuki.

Cel, powód

Navajo dywanik wykonany około 1880 roku
Miniatura mozarabskiego Beatusa . Hiszpania, koniec X wieku

Sztuka pełniła w swojej historii wiele różnych funkcji, przez co jej cel trudno było wyabstrahować lub określić ilościowo w odniesieniu do jednego pojęcia. Nie oznacza to, że cel Sztuki jest „niejasny”, ale że ma wiele unikalnych, różnych powodów powstania. Niektóre z tych funkcji sztuki są przedstawione w poniższym zarysie. Różne cele sztuki można pogrupować według tych, które nie są zmotywowane, i tych, które są zmotywowane (Lévi-Strauss).

Funkcje niezmotywowane

Niemotywowane cele sztuki to te, które są integralną częścią bycia człowiekiem, przekraczają jednostkę lub nie spełniają określonego celu zewnętrznego. W tym sensie Sztuka, jako kreatywność, jest czymś, co ludzie muszą robić z samej swojej natury (tj. żaden inny gatunek nie tworzy sztuki), a zatem jest poza użytecznością.

  1. Podstawowy ludzki instynkt harmonii, równowagi, rytmu . Sztuka na tym poziomie nie jest działaniem ani przedmiotem, ale wewnętrznym docenieniem równowagi i harmonii (piękna), a więc aspektem bycia człowiekiem pozaużytecznym.

    Naśladowanie jest więc jednym z instynktów naszej natury. Dalej pojawia się instynkt „harmonii” i rytmu, metrum jest ewidentnie odcinkami rytmu. Osoby zatem, począwszy od tego naturalnego daru, stopniowo rozwijały swoje szczególne zdolności, aż do ich prymitywnych improwizacji zrodziła się Poezja. – Arystoteles

  2. Doświadczenie tajemniczości. Sztuka umożliwia doświadczanie siebie w relacji do wszechświata. Doświadczenie to często może być pozbawione motywacji, ponieważ ceni się sztukę, muzykę lub poezję.

    Najpiękniejszą rzeczą, jakiej możemy doświadczyć, jest tajemnica. Jest źródłem wszelkiej prawdziwej sztuki i nauki. – Alberta Einsteina

  3. Ekspresja wyobraźni. Sztuka dostarcza środków do wyrażania wyobraźni w sposób niegramatyczny, niezwiązany z formalnością języka mówionego lub pisanego. W przeciwieństwie do słów, które pojawiają się w sekwencjach, a każde z nich ma określone znaczenie, sztuka zapewnia szereg form, symboli i idei, których znaczenia są plastyczne.

    Orzeł Jowisza [jako przykład sztuki] nie jest, jak logiczne (estetyczne) atrybuty przedmiotu, pojęciem wzniosłości i majestatu stworzenia, ale raczej czymś innym – czymś, co pobudza wyobraźnię do rozpościerania lotu nad całe mnóstwo pokrewnych przedstawień, które prowokują więcej do myślenia niż do wyrażenia w pojęciu określanym słowami. Dostarczają one ideę estetyczną, która służy powyższej racjonalnej idei jako substytut logicznej prezentacji, ale z właściwą funkcją ożywiania umysłu poprzez otwieranie przed nim perspektywy na pole pokrewnych reprezentacji wykraczających poza jego zasięg. – Immanuel Kant

  4. Funkcje rytualne i symboliczne. W wielu kulturach sztuka jest używana w rytuałach, przedstawieniach i tańcach jako dekoracja lub symbol. Chociaż często nie mają one określonego utylitarnego (motywowanego) celu, antropolodzy wiedzą, że często służą celom na poziomie znaczenia w danej kulturze. Tego znaczenia nie nadaje żadna jednostka, ale często jest wynikiem zmian wielu pokoleń i kosmologicznego związku w obrębie kultury.

    Większość badaczy zajmujących się malowidłami naskalnym lub przedmiotami wydobytymi z prehistorycznych kontekstów, których nie da się wytłumaczyć w kategoriach utylitarnych, a więc sklasyfikowanych jako dekoracyjne, rytualne lub symboliczne, zdaje sobie sprawę z pułapki, jaką kryje się pod pojęciem „sztuka”. – Silva Tomaškova

Zmotywowane funkcje

Motywowane cele sztuki odnoszą się do intencjonalnych, świadomych działań artysty lub twórcy. Mogą one polegać na wprowadzaniu zmian politycznych, komentowaniu jakiegoś aspektu społeczeństwa, przekazywaniu określonej emocji lub nastroju, zajmowaniu się psychologią osobistą, ilustrowaniu innej dyscypliny, (w przypadku sztuki komercyjnej) sprzedaży produktu lub po prostu jako formie komunikacji.

  1. Komunikacja. Sztuka w swej najprostszej formie jest formą komunikacji. Ponieważ większość form komunikacji ma zamiar lub cel skierowany do innej osoby, jest to cel motywowany. Sztuki ilustracyjne, takie jak ilustracja naukowa, są formą sztuki jako komunikacji. Innym przykładem są mapy. Jednak treść nie musi być naukowa. Emocje, nastroje i uczucia są również komunikowane poprzez sztukę.

    [Sztuka jest zbiorem] artefaktów lub obrazów o symbolicznych znaczeniach jako środka komunikacji. – Steve Mithena

  2. Sztuka jako rozrywka . Sztuka może dążyć do wywołania określonej emocji lub nastroju w celu odprężenia lub rozrywki widza. Jest to często funkcja przemysłu artystycznego filmów kinowych i gier wideo.
  3. Awangarda. Sztuka zmian politycznych. Jedną z definiujących funkcji sztuki początku XX wieku było wykorzystywanie obrazów wizualnych do wprowadzania zmian politycznych. Ruchy artystyczne, które miały ten cel – między innymi dadaizm , surrealizm , rosyjski konstruktywizm i abstrakcyjny ekspresjonizm – są zbiorczo określane jako sztuki awangardowe .

    Natomiast postawa realistyczna, inspirowana pozytywizmem, od św. Tomasza z Akwinu do Anatola France'a, wydaje mi się wyraźnie wrogo nastawiona do jakiegokolwiek postępu intelektualnego czy moralnego. Nienawidzę tego, bo składa się z przeciętności, nienawiści i tępej zarozumiałości. To właśnie ta postawa rodzi dziś te śmieszne książki, te obraźliwe sztuki. Nieustannie żywi się i czerpie siłę z gazet i ogłusza zarówno naukę, jak i sztukę, wytrwale schlebiając najniższym gustom; jasność granicząca z głupotą, psie życie. – André Breton (Surrealizm)

  4. Sztuka jako „wolna strefa” , odsunięta od działań społecznej cenzury. W przeciwieństwie do ruchów awangardowych , które chciały wymazać różnice kulturowe w celu stworzenia nowych uniwersalnych wartości, sztuka współczesna wzmocniła swoją tolerancję wobec różnic kulturowych oraz swoje funkcje krytyczne i wyzwalające (dociekanie społeczne, aktywizm, subwersja, dekonstrukcja… ), stając się bardziej otwartym miejscem do badań i eksperymentów.
  5. Sztuka dla dociekań społecznych, działalności wywrotowej lub anarchii. Choć podobna do sztuki zmiany politycznej, sztuka wywrotowa lub dekonstruktywistyczna może próbować kwestionować aspekty społeczeństwa bez określonego celu politycznego. W tym przypadku funkcją sztuki może być po prostu krytyka jakiegoś aspektu społeczeństwa.
    Graffiti w sprayu na ścianie w Rzymie
    Graffiti i inne rodzaje sztuki ulicznej to grafiki i obrazy malowane sprayem lub szablonami na publicznie widocznych ścianach, budynkach, autobusach, pociągach i mostach, zwykle bez pozwolenia. Niektóre formy sztuki, takie jak graffiti, mogą być również nielegalne, gdy łamią prawo (w tym przypadku wandalizm).
  6. Sztuka dla spraw społecznych. Sztuka może być wykorzystywana do podnoszenia świadomości wielu różnych przyczyn. Szereg działań artystycznych miało na celu podniesienie świadomości na temat autyzmu , raka, handlu ludźmi i wielu innych tematów, takich jak ochrona oceanów, prawa człowieka w Darfurze , zamordowane i zaginione kobiety aborygeńskie, znęcanie się nad osobami starszymi i zanieczyszczenie. Trashion , wykorzystujący śmieci do tworzenia mody, praktykowany przez artystów takich jak Marina DeBris, jest jednym z przykładów wykorzystania sztuki do podnoszenia świadomości na temat zanieczyszczenia.
  7. Sztuka do celów psychologicznych i leczniczych. Sztuka jest również wykorzystywana przez arteterapeutów, psychoterapeutów i psychologów klinicznych jako arteterapia . Na przykład Seria Rysunków Diagnostycznych służy do określenia osobowości i funkcjonowania emocjonalnego pacjenta. Produkt końcowy nie jest w tym przypadku głównym celem, ale poszukiwany jest proces uzdrowienia poprzez akty twórcze. Powstałe dzieło sztuki może również oferować wgląd w problemy doświadczane przez podmiot i może sugerować odpowiednie podejścia do zastosowania w bardziej konwencjonalnych formach terapii psychiatrycznej.
  8. Sztuka dla propagandy, czyli komercji. Sztuka jest często wykorzystywana jako forma propagandy, a zatem może być wykorzystywana do subtelnego wpływania na popularne koncepcje lub nastrój. W podobny sposób sztuka, która próbuje sprzedać produkt, również wpływa na nastrój i emocje. W obu przypadkach celem sztuki jest subtelne manipulowanie widzem w celu uzyskania określonej emocjonalnej lub psychologicznej reakcji na określoną ideę lub przedmiot.
  9. Sztuka jako wskaźnik sprawności. Argumentowano, że zdolność ludzkiego mózgu znacznie przekracza to, co było potrzebne do przetrwania w środowisku przodków. Jednym z wyjaśnień psychologii ewolucyjnej jest to, że ludzki mózg i związane z nim cechy (takie jak zdolności artystyczne i kreatywność) są ludzkim odpowiednikiem ogona pawia . Uważa się, że celem ekstrawaganckiego ogona samca pawia jest przyciąganie samic (patrz także zasada ucieczki i utrudnienia rybaka ). Zgodnie z tą teorią lepsze wykonanie sztuki było ważne ewolucyjnie, ponieważ przyciągało kolegów.

Opisane powyżej funkcje sztuki nie wykluczają się wzajemnie, gdyż wiele z nich może się pokrywać. Na przykład sztuka w celach rozrywkowych może również dążyć do sprzedaży produktu, tj. filmu lub gry wideo.

Dostęp publiczny

Metropolitan Museum of Art w Manhattanie . Muzea są ważnymi forami prezentacji sztuki wizualnej .

Od czasów starożytnych wiele z najwspanialszych dzieł sztuki stanowiło celowy pokaz bogactwa lub władzy, często osiągany przy użyciu masowych i drogich materiałów. Wiele dzieł sztuki zostało zleconych przez władców politycznych lub instytucje religijne, przy czym skromniejsze wersje są dostępne tylko dla najbogatszych w społeczeństwie.

Niemniej jednak było wiele okresów, w których sztuka bardzo wysokiej jakości była dostępna pod względem własności w dużej części społeczeństwa, przede wszystkim na tanich nośnikach, takich jak ceramika, która trwa w ziemi, oraz na nietrwałych nośnikach, takich jak tekstylia i drewno . W wielu różnych kulturach ceramika rdzennych ludów obu Ameryk znajduje się w tak wielu grobach, że wyraźnie nie ograniczały się one do elity społecznej , chociaż inne formy sztuki mogły być. Metody reprodukcji, takie jak formy , ułatwiły masową produkcję i zostały wykorzystane do wprowadzenia wysokiej jakości starożytnej rzymskiej ceramiki i greckich figurek Tanagra na bardzo szeroki rynek. Pieczęcie cylindryczne były zarówno artystyczne, jak i praktyczne i bardzo szeroko stosowane przez coś, co można luźno nazwać klasą średnią na starożytnym Bliskim Wschodzie . Kiedy monety były szeroko stosowane, stały się one również formą sztuki, która dotarła do najszerszego kręgu społeczeństwa.

Kolejna ważna innowacja nastąpiła w XV wieku w Europie, kiedy grafika zaczęła się od małych drzeworytów , głównie religijnych, często bardzo małych i ręcznie barwionych, dostępnych nawet dla chłopów, którzy przyklejali je do ścian swoich domów. Drukowane książki były początkowo bardzo drogie, ale stale spadały, aż w XIX wieku nawet najbiedniejsi mogli sobie pozwolić na drukowane ilustracje. Popularne druki różnego rodzaju od wieków ozdabiają domy i inne miejsca.

Muzeum Sztuki w Bazylei ( Szwajcaria ) jest najstarszym publicznym muzeum sztuki na świecie.

W 1661 roku w szwajcarskim mieście Bazylea otwarto pierwsze publiczne muzeum sztuki na świecie, Kunstmuseum Basel . Dziś jej kolekcję wyróżnia imponująco szeroka rozpiętość historyczna, od początku XV wieku po najbliższą teraźniejszość. Różnorodne obszary nacisku nadają mu międzynarodową pozycję jako jedno z najważniejszych muzeów tego typu. Należą do nich: obrazy i rysunki artystów działających na obszarze Górnego Renu w latach 1400-1600 oraz sztuki XIX-XXI wieku.

Budynki i pomniki publiczne , świeckie i religijne, ze swej natury zwykle zwracają się do całego społeczeństwa i odwiedzających jako widzów, a ich prezentacja jest od dawna ważnym czynnikiem w ich projektowaniu. Egipskie świątynie charakteryzują się tym, że największą i najbogatszą dekoracją umieszczano na częściach, które mogły być oglądane przez ogół społeczeństwa, a nie na obszarach widzianych tylko przez kapłanów. Wiele obszarów królewskich pałaców, zamków i domów elity społecznej było często ogólnodostępnych, a dużą część zbiorów sztuki takich osób mógł często zobaczyć, czy to przez kogokolwiek, czy też przez tych, którzy byli w stanie zapłacić niewielką cenę, lub noszenie odpowiednich ubrań, niezależnie od tego, kim byli, tak jak w Pałacu Wersalskim , gdzie odpowiednie akcesoria dodatkowe (srebrne sprzączki do butów i miecz) można było wypożyczyć w sklepach na zewnątrz.

Poczyniono specjalne ustalenia, aby umożliwić publiczności zobaczenie wielu królewskich lub prywatnych kolekcji umieszczonych w galeriach, jak w przypadku Kolekcji Orleans mieszczącej się głównie w skrzydle Palais Royal w Paryżu, które można było zwiedzać przez większą część XVIII wieku. We Włoszech turystyka artystyczna Grand Tour stała się głównym przemysłem od czasów renesansu, a rządy i miasta starały się udostępnić swoje kluczowe dzieła. Brytyjska Kolekcja Królewska pozostaje odrębna, ale duże darowizny, takie jak Stara Biblioteka Królewska, zostały przekazane z niej do Muzeum Brytyjskiego , założonego w 1753 roku. Uffizi we Florencji zostało otwarte w całości jako galeria w 1765 roku, chociaż ta funkcja stopniowo przejmowała budynek z dawnych urzędów urzędników państwowych. Budynek obecnie zajmowany przez Prado w Madrycie został zbudowany przed rewolucją francuską w celu publicznego wystawiania części królewskiej kolekcji sztuki, a podobne królewskie galerie otwarte dla publiczności istniały w Wiedniu , Monachium i innych stolicach. Otwarcie Musée du Louvre podczas Rewolucji Francuskiej (w 1793 r.) jako muzeum publicznego dla większości dawnych francuskich kolekcji królewskich z pewnością stanowiło ważny etap w rozwoju publicznego dostępu do sztuki, przenosząc własność na państwo republikańskie, ale było kontynuacja już ugruntowanych trendów.

Większość nowoczesnych muzeów publicznych i programów edukacji artystycznej dla dzieci w szkołach wywodzi się z tego impulsu, aby sztuka była dostępna dla wszystkich. Jednak muzea nie tylko zapewniają dostęp do sztuki, ale także wpływają na sposób postrzegania sztuki przez odbiorców, jak wykazały badania. Samo muzeum jest więc nie tylko tępą sceną do prezentacji sztuki, ale odgrywa aktywną i istotną rolę w całościowym postrzeganiu sztuki we współczesnym społeczeństwie.

Muzea w Stanach Zjednoczonych są zazwyczaj darami od bardzo bogatych dla mas. ( Na przykład Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku zostało stworzone przez Johna Taylora Johnstona , dyrektora kolei, którego osobista kolekcja sztuki zasiała w muzeum). wiek pozostaje wskaźnikiem bogactwa i statusu społecznego.

Artyści podejmowali próby stworzenia sztuki, której bogaci nie mogą kupić jako przedmiotu statusu. Jednym z głównych pierwotnych motywatorów znacznej części sztuki późnych lat 60. i 70. było tworzenie sztuki, której nie można było kupić ani sprzedać. „Konieczne jest zaprezentowanie czegoś więcej niż tylko przedmiotów” – powiedział główny powojenny niemiecki artysta Joseph Beuys. W tym czasie pojawiły się takie rzeczy, jak performance, sztuka wideo i sztuka konceptualna . Pomysł polegał na tym, że jeśli dzieło sztuki jest spektaklem, który nic nie pozostawi po sobie, lub jest po prostu pomysłem, nie można go kupić ani sprzedać. „Demokratyczne nakazy obracające się wokół idei, że dzieło sztuki jest towarem, napędzało innowację estetyczną, która wykiełkowała w połowie lat 60. i była zbierana w latach 70. Artyści szeroko określani jako sztuka konceptualna… zastępujący działania performatywne i wydawnicze za zaangażowanie zarówno w sprawy materialne, jak i materialistyczne związane z formą malarską lub rzeźbiarską ... [Starali się] podważyć obiekt sztuki jako przedmiot”.

Wersal: Louis Le Vau otworzył wewnętrzny dziedziniec, aby stworzyć rozległe wejście cour d'honneur , skopiowane później w całej Europie.

Przez dziesięciolecia te idee zostały nieco zagubione, ponieważ rynek sztuki nauczył się sprzedawać limitowane edycje DVD z dziełami wideo, zaproszeniami na ekskluzywne dzieła sztuki performance oraz przedmioty pozostałe po dziełach koncepcyjnych. Wiele z tych przedstawień tworzy dzieła, które są zrozumiałe tylko dla elity, która została wyedukowana, dlaczego pomysł, wideo lub pozorny śmieci można uznać za sztukę. Znacznikiem statusu staje się zrozumienie dzieła, a nie konieczność posiadania go, a dzieło sztuki pozostaje działalnością klasy wyższej. „Dzięki powszechnemu stosowaniu technologii nagrywania DVD na początku XXI wieku artyści i system galerii, który czerpie zyski ze sprzedaży dzieł sztuki, zyskali ważny sposób kontrolowania sprzedaży dzieł wideo i komputerowych w limitowanych edycjach kolekcjonerom”.

Kontrowersje

Sztuka od dawna jest kontrowersyjna, to znaczy nielubiana przez niektórych odbiorców, z wielu różnych powodów, chociaż większość przednowoczesnych kontrowersji jest słabo rejestrowana lub całkowicie stracona dla współczesnego spojrzenia. Ikonoklazm to niszczenie sztuki nielubianej z różnych powodów, w tym religijnych. Anikonizm jest ogólną niechęcią do wszelkich obrazów figuratywnych lub często tylko religijnych i był wątkiem w wielu głównych religiach. Był to kluczowy czynnik w historii sztuki islamskiej , gdzie przedstawienia Mahometa pozostają szczególnie kontrowersyjne. Wiele dzieł sztuki było nielubianych wyłącznie dlatego, że przedstawiało lub w inny sposób przedstawiało niepopularnych władców, partie lub inne grupy. Konwencje artystyczne są często konserwatywne i traktowane bardzo poważnie przez krytyków sztuki , choć często znacznie mniej przez szerszą publiczność. Ikonograficzna treść dziedzinie może spowodować kontrowersje, jak z późnego średniowiecza przedstawień nowego motywu Swoon NMP w scenach ukrzyżowania Jezusa . Ostateczny przez Michelangelo był kontrowersyjny z różnych powodów, w tym naruszania przyzwoitości poprzez nagość i Apollo -Jak pozie Chrystusa.

Treść znacznej części sztuki formalnej na przestrzeni historii była podyktowana raczej patronem lub zleceniodawcą, a nie tylko artystą, ale wraz z nadejściem romantyzmu i przemianami ekonomicznymi w produkcji sztuki wizja artysty stała się zwyczajowym wyznacznikiem treści jego twórczości. sztuki, zwiększając częstość kontrowersji, choć często zmniejszając ich znaczenie. Silne bodźce do postrzegania oryginalności i rozgłosu zachęcały również artystów do kontrowersji sądowych. Théodore Géricault „s Tratwa Meduzy (ok. 1820), był częściowo komentarz polityczny na ostatniej imprezie. „ Le Déjeuner sur l'HerbeÉdouarda Maneta (1863) uznano za skandaliczny nie ze względu na nagą kobietę, ale dlatego, że siedzi obok mężczyzn ubranych w stroje z tamtych czasów, a nie w szatach ze świata antycznego. John Singer Sargent „s Madame Pierre Gautreau (Pani X) (1884) wywołał kontrowersje nad czerwonawy kolor różowy wykorzystywane do kobiety płatku ucha, uważany za zbyt sugestywne i podobno psują reputację modelu wysokiej społeczeństwa. Stopniowe odchodzenie od naturalizmu i realistycznego przedstawiania wizualnego wyglądu podmiotów w XIX i XX wieku doprowadziło do toczącej się od ponad wieku kontrowersji.

Performance Josepha Beuysa , 1978: Każdy artystą – W drodze do libertariańskiej formy organizmu społecznego .

W 20 wieku, Pablo Picasso „s Guernica (1937) używane aresztując kubistyczne technik Stark oleje monochromatyczne , aby przedstawiają wstrząsające skutki współczesnego bombardowania mały, starożytnego miasta Basków. Leon Golub „s Przesłuchanie III (1981), przedstawia kobiety nago, zakapturzony zatrzymany przywiązany do krzesła, nogi otworzyć, aby odsłonić jej narządy płciowe, otoczone dwóch oprawców ubranych w codziennym ubraniu. Andres Serrano 's Piss Christ (1989) jest fotografia krucyfiksem, święte dla religii chrześcijańskiej i reprezentujący Chrystusa jest poświęcenie i cierpienie końcowy, zanurzone w szklance artysty własnego moczu. Wynikające z tego oburzenie doprowadziło do komentarzy w Senacie Stanów Zjednoczonych na temat publicznego finansowania sztuki.

Teoria

Przed modernizmem estetyka sztuki zachodniej była bardzo zainteresowana osiągnięciem odpowiedniej równowagi między różnymi aspektami realizmu lub prawdy o naturze a ideałem ; pomysły na to, jaka jest odpowiednia równowaga, zmieniały się na przestrzeni wieków. Ta troska jest w dużej mierze nieobecna w innych tradycjach sztuki. Teoretyk estetyki John Ruskin , który był orędownikiem tego, co uważał za naturalizm J.M.W. Turnera , postrzegał rolę sztuki jako sztuczną komunikację podstawowej prawdy, którą można znaleźć tylko w naturze.

Od XX wieku szczególnie problematyczna stała się definicja i ocena sztuki. Richard Wollheim wyróżnia trzy podejścia do oceny wartości estetycznej sztuki: Realistyczne , zgodnie z którym jakość estetyczna jest wartością absolutną niezależną od jakichkolwiek ludzkich poglądów; obiektywistycznej , przy czym jest to również wartości absolutne, ale jest zależna od ogólnego doświadczenia ludzi; oraz stanowisko relatywistyczne , zgodnie z którym nie jest to wartość absolutna, ale zależy od ludzkiego doświadczenia różnych ludzi i zmienia się wraz z nim.

Nadejście modernizmu

Nadejście modernizmu pod koniec XIX wieku doprowadziło do radykalnego zerwania koncepcji funkcji sztuki, a następnie ponownie pod koniec XX wieku wraz z nadejściem postmodernizmu . Artykuł Clementa Greenberga z 1960 r. „Malarstwo modernistyczne” definiuje sztukę nowoczesną jako „wykorzystywanie charakterystycznych metod danej dyscypliny do krytyki samej dyscypliny”. Greenberg pierwotnie zastosował ten pomysł do ruchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu i wykorzystał go jako sposób na zrozumienie i uzasadnienie płaskiego (nie iluzjonistycznego) malarstwa abstrakcyjnego:

Realistyczna, naturalistyczna sztuka zdemontowała medium, używając sztuki do ukrycia sztuki; modernizm używał sztuki do zwrócenia uwagi na sztukę. Ograniczenia stanowiące medium malarstwa – płaska powierzchnia, kształt podłoża, właściwości pigmentu – były traktowane przez dawnych mistrzów jako czynniki negatywne, które można było uznać jedynie pośrednio lub pośrednio. W modernizmie te same ograniczenia zaczęto uważać za czynniki pozytywne i otwarcie uznawano.

Po Greenbergu pojawiło się kilku ważnych teoretyków sztuki, między innymi Michael Fried , T.J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin i Griselda Pollock . Choć pierwotnie pomyślana tylko jako sposób na zrozumienie określonej grupy artystów, definicja sztuki współczesnej Greenberga jest ważna dla wielu idei sztuki w różnych ruchach artystycznych XX i początku XXI wieku.

Artyści pop, tacy jak Andy Warhol, stali się godni uwagi i wpływowi dzięki pracom obejmującym i być może krytykującym kulturę popularną , a także świat sztuki . Artyści z lat 80., 90. i 2000. rozszerzyli tę technikę samokrytyki poza sztukę wysoką na wszystkie obrazy kulturowe, w tym obrazy mody, komiksy, billboardy i pornografię.

Duchamp zaproponował kiedyś, że sztuka to każda aktywność – wszystko. Jednak sposób, w jaki tylko niektóre działania są dziś klasyfikowane jako sztuka, jest konstrukcją społeczną. Istnieją dowody na to, że może być w tym element prawdy. W Wynalezieniu sztuki: historii kultury Larry Shiner analizuje konstrukcję nowoczesnego systemu sztuki, tj. sztuk pięknych. Znajduje dowody na to, że starszy system sztuki przed naszym nowoczesnym systemem (sztuki piękne) uważał sztukę za jakąkolwiek zręczną działalność ludzką; na przykład starożytne społeczeństwo greckie nie posiadało terminu sztuka, ale techne . Techne nie może być rozumiane ani jako sztuka ani rzemiosło, ponieważ różnice między sztuką a rzemiosłem są produktami historycznymi, które pojawiły się później w historii ludzkości. Techne obejmowało malarstwo, rzeźbę i muzykę, ale także gotowanie, medycynę, jazdę konną , geometrię , stolarstwo, proroctwo , rolnictwo itp.

Nowa krytyka i „błąd intencjonalny”

Po Duchampie w pierwszej połowie XX wieku nastąpiła znacząca zmiana w kierunku ogólnej teorii estetyki, która usiłowała zastosować teorię estetyki między różnymi formami sztuki, w tym sztukami literackimi i sztukami wizualnymi, do siebie. Spowodowało to powstanie szkoły Nowej Krytyki i debatę dotyczącą błędu intencjonalnego . Chodziło o to, czy intencje estetyczne artysty przy tworzeniu dzieła sztuki, niezależnie od jego szczególnej formy, należy wiązać z krytyką i oceną końcowego produktu dzieła sztuki, czy też powinna być oceniana indywidualnie, niezależnie od intencji artysty.

W 1946 roku William K. Wimsatt i Monroe Beardsley opublikowali klasyczny i kontrowersyjny esej New Critical zatytułowany „ The Intentional Fallacy ”, w którym stanowczo argumentowali przeciwko trafności intencji autora lub „zamierzonego znaczenia” w analizie dzieła literackiego. . Dla Wimsatta i Beardsleya znaczenie miały tylko słowa na stronie; import znaczeń spoza tekstu uznano za nieistotny i potencjalnie rozpraszający.

W innym eseju, „ Błąd afektywny ”, który służył jako rodzaj siostrzanego eseju do „Złudzenia intencjonalnego”, Wimsatt i Beardsley również odrzucili osobistą/emocjonalną reakcję czytelnika na dzieło literackie jako ważny środek analizy tekstu. Ten błąd został później odrzucony przez teoretyków ze szkoły teorii literatury czytelnik-odpowiedź . Jak na ironię, jeden z czołowych teoretyków tej szkoły, Stanley Fish , sam był szkolony przez New Critics. Fish krytykuje Wimsatta i Beardsleya w swoim eseju z 1970 roku „Literature in the Reader”.

Jak podsumowali Gaut i Livingston w swoim eseju „The Creation of Art”: „teoretycy i krytycy strukturaliści i poststrukturaliści byli ostro krytyczni wobec wielu aspektów Nowej Krytyki, poczynając od nacisku na walory estetyczne i tak zwaną autonomię sztuki. , ale powtórzyli atak na założenie krytyki biograficznej, że działalność i doświadczenie artysty są uprzywilejowanym tematem krytycznym”. Autorzy ci twierdzą, że: „Antyintencjonaliści, tacy jak formaliści, uważają, że intencje zaangażowane w tworzenie sztuki są nieistotne lub peryferyjne dla prawidłowej interpretacji sztuki. nie mają wpływu na prawidłową interpretację utworu."

Gaut i Livingston definiują intencjonalistów w odróżnieniu od formalistów, stwierdzając, że: „Intencjonaliści, w przeciwieństwie do formalistów, utrzymują, że odniesienie do intencji jest niezbędne do ustalenia prawidłowej interpretacji dzieł”. Cytują Richarda Wollheima , który stwierdził, że „zadaniem krytyki jest rekonstrukcja procesu twórczego, gdzie proces twórczy musi być z kolei pomyślany jako coś, co nie zatrzymuje się przed samym dziełem sztuki, lecz kończy się na nim”.

„Zwrot językowy” i jego debata

Koniec XX wieku zapoczątkował szeroko zakrojoną debatę znaną jako kontrowersje związane ze zwrotem językowym lub „debatą o niewinnych oczach” w filozofii sztuki. W debacie tej dyskutowano o spotkaniu dzieła sztuki jako zdeterminowanym względnym stopniem, w jakim konceptualne spotkanie z dziełem sztuki dominuje nad percepcyjnym spotkaniem z dziełem sztuki.

Decydująca dla językowego kolei debaty w historii sztuki i humanistyki były prace jeszcze innej tradycji, a mianowicie strukturalizmu z Ferdinand de Saussure i ruchu wynikającej z poststrukturalizmu . W 1981 roku artysta Mark Tansey stworzył dzieło sztuki zatytułowane „Niewinne oko” jako krytykę panującego klimatu niezgody w filozofii sztuki w ostatnich dekadach XX wieku. Do wpływowych teoretyków należą Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault i Jacques Derrida . Siłę języka, a dokładniej pewnych tropów retorycznych, w historii sztuki i dyskursie historycznym badał Hayden White . To, że język nie jest przejrzystym medium myśli, podkreślała zupełnie inna forma filozofii języka, wywodząca się z prac Johanna Georga Hamanna i Wilhelma von Humboldta . Ernst Gombrich i Nelson Goodman w swojej książce Languages ​​of Art : An Approach to a Theory of Symbols doszli do wniosku, że konceptualne spotkanie z dziełem sztuki dominowało wyłącznie nad percepcyjnym i wizualnym spotkaniem z dziełem sztuki w latach 60. i 70. XX wieku. Został zakwestionowany na podstawie badań przeprowadzonych przez laureata nagrody Nobla, psychologa Rogera Sperry'ego, który twierdził, że ludzkie spotkanie wizualne nie ogranicza się do pojęć reprezentowanych w samym języku (zwrot językowy) i że inne formy psychologicznych reprezentacji dzieła sztuki były równie możliwe do obrony i udowodnienia. Pogląd Sperry'ego ostatecznie zwyciężył pod koniec XX wieku, a filozofowie estetyki, tacy jak Nick Zangwill, zdecydowanie bronili powrotu do umiarkowanego formalizmu estetycznego wśród innych alternatyw.

Spory klasyfikacyjne

Oryginalna Fontanna autorstwa Marcela Duchampa , 1917, sfotografowana przez Alfreda Stieglitza na 291 po wystawie Stowarzyszenia Artystów Niezależnych w 1917 roku . Stieglitz użył tło z The Warriors przez Marsden Hartley sfotografować pisuar. Wyraźnie widać przywieszkę wejściową na wystawę.

Spory co do tego, czy zaklasyfikować coś jako dzieło sztuki, określa się mianem sporów klasyfikacyjnych dotyczących sztuki. Klasyfikacyjne spory w 20 wieku obejmowały kubistyczne i impresjonistów obrazy, Duchamp „s Fountain , filmy, superlatyw imitacje banknotów , sztukę konceptualną i gry wideo . Filozof David Novitz twierdzi, że niezgoda na definicję sztuki rzadko stanowi sedno problemu. Raczej „namiętne troski i zainteresowania, które ludzie pokładają w swoim życiu społecznym” są „tak bardzo częścią wszystkich klasyfikacyjnych sporów na temat sztuki”. Według Novitza, spory klasyfikacyjne są częściej sporami o wartości społeczne i dokąd społeczeństwo stara się iść, niż o właściwą teorię. Na przykład, gdy Daily Mail skrytykował prace Hirsta i Emina , argumentując, że „Od tysiąca lat sztuka jest jedną z naszych wielkich sił cywilizacyjnych. Dzisiaj marynowane owce i brudne łóżka grożą uczynieniem z nas wszystkich barbarzyńców”, nie wysuwanie definicji lub teorii na temat sztuki, ale kwestionowanie wartości prac Hirsta i Emina. W 1998 roku Arthur Danto zasugerował eksperyment myślowy pokazujący, że „status artefaktu jako dzieła sztuki wynika z idei, jakie kultura do niego stosuje, a nie z jego nieodłącznych cech fizycznych lub dostrzegalnych. Interpretacja kulturowa (pewna teoria sztuki ) jest zatem konstytutywnym artyzmem przedmiotu”.

Antysztuka to etykietka sztuki, która celowo kwestionuje ustalone parametry i wartości sztuki; jest to termin związany z dadaizmem i przypisywany Marcelowi Duchampowi tuż przed I wojną światową, kiedy tworzył sztukę z przedmiotów znalezionych . Jeden z nich, Fontanna (1917), zwykły pisuar, zyskał duże znaczenie i wpływ na sztukę. Anty-sztuka jest cechą prac Situationist International , ruchu Lo-fi Mail art i Young British Artists , choć jest to forma wciąż odrzucana przez Stuckistów , którzy określają siebie jako anty-sztukę .

Architektura jest często zaliczana do sztuk wizualnych; jednak, podobnie jak sztuka dekoracyjna lub reklama, obejmuje tworzenie przedmiotów, w których praktyczne względy użytkowania są niezbędne w sposób, którego zwykle nie ma na przykład na obrazie.

Ocena wartości

Aborygeńskie puste grobowce z bali. Galeria Narodowa, Canberra , Australia.

Nieco w związku z powyższym, słowo sztuka jest również używane do stosowania sądów wartościujących, jak w takich wyrażeniach jak „ten posiłek był dziełem sztuki” (kucharz jest artystą) lub „sztuka oszustwa” ( chwalony jest wysoki poziom umiejętności oszusta). To właśnie użycie tego słowa jako miary wysokiej jakości i wysokiej wartości nadaje temu terminowi posmak subiektywności. Dokonywanie osądów wartości wymaga podstawy do krytyki. Na najprostszym poziomie sposobem określenia, czy oddziaływanie przedmiotu na zmysły spełnia kryteria uznania za sztukę, jest to, czy jest odbierany jako atrakcyjny, czy odpychający. Chociaż percepcja jest zawsze zabarwiona doświadczeniem i z konieczności jest subiektywna, powszechnie rozumie się, że to, co nie jest w jakiś sposób estetycznie satysfakcjonujące, nie może być sztuką. Jednak „dobra” sztuka nie zawsze lub nawet regularnie jest atrakcyjna estetycznie dla większości odbiorców. Innymi słowy, główną motywacją artysty nie musi być pogoń za estetyką. Ponadto sztuka często przedstawia okropne obrazy wykonane z powodów społecznych, moralnych lub prowokujących do myślenia. Na przykład obraz Francisco Goyi przedstawiający hiszpańską strzelaninę 3 maja 1808 r. jest graficznym przedstawieniem plutonu egzekucyjnego, który dokonuje egzekucji kilku proszących o usprawiedliwienie cywilów. Jednak jednocześnie przerażające obrazy demonstrują żywe zdolności artystyczne Goi w zakresie kompozycji i wykonania oraz wywołują odpowiednie społeczne i polityczne oburzenie. W związku z tym trwa debata, jaki rodzaj satysfakcji estetycznej, jeśli w ogóle, jest wymagany do zdefiniowania „sztuki”.

Przyjmowanie nowych wartości czy bunt przeciwko przyjętym wyobrażeniom o tym, co estetycznie nadrzędne, nie musi odbywać się jednocześnie z całkowitym zaniechaniem pogoni za tym, co estetycznie atrakcyjne. Rzeczywiście, często jest odwrotnie, że rewizja tego, co jest powszechnie uważane za atrakcyjne pod względem estetycznym, pozwala na ożywienie wrażliwości estetycznej i nowe uznanie dla standardów samej sztuki. Niezliczone szkoły zaproponowały własne sposoby definiowania jakości, ale wszystkie wydają się być zgodne co najmniej w jednym punkcie: gdy ich wybory estetyczne zostaną zaakceptowane, wartość dzieła sztuki jest określana przez jego zdolność do przekraczania granic wybranego medium by uderzyć w jakiś uniwersalny ton dzięki rzadkości umiejętności artysty lub jej dokładnym odzwierciedleniem w tym, co nazywa się zeitgeist . Sztuka często ma odwoływać się do ludzkich emocji i łączyć się z nimi. Może wzbudzać uczucia estetyczne lub moralne i może być rozumiana jako sposób komunikowania tych uczuć. Artyści wyrażają coś tak, aby ich publiczność była do pewnego stopnia podniecona, ale nie muszą tego robić świadomie. Sztukę można uznać za badanie kondycji ludzkiej ; to znaczy, co to znaczy być człowiekiem. Co więcej, Emily L. Spratt twierdzi, że rozwój sztucznej inteligencji, zwłaszcza w odniesieniu do jej zastosowań z obrazami, wymaga ponownej oceny teorii estetyki w dzisiejszej historii sztuki i ponownego rozważenia granic ludzkiej kreatywności.

Sztuka i prawo

Istotnym problemem prawnym są fałszerstwa dzieł sztuki , plagiat , repliki oraz dzieła silnie oparte na innych dziełach sztuki.

Obrót dziełami sztuki lub eksport z kraju mogą podlegać regulacjom prawnym. Na arenie międzynarodowej podejmowane są również szeroko zakrojone wysiłki na rzecz ochrony stworzonych dzieł sztuki. ONZ , UNESCO i Blue Shield międzynarodowe starają się zapewnić skuteczną ochronę na poziomie krajowym i interweniować bezpośrednio w razie konfliktów zbrojnych lub katastrof. Może to w szczególności dotyczyć muzeów, archiwów, kolekcji sztuki i wykopalisk. Powinno to również zabezpieczyć bazę ekonomiczną kraju, zwłaszcza że dzieła sztuki mają często znaczenie turystyczne. Prezes założyciel Blue Shield International, Karl von Habsburg , wyjaśnił dodatkowy związek między zniszczeniem dóbr kultury a przyczyną ucieczki podczas misji w Libanie w kwietniu 2019 r.: „Dobra kultury są częścią tożsamości ludzi, którzy mieszkają pewne miejsce. Jeśli zniszczysz ich kulturę, zniszczysz także ich tożsamość. Wiele osób zostaje wykorzenionych, często nie ma już żadnych perspektyw i w rezultacie ucieka z ojczyzny”.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

  • Oscar Wilde, Intencje , 1891
  • Stephen Davies, Definicje sztuki , 1991
  • Nina Felshin, wyd. Ale czy to sztuka? , 1995
  • Katarzyna de Zegher (red.). Wewnątrz widocznego . MIT Press, 1996
  • Evelyn Hatcher, wyd. Sztuka jako kultura: wprowadzenie do antropologii sztuki , 1999
  • Noel Carroll, Teorie sztuki dzisiaj , 2000
  • Johna Whiteheada. Chwytając się wiatru , 2001
  • Michael Ann Holly i Keith Moxey (red.) Historia sztuki Estetyka Studia wizualne . New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN  0300097891
  • Shine, Larry. Wynalezienie sztuki: historia kultury . Chicago: University of Chicago Press, 2003. ISBN  978-0-226-75342-3
  • Arthur Danto , Nadużycie piękna: estetyka i pojęcie sztuki. 2003
  • Dana Arnold i Margaret Iverson, wyd. Sztuka i myśl . Londyn: Blackwell, 2003. ISBN  0631227156
  • Jean Robertson i Craig McDaniel, Tematy sztuki współczesnej, sztuki wizualne po 1980 , 2005

Dalsza lektura

  • Antony Briant i Griselda Pollock , wyd. Wirtualizacja cyfrowa i inne: renegocjacja wizerunku . Londyn i Nowy Jork: IBTauris, 2010. ISBN  978-1441676313
  • Augros, Robert M., Stanciu, George N. The New Story of Science: mind and the universe , Lake Bluff, Ill.: Regnery Gateway, 1984. ISBN  0-89526-833-7 (ta książka zawiera istotne materiały na temat sztuki i nauki ścisłe)
  • Benedetto Croce . Estetyka jako Nauka o Wyrażeniu i Językoznawstwie Ogólnym , 2002
  • Botar, Oliver AI Techniczne objazdy: wczesne rozważenie Moholy-Nagy . Galeria Sztuki The Graduate Center, The City University of New York i The Salgo Trust for Education, 2006. ISBN  978-1599713571
  • Burguete, Maria i Lam, Lui, wyd. (2011). Sztuka: kwestia nauki . Światowe Nauki: Singapur. ISBN  978-981-4324-93-9
  • Carol Armstrong i Catherine de Zegher , wyd. Artystki Tysiąclecia . Massachusetts: październik Books / The MIT Press, 2006. ISBN  026201226X
  • Carl Jung , Człowiek i jego symbole . Londyn: Pan Books, 1978. ISBN  0330253212
  • EH Gombrich , Historia sztuki . Londyn: Phaidon Press, 1995. ISBN  978-0714832470
  • Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis i Michael Schwab, wyd. Ptaszarnia intelektualna. Praktyka artystyczna jako nauka . Londyn: Koening Books, 2012. ISBN  978-3863351182
  • Katharine Everett Gilbert i Helmut Kuhn, Historia estetyki . Wydanie 2, poprawione. Indiana: Indiana University Press, 1953.
  • Kristine Stiles i Peter Selz , wyd. Teorie i dokumenty sztuki współczesnej . Berkeley: University of California Press, 1986
  • Kleiner, Gardner, Mamiya i Tansey. Sztuka przez wieki, wydanie dwunaste (2 tomy) Wadsworth, 2004. ISBN  0-534-64095-8 (tom 1) i ISBN  0-534-64091-5 (tom 2)
  • Richard Wollheim , Sztuka i jej przedmioty: wprowadzenie do estetyki . Nowy Jork: Harper & Row, 1968. OCLC  1077405
  • Will Gompertz . Na co patrzysz?: 150 lat sztuki nowoczesnej w mgnieniu oka . Nowy Jork: Viking, 2012. ISBN  978-0670920495
  • Władysław Tatarkiewicz , Historia sześciu idei. Esej o estetyce , przekład z polskiego Christopher Kasparek , Haga, Martinus Nijhoff, 1980

Zewnętrzne linki