Sztuka akademicka - Academic art

Narodziny Wenus , Alexandre Cabanel , 1863

Klasa życia w Królewskiej Duńskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1826 przez Wilhelma Bendz

Sztuka akademicki lub akademizmu lub akademizm , to styl malarstwa i rzeźby produkowane pod wpływem europejskich akademiach sztuki . W szczególności sztuka akademicka to sztuka i artyści pod wpływem standardów francuskiej Académie des Beaux-Arts , która była praktykowana w ramach ruchów neoklasycyzmu i romantyzmu , oraz sztuka, która podążała za tymi dwoma ruchami, próbując zsyntetyzować oba ich style , co najlepiej odzwierciedlają obrazy Williama-Adolphe'a Bouguereau , Thomasa Couture'a i Hansa Makarta . W tym kontekście nazywa się go często „akademizmem”, „akademizmem”, „ pejoratywnym pejoratywnym pompierem sztuki ” i „eklektyzmem”, a czasami łączy się go z „ historycyzmem ” i „ synkretyzmem ”. Sztuka akademicka jest ściśle związana z architekturą Beaux-Arts , która rozwijała się w tym samym miejscu i trzyma się podobnego ideału klasycyzującego.

Akademie w historii

Pierwsza akademia sztuki została założona we Florencji we Włoszech przez Cosimo I de' Medici 13 stycznia 1563 pod wpływem architekta Giorgio Vasari, który nazwał ją Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Akademia i Towarzystwo Sztuki rysunkowy), ponieważ został podzielony na dwie różne gałęzie operacyjne. Podczas gdy Kompania była rodzajem korporacji, do której mógł dołączyć każdy działający artysta w Toskanii, Akademia składała się tylko z najwybitniejszych osobowości artystycznych dworu Cosimo i miała za zadanie nadzorować całą artystyczną produkcję państwa medycejskiego. W tej medycejskiej instytucji studenci poznali „arti del disegno” (termin wymyślony przez Vasariego) i wysłuchali wykładów z anatomii i geometrii . Kolejna akademia, Accademia di San Luca (od nazwiska patrona malarzy, św. Łukasza ), została założona około dekadę później w Rzymie . Accademia di San Luca pełniła funkcję edukacyjną i zajmowała się bardziej teorią sztuki niż florencka. W 1582 Annibale Carracci otworzył w Bolonii bardzo wpływową Akademię Desiderosi bez oficjalnego wsparcia; pod pewnymi względami przypominało to bardziej tradycyjne warsztaty artysty, ale to, że czuł potrzebę nazwania go „akademią”, pokazuje atrakcyjność tego pomysłu w tamtym czasie.

Accademia di San Luca posłużyła później jako wzór dla Académie Royale de peinture et de sculpture założonej we Francji w 1648 roku, która później przekształciła się w Académie des beaux-arts . Académie royale de peinture et de sculpture została założona w celu odróżnienia artystów „którzy byli dżentelmenami uprawiającymi sztukę wyzwoloną” od rzemieślników, którzy zajmowali się pracą fizyczną. Ten nacisk na intelektualny komponent tworzenia sztuki miał znaczny wpływ na przedmioty i style sztuki akademickiej.

Po reorganizacji Académie Royale de peinture et de sculpture w 1661 r. dokonanej przez Ludwika XIV, której celem było kontrolowanie całej działalności artystycznej we Francji, wśród członków, którzy zdominowali postawy artystyczne przez resztę stulecia, doszło do kontrowersji. Ta „bitwa stylów” była konfliktem o to, czy Peter Paul Rubens czy Nicolas Poussin są odpowiednim wzorem do naśladowania. Zwolennicy Poussina, zwani „poussinistes”, argumentowali, że linia (disegno) powinna dominować w sztuce, ze względu na jej atrakcyjność dla intelektu, podczas gdy zwolennicy Rubensa, zwani „rubenistes”, argumentowali, że kolor (colore) powinien dominować w sztuce, ze względu na jego odwoływać się do emocji.

Debata została wznowiona na początku XIX wieku, pod wpływem ruchów neoklasycyzmu, charakteryzującego się twórczością Jean Auguste Dominique Ingres , oraz romantyzmu, charakteryzującego się twórczością Eugène'a Delacroix . Toczyły się również debaty, czy lepiej uczyć się sztuki patrząc na przyrodę, czy uczyć się od spojrzenia na mistrzów sztuki z przeszłości.

Akademie korzystające z modelu francuskiego powstały w całej Europie i naśladowały nauczanie i style francuskiej Académie. W Anglii była to Akademia Królewska . Royal Danish Academy of Fine Arts założona w 1754 roku, mogą być traktowane jako udany przykład w mniejszym krajem, który osiągnął swój cel wytwarzania szkoły narodowej i zmniejszając zależność od importowanych artystów. Malarze duńskiego Złotego Wieku z mniej więcej 1800-1850 r. byli tam szkoleni, a wielu wróciło, by uczyć, a historia sztuki duńskiej jest znacznie mniej naznaczona napięciem między sztuką akademicką a innymi stylami niż ma to miejsce w innych krajach .

Artystki

Jednym z efektów przejścia do akademii było utrudnienie kształcenia artystkom , które były wykluczone z większości akademii aż do drugiej połowy XIX wieku (1861 dla Akademii Królewskiej). Było to częściowo spowodowane obawami o postrzeganie niestosowności przedstawianej przez nagość. Niekiedy dokonywano specjalnych ustaleń dla studentek aż do XX wieku.

Rozwój stylu akademickiego

Od początku debaty Poussiniste-Rubeniste wielu artystów pracowało między tymi dwoma stylami. W XIX wieku, w ożywionej formie debaty, uwaga i cele świata sztuki stały się syntezą linii neoklasycyzmu z kolorem romantyzmu . Krytycy twierdzili, że do tej syntezy doszli jeden artysta po drugim, m.in. Théodore Chassériau , Ary Scheffer , Francesco Hayez , Alexandre-Gabriel Decamps i Thomas Couture . William-Adolphe Bouguereau , późniejszy artysta akademicki, skomentował, że sztuka dobrego malarza polega na postrzeganiu „koloru i linii jako tego samego”. Thomas Couture promował tę samą ideę w swojej książce o metodzie artystycznej – argumentując, że za każdym razem, gdy ktoś mówi, że obraz ma lepszy kolor lub lepszą kreskę, jest to nonsensem, ponieważ za każdym razem, gdy kolor wydaje się olśniewający, zależy to od linii, która go przekazuje i vice versa; a ten kolor był tak naprawdę sposobem na opowiedzenie o „wartości” formy.

Innym zjawiskiem w tym okresie było przejmowanie stylów historycznych w celu ukazania epoki w historii, którą przedstawiał obraz, zwanej historyzmem . Najlepiej widać to w twórczości barona Jana Augusta Hendrika Leysa , późniejszego wpływu na Jamesa Tissota . Widać to również w rozwoju stylu neogreckiego . Historyzm ma również nawiązywać do przekonania i praktyki związanej ze sztuką akademicką, że należy włączać i pogodzić innowacje różnych tradycji sztuki z przeszłości.

Świat sztuki również rozrósł się, aby coraz bardziej skupiać się na alegorii w sztuce. Teorie o znaczeniu zarówno linii, jak i koloru zakładały, że poprzez te elementy artysta sprawuje kontrolę nad medium, aby stworzyć efekty psychologiczne, w których można przedstawić tematy, emocje i idee. W miarę jak artyści próbowali dokonać syntezy tych teorii w praktyce, podkreślano wagę dzieła sztuki jako nośnika alegorycznego lub figuratywnego. Uważano, że przedstawienia w malarstwie i rzeźbie powinny ewokować formy platońskie , czyli ideały, gdzie za zwykłymi przedstawieniami dojrzy się coś abstrakcyjnego, jakaś wieczna prawda. Stąd słynna myśl Keatsa „Piękno jest prawdą, prawda pięknem”. Obrazy miały być „ideą”, pełną i kompletną ideą. Wiadomo, że Bouguereau powiedział, że nie namaluje „wojny”, ale namaluje „Wojnę”. Wiele obrazów artystów akademickich to proste alegorie natury o tytułach takich jak Świt , Zmierzch , Widzenie i Degustacja , gdzie idee te uosabia pojedyncza naga postać, skomponowana w taki sposób, aby wydobyć istotę idei.

Tendencja w sztuce zmierzała również w kierunku większego idealizmu , co jest sprzeczne z realizmem , przez to, że przedstawiane postacie zostały uproszczone i bardziej abstrakcyjne – wyidealizowane – aby móc reprezentować ideały, za którymi się wyznawali. Wiązałoby się to zarówno z uogólnieniem form widzianych w naturze, jak i podporządkowaniem ich jedności i tematowi dzieła sztuki.

Ponieważ historię i mitologię uważano za sztukę lub dialektykę idei, stanowiło żyzny grunt dla ważnej alegorii, wykorzystanie tematów z tych tematów uważano za najpoważniejszą formę malarstwa. Hierarchii gatunków , pierwotnie stworzone w 17 wieku, został wyceniony, gdzie historia malowanie -klasycznego, religijne, mitologiczne, literackie, a pacjenci-był alegoryczne umieszczone na górze, obok gatunek malarstwa , następnie portrety , martwa natura i krajobraz . Malarstwo historyczne było również znane jako „wielki gatunek”. Obrazy Hansa Makarta są często większe niż życiowe dramaty historyczne, a on połączył to z historyzmem w dekoracji, aby zdominować styl XIX-wiecznej kultury wiedeńskiej . Paul Delaroche jest typowym przykładem francuskiego malarstwa historycznego.

Na wszystkie te nurty wpłynęły teorie filozofa Hegla , który utrzymywał, że historia jest dialektyką konkurujących ze sobą idei, które ostatecznie rozwiązały się w syntezie.

Pod koniec XIX wieku sztuka akademicka nasyciła społeczeństwo europejskie. Wystawy odbywały się często, a największą popularnością cieszył się Salon Paryski, a od 1903 Salon d'Automne . Salony te były rewelacyjnymi wydarzeniami, które przyciągały rzesze zwiedzających, zarówno krajowych, jak i zagranicznych. W równym stopniu towarzyskim, co artystycznym, w jedną niedzielę mogło przyjechać 50 tys. osób, a w ciągu dwóch miesięcy wystawę mogło obejrzeć aż 500 tys. Wystawiono tysiące obrazów, zawieszonych tuż poniżej poziomu oczu aż do sufitu w sposób znany obecnie jako „styl salonowy”. Udany pokaz w salonie był dla artysty pieczęcią aprobaty, dzięki której jego prace można było sprzedać rosnącym szeregom prywatnych kolekcjonerów. Bouguereau , Alexandre Cabanel i Jean-Léon Gérôme byli czołowymi postaciami tego świata sztuki.

Podczas panowania sztuki akademickiej, obrazy z epoki rokoka , które wcześniej cieszyły się niską popularnością, odzyskały popularność, a motywy często używane w sztuce rokoka, takie jak Eros i Psyche , znów stały się popularne. Akademicki świat sztuki również ubóstwiał Rafaela za idealność jego pracy, w rzeczywistości przedkładając go nad Michała Anioła .

Sztuka akademicka w Polsce rozkwitała za Jana Matejki , który założył krakowską Akademię Sztuk Pięknych . Wiele z tych prac można zobaczyć w Galerii Sztuki Polskiej XIX wieku w Sukiennicach w Krakowie .

Sztuka akademicka nie tylko miała wpływy w Europie i Stanach Zjednoczonych, ale także rozszerzyła swoje wpływy na inne kraje zachodnie. Dotyczyło to zwłaszcza narodów latynoamerykańskich , które wzorując się na rewolucji francuskiej , starały się naśladować kulturę francuską. Przykładem artysty z Ameryki Łacińskiej jest Ángel Zárraga z Meksyku .

Szkolenie akademickie

Studenci malujący „z życia” w École . Sfotografowany pod koniec XIX wieku.

Młodzi artyści spędzili cztery lata na rygorystycznym szkoleniu. We Francji do szkoły akademii, École des Beaux-Arts, przyjmowano tylko tych studentów, którzy zdali egzamin i mieli przy sobie list referencyjny od uznanego profesora sztuki . Rysunki i obrazy aktu, zwane „akademiami”, były podstawowymi elementami budulcowymi sztuki akademickiej, a procedura uczenia się ich wykonywania była jasno określona. Najpierw uczniowie kopiowali grafiki na wzór klasycznych rzeźb, zapoznając się z zasadami konturu, światła i cienia. Uważano, że kopia ma kluczowe znaczenie dla edukacji akademickiej; z kopiowania dzieł dawnych artystów przyswoiłoby się ich metody tworzenia sztuki. Aby przejść do kolejnego kroku i każdego kolejnego, uczniowie przedstawiali rysunki do oceny.

Demostenes at the Seashore , rysunek nagrodzony przez Royal Academy, 1888.

Jeśli zostaną zatwierdzone, będą czerpać z gipsowych odlewów słynnych klasycznych rzeźb. Dopiero po nabyciu tych umiejętności artyści mogli wejść na zajęcia, na których pozowała żywa modelka. Malarstwa uczono w École des Beaux-Arts dopiero po 1863 roku. Aby nauczyć się malować pędzlem, student musiał najpierw wykazać się biegłością w rysunku, który był uważany za podstawę malarstwa akademickiego. Dopiero wtedy uczeń mógł dołączyć do pracowni akademika i nauczyć się malować. Podczas całego procesu konkursy z wcześniej określonym tematem i określonym wyznaczonym czasem mierzyły postępy każdego ucznia.

Najsłynniejszym konkursem plastycznym dla studentów był Prix ​​de Rome . Laureat Prix de Rome otrzymał stypendium na naukę w szkole Académie française przy Villa Medici w Rzymie przez okres do pięciu lat. Aby wziąć udział w konkursie, artysta musiał być narodowości francuskiej, być mężczyzną, poniżej 30 roku życia i być singlem. Musiał spełnić wymagania wstępne École i mieć wsparcie znanego nauczyciela sztuki. Rywalizacja była wyczerpująca i składała się z kilku etapów poprzedzających ostatni, w którym 10 zawodników zostało ukrytych w studiach na 72 dni, aby namalować swoje ostatnie historyczne obrazy. Zwycięzca miał zasadniczo zapewnioną udaną karierę zawodową.

Jak wspomniano, udany pokaz w Salonie był dla artysty pieczęcią aprobaty. Artyści zwrócili się do komitetu wiszącego o optymalne umieszczenie „na linii” lub na wysokości oczu. Po otwarciu wystawy artyści skarżyli się, że ich prace są „podniesione” lub zawieszone zbyt wysoko. Ostatecznym osiągnięciem profesjonalnego artysty był wybór do członkostwa w Académie française i prawo do bycia znanym jako akademik.

Krytyka i dziedzictwo

Karykatura (francuska burżuazja ): W tym roku ponownie Wenus… Zawsze Wenus! . Honoré Daumier , nr 2 z serii w Le Charivati , 1864.

Sztuka akademicka została po raz pierwszy skrytykowana za wykorzystanie idealizmu przez artystów realistycznych , takich jak Gustave Courbet , jako oparta na idealistycznych kliszach i reprezentująca motywy mityczne i legendarne, podczas gdy współczesne obawy społeczne były ignorowane. Inną krytyką ze strony Realistów była „ fałszywa powierzchnia ” obrazów – przedstawione obiekty wyglądały na gładkie, śliskie i wyidealizowane – nie ukazując prawdziwej faktury. Realista Théodule Ribot przeciwdziałał temu, eksperymentując z szorstkimi, niedokończonymi teksturami na swoim obrazie.

Stylistycznie impresjoniści , którzy opowiadali się za szybkim malowaniem w plenerze dokładnie tego, co widzi oko, a ręka odkłada, skrytykowali wykończony i wyidealizowany styl malowania. Chociaż malarze akademiccy rozpoczęli malowanie najpierw od rysowania, a następnie malowania szkiców olejnych na swój temat, wysoki połysk, jaki nadawali swoim rysunkom, wydawał się impresjonistom równoznaczny z kłamstwem. Po szkicu olejnym artysta wykonał ostateczny obraz z akademickim „fini”, zmieniając obraz tak, aby spełniał standardy stylistyczne i starał się idealizować obrazy i dodawać doskonałe szczegóły. Podobnie perspektywa jest zbudowana geometrycznie na płaskiej powierzchni i nie jest tak naprawdę wytworem wzroku; Impresjoniści wyrzekli się przywiązania do technik mechanicznych.

Realiści i impresjoniści przeciwstawiali się również umieszczaniu martwej natury i krajobrazu na dole hierarchii gatunków. Należy zauważyć, że większość realistów i impresjonistów oraz inni z wczesnej awangardy, którzy zbuntowali się przeciwko akademizmowi, byli pierwotnie studentami w pracowniach akademickich . Claude Monet , Gustave Courbet , Édouard Manet , a nawet Henri Matisse byli studentami u akademickich artystów.

W miarę jak sztuka współczesna i jej awangarda zyskiwały na sile, sztuka akademicka była coraz bardziej oczerniana i postrzegana jako sentymentalna, stereotypowa, konserwatywna, nieinnowacyjna , burżuazyjna i „bezstylowa”. Francuzi szyderczo odnosili się do stylu sztuki akademickiej jako L'art Pompier ( pompier oznacza „strażak”), nawiązując do obrazów Jacques-Louis Davida (którego akademia darzyła szacunkiem), które często przedstawiały żołnierzy w hełmach strażackich . Obrazy nazywano „maszynami grandes”, o których mówiono, że wytwarzały fałszywe emocje za pomocą sztuczek i sztuczek.

To oczernianie sztuki akademickiej osiągnęło swój szczyt w pismach krytyka sztuki Clementa Greenberga, który stwierdził, że cała sztuka akademicka jest „ kiczem ”. Inni artyści, tacy jak malarze symboliści i niektórzy surrealiści , byli przyjaźniejsi dla tradycji. Jako malarze, którzy starali się ożywić wyimaginowane widoki, artyści ci chętniej czerpali naukę z silnie reprezentacyjnej tradycji. Kiedy tradycja zaczęła być postrzegana jako staromodna, alegoryczne akty i teatralnie upozowane postaci wydawały się niektórym widzom dziwaczne i senne.

Mając na celu postmodernizm polegający na przedstawieniu pełniejszego, bardziej socjologicznego i pluralistycznego opisu historii, sztuka akademicka została przywrócona do podręczników historii i dyskusji. Od wczesnych lat 90. sztuka akademicka przeżywała nawet ograniczone odrodzenie dzięki ruchowi atelier klasycznego realizmu . Ponadto sztuka zyskuje szersze uznanie opinii publicznej i podczas gdy obrazy akademickie kiedyś przynosiły na aukcjach tylko kilkaset dolarów, teraz niektóre przynoszą miliony.

Najwięksi artyści

Bibliografia

Dalsza lektura

• Sztuka i Akademia w XIX wieku . (2000). Denis, Rafael Cardoso i Trodd, Colin (wyd.). Wydawnictwo Uniwersytetu Rutgersa. ISBN  0-8135-2795-3
• L'Art-Pompier . (1998). Lécharny, Louis-Marie, Que sais-je?, Presses Universitaires de France. ISBN  2-13-049341-6
• L'Art pompier: immagini, significati, presenze dell'altro Ottocento francese (1860-1890) . (1997). Luderin, Pierpaolo, kieszonkowa biblioteka studiów w sztuce, Olschki. ISBN  88-222-4559-8

Zewnętrzne linki

• Multimedia związane ze sztuką akademicką w Wikimedia Commons